HISTORIA DE LA MÚSICA CLÁSICA Miguel F. Villegas

PROGRAMA 1ª Unidad: 1 Febrero 2010 –Importancia de la música en la vida del ser humano. –Presencia de la música desde los orígenes de Humanidad. –La música en el mundo antiguo. –La música en la Edad Media y en el Renacimiento. –La música barroca: Vivaldi, J.S. Bach, Haendel, Albinoni

la

2ª Unidad: 8 Febrero 2010 –El neoclasicismo: Boccherini, Haydn y Mozart. –El romanticismo: Beethoven, Brahms, Chopin, Mendelsson, Tchaikovski. –La música nacionalista: La saga Strauss, Grieg, Verdi, Wagner. –Música contemporánea: Stravinsky, Shostakovich. –Músicos españoles contemporáneos: Albéniz, Falla, Rodrigo. Las sesiones audiovisuales.

se

desarrollarán

con

el

aporte

de

PREGUNTAS PREVIAS: 1.Escribe algo que recuerdes sobre cómo practican la música los pueblos primitivos. 2.¿En qué momentos especiales de la vida humana crees que les acompaña la música? 3.¿Has oído hablar de la musicoterapia? 4.¿Para qué puede servir un himno? ¿Qué tipo de himnos conoces o has cantado? 5. ¿Crees que la música estuvo presente en el mundo antiguo, en Egipto, Grecia, Roma…? ¿De qué manera? 6.¿Podías escribir algo sobre la música en la Edad Media? 7.¿Te suenan nombres como Cantigas, Palestrina, o Tomás de Vitoria?

8.¿Qué sabes de Claudio Monteverdi y Vivaldi? 9.¿Y de Juan Sebastián Bach o Jorge Federico Händel? 1ª UNIDAD 1. La música en la vida del ser humano. «El arte surge porque algunos seres privilegiados, los artistas, logran expresar de manera sublime la emoción que todos llevamos dentro, a través de una canción, un texto, una forma, un color, una imagen. El arte sublima lo cotidiano, nos ilumina, despierta nuestra sensibilidad, estimula, enriquece, abre nuevos caminos. El arte nos ayuda a superar las penurias, las desilusiones, los desencantos... Es como una luz que se enciende e ilumina la cara buena del ser humano, lo que podíamos ser si nos orientáramos hacia la Verdad y la Belleza.» Arquitecto César Portela (Pontevedra, 1937) Os traigo el regalo, la magia de la música, es la música el mejor don de la vida. Escuchar buena música es como entrar en el jardín de los mejores sueños. La Orquesta es un símbolo de humanidad conciliada: diversos timbres, variados instrumentos, partituras, tiempos…, pero todos coordinados por una misma finalidad: la belleza de la armonía. La música está presente en nosotros desde antes de nacer: oímos el ritmo del corazón de nuestra madre, luego las primeras nanas, cantos y juegos infantiles, la radio, la tv, las bandas sonoras del cine. También acompaña al ser humano en las batallas, en los himnos patrióticos, en las fiestas, ferias, cumpleaños, hasta en la muerte. La música fue señal de grandes revoluciones, la Marsellesa, “La Internacional”, “Grandola vila morena”, en las canciones de protesta, en la lucha contra las dictaduras en Hispanoamérica, Victor Jara, de los negros con sus espirituales para denunciar o sobrellevar su esclavitud… No digamos nada de la juventud actual perennemente unida al ritmo y a un aparato de música. Se dice cuando Orfeo, dios de la música, tocaba la lira, conseguía un sonido tan encantador que el mundo se

rendía a sus pies. Los árboles y las piedras lo seguían y las bestias más salvajes se amansaban al son de su instrumento. Cuando un día lleno de desgracia su mujer Eurídice muere, el joven músico desciende al reino de los muertos y con el extraordinario sonido de su lira consigue cautivar las criaturas del reino infernal. Éstas, a cambio, permiten que Orfeo se lleve a su esposa. La música tiene un sentido misterioso y un poder especial. Escuchar es orientar el oído, observar el río del sonido y dejarse llevar por él, medir su caudal y sus recorridos, jugar con lo esperado y lo inesperado. Escuchar música nos ayuda en el crecimiento de la razón, afianza la afición, desarrolla y agiliza la creatividad. Quien degusta una obra musical, quien la escucha de manera aprovechada, ve cómo se transforma su interior, su pensamiento. Escuchar es crear. Escuchar es vivir. Escuchar enseña a crear y a vivir. El mundo de las notas, los sonidos, la plasmación sónica. Crear Sinfonías, crear músicas es crear mundos imperceptibles a nuestros sentidos conocidos. 2. Presencia de la música desde los orígenes de la Humanidad. Ante todo, la música está presente en la naturaleza, en la armonía que forma el movimiento de los astros, según Pitágoras. En el canto de los pájaros en el silbar del viento entre los árboles, en el oleaje del mar, en los torrentes de los ríos… Lo hemos visto en reportajes donde aborígenes danzan y cantan y golpean con sus pies desnudos la tierra, o un palo contra otro, o un tronco… no hay tribu, ni pueblo que desde sus orígenes más primitivos no tenga su música, los tambores, hasta el propio arco al tensarlo les sugería un instrumento de cuerda. 3. La música en el mundo antiguo. Para los egipcios, la música se empleaba principalmente en los templos, para el culto a los dioses, también como

forma de curar enfermedades, sabían que la música proporcionaba bienestar y satisfacción de vivir. La música se consideraba como un signo de felicidad. También la empleaban para comunicarse con los difuntos. –EN LA ANTIGUA GRECIA Para los antiguos griegos, la música era una asignatura básica en la educación de los niños. Pitágoras de Samos ( alr. 560-470) y sus seguidores estudiaron los fenómenos acústicos y musicales: consideraban la armonía como equilibrio de diversos elementos, que ellos identificaban con el alma del hombre y con el principio ordenador del cosmos. Llegaron a estos resultados experimentales por medio del monocordio, cuya invención era atribuida al propio Pitágoras. La música griega estuvo influenciada por otras civilizaciones antiguas y más adelantadas tales como Mesopotamia, los etruscos y los egipcios. Pensaban que la voz era el mejor instrumento y en vez de cantar para acompañar a un instrumento, tocaban un instrumento para acompañar a la voz. La música popular griega tiene sus orígenes en la antigüedad y en la edad media bizantina. La palabra música la tomamos de la palabra griega “Mousiké”, el arte de las musas. Era de origen divino. La música en Grecia abarcaba la poesía, la danza y la música. Un instrumento muy importante era el aulos. Se trataba de una flauta doble con agujeros y una lengüeta. Éste, normalmente, se dejaba en manos de los músicos más profesionales. “Según la mitología griega, fue inventada por la propia diosa Atenea. Pero lo abandonó cuando se dio cuenta que por tocar el instrumento se le desfiguraba la cara, y lo lanzó lejos. El aulos fue recuperado por el sátiro Marsias, que retó a Apolo, que tocaba la lira, a un concurso de música con las Musas y Midas de jurado. Ambos tocaron de forma tan perfecta que las Musas no pudieron decretar un vencedor, entonces Apolo retó al pastor a tocar su instrumento cabeza abajo. Apolo dio la vuelta a su lira y tocó. Evidentemente Marsias no podía hacer lo mismo con el aulos y las Musas declararon ganador a Apolo. Después de derrotar a Marsias se vengó de él, por haber osado retar a un dios, suspendiéndole de un pino y despellejándolo vivo.”

LA MÚSICA EN LA ANTIGUA ROMA Aunque Roma conquistó a Grecia, la civilización helénica influenció en gran manera al nuevo imperio, también con la música. Las celebraciones musicales fueron de gran importancia en la Antigua Roma. Se daban grandes fiestas a las que acudían numerosos músicos y coros que hacían las delicias de los oyentes. Recorrían la ciudad para que todo el mundo les pudiera oír. Estos músicos vivían de una manera bohemia rodeados siempre de fiestas. Los instrumentos solistas que más se usaban eran la lira y la citara. El primero consiste en una especie de arpa, aunque la lira es más pequeña que un arpa convencional. Estaba hecho de madera y tenía diez cuerdas. La citara es una derivación de la lira siendo ésta más amplia y profunda que la otra. Nerón quería ser considerado como un profesional cuando tocaba la citara ante la gente. Cuentan que, al morir, decía todo el rato: “Qué artista va a perecer conmigo”. Se empezaron a representar comedias en los teatros romanos, levantados a la forma griega. La música tenía un papel imprescindible en las obras teatrales. Las partes cantadas se acompañaban de tibiae, que podían ser simples o dobles. Durante los intermedios en los diferentes actos se ofrecían interludios musicales. A ciertos estos artistas bailarines se les llamaba Histriones, lo cual significa “bailarines” en etrusco. Cuando el imperio se consolida empieza a crecer el fenómeno de la inmigración. Fueron relevantes en Roma las danzarinas gaditanas se caracterizaban por sus movimientos considerados lascivos. Poco a poco, van a cobrar importancia los instrumentos de viento-metal. Las melodías y canciones son esenciales en todo lo público, desde las fastuosas celebraciones hasta el terreno educativo. Pero lo que queda claro, con innovaciones o sin ellas, es que Roma supo apreciar la música. AUDIOVISUAL. Música antigua: Egipto, Grecia y Roma

LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA ( SIGLO VI AL XV) Al comienzo de esta época, la música era monofónica y monorítmica, es decir, se cantaba un texto al unísono y sin acompañamiento instrumental escrito. En la notación medieval antigua, el ritmo no puede ser especificado, si bien la notación neumática puede dar claras ideas de fraseos, y otras notaciones posteriores indican el uso de modos rítmicos. La notación de la polifonía se va desarrollando, y su asunción significa que las primeras prácticas formales se inician en ese periodo. La armonía, con intervalos consonantes de quintas justas, octavas (y después, cuartas justas) comienza a escribirse. La música medieval utiliza muchos instrumentos de cuerda, tales como el laúd, la guitarra morisca o mandora, la guiterna y el salterio (instrumento musical que consiste en una caja prismática de madera, más estrecha por la parte superior, donde está abierta, y sobre la cual se extienden muchas hileras de cuerdas metálicas que se tocan con un macillo, con un plectro, con uñas de marfil o con las de las manos.) Importante el papel de los juglares o trovadores, que alentaban la música profana fuera de las iglesias eran los únicos transmisores de la música popular. Las cantigas de Santa María (mediados del siglo XIII a 1284) constituyen el cancionero religioso medieval de la literatura en galaico-portugués, frente al profano que estaría constituido por las cantigas de amigo, de amor y de escarnio. Se trata de un conjunto de cuatrocientas veintisiete composiciones en honor a la Virgen María, copiladas por Alfonso X, el Sabio. EL GREGORIANO. La música por excelencia de la Media es el canto gregoriano, también conocido como canto llano, evolución del canto grecorromano con influencias locales. El nombre procede de origen San Gregorio Magno, que fue Papa del 590 al 604, quien lo difunde y desarrolla dándole su nombre a este canto ancestral.

La música cristiana fue una oración cantada, el texto, en latín, era pues la razón de ser del canto gregoriano. El canto gregoriano es la base de la música occidental. Está un canto escrito en tetragrama (4 líneas). Es un canto monódico y a capella. AUDIOVISUAL. Música en la Edad Media, El canto Gregoriano LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO (SIGLOS XV Y XVI) En esta época comienza la llamada “Ars nova”, la maduración de la polifonía que aparece a finales del el siglo XIV, por oposición a “Ars antiqua” de la E. Media. El Renacimiento significó un período de sorprendente despertar cultural. Fue la era en que el arte, la arquitectura, la literatura y la música comenzaron a florecer más allá de las sombrías limitaciones impuestas por la E. Media. Había música por doquier y se escuchaba en los castillos, los palacios, en las plazas y en las iglesias. La mentalidad abierta del Renacimiento da lugar a una música más libre y expresiva. La música se humaniza: su sonoridad se vuelve más sensual y sus temas más cercanos. El latín pierde protagonismo en favor de la lengua de cada país, por lo que el contenido del texto es accesible a más gente. Crece la afición por la música, que se cultiva entre personas cultas, como signo de refinamiento. La frontera entre música vocal y música instrumental no es muy clara. En la música sacra destacaron el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria , quienes llevaron a su máximo esplendor la escuela romana a través de grandiosas misas y motetes. ( Escuchar el Ave María de Victoria) Durante el siglo XVI nacieron las primeras composiciones instrumentales genuinas, que se acompañaban en grupos de cuatro instrumentos o más, siendo el laúd el más popular de la época. Los músicos del renacimiento conocían el famoso poder de la música en la mitología clásica —Orfeo se convirtió en una especie de ídolo— y tenían acceso a textos

griegos que trataban tanto de teoría musical como de la riqueza ética y retórica de la música. Las características generales de la música renacentista son las siguientes: –Fusión de la música religiosa y la profana. –Mayor uso del contrapunto. –Mayor equilibrio entre las voces, generalmente cuatro, en las obras polifónicas, tanto las de carácter religioso como las profanas. –Paulatina sustitución de voces por instrumentos, lo que favoreció una música instrumental que también acompañó a la danza. –De los templos y universidades se pasó a los salones cortesanos. Mayor dignificación social del músico profesional, debido al mecenazgo de las clases poderosas. Son importantes también los madrigales, el madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. En algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales. El madrigal fue la forma musical secular más importante de su tiempo. Floreció especialmente en la segunda mitad del Siglo XVI, perdiendo su importancia alrededor de la tercera década del Siglo XVII. AUDIOVISUAL: MUSICA EDAD MEDIA, GREGORIANO LA MÚSICA BARROCA: Abraca el período que va entre los siglos XVII y XVIII. Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales. El estilo hoy llamado "barroco" se caracteriza estéticamente por la preeminencia de lo emocional sobre lo racional, por el género vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -donde "la música ha de ser sirviente de la poesía"- y por un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con

consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza. En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés. A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista. Claudio Monteverdi es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Su obra más famosa es ORFEO, llamada también “favola in música”. Claudio Monteverdi (1567 – 1643) AUDIOVISUAL: Orfeo, en el minuto 12:43 Antonio Vivaldi ( 1678 - 1741) AUDIOVISUAL: Biografía y la Primavera. Johann Pachelbel (1653 - 1706) AUDIOVISUAL: Pachelbel, Canon Juan Sebastián Bach ( 1675 – 1750 ) AUDICION: Biografía, Badinerie y Tocata y Fuga. Jorge Federico Haendel (1675 – 1759 ) AUDICION: Biografía, Zarabanda, Aleluya.