Madonnas LA MADRE EN EL ARTE MAYO 2016

Lippo Vanni | La Virgen y el Niño en el trono con los santos Nicolás y María Magdalena, con ángeles (detalle) | c 1370

Índice PARA MAMÁ... | 41

nuestra señora LA MADRE | 4

del refugio | 28

venecia | 42

LA VIRGEN CON EL NIÑO | 6

MISERICORDIÆ VULTUS | 44 DIARIO DE CONCHA MIRAMÓN | 50

Descubre detalles sobre las obras en el museo mediante la aplicación gratuita RA infinitum. Descárgala, es muy sencillo:

Sin saber por qué, he visto a mi modelo cambiar, realicé movimientos más sensuales. Dejé del lado izquierdo la contención, del derecho quedó el erotismo. […] Un día, conocí que

estaba embarazada.

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Entendí. […] Nunca me había ocurrido que una modelo quedara embarazada, un «accidente» feliz para mí, que le dio a la obra un nuevo carácter. Rodin sobre Eva

La madre Innana, Astarté, Indrani, Isis, Coatlicue, Afrodita o Venus, diosas madres del eterno femenino, anteceden a María en la devoción de las «dadoras de la vida». Todas las altas culturas agrícolas reverenciaron el principio creador mediante la imagen de la madre-tierra-luna… esencia misma del origen y piedra angular de las primeras cosmogonías. Los hombres del Paleolítico deificaron a su madre tribal en la imagen de las «Venus», como la célebre figurilla de Willendorf (con alrededor de 20 mil años de antigüedad) que hoy conserva el Museo de Arte e Historia de Viena, Austria. Las referencias a la media luna sobre la que se apoya la entidad primigenia acaso se vinculan con los pueblos de Medio Oriente –fenicios, babilonios y persas–, cuya iconografía llegará a la tradición judeo-cristiana mediante el culto por la mujer sin mácula o, incluso, la Virgen del Apocalipsis quien de pie sobre la luna, pisa la cabeza de la bestia, el Leviatán o demonio de siete cabezas. En el contexto medieval, el amor divino transfiguró a María en «rosa mística». Para Bernardo de Claraval (1090-1153), fundador de la orden cisterciense, al ser depositaria del Verbo quedó liberada del pecado original y, por ende, de la muerte física. Era precisamente ella quien, en un acto de amor incondicional, aceptó el misterio de la Encarnación para gestar en su vientre al Hijo del Hombre… He aquí la esclava del Señor. Hágase en mí según tu palabra (Lucas 1:26-38).

Auguste Rodin | François-Auguste-René Rodin (París, Isla de Francia, Francia, 1840 – Meudon, Isla de Francia, Francia, 1917) | Eva | 1896 | Mármol blanco | 75.2 x 24.4 x 29.2 cm | Firma: «A.Rodin/ 3 9», en la parte inferior, a la izquierda | Procedencia: Eduardo Prado, París, Francia; Julio Mesquita Neto, São Paulo, Brasil; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 1994

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La Virgen con el Niño y dos ángeles Niccolò di Ser Sozzo Tegliacci

Niccolò di Ser Sozzo Tegliacci fue uno de los pintores y miniaturistas líderes de la Escuela sienesa. Su estilo es cercano a su colaborador Luca di Tommè –a quien fuera atribuida la obra con anterioridad–, y mantiene la influencia de Simone Martini, y en especial de los hermanos Lorenzetti, de cuyo taller pudo haber sido aprendiz. Apunta la investigadora Verónica Randon: Niccolò di Ser Sozzo [...] debió alternar

su trabajo como miniaturista y pintor, concentrándose principalmente en la realización de tablas y frescos.

Esta obra temprana del artista fue parte del panel central de un altar. Aunque ahora se encuentra dividida, debió mostrar a una Virgen entronizada, en tamaño completo, rodeada de ángeles. En ella sobresale el estilo decorativo y no del artista. En el colorido dorado muestra el refinamiento sienés que se combina con el peso y el modelo de las figuras que provienen de la tradición florentina. En la vestimenta del Niño se ven aún los restos de una cobertura original en plata dorada. El resto de la pieza del altar no ha sido localizado, aunque un políptico similar se encuentra en la Pinacoteca Nacional de Siena y está firmado y fechado por el artista en 1362. La Virgen con el Niño y dos ángeles es una representación mariana que marca el tránsito del Gótico al Humanismo.

Niccolò di Ser Sozzo Tegliacci | Niccolò di Ser Sozzo, también conocido como Niccolò di Ser Sozzo di Francesco Tegliacci o Niccolò di Ser Sozzo di Stefano (Activo en Siena, Florencia, Italia, 1334 – 1363) | La Virgen con el Niño y dos ángeles | c 1350 | Temple y oro punzonado sobre tabla | 90.5 x 69.9 cm | Procedencia: Príncipe Leon Ourusoff, Niza, Francia; Arthur Sachs, Nueva York, ee.uu.; F. Steinmeyer; Galería Julius Böhler, Múnich, Alemania y Lucerna, Suiza; Thomas S. Hyland, Greenwich, Connecticut, ee.uu.; Museo Jean Paul Getty, Los Ángeles, California, ee.uu.; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2011

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La Virgen y el Niño Maestro de la Predela de Ashmolean

Durante el siglo xiv las Escuelas sienesa y florentina desarrollaron un estilo completamente alejado del bizantino. Las representaciones fueron más terrenales y de mayor calidad lumínica. Los cuerpos difieren en tamaño, debido a que el fondo era más importante que la forma. El reconocimiento del maestro anónimo se debe a la predela del retablo El nacimiento de la Virgen María (c 1365-1370), sito en el Museo Ashmolean de Oxford, Reino Unido. Dicha pieza fue atribuida al pintor Andrea di Cione di Arcangelo, l’Orcagna (1315/1320-1368), con quien el Maestro de Ashmolean había estudiado hacia 1360. Gracias a Laurence Kanter, curador de la Galería de Arte de la Universidad de Yale, Connecticut, ee.uu., se sabe que entre 1367 y 1368 participaron juntos en el tríptico de San Mateo, actualmente en la Galería de los oficios en Florencia, Italia. Tras la muerte de Arcangelo en 1368, trabajó con su hermano, Jacopo di Cione; ambos

Maestro de la Predela de Ashmolean (Activo en Florencia, Toscana, Italia, hacia 1350 – 1400) | La Virgen y el Niño entronizados con los santos Juan Bautista, Pedro, Lorenzo, Zenobio, Catalina de Alejandría, Lucía, Antonio Abad y Eustaquio, con ángeles | c 1365-1370 | Temple sobre tabla, con aplicación de hoja de oro punzonada. Marco integrado y tapa arqueada | 81.9 x

colaboraron en la serie La Crucifixión (13691370) de la Galería Nacional de Londres. Después de algunos años logró realizar obras independientes como el tríptico que resguarda la Pinacoteca Vaticana y esta bella obra de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim. En la tabla dedicada a la Virgen María, el autor retoma características de los manuscritos iluminados y transmite una calidad cromática típica de los albores del Gótico internacional. Los santos portan sus atributos y están ubicados en un plano menor que el de la Madre y el Salvador, quien sostiene un jilguero. Los tonos azules y rojos, junto a la aplicación de oro, se funden en una arquitectura espacial con el arco apuntado. En el fondo se observa otro rasgo típico de esta época: los ángeles de alas coloreadas llevan instrumentos musicales y las orlas doradas encuadran la escena.

49.5 x 7.1 cm | Procedencia: Familia Del Drago, Roma, Italia; colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014

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La Virgen y el Niño con la corona de espinas y tres clavos Sandro Botticelli

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Esta tabla, la primera de la autoría del maestro florentino en una colección latinoamericana, constituye una emocionante adición al corpus pictórico de Botticelli, afirma el especialista Joshua Glazer. Contenidos en un dibujo de esmero, el temple y el oro tienen su acometida en la representación. Botticelli es genio en las soluciones simples, su trazo marcado y algo pesado –herencia de Lippi– resulta elocuente: las líneas del manto azul dan una delicada silueta a la cabeza y hombros de la Madre; el vestido, como es habitual en el autor, es rojo. Un paño de azules y dorados cobija a la criatura, mientras las manos de María adornan la potente vertical del cuerpo del Niño. La enérgica carnación del pequeño contrasta, se hace suprema por encima de los tonos vibrantes de la obra. Es una pieza que ha sufrido varias restauraciones. Estudios con Rayos «x» han revelado que los nimbos en su origen habrían sido puntos o rayos de un nácar dorado que flotan en un cielo azul tenue. El fondo ha sido también intervenido, hay vestigios de que existió un arco detrás de la Virgen y huellas que indican remanentes de

follaje en la esquina superior izquierda del fondo. Con una Virgen y un Niño Jesús de espléndidos ritmos lineales, la historiadora del arte italiana, Mina Gregori, reconoció esta tabla del pincel de Botticelli. Con todo estamos ante la buona regola renacentista: mejor orden, justa medida, perfecto diseño y gracia divina. Una Virgen que ostenta como modelo de belleza femenina alla maniera de la hermosa Simonetta Vespucci (1453/1454-1476), icono inmortalizado en El nacimiento de Venus y quien fue retratada en una obra más en la colección de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim, La Virgen y el Niño en un nicho. La Virgen muestra el singular cuello alargado de Botticelli, el de la celebérrima diosa romana del Amor que transportada en una concha es arrojada con energía a la orilla por la espuma simiente.

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, Sandro Botticelli (Florencia, Toscana, Italia, 1451 – 1510) | La Virgen y el Niño con la corona de espinas y tres clavos | 1477 | Temple y óleo sobre tabla. Retablo de madera tallada y punzonada, con aplicación de hoja de oro | 51.4 x 51.7 x 3.3 cm | Procedencia: Colección particular europea; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2014

La Virgen y el Niño con San Juan Bautista Francesco Botticini

Hijo de Giovanni di Domenico, pintor de cartas de juego, Francesco fue discípulo de Cosimo Rosselli y Andrea del Verrocchio. El dibujo y las composiciones de ambos maestros se mantuvieron en el estilo de Botticini. Hacia 1459 ingresó como oficial remunerado al taller de Neri di Bicci, célebre artista de retablos cuyas obras más importantes se conservan en Viterbo, Lacio, y Santa Trinità, Florencia. A los catorce años decidió trabajar de modo independiente. En su taller, que ganó renombre muy temprano, recibió encargos como Tres Arcángeles con Tobías para la Iglesia del Espíritu Santo en Florencia, que hoy resguarda la afamada Galería de los Oficios. La Virgen y el Niño con san Juan Bautista es ejemplo de su celebridad como autor de imágenes devocionales. El tema lo trató constantemente en diferentes versiones como la que exhibe el acervo del marqués de Northampton, Reino Unido, y La Virgen y el Niño en un paisaje, en la pinacoteca de Museo Soumaya. El óleo muestra un escenario característico del Valle del Arno con una amorosa escena de la Mater amabilis, quien mira en postración al Salvador de generosa anatomía. A decir del investigador de la Universidad de Harvard, Jonathan K. Nelson, el tondo era muy popular y da cuenta de la maestría del artista, ante la dificultad de mantener las proporciones en este formato. Los rostros de líneas delicadas y el cuidadoso drapeado en las telas recuerda a los mejores pinceles florentinos de la época, Sandro Botticelli y Filippino Lippi. Francesco Botticini | Francesco di Giovanni Botticini (Florencia, Toscana, Italia, 1446 – 1497/1498) | La Virgen y el Niño con san Juan Bautista | c 1487 | Óleo y temple sobre tabla. Marco de madera tallada, con aplicación de pasta, monocromía y hoja de oro | 84.8 cm de diámetro x 6.8 cm | Inscripciones: «177», abajo a la derecha | Procedencia: Colección particular; señores Malcolm Graem e Haughton, Prides Crossing, Beerly, Massachusetts, ee.uu.; H.P. McKean and Quincy A. Shaw McKean, Boston, Massachusetts; Jennie McKean Moore, Diócesis Episcopal de Indianápolis; Indiana, ee.uu.; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2014



la Madona y el Niño Davide Ghirlandaio

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Contemporáneo de Sandro Botticelli y Filippino Lippi (c 1457-1504), Davide Ghirlandaio perteneció a una importante familia de pintores en la Florencia del quinientos. El biógrafo de los artistas, Giorgio Vasari, se ocupa con interés de Davide a quien considera un maestro en las suaves fisonomías de sus personajes. Esta tabla –versión casi idéntica a la de Domenico Ghirlandaio con el número de inventario 3937 de la Galería Nacional de Londres, Reino Unido, realizada entre 1480 y 1490– muestra a la Virgen con delicadísimas facciones ataviada en rojo y azul, quien sostiene al Niño apoyado a su vez en un cojín de terciopelo. Dulcemente, la Madre del Salvador lo cubre con un velo de exquisita transparencia. En la versión británica, un árbol se eleva a la izquierda de la composición en el punto donde termina el sinuoso camino que corre detrás de la Virgen. Los dedos alargados y las carnaciones en ambos personajes nos dejan frente a una de las más

hermosas representaciones marianas del Renacimiento florentino. Acaso esta versión en los fondos de Museo Soumaya. Fundación Carlos Slim haya seguido el modelo impuesto por Domenico Ghirlandaio, quien formó en su primera etapa al propio Michelangelo Buonarroti (1475-1564). La especialista en arte italiano Jean Cadogan en Davide Ghirlandaio: artista y artesano (2000), advierte que el drapeado en las telas y el estilo curvilíneo de sus figuras es más sutil incluso que en los trabajos de su hermano. Un paisaje en el segundo plano con ríos y montañas azuladas, propio de las enseñanzas de perspectiva y lontananza heredadas de Andrea del Verrochio, enmarca el sacro relato.

Davide Ghirlandaio | Davide di Tommaso Bigordi, también conocido como Davide Girlandajo (Florencia, Toscana, Italia, 1452 – 1525) | La Madona y el Niño [a partir de la obra homónima sita en la Galería Nacional de Londres, Reino Unido] | c 1490 | Temple y oro sobre tabla. Marco de madera tallada y esgrafiada, con policromía y aplicación de hoja de oro | 78.3 x 55 cm | Inscripciones: «30 de enero 13 Christie’s Winnipeg Art Gallery», en el reverso | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2013

La Virgen y el Niño con el pequeño san Juan Bautista Filippino Lippi

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La trasparencia de este óleo de Lippi hace que en la esquina superior derecha, la capa inferior se desvele. El atractivo pentimento deja entrever el repinte de dos ángeles. Sus alas coloreadas de eco arcaizante emergen de los hombros o de la espalda en una solución poco natural. Es interesante el contraste que hay entre las manos del Niño y las de la Virgen. Típico del autor, las del Mesías son más redondas y las de ella, delgadas y estilizadas. La espalda del Salvador fue retocada junto con el primer tramo del paisaje, no así los rostros, cuerpos y la última parte del fondo que resalta el correctísimo dibujo y colorido. En la Basílica de Santo Domingo en Boloña, Italia, el Matrimonio místico de santa Catalina de Alejandría (1501) guarda gran cercanía con la obra de Museo Soumaya. Debido a la guía de las craqueladuras, sabemos que la tabla fue reutilizada y el engatillado que presenta proviene del siglo xix. En la orilla se aprecia una línea negra, empleada por Filippino para indicar dónde debería ir el marco. Esta extraordinaria pintura ha sido estudiada por Bodmer (1932), Berenson (1963), Berti y Baldini (1991), Fahy (1998), y Nelson (2015), entre otros, quienes coinciden en que corresponde a los últimos años de la producción del artista. Las líneas sinuosas y las carnaciones lívidas anuncian el Manierismo, que une los avances estéticos con la mística humanista. Filippino Lippi (Prato, Toscana, Italia, hacia 1457 – Florencia, Toscana, Italia, 1504) | La

Virgen y el Niño con el pequeño san Juan Bautista, y unos ángeles que dan vueltas por encima | c 1502-1504 | Óleo sobre tabla. Retablo de talla en madera monocromado y esgrafiado, con aplicación de hoja de oro | 71.9 x 49 x 3.6 cm | Inscripciones: «[escudo no identificado], AVE REGINA COELVM [Salve Reina del Cielo], [escudo no identificado]», abajo en el centro | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido, 2001

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La Virgen del Huso Seguidor o taller de Leonardo da Vinci

De La Virgen del huso, obra del maestro que acaso está perdida, existe en Windsor un dibujo preliminar autógrafo del rostro de María. La tabla, pintada para Florimond Robertet, secretario de Luis XII de Francia, fue comenzada poco antes del 14 de abril de 1501 y terminada hacia 1503, a más tardar en 1507, año en el que se mencionó la existencia de no una, sino dos versiones que acusaban una evidente participación del taller. La Virgen del huso en Museo Soumaya, que perteneció a la actriz francesa Liliane Ernout, es una de las mejores variantes conocidas del prototipo leonardesco. Entre ellas destacan esta tabla y la del duque de Buccleuch, robada en 2003 del castillo de Drumlanrig, en Escocia, hoy recuperada. Asimismo, la versión antes en la colección Redford de Montreal, hoy en Nueva York, propiedad privada. El cuadro en México, pintado entre 1510 y 1540, guarda semejanzas con el arte de Gian Pietro Rizzi, alumno milanés de Leonardo conocido como Giampietrino. Estuvo expuesto en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo en la muestra Leonardo da Vinci, el misterio de la Madona del huso, entre mayo y junio de 1992. Viene aquí al caso recordar el juicio que hizo Kemp de la tabla de Museo Soumaya, quien, entre las numerosas versiones conocidas, la considera como [...] la única que se aproxima en el

manejo del claroscuro de las carnaciones al sfumato sutil de Leonardo.

Taller o seguidor de Leonardo da Vinci | Leonardo di ser Piero da Vinci (Anchiano, Vinci, Toscana, Italia, 1452 – Castillo de Clos-Lucé, Indre y Loira, Centro, Francia, 1519) | La Virgen del huso | c 1510-1540 | Óleo sobre tabla. Marco de madera tallada, con aplicación de hoja de oro | 46.7 x 35.2 cm | Procedencia: Colección particular; Liliane Ernout, París, Francia; colección particular francesa; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2000

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Giovanni Antonio Bazzi, il Sodoma (Vercelli, Piamonte, Italia, 1477 – Siena, Toscana, Italia, 1549) | La Virgen y el Niño con los santos Crispín, Juan Bautista, Francisco y Roque [Estarcido para la composición de La Madonna dei Calzolari] (también conocido como La Madona con el Niño en sus brazos con los santos Juan, Francisco, Roque y Crispín, patrono de los zapateros) | c 1530 | Carbón y albayalde sobre papel. Marco de madera entintada | 142.9 x 191 x 0.01 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2003

La Virgen y el Niño con los santos Crispín, Juan Bautista, Francisco y Roque Giovanni Antonio Bazzi, il Sodoma

El artista, como sus contemporáneos, a los grandes maestros del Humanismo: de Michelangelo, el dibujo; de Leonardo, el claroscuro; de Raffaello, la armonía. De acuerdo con los documentos del Archivo Público de Siena, sabemos que el 3 de mayo de 1530 el gremio de zapateros pidió la realización de un fresco que celebrara a Crispín, su santo patrón. En realidad, no existe dato alguno de que el Sodoma haya sido el encargado de ejecutarlo, sin embargo, el magnífico trazo en la pinacoteca de Antiguos Maestros Europeos de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim, es testimonio único de la obra original pintada en un muro exterior de la Iglesia de San Cristóbal en la Plaza de los Tolomeo de la bella ciudad toscana. En la célebre Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos, Giorgio Vasari escribió:

En las cabezas de las cuatro figuras y en el resto de los cuerpos, Giovanni Antonio Bazzi lo hizo excelente. Asimismo, el padre Guiglielmo Della Valle en su Diccionario biográfico (1786) alabó la factura del fresco. Este boceto estarcido del discípulo del afamado artista Martino Spanzotti, resulta en una obra sin parangón. Es increíble la factura. Los trazos, las guras, el tamaño... ¡es perfecta!, opinó en un reciente estudio Jonathan K. Nelson, destacado profesor del Centro de Estudios Italianos del Renacimiento de la Universidad de Harvard, Boston, Massachusetts, ee.uu. En sfumato leonardesco, Crispín emerge de la penumbra, mientras la tenue luz deja ver los apenas esbozados pefiles de san Francisco y san Roque. La Virgen y el Niño, con mayor contraste lumínico, permanecen entre las sombras de la tierra y la luz mística.

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la virgen y el niño con san juan bautista Michele di Ridolfo del Ghirlandaio

Michele Tosini convivió con algunos de los maestros más influyentes de su época como Lorenzo di Credi, Andrea del Sarto, Pontormo, Francesco Salviati y Agnolo Bronzino. En el tiempo en que la Contrarreforma ordenaba los aspectos de la fe, para el investigador David Franklin, el artista se mantuvo

alejado de los amaneramientos que sobrevinieron en la plástica italiana de mediados del siglo xvi.

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Tosini tomó su nombre de Ridolfo Ghirlandaio (1483-1561) –miembro de una de las dinastías artísticas más notables de la Florencia renacentista–, luego de hacerse cargo de su taller. En su obra se identifica también la influencia de los colores vivos e intensos de Giorgio Vasari, con quien trabajó en la decoración de los techos del Palacio Antiguo florentino. De las numerosas versiones de La Virgen y el Niño con san Juan Bautista que resultaron de sus pinceles –donde destacan las de los museos de Arte Palmer en Pennsylvania y McMullen de Massachusetts, en los Estados Unidos–, ésta de Museo Soumaya es más cercana a la estilización y teatralidad propias del Manierismo. En los ejemplos anteriores, las suaves líneas y el cuidado de las formas ratifican el criterio de los biógrafos de Tosini que lo definen como un pintor plenamente renacentista. La obra mexicana, sin embargo, privilegia una factura triangular donde María, de cuello y manos alargados, sujeta al Niño que busca, en pronunciado escorzo, unir su mano derecha con la de su primo el Bautista. Esta tabla quizá estuvo en el lateral de una iglesia por la orientación de Jesús quien parecería bendecir a los fieles. A la manera de los italianos del quinientos, un paisaje resuelto en azules degradados marca la planimetría de la obra. Gestualidad y dulzura se manifiestan en los tres rostros.

Michele di Ridolfo del Ghirlandaio | Michele di Jacopo Tosini (Florencia, Toscana, Italia, 1503 – 1577) | La Virgen y el Niño con san Juan Bautista | c 1540 | Temple y óleo sobre tabla. Marco de madera tallada, con aplicación de hoja de oro | 84.9 x 69 x 2.9 cm | Procedencia: Colección particular; Victor D. Spark, Nueva York, ee.uu.; Museo Columbus, Georgia, ee.uu.; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu.; colección particular; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2014

La Virgen y el Niño con un loro Seguidor del Maestro del Loro

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En 1504, según narra el profesor en lenguas romances de la Universidad de Harvard, Tom Conley, los sirvientes de Margarita de Austria dejaron desatendido a su loro, mascota favorita de la regenta. Cuando ella descubrió que había sido devorado por un mastín, la archiduquesa rompió en llanto. Jean Lemaire de Belges, un poeta bajo su mecenazgo, escribió entonces la Primera epístola del amante verde, un relato en el que la voz poética se colocó en el sitio del ave, y explica que ante una confusión por el abandono de su ama, el loro decidió suicidarse entregándose al canino. El auge de esta publicación coincidió con la producción pictórica de un artista anónimo de la ciudad de Amberes, en la primera mitad del siglo xvi, conocido como el Maestro del Loro. La aparición constante del ave junto a la Virgen María, al Niño Jesús o santa María Magdalena, permitieron al eminente historiador alemán Max Friedländer identificar a este artista y estudiar su obra. La tabla fue adquirida en la casa de subastas Sotheby’s de Londres y se sabe Seguidor del Maestro del Loro (Activo en Amberes, Región Flamenca, Bélgica, hacia 1500 – 1550) | La Virgen y el Niño con un loro | c 1550 | Óleo sobre tabla. Marco de madera tallada, con aplicación de hoja de oro | 38.5 x 26.9 x 1.8 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido, 2006

de otra versión en Nueva York. En aquella, el autor decidió retirar al loro y modificar el paisaje. Es por esta razón que los expertos adjudican la tabla a un seguidor del Maestro. El pintor muestra a María con el Niño Jesús en una escena doméstica, en la que el pequeño juega con una manzana y sobre su mano izquierda se posa el ave. Detrás de ellos aparece el hameau, un caserío rural típico del sur de Flandes, y un sendero con los peregrinos que se dirigen a adorar a Jesús.

La Virgen con el Niño Orazio Gentileschi y taller

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La formación de Orazio Gentileschi comenzó al lado de su tío Bacci Lomi, por quien conoció el estilo manierista del Bronzino (1503-1572) y del Pontormo (1494-1557). Como practicante del Jansenismo –propuesta teológica de Cornelio Jansenio (1585-1638) que se basa en la exégesis de los textos de Agustín de Hipona (354-430)–, el maestro fue amplio defensor de la gracia y la piedad contenidas en las Sagradas Escrituras. Acaso muchas de sus pinturas adquieren ese mismo cariz en la intensidad de los relatos bíblicos. Se sabe de su autoría una serie de pinturas titulada Descanso en la Huida a Egipto, inspirada en Michelangelo. De las obras que la componen, una se encuentra en el Museo del Louvre; otra en una colección privada en Mantua, Italia; una más en Viena y otra en Birmingham, Gran Bretaña, la cual es considerada por R. Ward Bissell la primera de todas. De esta última proviene La Virgen con el Niño del acervo de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim. Al igual que en las otras versiones, observamos en el lienzo mexicano la representación de personajes grandes y robustos, y sobre todo la mirada de un pequeño Jesús en pleno amamantamiento y la belleza del rostro de María, la maestría en el trabajo de los paños del vestido y el detalle de la mano de la Virgen que descansa suave, tibia y amorosa sobre el cuerpo de su Hijo. El juego cromático aborda la riqueza descriptiva de los personajes. A la manera de Caravaggio (1571-1610), el maestro solía acudir a las personas del vulgo para hacerlos modelos en sus pinturas. El investigador Carlo Gamba escribió: La celebridad de Orazio Gentileschi fue vasta en las regiones nórdicas; su influencia se extendió de modo particular en la Escuela de Utrecht y en algunas ramas de la pintura holandesa.

Orazio Gentileschi y taller | Orazio Lomi de Gentileschi (Pisa, Toscana, Italia, 1563 – Londres, Reino Unido, hacia 1639) | La Virgen con el Niño (de la composición de Descanso en la Huida a Egipto) | c 1626 | Óleo sobre lienzo. Marco de madera con molduras talladas, decoraciones punzonadas y aplicación de hoja de oro | 106.7 x 101.9 x 2.6 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2000

Nuestra Señora del Refugio José de Páez

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La historiadora Lenice Rivera apunta que el origen de la devoción a Nuestra Señora del Refugio tuvo lugar en Frascati, Italia, a principios del siglo xviii. El padre jesuita Antonio Valdenucci, en su interés por predicar su amor a María en nuevas regiones, solicitó a un artista una imagen basada en el modelo de la Virgen de la Encina, venerada en Castel San Pietro, en la provincia de Bolonia. Rivera comenta que la advocación mariana llegó a Nueva España en 1719; traída por el padre Juan José Guica, empezó a ser difundida por la Compañía de Jesús. Su culto fue bien recibido por la feligresía, que empezó a solicitar su protección. El destacado pintor José de Páez se basó en las estampas difundidas de la imagen para realizar este hermoso lienzo, en el que se acentúan los delicados trazos del rostro. Los tonos suaves en la composición hacen contraste sobre el fondo neutro. La Virgen María está vestida con su túnica encarnada con puños de encaje blanco y el manto azul con galones dorados se transforma en una toca sobre su cabeza. Ella ostenta la corona real, que nos indica su alto grado celestial al igual que el de su Hijo. Con un paño blanco cubre el delicado cuerpo del Niño Jesús a quien sostiene en sus brazos, al tiempo de brindarle una tierna caricia con su mano derecha.

José de Páez (Ciudad de México, México, 1720 – hacia 1790, fechas consignadas por el investigador Manuel Toussaint) (Ciudad de México, México, 1727 – hacia 1790, fechas consignadas por la investigadora Juana Gutiérrez Haces) | Nuestra Señora del Refugio | c 1750-1790 | Óleo sobre lienzo. Marco de madera tallada, con aplicación de hoja de oro | 115.5 x 84 x 2 cm | Firma: «Joseph de Paez fecit [ilegible]», abajo en el centro | Inscripciones: «REFUGIUM PECCATORUM [Refugio de pecadores]», abajo en el centro | Procedencia: Colección particular española; colección particular mexicana; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2011

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

Pelegrín Clavé | Retrato de la familia Antuñano (detalle) | c 1850

En el mes de octubre de 1862 se retrataron la Sra. Da. Francisca Valdivia de Chávez, de 21 años 7 meses de edad, su hijo primogénito Rafael Chávez de 2 años 1 mes, Elena Chávez de 8 meses, Firma Hermenegildo Bustos.



Hermenegildo Bustos | Señora doña Francisca Valdivia de Chávez e hijos | Octubre de 1862

La palabra más hermosa en labios de la humanidad es la palabra 'madre', y la expresión más hermosa es 'madre mía'. [...] La madre lo es todo: es nuestro consuelo en la pena, nuestra esperanza en el misterio y nuestra fuerza en la debilidad. Ella es la fuente de amor, misericordia, simpatía y perdón. Gibran Kahlil Gibran en Alas rotas



Gibran Kahlil Gibran | Madre e hijo | 1918



Gibran Kahlil Gibran | Sin título | c 1908-1910

Mi madre es una carta de amor […]. Octavio Paz, Pasado en claro, 1975

Pierre-Auguste Renoir | Naturaleza muerta con fucsias (detalle) | 1879

Maternidad Pierre-Auguste Renoir y Richard Guino



Alrededor de 1890 el maestro Renoir empezó a sufrir los primeros síntomas de artritis reumatoide, por lo que realizó su producción con dificultad. En 1913, cuando la enfermedad estaba más avanzada, Ambroise Vollard le recomendó a Richard Guino –alumno de Maillol– para que lo apoyara en sus trabajos. Un año después de la muerte de Aline Charigot, el maestro se propuso hacer una escultura con la imagen de su esposa; junto con Guino, elaboró el primer busto en bronce inspirado en una pintura al óleo de 1885 titulada Aline Charigot (Madame Renoir). También la pieza Maternidad que representa a su mujer que amamanta a Pierre, primogénito de Renoir, posee atributos similares a los bocetos que el artista elaboró hacia 1886. Pierre-Auguste Renoir (Limoges, Lemosín, Francia, 1841 – Cagnes-sur-Mer, ProvenzaAlpes-Costa Azul, Francia, 1919) | Richard Guino (Gerona, Cataluña, España, 1890 – Antony, Isla de Francia, Francia, 1973) | Maternidad | 1916 | Bronce con pátina negra y café | 53.9 x 24 x 34.2 cm | Firma: «Renoir», en la base a la izquierda | Fundidor: Valsuani | Núm. de serie: 4A/10 | Procedencia: Casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 1994

Madre y niño Pierre Bonnard

Este lienzo, encargo de Henri Kapferer, fue víctima junto con otro también de Museo Soumaya del desaforado interés que la organización Destacamento Especial del Líder del Reich Rosenberg tuvo durante la Segunda Guerra Mundial. En 1940, fueron sustraídos del número 40 de la calle de Buzenval en el sur de París. Las siglas en el reverso corresponden al apellido como códigos de identificación: «kp 8 a-b». Estuvieron resguardados en uno de los salones del Museo del Louvre. Su destino final era el castillo de Nikolsburg (hoy Míkulov, República Checa); el cargamento nunca partió. En 1945 la organización Los hombres de los Monumentos, Bellas Artes y sección de Archivos, restituyó los óleos a la familia. Después de pasar por diversas colecciones estadounidenses fueron adquiridos por Fundación Carlos Slim en 2014 en la casa neoyorkina de Christie’s, ee.uu. Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, Isla de Francia, Francia, 1867 – Le Cannet, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia, 1947) | Madre y niño | 1907 | Óleo sobre lienzo. Marco de madera tallada, con aplicación de hoja de oro | 102 x 33.3 x 3.5 cm | Firma en sello: «Bonnard», abajo a la derecha | Inscripciones: «ERR No. KAP 8a-b», en el reverso | Procedencia: Henri Kapferer, París, Francia; confiscado por la organización Destacamento Especial del Líder del Reich Rosenberg, Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg, París, Francia; recuperado por Los Hombres de los Monumentos [Allied Monuments Men] y devuelto a Henri Kapferer; baronesa Lambert, Bruselas, Bélgica; señora Alain Capeillières, Bruselas, Bélgica; casa de subastas Sotheby & Co., Londres, Reino Unido; galería Arts Mundi S.A., Ginebra, Suiza; colección particular; Nathan and Joan Lipson; casa de subastas Christie’s, Nueva York, ee.uu., 2014

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Escena yucateca. Mujer con niño Diego Rivera

Uno de sus sueños más generosos fue el de reincorporar el pasado prehispánico y las raíces indígenas a nuestro presente mestizo, del que él se consideraba ejemplo vivo; el pasado espiritual de nuestros antecesores, que no sólo trata de estudiar sino sobre todo de absorber, o de ser posible, de continuar. comentó

el ingeniero Marte R. Gómez para referirse al muralista. Con once años, Diego Rivera ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes. Por intermediación del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa, consiguió una beca para estudiar en la Real Academia de San Fernando en Madrid, España. La estancia en el Viejo Continente representará un diálogo con las obras de los Antiguos Maestros Europeos. En el Salón de Otoño de París en 1911 se intensificaron los vínculos con otros artistas y críticos mexicanos como Ángel Zárraga, Roberto Montenegro y Adolfo Best Maugard. Hacia 1939 realizó Escena yucateca. Mujer con niño. Una indígena del Mayab sostiene a su hijo en brazos. Con cierta desconfianza, asoma medio cuerpo a través de la puerta de madera un tanto oculta por el árbol del primer plano. Rivera plasmó una y otra vez los rostros característicos de nuestro país. Como Paul Gauguin, señala el crítico Xavier Moyssén, [...]

debió cobrar conciencia de la existencia de otro tipo de belleza en las mujeres de las Islas del Sur, tan semejante a las indígenas mexicanas; las fiestas, tipos y vestimenta regionales fueron algunas de las búsquedas del artífice, quien supo proyectarlas dejando en ellas una forma de autorrevelación intelectual y emocional. Escena yucateca. Mujer con niño perteneció a las colecciones neoyorquinas de Mary Shapiro Sklar y de Herman A. Benjamin. Después fue adquirida por Barbara Rosecrance en Boston y finalmente repatriada por Fundación Carlos Slim.

Diego Rivera | Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (Guanajuato, Guanajuato, México, 1886 – Ciudad de México, México, 1957) | Escena yucateca. Mujer con niño | c 1939 | Carboncillo, acuarela y tinta china sobre papel algodón. Marco de madera tallada, con aplicación de laca y hoja de oro | 38.7 x 27.7 x 0.01 cm | Firma: «Diego Rivera», abajo a la derecha | Inscripciones: «[ilegible]», abajo en el centro | Procedencia: Adquirido directamente del artista por Mary Shapiro Sklar, Nueva York, ee.uu.; señor y señora Herman A. Benjamin, Nueva York, ee.uu.; Dra. Barbara Rosecrance, Boston, ee.uu.; casa de subastas Sotheby’s, Nueva York, ee.uu., 2011 | “reproducción autorizada por el instituto nacional de bellas artes y literatura, 2016” d.r. © 2016 banco de méxico, “fiduciario” en el fideicomiso relativo a los museos diego rivera y frida kahlo



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Raoul Dufy | Frouzette y su madre (detalle) | 1906

El 10 de mayo fue propuesto, en 1922, por el diario Excélsior para celebrar el Día de las Madres, convocatoria que gozó de gran aceptación entre la población e incluso fue alentada por el entonces presidente Álvaro Obregón. En la década de 1950 y ante las bajas ventas de los almacenes en la temporada de primavera, la pintora de calendarios Aurora Gil creó esta imagen que, si bien partió de una estrategia de reactivación de la economía, pronto la sociedad hizo suya como parte del entrañable festejo para las dadoras de vida.

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Aurora Gil | Para mamá... | c 1954

Exposición temporal | Plaza Carso

Mi bote eva ayala canseco

Ubicada en un cruce en las márgenes del río Mersey, Warrington es una localidad que vivió un crecimiento importante con la Revolución Industrial. El coleccionismo se desarrolló a la par de la economía y con él floreció una nueva cultura. En este entorno estudió un joven dotado para la acuarela, Henry Woods. Becado en la Escuela de Arte de Kensington Sur, su estancia en la capital británica le permitió obtener trabajo como ilustrador y también presentar con frecuencia obras en la Academia Real.

Hasta 1915, Woods envió sus obras a esta institución, por lo que no sorprende que el óleo provenga de diferentes colecciones británicas entre las que sobresale la de Sir John Aird (18331911), Primer Baronet. Su vocación está descrita en The Art Journal [La Revista del Arte] de mayo de 1891: […] adquirió sus pinturas «para vivir con ellas […]». En 1878, el joven artista viajó a Venecia y quedó prendado de la calidez y luminosidad de la ciudad. Un año más tarde se mudaría permanentemente, abriría un estudio, aprendería italiano y representaría la vida cotidiana de la urbe.

Henry Woods (Warrington, Reino Unido, 1846 – Venecia, Véneto, Italia, 1921) | Mi bote (detalle) | 1884 | Óleo sobre lienzo. Marco de madera tallada, con aplicación de pasta, hoja de oro y pátina | 100.8 x 64.9 x 2.7 cm | Firma: «Henry Woods», abajo a la derecha | Inscripciones: «Venice [Venecia]/ 1884», abajo a la derecha | Procedencia: John Aird, Londres, Reino Unido; Malcolm Rucker Aird, Londres, Reino Unido; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido; colección particular; casa de subastas Sotheby’s, Londres, Reino Unido, 2014



MISERICORDIÆ VULTUS

Misericordia

La a la luz de las Sagradas Escrituras, la tradición, el magisterio de la Iglesia, y las enseñanzas de los santos maronitas Yaacoub Badaoui y Sergio Casas Segunda entrega

La Iglesia maronita es la rama católica de tradición oriental que siempre ha permanecido fiel a Roma; por lo anterior, es una iglesia mártir, debido primero a las comunidades cristianas separadas de Roma, y después por la irrupción del Islam. Es una institución de diálogo ecuménico y acogida, refugio desde siempre de los cristianos y para los perseguidos; sus monasterios reciben a los hambrientos, a los sedientos, y a los enfermos, así como a los oprimidos. Es promotora de los Patriarcados de las Iglesias Orientales en el Líbano. Ha aprendido a leer los signos de los tiempos y sabe adaptarse y crecer de acuerdo con la realidad del momento. Tiene una estructura monástica; el monje es el eje de la vida del maronita, es una presencia no sólo religiosa, sino también afectiva y paliativa; son hombres de oración a los que recurren los fieles en todo momento de tribulación y de alegría, en busca de la Misericordia humana y divina. El Magisterio de la Iglesia es rico en sus enseñanzas sobre la virtud de la Misericordia y los frutos que obtenemos de ella; del siglo pasado, san Juan Pablo II en su Encíclica Edives en Misericordia, nos regala los siguientes pasajes: «Dios rico en Misericordia» es el que Jesucristo nos ha revelado como Padre; cabalmente su Hijo, en sí mismo, nos lo ha manifestado y nos lo ha

¿Tanto tiempo ha que estoy con vosotros y no me habéis conocido? El que me ha visto a mí ha visto al Padre. La Piedad [a partir del mármol de Michelangelo Buonarroti (1475-1564) de 14981499 que conserva la Santa Sede] | 1932 | Bronce con pátina café | 169.5 x 167.3 x 90 cm | Firma: «MICHAEL.A[N]GELVS.BONAROTVS. FLORENT[INUS]. FACIEBA[T]», sobre la cinta de la Virgen | Número de serie: «No 3», en la parte inferior, a la izquierda | Fundidor: «FUSE [Fundió] FERDINANDO MARINELLI/ FIRENZE [Florencia]», en la parte inferior, a la izquierda | Con la autorización del Vaticano y certificada por la Fundación Casa Buonarroti | Procedencia: Casa fundidora Marinelli, Florencia, Italia, 2007

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MISERICORDIÆ VULTUS

hecho conocer. A este respecto, es digno de recordar aquel momento en que Felipe, uno de los doce apóstoles, al dirigirse a Cristo, le dijo: Señor, muéstranos al Padre y nos basta; Jesús le respondió: El Antiguo Testamento definió a la Misericordia a partir de diversos conceptos y términos. Cristo confiere un significado definitivo a toda la tradición veterotestamentaria de la Misericordia divina. No sólo habla de ella y la explica con semejanzas y parábolas, sino que además y ante todo, Él mismo la encarna y personifica. Él es, en cierto sentido, la Misericordia. A quien la ve y la encuentra en él, Dios se hace concretamente «visible» como Padre «rico en Misericordia». El papa Francisco ha convocado un año Jubilar de la Misericordia y ha recomendado durante ese tiempo realizar las obras en ese tenor pero, ¿qué son y cuáles son? San Juan Pablo II nos responde nuevamente en su 

Encíclica Edives en Misericordia: Siempre tenemos necesidad de contemplar el

Misericordia. Es fuente de Es condición para nuestra salvación. Misericordia: es

misterio de la

alegría, de serenidad y de paz.

la palabra que revela el misterio de la

Santísima Trinidad. Misericordia: es el Dios viene a nuestro encuentro. Misericordia: acto último y supremo con el cual

es la ley fundamental que habita en el corazón de cada persona cuando mira con ojos sinceros al hermano que encuentra en el camino de la vida. que une

Misericordia: es la vía Dios y el hombre, porque abre el

corazón a la esperanza de ser amados para siempre no obstante el límite de nuestro pecado.

La Misericordia no se queda en una escueta actitud de compasión: se identifica con la superabundancia de la caridad que, al mismo tiempo, trae consigo la superabundancia de la justicia. San Pablo, en su canto a esa virtud nos

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Luca Giordano | También conocido como Luca Fa Presto o Lucas Jordán (Nápoles, Campania, Italia, 1634 – 1705) | La Piedad asistida por ángeles | 1653-1660 | Óleo sobre vidrio. Marco de madera laqueada, con aplicación de vidrio policromado, carey y hoja de oro | 42.7 x 54.2 x 0.3 cm | Procedencia: Gaspar Roomer, Nápoles, Italia; colección particular italiana; casa de subastas Dorotheum, Viena, Austria; colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014

MISERICORDIÆ VULTUS

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Escuela flamenca | Trono de la Misericordia con dos ángeles y, más allá, un paisaje | c 1525 | Óleo sobre tabla. Marco de madera tallada, base de preparación blanca, bold rojo, y aplicación de hoja de oro | 80.4 x 57.9 x 1 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Christie’s, Londres, Reino Unido, 2014

MISERICORDIÆ VULTUS

dice: la caridad es sufrida, bienhechora; la caridad no tiene envidia, no obra precipitadamente, no se ensoberbece, no es ambiciosa, no busca sus intereses, no se irrita, no piensa mal, no se huelga de la injusticia, se complace en la verdad; a todo se acomoda, cree en todo, todo lo espera y lo soporta todo. En este siglo XXI, el papa Francisco remarca en su Bula Misericordiæ vultus la importancia para la Iglesia y para todos y cada uno de los cristianos, de la vida en clave de Misericordia, y en su práctica a través de sus catorce obras, siete corporales (visitar a los enfermos, dar de comer al hambriento, dar de beber al sediento, dar posada al peregrino, vestir al desnudo, visitar a los presos, enterrar a los difuntos) y siete espirituales (enseñar al que no sabe, dar buen consejo al que lo necesita, corregir al que se equivoca, perdonar al que nos ofende, consolar al triste, sufrir con paciencia los defectos del prójimo, rezar a Dios por los vivos y por los difuntos). Y en sus propias palabras, nos dice:

La Misericordia es la viga maestra que sostiene la vida de la Iglesia

para despertar nuestra conciencia, muchas veces aletargada ante el drama de la pobreza, y para entrar todavía más en el corazón del Evangelio, donde los pobres son los privilegiados de la Misericordia divina. El deseo del papa es que este año, vivido también al compartir la Misericordia de Dios, pueda convertirse en una oportunidad para vivir en la vida de cada día la Misericordia que desde siempre el Padre dispensa hacia nosotros. En este Jubileo dejémonos sorprender por Dios. Él nunca se cansa de destrabar la puerta de su corazón para repetir que nos ama y quiere compartir con nosotros su vida.

Las obras de Misericordia espirituales y corporales deben redescubrirse

Y en conjunción con ese importante documento magisterial, el pontífice Francisco también proclama el Año Jubilar 2015-2016, como Año de la Misericordia, donde exhorta a que la Iglesia se convierta en el eco de la Palabra de Dios que resuena fuerte y decidida como palabra y gesto de perdón, de soporte, de ayuda, de amor. Nunca se canse de ofrecer Misericordia y sea siempre paciente en el confortar y perdonar. La Iglesia se haga voz de cada hombre y mujer y repita con confianza y sin descanso:

Acuérdate, Señor, de tu misericordia y de tu amor; que son eternos. Maffeo Olivieri , atribuido (Brescia, Lombardía, Italia, 1484 – 1544) | La Piedad | c 1510 | Talla en madera policromada, con aplicación de hoja de oro. Base de madera industrial, contrachapada y con policromía | Figura: 110.8 x 89.8 x 53.4 cm | Base: 89.3 x 88 x 48 cm | Completa: 200 x 92.7 x 57.8 cm | Procedencia: Colección particular; casa de subastas Dorotheum, Viena, Austria, 2015

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Anónimo novohispano | Santa Ana enseña a escribir a la Virgen María (detalle) | c 1651-1700

memorias de concha miramón

Mi esposo [...] no tenia otro pensamiento que la toma de Veracruz Alfonso Miranda Márquez | Dirección

A

Morelia y Veracruz, amén de algunas poblaciones en franca pugna, el territorio nacional estaba bajo la tutela conservadora. Así, seis mil hombres y buena artillería fueron al encuentro del histórico puerto veracruzano. principios de

1860,

salvo

Mi esposo que desde hacia barios meses no tenia otro pensamiento que la toma de Veracruz, al volver á la Capital, se ocupó activamente en buscar los recursos necesarios para emprender aquella Campaña así como para equipar y abastecer sus tro/pas./ Compréndiendo las graves dificultades que habia de tener para tomar aquella plaza, atacándola so/lo por tierra, pensó en haserlo tambien por mar y con ese objeto comicionó á nuestro Contra Almiran/te don Tomas Marin, para que fuera á la Isla de Cu/ba y comprase por cuenta del Gobierno Mexicano unos barcos que sirviesen para ese objeto./ El Almirante Marin, con la debida autorisacion contrató en la Havana con los Señores Arrigunaga

Pedroso y compañía un vapor ingles llamado Paquete Co/rreo Número 11 y 2 y en la suma de ochenta mil pesos, al cual despues de armado, equipado y enarbolada la bande/ra mejicana, le dio el nombre de General Miguel Miramon y lo puso bajo sus órdenes llevando con sigo los oficiales de Marina Flores y cien/to cuarenta hombres de tripulación./ El Contra Almirante Marin, contrató igualmen/te otro vapor español, con un Señor Yglesias, cuyo vapor tenia el nombre de Marquez de la Havana3 y 4 y; armado y equipado como el primero, se puso á las ordenes de los oficiales de marina Arias, Del Rio, Busca, y el Teniente Feliciano Lopez como piloto.

El subrayado es de Concepción Lombardo. Fue construido en Greenock, Glasgow, Escocia, Reino Unido hacia 1859. Su casco era de madera y pesaba unas 430 toneladas. 3 El subrayado es de Concepción Lombardo. 4 Fue construido en Canadá y era un vapor de hélice de casco de madera, de unas 600 toneladas, aparejado de barca. Armaba dos cañones giratorios de bronce de 32 libras. Fue comprado a C. Iglesias. Sirvió a la marina confederada de los Estados Unidos de Norteamérica como css McRae.

Memorias manuscritas de Concepción Lombardo de Miramón | Capítulo V: "Los primeros años de mi matrimonio" | Fondo DCCCII-2, T. 1 | 1859-1917 | Colección del Centro de Estudios de Historia de México Carso.Fundación Carlos Slim La paleografía es autoría de quien escribió este artículo; es literal y respeta la ortografía del documento primario. Las abreviaturas se han desatado y para señalarlas se han subrayado. Las diagonales indican cambio de renglón.

1

2

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museo soumaya en otros museos

Perpetuo rebelde, para Sergio Pitol; Enfant terrible, para Carlos Monsiváis; Demonio de Ocumicho, Luz de bengala y Espíritu de los bosques para Elena Poniatowska; Niño permanente, Muchacho de mil años, para Octavio Paz.



Los amarillos, rojos y morados de El pez, en la Pinacoteca de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim, dan cuenta de la abstracción y experimentación plástica moderna. La muestra Juan Soriano. 1920-2006, se presenta hasta el 31 de julio de 2016 en el Museo de Arte Moderno y conmemora el décimo aniversario luctuoso del maestro.

Juan Soriano | El pez (detalle) | 1958-1960

Discovery y CONABIO celebran la Tierra Animales de México El 21 de abril de 2016 en el auditorio de Museo Soumaya Plaza Carso, en el marco del Día Internacional de la Tierra y como parte de la campaña Celebrando México, Discovery Networks México y la Comisión Nacional para el Conocimiento y Uso de la Biodiversidad (CONABIO) presentaron la exposición fotográfica Animales de México, que reúne 50 imágenes inéditas de especies de fauna mexicana.

Se integró también la plataforma digital Enciclovida, con información sobre las especies vegetales y animales que viven en nuestro país, para el público en general y especialistas. El Dr. Carlos Galindo Leal, Director General de Comunicación de la Ciencia, comentó acerca de Enciclovida: Nunca antes en la historia del planeta y

en un solo sitio hubo tanta información disponible sobre las especies para ayudar a generar una sociedad informada que valore, respete y conserve a las plantas y animales con los que compartimos el planeta.

Las fotografías estarán en vallas ubicadas en la vía pública de las colonias Condesa, Roma, Polanco, Santa Fe, así como el corredor Insurgentes de Félix Cuevas al World Trade Center. El objetivo es crear conciencia de la biodiversidad del país, así como la necesidad de cuidar y conservar su hábitat. Esta muestra es parte de la iniciativa #EmpiezaPorAlgo que lanzó Discovery en el entendido de que realizar cambios en el estilo de vida puede significar grandes beneficios.

• ENCICLOVIDA www.enciclovida.mx/ • ENCICLOVIDA – Spots http://tinyurl.com/hwazcaq • Naturalista www.naturalista.mx/

• Biodiversidad Mexicana www.biodiversidad.gob.mx • CONABIO www.conabio.gob.mx/ • http://www.mexico.discovery.com

Los 10 museos de la Ciudad de México

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Andrés Roemer, Cónsul General de México en San Francisco y embajador de México ante la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) recomendó los 10 museos que todo mexicano tiene que conocer en la Ciudad de México misma que, como una de las más bellas metrópolis del mundo, maravilla tanto a viajeros nacionales como extranjeros con su oferta cultural de una verdadera joya de la humanidad. 1. Castillo de Chapultepec. Único castillo en el continente americano. La construcción se llevó a cabo entre 1785 y 1787; ahí se ubica el Museo Nacional de Historia que cuenta con 20 salas dedicadas a narrar la historia de México a través de sus distintas épocas. La obra de Juan O´Gorman, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, está plasmada en sus muros. @Museodehistoria 2. Museo Nacional de Antropología. Concebido por el referencial arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, el museo, con 80 mil metros cuadrados de espacios cubiertos, tiene 24 salas de exhibición con acervos arqueológicos y etnográficos de México. Un icono en la museografía moderna. @mna_inah

3. Museo Nacional de las Culturas. El inmueble data del siglo XVIII y en el siglo XIX lo ocupó el primer museo del continente. Se dedica a la conservación de las culturas pasadas y presentes del mundo. @MuseoCulturas

4. Museo Soumaya. Uno de los museos más nuevos de la Ciudad de México. Fue creado por el arquitecto Fernando Romero. Sus puertas abrieron el 29 de marzo del 2011. Tiene 46 metros de altura y está recubierto por 16 mil placas hexagonales de aluminio. Hasta la fecha ha recibido a más de 6 millones de visitantes. Su acervo abarca 30 siglos de arte y cultura. @EMuseoSoumaya 5. Papalote Museo del Niño. El edificio fue diseñado por el arquitecto Ricardo Legorreta. Los murales en techos y paredes fueron pintados por niños mexicanos. Está enfocado al aprendizaje, la comunicación y la convivencia mediante exposiciones interactivas sobre ciencia, tecnología y artes. @Papalote_Museo 6. Palacio de Bellas Artes. La construcción de este edificio comenzó el 2 de agosto de 1904. En su diseño, el arquitecto italiano Adamo Boari abrevó en el estilo

Art Nouveau y debido al largo proceso de construcción, para el interior se optó por el Art decó. Alberga obras de grandes muralistas mexicanos como David Alfaro

Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Roberto Montenegro, Manuel Rodríguez Lozano y Jorge González Camarena. @PalacioOficial 7. Museo Nacional de Arte. El edificio que hoy ocupa se construyó a principios del siglo XX por órdenes del entonces presidente Porfirio Díaz. En 1982 sus puertas abrieron como museo. Pinacoteca de artistas mexicanos y extranjeros que plasmaron sus obras en nuestro país entre 1550 y 1954, en la actualidad el museo cuenta con más de 4 mil piezas. @MUNALmx 8. Museo Tamayo. Fundado en 1981 por Rufino Tamayo, su diseño es de los arquitectos mexicanos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky. Su acervo consta de obras realizadas por Pablo Picasso, Joan Miró, Roberto Matta, Max Ernst, Fernando Botero, René Magritte, Francisco Toledo y hoy abraza el arte contemporáneo y actual. @museotamayo 9. Museo Frida Kahlo. En este recinto, también conocido como «La Casa Azul», nació, vivió y murió

Frida Kahlo. Su familia fue dueña de esta propiedad desde 1904. Cuatro años después de su muerte, en 1958, se convirtió en un museo donde los visitantes pudieran ver el taller donde la artista plasmó algunas de sus mejores obras. @museofridahahlo 10. Museo Franz Mayer. Se inauguró en 1986, once años después de la muerte de su benefactor, Franz Mayer-Traumann Altschul, empresario y filántropo alemán, quien eligió a México como su país de residencia y que con el tiempo, su gusto por la naturaleza y el arte le llevó a que su colección fuera un preciado regalo para nuestra nación. Se ubica en la Plaza de la Santa Veracruz; la colección está conformada por 30 mil piezas que datan de los siglos XVI y XIX de artes decorativas procedentes de México, Europa y Oriente. Primer museo latinoamericano en exponer diseño. @el_mayer

Desde @RoemerAndres, su cuenta de twitter, el cónsul nos compartió esta gran compilación de Manuel Salgado para Trip Advisor. @TripAdvisor

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ACTIVIDADES GRATUITAS Mayo 2016 talleres | visitas mediadas | cursos Plaza Carso

Plaza Carso y Plaza Loreto

Confidencias de Arte

Actividades para jóvenes y adultos

Visitas dramatizadas Actividad familiar Personaje: Vasari

Uno de los primeros historiadores del arte te contará los secretos más divertidos sobre los Antiguos Maestros Europeos de nuestra colección. Sábados 7 y 14, domingos 1, 8 y 15 de mayo | 11 y 12:30 h Personaje: El Greco

Descubre el peculiar estilo del pintor manierista Doménikos Theotokópoulos  mientras escuchas sus anécdotas y conoces sus obras. Sábados 21 y 28, domingos 22 y 29 de mayo | 11 y 12:30 h

Concierto de día de las madres Coro de la Universidad Panamericana Domingo 8 de mayo | 16 h

Día de las madres Consiente a tu mamá. Habrá visitas y sorpresas Martes 10 de mayo

Plantón poético Atrévete a leer tu poema o fragmento poético favorito frente a todos. Comparte tus sentimientos más íntimos en esta actividad Sábado 28 de mayo | 13 h

A ojos cerrados Explora nuestra colección con algo más que la vista. Descubre los detalles que conforman una obra de arte. Sábados y domingos | 16 h

Viernes sensible El segundo viernes de cada mes es una oportunidad para conocer la colección de una manera diferente. Ven después de la escuela o trabajo y participa en nuestras actividades especiales. Viernes 13 de mayo | 16:30

Viernes de Pinta

PLAZA CARSO | 27 de mayo

El sueño de Matías El ratoncito Matías no sabe que quiere ser cuando crezca. En su visita al museo, descubre su verdadera vocación. Acompáñalo a seguir su sueño. Clown y teatro en miniatura Con: Tomás Macías Espacio de reflexión y creación | 12 h

Taller de títeres ecológicos Del programa La eterna primavera Espacio de reflexión y creación | 13:30 a 15 h

Cupo limitado

Plaza Loreto Visitas mediadas Recorre las exposiciones de nuestra sede al sur de la ciudad. Calendarios mexicanos

Sábados y domingos | 11:30 h

Archivo inédito Salvador Novo. Imagen pública, retratos privados Foto México Sábados y domingos | 12:30 h

Dalí. Obsesiones

Sábados y domingos | 13:30 h

50 Años Centro de Estudios de Historia de México Carso Fundación Carlos Slim Sábados y domingos | 16:30 h

Pasaporte del arte

Inscripciones: 7, 8, 14 y 15 de mayo | 10 a 14 h Informes: Comunicación Reservaciones para personas ciegas o débiles visuales al T. 1103 9805 Horarios de atención telefónica: lunes a viernes 10:30 a 18 h [email protected] @ElMuseoSoumaya

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NOCHE DE MUSEOS 25 DE MAYO Último miércoles de cada mes El museo permanece abierto hasta las 22:30 h PLAZA CARSO Museo Sustentable Taller de responsabilidad social La Eterna Primavera | 16:30 h Palabras al viento | 19:30 h Mira, escribe y comparte en salas una experiencia de creación literaria inspirada por nuestra colección.

Confidencias de Arte Personaje: Vasari 19:30 y 21 h Breves fueron mis palabras | 17:30 a 21 h Intercambio de libros Fundación Todo por el cine Proyección de cortometrajes ambientales Cine en el Campo 18 h Auditorio Cóctel

Día Internacional de los Museos museos y paisajes culturales

Plaza Carso

Del 16 al 22 de mayo

Las Aventuras de Itzel y Sonia Proyección del cortometraje de Fundación Todo por el Cine Espacio de reflexión y creación, 11, 13 y 17 h Exposición del set utilizado para el corto de Fundación -Todo por el Cine Espacio de reflexión y creación La eterna primavera Proyección de cortometrajes con temática medioambiental. Espacio de reflexión y creación, 12 y 15 h A ojos cerrados Explora nuestra colección con algo más que la vista. Vestíbulo, 13 h Los museos y sus paisajes. Celebra a los museos y reflexiona sobre su impacto en el medio ambiente, la cultura, la sociedad actual y tu vida cotidiana. Vestíbulo, 11 y 16 h

INSTITUTO PARA LA INTEGRACIÓN AL DESARROLLO DE LAS PERSONAS CON DISCAPACIDAD

Visita en lenguaje de señas mexicana Lunes 16, miércoles 18, jueves 19, viernes 20 y sábado 21 de mayo, 16 h De la accesibilidad a la inclusión Ciclo de Conferencias, 17 h

Plaza Loreto

Miércoles 18 de mayo Sueños. La guarida de los niños Desvelación del mural realizado por niños del programa de responsabilidad social Remontando el vuelo. Sala 5, 16 h Paisajes surrealistas Taller de creación artística 12 h Espacio de reflexión y creación, 17 h Dalí. Obsesiones. Inauguración de la exposición Nave mayor, 18:30 h

Av. Revolución y Río Magdalena –Eje 10 Sur– Tizapán, San Ángel, México, D. F. | T. 5616 3731 | Horario: 10:30 a 18:30 h. Sábados hasta las 20 h | Martes cerrado Miguel Ángel de Quevedo (línea 3), Barranca Doctor Gálvez del Muerto (línea 7), Entrada gratuita

MUSEO SOUMAYA | PLAZA LORETO

Sala 5 archivo salvador novo. imagen pública. retratos privados Fotógrafo por identificar Salvador Novo con su madre en Xalapa, detalle

Sala 4 CALENDARIOS MEXICANOS Antonio Gómez y Rodríguez Sin título, detalle

Sala 3 CALENDARIOS MEXICANOS Aurora Gil Sin título, detalle

Sala 2 dalí. obsesiones Salvador Dalí El día de la Virgen, detalle d.r. © salvador dalí/somaap/méxico/2016

Sala 1 50 años Centro de Estudios de Historia de México Carso Luis Lasso de la Vega Nican Mopohua, detalle

d.r. © salvador dalí/somaap/méxico/2016

MUSEO SOUMAYA | PLAZA CARSO

Miguel de Cervantes Saavedra esq. Presa Falcón, Ampliación Granada, Ciudad de México, 11529, Delegación Miguel Hidalgo | T. 1103 9800 Horario: todos los días de 10:30 a 18:30 h Río San Joaquín (línea 7), Polanco (línea 7) Entrada gratuita

Sala 6

Proximamente la puerta del infierno Auguste Rodin Las tres sombras, detalle

Sala 5 EXPOSICIÓN TEMPORAL: VENECIA COLECCIÓN MUSEO SOUMAYA Bernardo Bellotto Venecia, el Gran Canal que ve al noreste desde la Iglesia de los Carmelitas Descalzos hacia Cannaregio, con el campanario de San Jeremías, detalle

Sala 4 DEL IMPRESIONISMO A LAS VANGUARDIAS Edgar Degas Mujer que se seca, detalle

Sala 3 ANTIGUOS MAESTROS EUROPEOS Y NOVOHISPANOS Jacopo Robusti, il Tintoretto, atribuido Retrato a tres cuartos de un hombre joven barbado que usa armadura, detalle

Sala 2 ASIA EN MARFIL Trabajo europeo Putto [amorcillo], detalle

Sala 1 DE ORO Y PLATA. Artes decorativas Neceser de viaje de Fernando VII

Vestíbulo La Piedad [a partir del mármol de Michelangelo Buonarroti (1475-1564) de 1498-1499 que conserva la Santa Sede], detalle

MUSEO SOUMAYA.FUNDACIÓN CARLOS SLIM

DIRECTORIO

Ing. Carlos Slim Helú Presidente

Soumaya Slim de Romero Consejo Editorial

Alfonso Miranda Márquez Director General @A_mirandam

Raquel Gutiérrez Morales Curaduría Editorial @raquetadetenis

Héctor Palhares Meza Asesor Editorial

Mónica López Velarde Estrada Curaduría @FuensantaLopezV

Investigación

Dania Escalona Ruiz @DannStairs

Melissa Aguilar Parra @parra_mel

Héctor Archundia Ibarra @haix16

Abdul Bornio @ABorn2490

Francesca Conti

Laura Adriana González Eguiarte Comunicación @Crazylaurita

Araceli Villarreal Vallín Relaciones Institucionales @avillarrealv

Adriana Sosa Herrera Diseño Editorial

@bammbucha

Offset Santiago

Impresión Publicación de distribución gratuita 10 000 ejemplares

@franconti17

María de Lourdes Olmos @molmosr

Daniela Díaz Olvera @calcetasmoradas

Portada: Taller o seguidor de Leonardo da Vinci | La Virgen del huso (detalle) | c 1510-1540 Contraporda: Marc Chagall | Maternidad mexicana (detalle) | c 1943 | d.r. © marc chagall/somaap/méxico/2016

www.museosoumaya.org @ElMuseoSoumaya Museo Soumaya Museo_Soumaya ElMuseoSoumaya

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