Música vocal: Música vocal clásica, romántica y contemporánea

Diapositiva 1

1. El Requiem de Mozart

Fragmento de audio: aria de la reina de la noche. La flauta mágica. Mozart. Naxos.

Probablemente no dudes en relacionar esta melodía vocal con Mozart pero si has echado un ojo al cuadro de los contenidos de esta asignatura, sabrás que la ópera tiene su propia unidad.

En este tema, Mozart aparece con los últimos compases que escribió. Pertenecen al Lacrimosa de su Requiem en Re menor (KV 626).

Imagen en Wikimedia Commons de Dimitrimirsnov |Dominio público

Réquiem es una misa de difuntos. Se le llama así porque réquiem es la primera palabra del Introito, el comienzo de esta misa. Una de las características que la diferencia de las demás misas es que en ella se interpretaba (hasta el siglo XX) la secuencia Dies Irae.

Si recuerdas, en el tema de la música medieval hablamos de las secuencias, esas obras que surgían de poner texto a los larguísimos melismas del Aleluya del canto gregoriano, que se pusieron muy de moda, se compusieron miles y en el Concilio de Trento la Iglesia las prohibió. Dejó cuatro, una de ellas la secuencia con este texto titulado Dies irae (Día de la Ira).

Así que el Réquiem de Mozart tiene su Dies Irae. Es precioso e inquietante ya que fueron las últimas notas del compositor antes de morir. Sobre su muerte y esta obra se han dicho muchas cosas. Por lo visto un hombre enmascarado se la encargó pagando por adelantado y esto ha dado lugar a múltiples versiones sobre lo que acabó con Wolfram Amadeus Mozart. El Réquiem, tal y como lo conocemos hoy fue terminado por un discípulo suyo atendiendo a los apuntes e indicaciones que Mozart había dejado.

ESQUEMA DEL REQUIEM CON SUS PARTES

I.Introitus (Introito):

Réquiem æternam (Dáles el Descanso Eterno, Señor)

II. Kyrie Eleison (Señor, ten Piedad)

III.Sequentia (Secuencia)

Dies iræ (Día de Ira) Tuba mirum (Magnífico Sonido de Trompeta) Rex tremendæ maiestatis (Rey de Tremenda Majestad) Recordare, Iesu pie (Recuerda, Jesús Piadoso) Confutatis maledictis (Confundidos los Malditos) Lacrimosa (Día de Lágrimas Aquel)

IV.Offertorium (Ofertorio)

Domine Iesu Christe (Señor Jesucristo) Hostias et preces (Sacrificios y Preces)

V.Sanctus (Santo, Santo, Santo)

VI.Benedictus (Bendito)

VII.Agnus Dei (Cordero de Dios)

VIII.Communio (Comunión)

Lux æterna (Luz Eterna)

Fragmento de audio: Kyrie. Requiem. Mozart. Naxos.

Fragmento de audio: Dies irae. Requiem. Mozart. Naxos.

Desde el punto de vista musical esta obra está influída por los coros de Haendel. Podemos escuchar las voces persiguiéndose en el Kyrie (es lo que se llama una Fuga, veremos esta forma musical más adelante).

Muchos recursos retóricos del Barroco que utilizan la música para resaltar el texto. Escucha Quantus tremor est futurus -Cuánto temblor sobrevendrá- y comprueba cómo “tiemblan” las voces.

Podemos ver también melodías claras, características del Clasicismo. La melodía de esta época se estructuraba en frases de 8 compases que racionalizaban el discurso musical. Mira y escucha la primera frase musical de Lacrimosa.

Pulsa sobre las partituras para verlas más grandes y observa los 8 primeros compases señalados, lo que tocan los instrumentos y lo que canta el coro. Fíjate que los dos primeros son compases de silencio para el coro y casi toda la orquesta, solo tocan los violines y las violas. Lo interesante es que esos dos primeros compases forman parte de la frase musical que consta de 8 compases y le dan sentido.

Curiosidad La fama de los grandes compositores del Clasicismo llegaba, ya en el siglo XVIII, a todos los rincones de Europa. A pesar de que el austriaco Joseph Haydn fue uno de los últimos músicos contratados por una corte, a partir de 1780 comenzó también a componer por encargo. Dos nobles gaditanos, pertenecientes a la congregación del oratorio de la santa Cueva (anejo a la Iglesia del Rosario), le pidieron una

Actividad de rellenar huecos

¿Cómo se llamaba el alumno de Mozart que acabó el Requiem? De las 8 partes de la obra ¿cuántas tuvo que componer con indicaciones del maestro o desde cero?

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¿Pero qué partes del Requiem dejó completamente terminadas Mozart?

2. Lieder

Actividad

Dietrich Fischer-Dieskau ha grabado 10 veces Winterraise de Franz Schubert ¿Puedes imaginar que una misma partitura cantada por una misma persona, suene diferente en cada uno de esos discos? ¿Qué tiene esa obra musical para que alguien quiera interpretarla a lo largo de toda su vida de cantante famoso? ¿Y qué tendrá para que algunos queramos escucharla muchas veces, incluso cantada por el mismo intérprete? Winterraise (El viaje de invierno) son 24 canciones desesperadas. La primera vez que Fisher-Dieskau (1925) las grabó tenía 23 años. La última vez fue en 1986. Sesenta años aportan una evolución en técnica vocal, pero también mucha experiencia que llenará de nuevos matices la expresión de los sentimientos de despedida, añoranza y soledad presentes en estos poemas.

Imagen en Fickr de marshall2024 con licencia CC BY SA

Gute Nacht Tenor: Ian Bostridge Piano: Julius Drake

Texto original de Gute Nacht y traducción

Gute Nacht es el primer lied de El viaje de invierno. Lied significa canción en alemán y es el término que se utiliza para nombrar este género musical que te estamos presentando. Franz Schubert (1797-1828) escribió en su corta vida más de 700 lieder (canciones). La Bella Molinera o este Winterraise, son ciclos de lieder compuestos con una idea de unidad, ambos con textos del poeta Wilhem Müller. Aunque durante el Clasicismo fue común la composición de lied, durante el Romanticismo representa uno de los pilares del periodo. La música constituye el arte ideal, el sonido puro es lo más abstracto, lo que más se puede alejar de la realidad para expresar auténticos sentimientos. El lied romántico es el punto donde la poesía encuentra el sonido que eleva su mensaje al infinito. El compositor romántico se enfrenta a la música como expresión propia, sin la referencia externa de la composición para un mecenas o una funcionalidad concreta. Ahora serán los gustos del público de las grandes salas de conciertos los que marcarán una gran distancia entre la intimidad de estos lied y la ampulosidad de algunas obras instrumentales (Unidad 2) o la ópera (Unidad 3).

El lied es una canción para voz y piano. La voz sobre un poema romántico. El piano, también. No es un mero acompañamiento a la melodía sino que la composición para el piano “canta” el sentido de las palabras. Muchos de estos lied son estróficos es decir, que tienen la misma melodía en cada estrofa del poema o con alguna variación. Escucha en Gute Nacht las dos primeras estrofas con la misma melodía. La tercera estrofa es un poco distinta, con matices más dramáticos. La melodía de la última estrofa tiene además una variación tonal. Los versos de despedida en la puerta de la amada están en una tonalidad mayor, alegre, como conteniendo en esas notas la felicidad pasada, y volviendo en el último verso al tono menor, a la triste realidad de la ruptura.

Conocimiento previo

Dietrich Fischer-Dieskau es un barítono alemán. Esta obra está escrita originalmente para tenor pero se han hecho versiones para casi todas las tesituras. La voz de barítono es una de las que más interpreta El viaje de invierno.

Pregunta Verdadero-Falso

Escucha el último lied de Viaje de invierno interpretado por Dietrich FischerDiesKau.

Se trata de un Lied estrófico Verdadero

Falso

2.1. Canción española de concierto

El lied atravesó todo el siglo XIX y el siglo XX asimilando los estilos y nuevos lenguajes que modelaban la música con gran rapidez a partir de finales del XIX. Una de las formas que adoptó tenía que ver con lo que se denomina nacionalismo musical y el uso de material sonoro popular. Puede que haya un cierto complejo de inferioridad de la música española desde el siglo XIX, muchas veces establecido por la poca repercusión en los escenarios internacionales, por la falta de recursos para que muchos compositores e intérpretes estuvieran en contacto con las vanguardias, o para que sus avances tuvieran un reflejo en la programación de nuestros escenarios. En este apartado, queremos mostraros sin complejos la manera en que la canción evolucionó desde finales del siglo XIX hasta mediados del XX. De Granados, Turina y Falla hasta Toldrá y Montsalvage.

Actividad

Escucha esta lista de reproducción

Objetivos ¿Qué importancia le das a la canción de concierto española dentro del panorama histórico internalcional? Ésta es la última pregunta de un cuestionario elaborado por el crítico musical Francisco García-Rosado dirigido a una serie de cantantes y pianistas participantes en una grabación. Se trata de unos CDs recopilatorios de este tipo de música publicados por la Fundación Antón Gracía Abril. Mira lo que respondieron a esta pregunta el pianista Rubén Fernández Aguirre y la soprano Ainhoa Arteta.

Pregunta de Elección Múltiple ¿Quién compuso la canción Después que te conocí? Falla Turina Toldrá Granados

3. Pierrot Lunaire

y, sin embargo, esta música le resulte extraña.

Fragmento de audio:Pierrot Lunaire. Shoenberg. Naxos.

Es probable que cualquier persona de tu entorno que no esté vinculada al arte asuma con normalidad esto:

Las dos obras son de 1912 y 1914 respectivamente. Ambas representan las rupturas de las vanguardias artísticas del siglo XX. Cien años después, una reproducción de un cuadro de Kandinsky adorna la sala de espera de tu dentista. La obra de Schoenberg no llenaría el teatro de tu ciudad.

Esta música de Schoenberg es Atonal. Una canción de Purcell (tema 3) o cualquier canción pop están compuestas bajo las normas de la tonalidad. En la música tonal lo que suena bien o mal tiene que ver con que unas notas son más importantes que otras y se colocan en lugares estratégicos y que algunas combinaciones de notas se consideran disonancias y no se usan. La música a finales del XIX fue rompiendo estas normas ampliando al límite las combinaciones de notas que sonaban bien, colocando notas inusuales en lugares estratégicos... Moskow I (W.Kandinsky). Imagen en Wikimedia commons de EdgarAllanPoe | Dominio público

Pierrot Lunaire Op.21 es una obra vocal formada por 21 canciones. Suele situarse dentro del movimiento artístico denominado Expresionismo y en su ambientación resuena el cabaret. Se interpreta con una “orquesta” de cinco instrumentistas que van

Schoenberg dio un paso más: inventa un sistema en el que cualquier sonido era igual de importante que otro, la lógica de la composición habría que buscarla en otro sitio, no en esas normas tan burguesas de la tonalidad.

variando según la canción y una cantante que utiliza la técnica Sprechgesang o canto hablado. Schoenberg escribió varios párrafos para indicar cómo quería que se interpretase la voz. Las líneas melódicas de los instrumentos y la voz se mueven de manera contrapuntística, imitándose y persiguiéndose.

Imagen de partitura de marshall2024 en Flickr con licencia CC BY SA

Objetivos En esta página hay varias versiones de Pierrot Lunaire. Es interesante para ti escuchar cómo un intérprete hace suya una obra tan peculiar.

Pregunta de Selección Múltiple

Pierrot Lunaire es una obra para 5 instrumentistas pero no para 5 instrumentos sino para 8. Son los que aparecen en las opciones de la pregunta.

canción del Pierrot. Violín Flauta Clarinete Piccolo Clarinete bajo Piano Violonchelo Viola Mostrar retroalimentación

4. Lux aeterna

Fragmento de audio: Lux aeterna. Ligeti. Naxos.

Esta masa sonora que se mueve como una duna, aparentemente sin melodía, sin ritmo, es Lux Aeterna una obra compuesta por György Ligeti (1923-2006) en 1966. Ligeti, nacido en la región de Transilvania, entonces Hungría, y de origen judío, perdió a su familia en los campos de concentración durante la segunda Guerra Mundial. Está escrita para un coro de 16 voces sin acompañamiento instrumental. Son 16 líneas que se mueven independientes encontrándose en armonías que cuando llegan a nuestros oídos empiezan a disolverse y se dirigen a otro punto. La técnica se conoce como micropolifonía.

En esta primera página de la partitura vemos 4 líneas de soprano y otras 4 de contralto (más adelante aparecerán las 4 líneas de tesitura tenor y las 4 de bajo). Un tempo Sostenuto, molto calmo. Una intensidad pp sempre (muy suave siempre). Una textura contrapuntística, llevada a cabo con una imitación entre las voces que combina patrones melódicos y rítmicos.

Lux Aeterna es una partitura muy difícil de interpretar. El coro transmite un timbre relacionado con la música electrónica a la que Ligeti estaba vinculado. Visto de otra manera, lo que percibimos tiene algo de extraterrestre, un sonido que llega de otro mundo. O así lo entendió Stanley Kubrick que “tomó prestada” esta música para su película 2001: una odisea en el espacio.

Conocimiento previo Stanley Kubrick utilizó música de Ligeti en varias de sus películas (El Resplandor, Eyes Wide Shut). Pero la primera vez fue en 2001: una Odisea en el espacio y sin contar con el compositor. Kubrik despidió al músico que había contratado para la banda sonora y utilizó fragmentos de Lux aeterna y el Requiem de Ligeti en algunas escenas de la película. Ligeti demandó a Kubrick por la apropiación de su música sin permiso. Solicitaba un dólar. Ganó el juicio y la fama mundial.

Pregunta de Elección Múltiple

¿Cuál de estas músicas que aparecen en la película 2001: una odisea en el espacio crees que es música atonal compuesta por Ligeti?

A

B

C

D

A B C D