PALABRAS EN MOVIMIENTO TALLER DE PERIODISMO Y DANZA - TEXTOS Actividad paralela al 28º Certamen Coreográfico de Madrid - 2014 Una iniciativa de Paso a 2

Sobre “Atávico” de Poliana Lima Coreografía: Poliana Lima Intérpretes: Aitor Galán, Ángel Perabá, Lucía Marote y Marina Bruno Música: Vidal Atávico Iluminación: Pablo Seoane Vestuario: Poliana Lima Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

ASALTO EN EL 28º CERTAMEN COREOGRÁFICO DE MADRID por Sarah Cabello Schoenmakers Con un principio inesperado, impactante y violento acompañado por el sonido producido por una cuerda al golpearse con el suelo, presenta Poliana Lima su obra Atávico, galardonada con el primer premio en el 28º Certamen Coreográfico de Madrid, además del premio otorgado por el público y el Premio de la Crítica. La bailarina y coreógrafa brasileña afincada en Madrid desde 2010, muestra en su obra un lenguaje propio y personal, a través de una propuesta física, de riesgo, tensión y violencia que mantiene en estado alerta y conecta por completo durante el transcurso de la obra. Atávico, interpretada por tres bailarines profesionales y un bailarín amateur, con música original del compositor francés Vidal, tiene como motor “la relación entre la memoria, la violencia y el cuerpo”. La coreógrafa utiliza el trato de unos cuerpos, llevándolos al límite donde prima la resistencia.

Son cuerpos que, tras el impacto, se abandonan en contraposición de la figura de “un poder” que parece no inmutarse. Fuertes cuerpos sin límite que luchan por no detener su impulso en un estado de alerta, que a su vez se desploman quedando inertes. Así genera un ambiente expectante que no cesa, reforzado con un acompañamiento musical y efectos sonoros que completan de forma acertada el sólido y enérgico paisaje que propone la creadora. Divide y contrasta escenas forzando la elección del espectador que contempla la obra, sin dejar lugar al vacío, ni a un espacio deshabitado, ni a la ruptura del ritmo de la pieza. La escena que concluye la obra traslada al espectador a un estado de calma tras la intensa travesía de sensaciones experimentadas, transmitida por unos luchadores a través de sus sólidos y resistentes cuerpos. Esta escena inunda el espacio de un aire fresco y agradable, un toque especial y sensible, proporcionado por una de las intérpretes que con su elegante presencia y continuos giros con los ojos cerrados hipnotiza al espectador, y lo despide con un dulce y plácido final. Poliana Lima desprende una voz y estilo propio. Con una profunda investigación y un sólido trabajo, apunta bien alto hacia un futuro con protagonismo en la escena de la danza contemporánea.

Sobre “Atávico” de Poliana Lima

¿CUÁNTO PUEDE UN CUERPO RESISTIR? por María Roig

primeros; se reparten en escena el peso, los golpes y la locura en una obra cargada de imágenes que cuestiona con y desde el propio cuerpo tanto la política como la identidad, la estética y la misma danza.

Poliana Lima nació en Brasil pero reside en Madrid desde 2010. Es mujer, es joven, es coreógrafa y es inmigrante. Formada paralelamente en danza y sociología, lleva a sus espaldas varios años de recorrido en la creación de solos y dúos que se han mostrado dentro y fuera del circuito convencional. Asumiendo el riesgo que supone dirigir una pieza desde fuera por primera vez, presenta Atávico a la 28ª edición del Certamen Coreográfico de Madrid, una obra que explora la relación entre la memoria, la violencia y el cuerpo, y que ha resultado ganadora absoluta del evento llevándose los premios del Jurado, la Crítica y el Público.

Lima se apoya en su doble mirada de artista y socióloga, además de en su condición de extranjera, para reflexionar sobre la memoria de su país de origen. En el último siglo Brasil, que ha pasado de la República a una dictadura militar para volver a la República, ha aprendido a vivir entre la pobreza y la violencia. Y la resistencia -física y política- florece como única arma y respuesta al alcance tanto de la sociedad como de los individuos. En la escena, igual que en la calle, los intérpretes resisten los choques, las caídas y el agotamiento con un lenguaje predominantemente físico, que tampoco impide a la coreógrafa crear momentos poéticos con gran sutileza.

La pieza se abre con el sonido sordo de unos pies saltando rítmica y bruscamente a la comba en el escenario aún a oscuras, una entrada coherente y contundente que presagia el carácter intenso, abrupto y arriesgado de una obra que destila fisicalidad, violencia, poesía y crudeza a partes iguales. Cuatro intérpretes, tres de ellos en ropa interior negra mostrando sus bellos cuerpos fuertes, esculpidos y trabajados frente a un cuarto que, bajo su ropa de calle presenta una corporalidad totalmente opuesta a los

Sugerente es el contraste entre dos cuerpos que se mueven de formas diametralmente opuestas: la vulnerabilidad, fragilidad y belleza de uno en relación con la agresividad, violencia y poder del otro no sólo pone en tela de juicio todos los códigos estéticos y sociales establecidos alrededor del cuerpo y el género sino que además, y apoyado por la fuerza de la banda sonora, alcanza uno de esos momentos de verdad y poesía escénica que agitan el alma.

Sobre “I see the problem, not the solution” de María de Dueñas e Ivan Mijacevic Coreografía e intérpretes: María de Dueñas e Ivan Mijacevic Música: Gasper Piano Escenografía y vestuario: la compañía Iluminación: la compañía con la colaboración de Pierre Williams Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

solution es una metáfora materializada de lo que es, en sí, un proceso de creación. ¿Y SI LA SOLUCIÓN NO EXISTE? por Nathalie Remadi I see the problem, not the solution abrió la segunda noche de la 28° edición del Certamen Coreográfico de Madrid, sembrando un viento provocador por el teatro del Conde Duque. La propuesta más atrevida, quizás, del concurso coreográfico, pone en escena un trío (una bailarina, un bailarín y un músico) donde la espontaneidad del movimiento y sonido, produciéndose a la vez en directo, dan lugar a una partitura improvisada desconcertante. Efectivamente, según los coreógrafos-interpretes, María de Dueñas e Ivan Mijacevic, lo que importa no es la finalidad sino más bien lo que está ocurriendo, lo que puede surgir de un instante al otro en los confines del azar y la fragilidad de la incertidumbre o la belleza de la coincidencia. Ambos se formaron en sitios donde el arte contemporáneo es muy orientado hacia la experimentación, investigación e innovación (Bruselas, el Salzburg Experimental Academy of Dance en Austria). Por lo tanto, I see the problem, not the

La pieza se divide en dos escenas distintas sin que la relación que las une sea muy identificable, con lo cual pueda dejar el espectador dubitativo. Desde luego, la dramaturgia de la obra es cuestionable y mientras unos verían ahí un fallo en la composición o un acto gratuito sin sentido, otros reconocerían una manera eficiente de romper con lo convencional y trastornar las expectativas del público. De hecho, la pieza desvela una comunicación deshumanizada a la imagen de nuestra sociedad confusa y dispersa. En el escenario, todo se hace impersonal, el otro se convierte en un médium igual que el aire, el suelo, o los sonidos percutientes de la guitarra eléctrica.

La idea de problema de comunicación esta trasladada a la relación obra-público con la intención de perturbar al público. Los tres protagonistas habitan el mismo espacio-tiempo pero no buscan la armonía sino se dejan guiar por sus impulsos, se abandona al imprevisible para dejarse sorprender, desafiando las leyes de la gravedad y mas allá las del espectáculo convencional. Si uno puede encontrar difícil conectar con la pieza, al menos, no le puede dejar indiferente.

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova Coreografía: Francisco Córdova Azuela Intérpretes: Francisco Córdova Azuela y Alfonso López Aguilar Música: Dustin O`Halloran. Escenografía e iluminación: Francisco Córdova Azuela Vestuario: Physical Momentum Project y Scenic Action Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

El mexicano actualmente afincado en Barcelona toma como premisa la despedida, el encuentro y el desencuentro como impulso físico, como base del lenguaje corporal. Influencia, afectación, apoyo, soporte, guía y unidad establecen el diálogo entre los intérpretes. Agilidad y destreza técnica destacan en CUERPO EN DESPEDIDA por Patricia Granados su ejecución. El control, la fuerza, el riesgo, el virtuosismo, la fisicalidad de los cuerpos masculinos potentes y entrenados, El 10 de diciembre de 2014 alrededor de las 20 horas y durante junto a la gran cantidad de movimientos y los contrastes entre 15 minutos, dos cuerpos tomaron el protagonismo haciendo del estos toman todo el protagonismo y valor en la obra. Corriendo teatro del Conde Duque un espacio cálido e intimista. Y es que el delicado riesgo de desvincular al espectador de la esencia en un abrir y cerrar de ojos Francisco Córdova nos emerge en del mensaje. una atmosfera cargada de nostalgia. Como si de un recital poético se tratase nos desvela el contenido de cartas Movimientos identificables en el comienzo de la obra, pequeños guardadas, de palabras nunca dichas, reinterpretando el gestos, cierran el rencuentro entre inicio y fin volviendo al recuerdo de la despedida. espectador a un lugar concreto, a ese último gesto, a esas últimas palabras que tienen lugar en la despedida, a la posdata. El dúo que forma parte de la tetralogía Postkriptum, en español posdata, plantea una puesta en escena concisa haciendo visible la idea de cuerpo como canal de comunicación. El coreógrafo Francisco Córdova aparece como interprete junto a Alfonso López Aguilar. Explora y modifica las diferentes acciones del gesto cotidiano creando un lenguaje dancístico-teatral concreto con el que dos cuerpos interactúan entre sí y con el espectador.

Pd: Este joven coreógrafo se despide como finalista de la 28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid, recibiendo el premio del Conservatorio Superior ‘’María de Ávila’’ y la residencia en Espacio Espiral en Santander.

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova

termina, la relación y estado humano a lo largo de lo que serían situaciones diversas de despedida. Los intérpretes, uno de ellos el propio coreógrafo, destacaban por su limpieza y virtuosismo, dejando entrever un cierto aire de danza urbana en las PS: LO YA ESCRITO por Alicia Narejos calidades y dinámicas, muy en la moda actual. La propuesta era realmente poco arriesgada dentro del contexto de un certamen de innovación coreográfica, y lo que debiera ser destacable, en La plataforma coreográfica Paso a 2, en colaboración con el este caso no lo fue. Resulta de una temática muy gastada por el Conde Duque, nos trajo, entre el día 10 y 13, la 28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid; con nuevas propuestas, uso y de una articulación de movimiento que, compuesta en dúo, no hace más que recordar a la también moda de generar e incipientes y seductores proyectos paralelos. dúos de contact o cogidas. La estructura era la siempre equitativa y capicúa: dúo, solo, solo, dúo, repitiendo material ya Director de la compañía independiente Physical Momentum desarrollado con anterioridad en ciertos momentos, no es lo Project-Scenic Action nacida en 2007 y creador de la esperado en un certamen coreográfico puesto que se trata de Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas de buscar otros caminos. Podríamos decir entonces que ya está México (APAEM), el coreógrafo Francisco Córdova proyecta muy visto, muy escrito. su identidad a través de la investigación, resaltando su relación con otras disciplinas artísticas. Por lo demás, se pudo apreciar un cierto bagaje y seguridad en la propuesta, que fue finalista y premiada con una residencia en Postskriptum es una de las últimas obras desarrolladas por la compañía Physical Momentum Project en 2013, representada Espacio Espiral, Santander, y un premio del Conservatorio Superior de Danza “María de Ávila”. Esta entrega de premios en más de 8 compañías en múltiples versiones, llega a personalizada dará un apoyo para el recorrido de este nosotros lo que parece la esencia convertida en un dúo. coreógrafo en un punto de su carrera en necesidad de difusión. Del alemán significa posdata o después de lo escrito, y nos cuenta, con una dramaturgia de las que empieza igual que

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova

COMO TE ALEJAS por Lucía Montes Arévalo Francisco Córdova, mexicano de 28 años, es el creador y director de Physical Momentum Project, compañía con siete años de existencia y proyección internacional. Prometiendo en el ámbito de la Danza Contemporánea, se mueve en los campos de la interpretación, la coreografía, la pedagogía y la iluminación. Hoy, vemos el resultado de uno de sus trabajos en el escenario.

Combinación de lo estrictamente físico, con un fuerte trabajo impregnado de danza urbana y danza contemporánea, en el que los saltos y la utilización virtuosa del suelo nos sorprenden, junto a un lado emocional, que los conecta y, a nosotros, nos hace empatizar con ellos, forman una unidad armoniosa y de indiscutible calidad técnica. Sin embargo, sólo algún momento de riesgo, de debilidad o descontrol, que rompiera con todo este orden de fuerza y grandes capacidades, hubieran podido emocionar de manera mas sutil y sorprender con nuevas investigaciones en cuanto a movimiento e ideas.

Un desarrollo circular en la pieza, que comienza y acaba con una misma imagen, la mano del uno sobre el pecho del otro, Abriéndose el telón, la imagen de dos hombres conectados nos invita a conectar con la idea cíclica del tiempo y de la vida. que se separan y se buscan empieza ya. Miradas, gestos, Es una relación expuesta con gran sinceridad y, que sometida miedos y alegrías, sentimientos surgidos de experiencias a continuas despedidas y sentimientos encontrados, vuelve al de despedida son transformados en danza por dos entrenados mismo punto otra vez. cuerpos masculinos. La música nos acompaña en los momentos más intensos, y en otros, nos deja escuchar las respiraciones agitadas y las fricciones de las zapatillas por el suelo. Se trata de Francisco Cordova, junto al bailarín Alfonso López Aguilar, con la obra Postskriptum.

Postkriptum (Posdata), estrenada el 29 de abril del 2013 ha sido presentada durante el 28º Certamen Coreográfico de Madrid 2014 en los pasados días 10 a 13 de diciembre, siendo premiada por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid y con la residencia en Espacio Espiral, en Santander.

Sobre “Yellow Place” de Mattia Russo y Antonio de Rosa Coreografía: Mattia Russo y Antonio de la Rosa Intérpretes: Mattia Russo y Antonio de la Rosa Música: Javier Solis, Eduardo Lalo Guerrero, L’Orange Texto: Francisco Jesús Becerra Iluminación: Mattia Russo y Antonio de la Rosa Vestuario: David Delfín Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

VITAMINA D por Laura Cortés Joyanes La pieza Yellow Place, ganadora del Premio del Público y de la ayuda para la gira por España en el 28º Certamen Coreográfico de Madrid asegura el disfrute del espectador. Mattia Russo y Antonio de la Rosa comparten, además de su providencia procedencia italiana, puesto en la Compañía Nacional de Danza dirigida por José Carlos Martínez. La pieza irradia frescura y humor a pesar de narrarse entre nostálgica lluvia. Comienza con la presentación de los personajes que bailan como si se tratara de la famosa escena I´m Singing in the Rain solitarios, hasta que unidos, quizás, por pura casualidad, comparten movimientos que invitan al espectador a adentrarse en su danza, a disfrutarla e incluso a reír con algún que otro gesto cotidiano en el que pueden verse reflejados. El color amarillo del vestuario, la calidad técnica y la interpretación dejan que el ojo y la mente se deleiten.

No solo han tenido la colaboración del diseñador David Delfín sino que han contado con el dramaturgo, letrista y actor Francisco Jesús Becerra, quien ha compuesto el texto, en inglés, que será la llave mágica que abre el cofre de la historia de estos personajes. Una historia de amistad y recuerdos compartidos guiada por un collage de músicas jazzeras y un bolero que le dan dinamismo a la pieza, conectan directamente con el público y no deja de sacar sonrisas de añoranza entre los asistentes. Aunque la pieza haya sido coreografiada por ambos intérpretes, sigue la línea temática que Mattia Russo propone en otras de sus piezas anteriores como Capra Pelada para la CND, Frates (2011) para Introdans o Descamino de dos con Diego Tortelli (ganadora del 1er premio Premio en el Certamen Coreográfico Burgos-New York 2012) donde la temática gira alrededor de la vida cotidiana, las oportunidades y las emociones, quitándole a la rutina la pesadumbre con una visión humorística.

Sobre “Yellow Place” de Mattia Russo y Antonio de Rosa

en esa historia de amor entre dos personas, que finalmente acaba dejando un regusto un tanto amargo.

LA NECESIDAD DE SER AMADO por Helena Núñez Guasch Yellow Place es ese lugar nostálgico y melancólico en el que todas y cada una de las personas ha estado alguna vez, esa plaza donde la necesidad de sentirse querido y el sabor agridulce que deja un desamor son los principales protagonistas. Y es hasta ahí a donde los bailarines de la Compañía Nacional de Danza y jóvenes coreógrafos, Mattia Russo y Antonio de Rosa nos trasladan con esta pieza, acompañados solamente por un carrito de supermercado y sus vestimentas amarillas diseñadas por David Delfín. La composición, que participó y fue finalista en la última edición del Certamen Coreográfico de Madrid, es dinámica, variada, atractiva y sobre todo, muy cómica, a pesar de que la pieza finalmente sea un tanto triste. Yellow Place es una cautivadora reflexión sobre la necesidad de ser amado, eso sí, siempre empleando un toque de humor, con el que consiguieron arrancar más de una carcajada al público. Asimismo, la música es otro de los puntos fuertes de la pieza, con el clarísimo objetivo de introducir al público en esa atmósfera a base de jazz y boleros, y conseguir que se involucre

Con el final, parece que los artistas han querido hacer un guiño a la conclusión del clásico de romántico, Giselle. Albrecht ensimismado mirando una flor que le ha dejado el espíritu de su amada, y sin saber si todo lo que ha vivido es verdad o ha sido fruto de su imaginación. Pero en esta ocasión, es el enamoradizo y atontolinado, siempre acompañado de su carrito de supermercado e interpretado por Russo, que después de encontrarse bailando solo, ve una chaqueta, esa que él llevaba en su primera entrada y que pasó a su compañero, y que le hace volver a la realidad sin tener muy claro lo sucedido. El papel que desarrolla Russo es el que lleva la mayor carga emotiva de la pieza, siendo un personaje muy cómico pero a la vez realmente melancólico. Él es el muchacho que se deja enamorar, para luego darse cuenta de que todo ha sido fruto de su imaginación. Además, también cabe destacar su evidente formación de técnica clásica y, sobre todo, sus preciosos pies. La única pega que se podría encontrar a la coreografía es el hecho de que se quedase un poco corto, ya que habría sido bastante interesante profundizar más en la trama y la personalidad de los personajes. Por ello y para disfrutar aún más, hay que volver a visitar ese universo creado por Russo y de Rosa, ese mundo amarillo, donde humor, amor y melancolía (pese a que parezca contradictorio), se unen para hacer reflexionar al público mientras pasan un buen rato.

Sobre “The masks behind doors” de Julia Robert y Rudi Cole Coreografía: Julia Robert y Rudi Cole Intérpretes: Julia Robert y Rudi Cole Música: Murcof, Ben Frost, Nils Frahm, track compuesto y editado por Rudi Cole. Iluminación: Guido Sarli Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

La belleza de los cuerpos en movimiento y la conexión entre los bailarines es claramente apreciable, destacando la FUERZA Y FRAGILIDAD por Baldo Ruiz interpretación de Julia Robert. Toda una pieza en la que la composición coreográfica quizás por momentos se vuelve Dos personas en el escenario, hombre y mujer, ambos vestidos monótona por la calidad de sus movimientos. La iluminación iguales dando la espalda al público y moviendo sus manos. diseñada se caracteriza por su oscuridad, pero resulta Con esta imagen comienza el primer intento de querer minuciosa en realzar el movimiento, diseñada por Guido Sarli, plasmar la temática de la pieza a través de gestos como el coreógrafo del cual la pieza obtiene una gran influencia en la dar la espalda. creación y composición del movimiento. Detrás de toda la propuesta coreográfica parece intuirse un trabajo de la The masks behind doors parece reflexionar sobre la fragilidad dramaturgia y de un efecto de provocación hacia la reflexión y el sentido crítico del espectador. Quizás este trabajo coreográfico de la identidad en la sociedad. Una sociedad donde existen y de provocación no quede del todo claro en una primera visión una gran cantidad de máscaras creadas, las cuales se de la pieza, en la cual la belleza de los cuerpos en movimiento identifican en la pieza por gestos que las simbolizan de una distrae sólo por su agradable ejecución, mucho movimiento en forma figurativa. La esencia propuesta por Julia Robert y poco tiempo. Rudi Cole es la manipulación, la formalidad y la rutina que se adopta ante esta. Se pueden apreciar acciones, gestos y actitudes físicas que determinan personajes con máscaras De las seis propuestas finalistas en la 28ª edición del Certamen muy reconocibles, gestos como puñetazos, disparos, Coreográfico de Madrid, Julia Robert y Rudi Cole han recibido el santiguarse y un saludo fascista. Todos introducidos entre Premio Residencia de dos semanas para un coreógrafo en La una gran cantidad de movimientos coreografiados que evocan Caldera, en Barcelona, y el Premio de una Beca para asistir al una masa en diferentes calidades, con una acertada elección Barcelona Internacional Dance Exchange. de temas musicales que acompañan la propuesta.

Sobre “Drone” de Karolina Rychlik y Laila Tafur Coreografía: Karolina Rychlik y Laila Tafur Intérpretes: Karolina Rychlik y Laila Tafur Música: Hans Laguna Oteiza Iluminación: Adriá Pinar Marcó y Victor Peralta Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

por Javier Ara

por escena como guiados por la música de las esferas, con un ritmo imperturbable que pareciera prolongarse hasta el infinito. Estos cuerpos, desprovistos de comunicación entre ellos y de emoción, ofrecen destellos de cierta belleza melancólica que solo son visibles al ojo del espectador que ha conseguido conectar con el universo que se propone.

El término drone en música hace referencia a la repetición o suspensión del sonido en el tiempo sin apenas variaciones. La racionalidad desde la que se concibe la pieza hace que el Este sentido de continuidad es el punto de partida de la diálogo que se establece entre la coreografía y el público no propuesta coreográfica que las jóvenes creadoras Karolina resulte fácil, aunque sí es capaz de crear un marco creativo para Rychlik y Laila Tafur presentaron en el Teatro Conde Duque dentro de la 28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid. el espectador en el que este puede imaginar, reflexionar, El objetivo de este dueto es trasladar la idea musical al cuerpo descubrir... En palabras de las creadoras: "la coreografía no se y el movimiento. Este hecho ha llevado a las coreógrafas a una propone desde el escenario pero se construye en el ojo del espectador". Por contraste, la propuesta coreográfica Drone nos experimentación centrada en el uso de pocos elementos y en la repetición persistente de las pautas de movimiento en la que recuerda que vivimos en una sociedad dominada por las prisas la improvisación se convierte en una herramienta de la creación. y el estrés y propone un espacio y tiempo en el que pararnos a observar. El deseo es insistir hasta la saciedad y los elementos extra coreográficos inciden en este empeño: desde la tenue luz que dibuja la figura de las dos intérpretes durante toda la pieza Aunque la reacción del público no fue calurosa, el jurado premió hasta la calculada composición espacial. También la música de la pieza con una residencia en el Centro Coreográfico de La Hans Laguna insiste en la repetición, generando un paisaje Gomera y Laila Tafur recibió el Premio Fundación AISGE a la sonoro envolvente que crea una atmósfera hipnótica y narcótica bailarina sobresaliente. sumida en la calma y la soledad. Los dos cuerpos se mueven

Sobre “Drone” de Karolina Rychlik y Laila Tafur Coreografía: Karolina Rychlik y Laila Tafur Intérpretes: Karolina Rychlik y Laila Tafur Música: Hans Laguna Oteiza Iluminación: Adriá Pinar Marcó y Victor Peralta Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

EN LA NIEBLA DE LA DANZA CONCEPTUAL por Violeta Fernández Marchen El Teatro Conde Duque acoge al 28º Certamen Coreográfico de Madrid en el que Karolina Rychlik y Laila Tafur presentaron como bailarinas y coreógrafas Drone. Una pieza con la que a Laila Tafur se le ha otorgado el premio a la intérprete más destacada. Polaca y granadina respectivamente, se encuentran en este momento, sujetas a una línea coreográfica muy influenciada por la construcción y la deconstrucción de la estética del movimiento y la composición escénica, usando el cuerpo como herramienta que trasciende el campo físico y teórico, dándole un peso excesivamente abstracto. Drone es un dueto construido a base de dos investigaciones separadas que dejan ver al espectador dos matices de movimiento que en ocasiones se unen de forma involuntaria. Dos cuerpos que se disponen en escena, de manera que uno

de ellos se encuentra en un punto central caracterizado por el uso de movimientos sostenidos o repetidos, al tiempo que el otro orbita alrededor de él. Ambos cobijados por una iluminación lúgubre y un vestuario excesivamente oscuro que en ocasiones hace perder a las intérpretes entre las sombras. Se podría decir, como es propio de la definición del término musical “drone” que se trata de una composición larga, prácticamente desprovista de variaciones armónicas. Una pieza monótona e insistente “que no se propone desde el escenario pero se construye en el ojo del espectador” tal y como sus autoras definen. Es una obra en la que el espectador puede quedarse indiferente si no obtiene información previa de un trabajo tan profundo, impidiéndole la comprensión de lo que está sucediendo en escena y por consiguiente frenándole a la hora de realizar una crítica con sustento. Relacionando quizás el título de la propuesta con la robótica (drone-robots) llevándoles a ver dos cuerpos mecánicos en movimiento y no la corporalidad de una nota pedal.