POP ART

Celia Miranda Riquero R3 A Curso 2014-2015

INDICE

1. Introducción 2. Contexto histórico-artístico 3. Características generales y obras representativas 4. Conclusión personal 5. Bibliografía

INTRODUCCION El trabajo trata sobre uno de los movimientos modernitas del siglo XX, el llamado Pop Art. He elegido este tema porque me llamó mucho la atención las obras de Andy Warhol y de Roy Lichtenstein, con temas como Marilyn Monroe o comics respectivamente. La utilización de imágenes de famosos creando variaciones cromáticas y la aplicación de los comics en la pintura son los ejemplos que más han captado mi interés por este movimiento. Por otro lado, después de investigar, me ha resultado impactante las esculturas sexistas de Allen Jones, utilizando a la mujer como mueble.

CONTEXTO HISTORICO-ARTISTICO El arte pop es un movimiento artístico que nace en el 1954 (siglo XX) en Reino Unido (Londres principalmente) y en Estados Unidos (Nueva York principalmente), concretamente a mediados de 1950 y a finales de 1950 respectivamente, y que surge como reacción contraria a los dominantes ideales del Expresionismo Abstracto, considerado como vacío y elitista. Es el reflejo de unos años turbulentos, ya que recientemente había terminado la Segunda Guerra (Guerra Fría), una guerra ideológica con dos maneras de percibir el mundo, de ahí a que el mundo se dividiese en dos polos: la U.R.S.S y Estados Unidos. A partir de ese momento se refleja la deshumanización del hombre en los movimientos que surgen posteriormente y la sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía (sociedad capitalista) serán los temas principales en la creación literaria y artística de la posguerra. El término ‘Pop Art’ fue utilizado por primera vez por Lawrence Alloway, referido al arte popular que estaba creando la publicidad de masas y que tenía como objetivo principal los intereses colectivos del pueblo, pasando de una producción de objetos de forma única a producirse en serie. Es el resultado de un estilo de vida, de manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, un arte ciudadano originario de las grandes ciudades y alienado totalmente de la naturaleza, que usa imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo. Los artistas de este movimiento artístico se mostraron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo que promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas, mostrando rebeldía y sensación de absurdo ante la realidad que estaban viviendo.

Una de las primeras obras de las que surgió este movimiento fue en Gran Bretaña, un collage de Richard Hamilton (1922-2011) titulado Pero, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos? de 1956 en la Whitechapel Gallery de Londres.

En 1961 el arte pop tiene su primer gran impacto en el público británico en la ‘Exposición de contemporáneos jóvenes’ que reunía obras de David Hockney (1937), Derek Boshier (1937), Allen Jones (1937), Peter Phillips (1939) y R.B Kitaj (1932-2007) (estudiante estadounidense), y estableció a una generación entera de artistas jóvenes. Pero ya en 1952 en Londres se fundó un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales llamado Independent Group y formado por Hamilton y Eduardo Paolozzi (pioneros del pop art), los arquitectos Smithson (Peter 1923-2003, Alison 1928- 1993), Banham (historiador del arte), el crítico Alloway y algunos músicos.

Otra de las obras pioneras de este movimiento fue de Eduardo Paolozzi (1924-2005). Presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, donde utilizó en 1947 una imagen titulada I was a Rich Man's Plaything.

A partir de esta presentación el grupo se enfocó en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos. Como artistas del pop británico destacamos a Paolozzi, Hamilton, Allen Jones (1937), Patrick Caulfield (1936-2005), Kitaj, Richard Smith (1931), Peter Blake (1932) y Hockney.

En Estados Unidos, en cambio, el arte pop viene de la mano de Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (1930) (pintores cuyos trabajos de la década de 1950 son clasificados como Neo-Dada) en el 1961, después de la muerte del artista del expresionismo abstracto americano Jackson Pollock. Una vez implantado (que en un primer momento no fue bien acogido por parte de la crítica americana, ya que creían que los artistas pop despreciaban los logros conseguidos por los artistas del Expresionismo Abstracto) se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Como artistas del pop americano destacamos a Andy Warhol (1928-1987) (el más representativo), Roy Lichtenstein (19231997), George Segal (1924-2000), Claes Oldenburg (1929), James Rosenquist (1933), Tom Wesselman (1931-2004) y Robert Indiana (1928), entre otros. El arte pop también llegó, no con tanta fuerza pero sí con influencias, a diferentes países como España, Italia, Japón y Países Bajos. En España l estudio del arte pop se asocia con la "nueva figuración", que surgió de las raíces de la crisis del informalismo. Entre los artistas españoles del Pop Art destacamos a Alfredo Alcaín (1936) (considerado como el más auténtico artista pop), Eduardo Arroyo (1937) y al Equipo Crónica, formado por Rafael Solbes (1940-1981), Manolo Valdés (1942) y Juan Antonio Toledo (1940-1995) a finales del 1964. En Italia, este movimiento se gestó con la cultura de 1950, con trabajos de Enrico Baj (1924-2003) y Mimmo Rotella (1918-2006), y con algunas piezas de Piero Manzoni (1933-1963). En Japón, el arte pop es único e identificable como el japonés, por las materias regulares y estilos, cuyos artistas se inspiran mayoritariamente en el anime y la cultura callejera japonesa, destacando a Takashi Murakami (1962) por su Kakai Kiki. En los Países Bajos no hubo un arte pop formal pero hubo un grupo de artistas holandeses que estuvieron un tiempo en Nueva York durante sus primeros años de Pop Art, los cuales fueron Asselbergs Gustave, Woody Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Frenken Jacques.

CARACTERISTICAS GENERALES Y OBRAS REPRESENTATIVAS El Pop Art, como he comentado anteriormente, rechaza el Expresionismo Abstracto y el Dadaísmo. Exploraba los mismos sujetos que el Dadaísmo pero también reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos de este último. También hay influencia del Surrealismo. El arte pop se caracteriza por la utilización de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales y el mundo del cine, y también se basaba en el medio ambiente. El concepto del Pop Art no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. Es un intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual, con formas fáciles y divertidas y con un contenido que se podía captar sin dificultad,

accesible al público en general. Por eso, los artistas emplean un lenguaje figurativo y realista sobre costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo, utilizando un estilo impersonal y repetitivo. Las obras están cargadas de ironía e irreverencia contra una sociedad cada vez más industrializada. Los artistas tienen preferencia por los objetos nuevos y combinan la pintura con objetos reales (Neodadaísmo) en sus composiciones (meticulosamente realizadas), pero las formas de estos objetos las combinan con sus cualidades abstractas, dándole un tratamiento menos tradicional. Hay una ampliación de los motivos iconográficos, y utilizan formas planas con contornos netos y volumen esquematizado, colores puros, brillantes y fluorescentes, serigrafía, óleo, técnicas de la publicidad y de la producción masiva, collages, fotografías, y poliéster, goma espuma o pintura acrílica. El Pop Art se ve representado en la escultura y sobretodo en la pintura. Hay poca producción arquitectónica.

Pop Art británico Arte más académico y que se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. Se considera como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos. ESCULTURA Eduardo Paolozzi Influenciado por el movimiento Dadá y el Surrealismo, en sus esculturas utiliza formas biomórficas, formas abstractas gigantes (casi arquitectónicas) realizadas con extrañas combinaciones de formas mecanicistas.

The Last of the Idols (El último de los ídolos) de Paolozzi, 1963 Se encuentra en el Museum Ludwig de Colonia. Es la representación de un robot en colores primarios, hecho de aluminio y óleo. 244 x 61 x 11 cm.

Isaac Newton de Paolozzi, 1995 Se encuentra en la Biblioteca Nacional de Londres. Es una versión de impresión en color de William Blake para ilustrar cómo las ecuaciones de Isaac Newton hicieron cambiar nuestra visión del mundo para ser uno determinado por leyes matemáticas. Hecho de bronce.

Vulcan de Paolozzi, 1998-99 Se encuentra en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno. Es una escultura de grandes dimensiones, concretamente de 7.3 metros de altura, hecha de acero. Representa Vulcano, el dios romano del fuego, herrero arquetípico y progenitor de la escultura de metal que se muestra balanceando el martillo y marchando a través de la Gran Sala. Mitad hombre, mitad máquina, Vulcan encarna la era industrial.

Allen Jones Sus esculturas retratan la belleza femenina y usa el Art Pop para dar énfasis en la sexualidad, realizando escenas que llaman la atención sobre un erotismo eufórico y vacío con rasgos sadistas. En su trabajo destacan piernas y maniquíes de cuerpos esbeltos.

Chair (Silla) de Allen Jones, 1969 Hecha de acrílico sobre fibra de vidrio y resina con plexiglás y cuero.

Secretarias de Allen Jones, 1972

PINTURA Richard Hamilton “El arte pop es popular, efímero, fungible, de bajo coste, masivo, ingenioso, sexy, efectista, glamuroso y un gran negocio”. Admira las obras de Duchamp. Sus pinturas abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular, con cualidades como popularidad, efemeridad, prescindibilidad, ingenio, cachondez, atractivo y malabarismo mecánico. Trabaja a partir de imágenes emblemáticas usándolas como espejos para criticar la saturación visual de la vida moderna. Su obra, por tanto, es culta y de profundo contenido intelectual. Pero, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos? de Hamilton, 1956 Se encuentra en la Whitechapel Gallery de Londres. En esta obra se ve a un atleta recortado de una revista de culturismo, a una bailarina de ‘strip-tease’ con los pechos cubiertos de lentejuelas y con la pantalla de una lámpara como sombrero, un emblema de Ford, un televisor, un cartel de cómic y de cine, una aspiradora, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups con la palabra POP, sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.

Interior II de Hamilton, 1964 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Es un collage hecho de pintura al óleo, pintura de celulosa y relieve de metal sobre tabla. 121 x 162 cm.

The Solomon R. Guggenheim de Hamilton, 196566 Con esta obra y 4 más del Guggenheim intentaba reflejar toda la actividad de la arquitectura en los confines de un papel de cuatro metros cuadrados. Son una ironía entre el museo como obra de arte y la obra de arte como museo.

My Marilyn de Hamilton, 1965 Aparece una figura famosa de aquellos años, como es Marilyn Monroe, y critica con burla sus fotos y poses, de una manera en la que sólo le gusta una foto, la única que no llega a tachar y la cual repite 3 veces en la obra. Hecho en óleo y collage sobre fotografía en panel, y el color destacado es el rosado. 51,6 x 63,2 cm.

Eduardo Paolozzi Su pintura también recibe la influencia de los movimientos de vanguardia. Utiliza imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado, emplea la yuxtaposición como recurso compositivo y hace referencia a la técnica serigráfica.

I was a Rich Man's Plaything de Paolozzi, 1947 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Imagen que utilizó en una serie de collages titulado Bunk!, y en la que se usó por primera vez la palabra ‘POP!’, que aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.

Dr. Peper de Paolozzi, 1948 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. El collage está compuesto de imágenes de revistas americanas populares. Las imágenes de salud, gente feliz disfrutando de la libertad que permiten las máquinas como automóviles, bicicletas, cocinas eléctricas y los teléfonos con la superposición de fotos de suculenta comida en abundancia.

Mosaico de Paolozzi, comienzos de los 80. Este mosaico, junto con otros más, se encuentra en la estación de metro Tottenham Court Road.

Allen Jones Su obra pictórica se caracteriza por el empleo de una gama cromática muy rica y exaltada, en la que distintas tonalidades de rojo suelen contrastar con verdes, amarillos

y azules. En su obra destaca la pintura de siluetas delgadas. Al igual que en sus esculturas, el tema se basa en la sexualidad y fue muy odiado por las feministas.

Hombre-Mujer de Allen Jones, 1963 En esta obra vemos dos figuras humanas fusionadas, un hombre y una mujer. Aunque no poseen cabeza se pueden identificar por la vestimenta: el hombre con traje, corbata y zapatos de vestir mientras que la mujer tiene las piernas descubiertas, camisa abierta y zapatos de tacón, además de usar colores diferentes para cada sexo. Jones parece tratar sus motivos contraponiendo pares: hombre-mujer, opaco-brillante, sujeto-objeto. Está hecho de óleo sobre lienzo. 213 x 183 cm.

Perfect Match de Allen Jones, 1966-67 Se encuentra en el Museum Ludwig de Colonia. Jones ha concebido una imagen fetiche moderna. Es una composición de tres piezas formando un tríptico vertical que presenta la imagen del ideal femenino según el deseo masculino en una época de transformaciones sociales y culturales. Cada una de las partes ha sido agudizada para representar las preferencias o psicosis individuales, de forma que podrían funcionar en solitario. De arriba abajo, la primera pieza: boca y pechos; segunda pieza: caderas, nalgas, pubis y muslos; tercera pieza: pantorrillas, tobillos y pies. Además, los contornos están muy definidos y sombreados lo que hace que se intensifique la obra llegando a la frontera de la caricatura. Los colores lo caracterizan como pop. 361 × 93 cm.

Peter Blake “Siempre emprendo mis obras como un viaje en el que explorarlo todo; como Alicia en el País de las Maravillas”. Fascinado por el coleccionismo, realiza collages (maestro) y composiciones con postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos combinándolas con formas geométricas de brillantes colores. En sus obras aparecen, además, imágenes de escaparates de juguetes con los pins, tebeos y posters de los ídolos de la música pop o del cine, así como también revelan una actitud muy poco ingenua y en ellas se reúnen elementos seleccionados por su significación. Su interés era hacer una pintura fácil, cercana a los gustos del gran público y comprensible por todo el mundo. También trabajó el autorretrato.

Autorretrato con chapas de Blake, 1961 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Obra en la que se retrató como coleccionista y con la que ganó en 1961 el primer premio en la galería de John Moore en Liverpool.

The Toy Shop de Blake, 1962 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.

Sargent Pepper´s de Blake, izquierda de 1967 y derecha de 2012 Es la portada del mítico álbum de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Patrick Caulfield Él mismo se consideraba un pintor clásico de rigurosa normativa a semejanza del pintor cubista clásico que más admiraba, Juan Gris. Incorpora elementos realistas a sus composiciones y realiza pinturas figurativas interpretando objetos sencillos, y utilizando tintas planas y contornos fuertes, aunque algunas obras están dominadas por una sola tonalidad. Cerámica de Caulfield, 1969 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Los objetos de esta obra se han representado desde diferentes puntos de vista. Los que están en la parte inferior están pintados como si se viesen desde arriba, los que están cerca del centro parecen ser vistos desde el nivel del ojo y aquellos de la parte superior se muestran desde abajo. Con esta manera de representar los objetos Caulfield resalta el efecto global del apilamiento de un gran número de objetos similares. Dice que fue una excusa para usar un montón de colores. Hecho de óleo sobre lienzo. 213,4 x 152,4 cm.

Les Demoiselles d’Avignon Vues de Derriere (Las señoritas de Avignon) de Caulfield, 1999 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Es un juego de la famosa obra de Picasso (Les Demoiselles d’Avignon), representando a las prostitutas de Avignon, pero la diferencia es que Caulfield las ha pintado de espaldas. Esta reversión de la imagen es un juego de palabras visual en el proceso de impresión. Es una serigrafía sobre papel. 105,9 x 91,8 cm.

R.B. Kitaj Pinturas concentradas en la figura humana. Obras alegóricas y descriptivas, tradicionales y completamente modernistas. Sus obras tienen vínculos con el pasado a través de una variedad de referencias a la literatura y filosofía (Kafka, Ramon Llull, entre otros), a los acontecimientos notables (el Holocausto, el auge del fascismo, entre otros) y a los paisajes (de Londres en las orillas del lago Erie, a Cataluña, entre otros). Impresionado por la obra de Edgar Degas, adopta el pastel como técnica para una serie de estudios del cuerpo humano del natural, aportando una sensualidad nueva y un claro erotismo en sus obras. También trabajó el autorretrato.

Synchromy with F.B: general of hot desire (Sincromía con F.B: general de cálido deseo) de Kitaj, 1968-69 Es un díptico, hecho de óleo sobre lienzo.

Marynka Smoking de Kitaj, 1980 En esta obra aplica la técnica del pastel que muestra sensualidad y erotismo. Además del pastel también está hecho de carboncillo sobre papel. 85,5 x 56,5 cm.

Richard Smith En sus primeras obras se muestra la influencia del Expresionismo Abstracto. Gusto por los formatos desmesurados y su tendencia a la abstracción. Interés y representación de publicidad, revistas y productos de consumo. Piano de Richard Smith, 1963 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Pintura al óleo sobre lienzo. Es una obra en la que se emplea la imaginería escalonada, efecto que produce un proyecto en tres dimensiones, utilizando lona plegada que sobresale del cuadro. 182,6 x 277,2 x 114 cm. David Hockney “Me apasiona la idea de pintar algo que dura dos segundos”. Sus obras son de carácter naturalista y realista, como sus famosas piscinas californianas, pintadas en un estilo ingenuo y colorista. Más tarde dejara el sol y pintará bosques. Utiliza pintura acrílica, el óleo y la técnica del fotocollage. También juega con dos formas de pintar dentro de un mismo cuadro: una pintura lisa y pulida para algunas zonas y otra más informal o abstracta para otras. El tema de su obra es la autobiografía. Una buena parte de su obra está constituida por retratos dobles de amigos que aparecen en interiores. Incorpora instrumentos, como el iPhone y el iPad, como nuevos y revolucionarios medios de expresión. A bigger splash de Hockney, 1967 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Esta obra nos translada a un tranquilo día soleado en California. Hockney capta el momento exacto en el que un personaje que acaba de lanzarse al agua, formando un gran splash que rompe momentáneamente la calma de la escena. Se representa el doble juego de pintura: superficie tersa y pulida de todo el cuadro con

la mancha borrosa y pictórica del salpicón que produce la zambullida en el agua. Hecha de óleo sobre lienzo. 242,5 x 243,9 cm.

Christopher Isherwood and Don Bachardy de Hockney, 1968 Obra en la que Hockney hace los retratos de sus dos amigos Isherwood y Bachardy, en un interior. Hecho de acrílico sobre lienzo. 83 x 119 cm.

La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire de Hockney, 2011 Evolución del paisaje a través de los largos inviernos y veranos y los cortos otoños y primaveras. Es un óleo sobre 32 lienzos. 365,8 x 975 cm.

Pop Art estadounidense Arte con mayor fuerza y agresividad que el arte pop británico. Los artistas de América tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos, que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligentes comerciales.

ESCULTURA Jasper Johns

Ale cans de J.Johns, 1964 Se encuentra en el Museum Ludwig de Colonia. Esta obra son dos botes de cerveza esculpidos en bronce.

George Segal Adopta la técnica del molde en yeso. Para él el yeso es el medio para dar rienda suelta a un realismo poético e introspectivo. Puede reflejar la fisonomía del hombre y plasma su individualidad, sus estados de ánimo gracias a la adaptabilidad del material. La vida cotidiana se refleja en sus composiciones. Lo que él llama esculturas de situación corresponde a personas formando diferentes escenas. Hace las esculturas a partir de cuerpos de sus amigos o de modelos.

Hombre comiendo de George Segal, 1964-66 Se encuentra en Minneapolis, Walker Art Center.

Claes Oldenburg Sus esculturas se basan en la representación a gran escala de objetos cotidianos, utilizando formas universales como el círculo, el cubo o el cilindro, y también hace versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. El humor reside en el contraste de la monumentalidad con la banalidad del objeto. Es considerado como el máximo exponente de la escultura del Pop Art americano, del ‘happening’ y la ‘performance’.

Floor Burguer de Oldenburg, 1962 Se encuentra en la Art Gallery of Ontorio, Toronto en Canadá. Está hecho de acrílico sobre lienzo lleno de cajas de goma espuma y cartón. 132,1 x 213,4 cm.

Shuttlecocks de Oldenburg, 1994 Se encuentra en el Museo Nelson-Atkins de Arte, Kansas City. Está hecho de aluminio y plástico, reforzado con fibra y pintado con esmalte de poliuretano. Es un conjunto de cuatro volantes situados en diferentes posiciones sobre la base del museo. Robert Indiana “Pop es amor porque lo acepta todo…Pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…” Su obra está ligada a la abstracción e integra mensajes, letras y números en superficies geométricas de color. Practicó también en sus comienzos la técnica del ensamblaje pero actualmente sus obras están orientadas a la tridimensionalidad en acero y otros materiales. Es famoso por su serie ‘amor’ de esculturas, ubicadas en más de 30 lugares del mundo. Love de Indiana Se encuentra en la JFK Plaza, una plaza situada en Center City, Filadelfia, Pensilvania, con el Museo de Arte de Filadelfia de fondo. Su representación original en escultura fue realizada en 1970 y se encuentra en el Museo de Arte de Indianápolis. Está hecha de acero cortén. PINTURA Robert Rauschenberg “No soy un artista con ideas. Odio las ideas. Y cuando a pesar de ello tengo alguna, me voy a pasear para olvidarla”. Influenciado por el Dadaísmo. Realizó pinturas collage: lienzos expresionistas libremente pintados están cubiertos con fragmentos textiles,

fotografías y recortes de periódicos rasgados, y ‘Combine Paintings’: combina pintura, ensamblajes y collages de fotografías con objetos encontrados. También se dedicó a la litografía y estampación por serigrafía. Rauschenberg alude también a los coches y naves espaciales, incluso incorporando llantas y bicicletas reales: refleja su propia inquietud, imaginación peripatética.

Coca-Cola Plan de Rauschenber, 1958 Se encuentra en el Museum of Contemporary Art en Los Ángeles. Es un ‘Combine Painting’. 68 x 64 x 14 cm.

Retroactive I de Rauschenberg, 1964 Se encuentra en el Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, USA. La fuente de inspiración para esta serigrafía sobre lienzo fue una enorme fotografía de John F. Kennedy hablando en una conferencia televisada (en el centro). A esta imagen superpuso otras serigrafías como la de un astronauta en paracaídas (arriba a la izquierda). Con todo esto crea un colorido comentario visual sobre una cultura saturada. Además de la serigrafía también está hecha en óleo. 60,8 x 23 cm.

Jasper Johns “Cosas que se ven, pero no se miran, no se examinan”. Tenía una actitud radicalmente opuesta a los expresionistas abstractos. Sus obras se centran en temas como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto, lo que le llevó a un tratamiento de los colores y las texturas. Emplea la técnica encáustica, que consiste en diluir los pigmentos en cera caliente para darle al cuadro una apariencia de relieve.

Pinturas con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura, que después son más libres y sueltas. También solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas.

Tres banderas de J.Johns, 1958 Se encuentra en el Whitney Museum de Nueva York. Superposición de tres pabellones de diferentes tamaños, con fondo blanco dominado por barras y estrellas, reforzando así la imagen y generando un interesante efecto óptico. Representación de un motivo banal. Es encáustica sobre lienzo. 78,4 x 115, 6 cm.

Comienzo falso de J.Johns, 1959 En esta obra Johns utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de color sobre los objetos pintados. Obra llena de humor y juegos de significados. Es un óleo sobre tabla. 171 x 137 cm.

Andy Warhol Trabaja a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico y repeticiones de los mismos, como por ejemplo Marilyn Monroe o Elvis Presley, haciendo una reflexión sobre la fama, el éxito, el poder o la muerte. Su objetivo era eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, de ahí a que la mayoría de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre un lienzo. En sus obras se muestra a menudo la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros. Técnica de la serigrafía y exalta la banalidad de la vida, ironiza sobre la reproductibilidad del objeto de consumo, es decir, desmitifica la obra de arte como un objeto único e irrepetible. Será un precursor de nuevas formas artísticas como el videoarte.

Campbell’s Soup Cans de Warhol, 1962 Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Es un conjunto de 32 lienzos de 50,8 x 40,6 cm cada uno. Cada uno tiene la imagen de una lata de sopa Campbell, representando en cada uno los diferentes sabores que ofrecía esta marca y ordenados cronológicamente según la fecha de comercialización de cada sabor. Cada lata con su color rojo y blanco y un círculo anaranjado que reproduce la medalla de la Exposición Universal de 1900 en el medio. Es una pintura acrílica, serigrafía sobre lienzo. Predomina la sencillez en su obra: la forma geométrica de la lata, el uso de colores planos y puros y la disposición ordenada de las letras. Warhol dijo que hacía serigrafías de latas porque durante 20 años ha comido una lata de sopa Campbell y un sándwich, siempre lo mismo.

Marilyn de Warhol, 1964 Se encuentra en la Galería Leo Castelli de Nueva York. Serigrafía sobre lienzo. 100 x 10 cm.

Roy Lichtenstein Se inspira en los dibujos animados y envoltorios de chicle, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos comics. Sus pinturas son de temas emotivos presentados de un modo frío y formalista, dando la misma importancia a las cualidades abstractas y decorativas de la pintura sin que se pueda detectar su personalidad. Tiene un interés por las imágenes banales reproducidas.

Whaam! De Lichtenstein, 1963 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Es un díptico en el que Lichtenstein utiliza de manera sistemática la trama tipográfica de la imprenta como base y las tiras de comic como motivo iconográfico. 170 x 400 cm.

Crying Girl de Lichtenstein, 1963 Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Es una litografía sobre papel vitela ligero, de color blanquecino. 40,6 x 61 cm.

Tom Wesselmann Recibe las influencias del Expresionismo Abstracto. En algunas obras utiliza papeles y folletos de publicidad e incorpora elementos tridimensionales, como en los Cuartos de baño (ensamblajes). Destacan los Grandes Desnudos, gigantescas madonas modernas a las que adorar. A veces estos desnudos llevan a las tres dimensiones, y con telas superpuestas en varios planos, colores lisos y formas simplificadas al máximo, hace una imagen que resume las aspiraciones de la sociedad del consumo: gruesos labios rojos, dientes blancos, melenas rubias, pechos enhiestos, un cigarrillo humeante, un kleenex y una naranja redonda, jugosa, sensual y decorativa.

Collage de la bañera Nº3 de Wesselmann, 1963 Se encuentra en el Museo Ludwig de Colonia. Combinación de objetos pintados con objetos reales (puerta, toalla, alfombra, contenedor para ropa sucia y la cortina de la ducha). Su intenció con este montaje era reforzar la sensación de ilusión. Es un óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos. 213 x 270 x 45 cm. Gran desnudo americano nº98 de Wesselmann, 1967 Está compuesto por 5 lienzos superpuestos en 3 planos. En esta obra se pueden ver las aspiraciones de la sociedad del consumo. 250 x 380 x 130 cm.

James Rosenquist “Mi pintura debe mirarse con ojos de niño, sin ninguna intencionalidad”. Influencia de Robert Indiana. Se caracteriza por los formatos grandes de sus obras que combinan formas figurativas, desgarros espaciales y contenidos abstractos, con imágenes próximas al realismo fotográfico. Recoge fragmentos de la realidad y los representa a gran escala. Su obra es colorista y barroca (recargada) y utiliza imágenes desproporcionadas combinándolas mediante superposiciones, yuxtaponiéndolas para crear historias visuales. También escoge objetos simples que no aportan ningún significado simbólico y los trata en grandes formatos con un lenguaje propio de la publicidad.

Hey! Let’s Go For a Ride de Rosenquist, 1961 Es una colección privada. Óleo sobre lienzo. 87 x 90,8 cm.

F-111 de Rosenquist, 1964-65 Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El nombre de la obra viene por uno de los bombardeos utilizados en la guerra de Vietnam. Es una de sus obras emblemáticas. Óleo sobre lienzo y aluminio. 304,8 x 2621, 3 cm. Robert Indiana Su obra está relacionada con la abstracción, y al igual que en la escultura, integra mensajes, letras y números en superficies geométricas de color. Influencias de los trabajos de Kelly. Destaca la serie de lienzos ‘Love’.

Década autoportrait de Indiana, 1962 Obra donde se pueda ver la utilización de formas geométricas en las que hay inscritas palabras emblemáticas sacadas de textos poéticos donde se alaba el sueño americano, todo muy colorido.

Love de Indiana, 1964 Con esta obra Indiana alcanzó la fama, casi universal. Este diseño era para una tarjeta de felicitación de navidad encargada por el MoMA de Nueva york. Las cuatro letras forman una palabra de resonancia universal y se convirtieron en emblema de su obra, que fue reproducida de diferentes maneras: en papel, en esculturas y en sellos de correos.

Pop Art español Eduardo Arroyo Muestra interés por el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura, los medios de comunicación que incorpora los iconos de los medios de comunicación de masas y la historia de la pintura, y su desprecio por casi todos los estilos artísticos establecidos.

Equipo Crónica Cultivan la pintura figurativa. Uso de los cómics y las imágenes de la publicidad y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas. Sus obras también se inspiraban en obras clásicas como el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez.

Pop Art italiano PINTURA Piero Manzoni Proceso de desacralización, enlatando y vendiendo como producto de supermercado mierda , se ríe y pone en cuestión todo el montaje que rodea el mundo del arte: el sistema de mercado, la mitificación de la figura del artista como alguien superior y el fetichismo de todo lo que tiene que ver con él.

Merda d’artista de Manzoni, 1961 Lata de metal Colección particular, Venecia. 5 x 6,5 cm.

CONCLUSION PERSONAL La conclusión que saco es que el Art Pop es un movimiento que surgió como rebeldía y crítica hacia una sociedad capitalista, cegada por el consumo, las tecnologías, e incluso la fama, el poder, y todo aquello que se consideraba como nuevo. Un movimiento que consiguió llegar a todo el público tanto en obras escultóricas como en obras pictóricas.

BIBLIOGRAFIA http://es.slideshare.net/padac/arte-pop-5996350?related=1 http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop http://www.artelista.com/arte-pop.html http://popart22.blogspot.com.es/2005/12/contexto-histrico-pop.html https://prezi.com/rljslf4tp6rk/por-art/ http://es.slideshare.net/arelar/pop-art-en-inglaterra http://es.slideshare.net/arelar/pop-art-en-estados-unidos http://architecturepop.blogspot.com.es/ Medina, P: Història de l’Art. Ed. Columna. 1999 Santos García Felguera, M. Historia del Arte. El arte después de la guerra Lucie-Smith, E. Movimientos artísticos desde 1945. Ed. Destino. 1991 Argan, J.C. El art modern. Historia o (2 vol). Ed. Akal