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¿Por qué evoluciona la pintura?

Alumnas: García García, Clara. Gómez Rodríguez, Sonia. Jiménez Sánchez, Celia. Vázquez Fernández, Eva. Curso: 1º Grado Educación Primaria (T4) Asignatura: Didáctica de la creación plástica y visual. Profesor: José Pedro Aznárez Álvarez

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Palabras claves: inspiración, técnica, evolución, cambio, estilo, renacentismo, romanticismo, cubismo, surrealismo, fauvismo.

“La inspiración no existe, y si existe ojalá venga cuando yo esté trabajando” (P.Picasso) ¿Y qué es la inspiración? ¿Qué pintan los pintores? ¿Por qué pintan? Esas son algunas de las tantas interrogantes que nos formulamos las componentes del grupo antes de realizar nuestra investigación. Pero iremos indagando poco a poco. Empecemos con un breve paseo por la historia de la pintura: La historia de la pintura representa las diferentes técnicas y cambios que coincide con su contexto histórico y cultural. Las pinturas más antiguas de las que se tiene conocimiento (hace 30 mil años) fueron hechas en las paredes de cuevas. Sobre los muros existen dibujo exactos de bisontes, caballos y ciervos, coloreados con minerales pulverizados mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plantas, cola de pescado e incluso algo de sangre. Se cree que estas pinturas cumplieron un papel importante en los rituales mágicos, ya que en una de ellas aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros. Si bien su significado es un misterio, demuestra la presencia de una conciencia espiritual.

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Otro de los movimientos artísticos más destacados es el renacentismo, se caracteriza por una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. En este periodo se pintaban especialmente escenas religiosas y de la alta sociedad ya que junto con la realeza y el clero eran los únicos que se permitían pagar las pinturas.

Algunas de las técnicas y características de este movimiento son: 

Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

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Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.

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El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad.

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El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.

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A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.

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La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas, las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas.

El primer período del romanticismo (1770-1820) se desarrolla en paralelo con el neoclasicismo(1760-1800) o más bien en oposición a esta corriente. Esta pintura se caracteriza por un torbellino sensual de colores y de luz en torno a un personaje o persona que no podría identificarse sin conocer el título. Expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista. Pero el romanticismo no puede sólo definirse en términos de oposición, pues desarrolló sus propias características; el sentimentalismo, el misticismo, la expresión de los sueños. Este movimiento consiste en una forma de sensibilidad que glorifica al individuo. El romanticismo defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón, y por ello exalta la sensibilidad, la imaginación y las pasiones. Más que como un estilo pictórico, ha de concebirse como un movimiento social y espiritual. El individualismo propio de la época hizo que los pintores se expresaran a través de la pintura.

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Otro de los movimientos que más dieron de qué hablar y con el cambio drástico fue el fauvismo, fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color. Se caracterizaba por el color llamativo, intencionalidad de expresar sentimientos, y la luz

y la

profundidad, sensación de plano, el volumen se crea por el sentido. 5

Uno de los últimos movimientos artísticos que analizaremos es el surrealismo, movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico. El movimiento surrealista se encuentra vinculado a la escritura automática, y se caracteriza básicamente por la introducción en la obra artística de referencias oníricas y simbólicas, proponiendo escenarios irreales. Un forma de denuncia y provocación como arma intelectual en ese momento. El sexo, los sueños, Freud, la imaginación, el psicoanálisis, la fantasía, el subconsciente, las pulsiones escondidas, los deseos inconscientes, el rechazo a lo académico, el rechazo a lo convencional, y el rechazo a la lógica o a cualquier tipo de razonamiento, son aspectos fundamentales en las ejecuciones surrealistas.

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El cubismo con Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales, la pintura abstracta es heredera del cubismo. El Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy warhol. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética.

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“Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros” (M.Duchamp) A lo largo de la historia siempre ha habido pintores, pero ¿por qué? ¿Por qué pintaban? En la antigüedad los pintores y en general todos los “artistas” trabajaban para la clase alta, para las cortes, los ricos, los gremios, las academias…etc. ya que solamente trabajaban para subsistir, creaban lo que les pedían, normalmente pintaban estampas religiosas y retratos familiares de las familias reales, solamente poco a poco se preocupaban por pintar lo que verdaderamente le apetecían. Una vez salido de esa “represión” con el modernismo, un movimiento que liberaba el tratamiento de las formas

en

contraposición

a

la

anterior

rigidez

academicista.

El Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea y la pintura no fue una excepción. Las diferencias de estilo no se hallan únicamente entre los distintos artistas, sino también dentro de la obra de cada uno de ellos. Que agrupa una gran cantidad de artistas normalmente autodefinidos como Modernistas, pero que manifiestan una gran libertad creativa y no están demasiado preocupados por

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su fidelidad a las normas muy laxas del movimiento, lo que no es difícil si pensamos que en este, la norma es precisamente la ausencia de normas. El concepto de “artista”, el “bohemio”… esa ideología se creó durante el movimiento artístico del romanticismo donde se ideó el concepto de la “inspiración” en el cual pensaban que el pintor era especial y único. ¿Y qué es lo que influye a un pintor? Pues creemos que todo está relacionado, el mundo en el que viven, el entorno en el que se mueve, experiencias vividas, y lo más importante las técnicas que tengan a su alcance. No es lo mismo un pintor que utilice técnicas prehistóricas con medios naturales, con medios dados por la naturaleza a otro que utilice las nuevas tecnologías para ayudarse a crear. Tampoco se podía pintar todo lo que les apeteciera a los pintores ya que existía mucha represión, muchos tabús, en la antigüedad era impensable que se pintara los cuerpos humanos desnudos, eso era incesto, indecente… Y es que como dijo P.Picasso: “la calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo”

cada pintor crea, inventa, según sus vivencias, sus

experiencias. Todo influye alrededor de un pintor y el por qué de su obra y/o creación. Podemos afirmar que todo es importante, como ya hemos comentado anteriormente, a lo largo de la historia habido muchas formas diferentes de pintar y esto es debido porque la sociedad y el mundo en sí, ha cambiado, y todo se transforma, ¿Por qué cada pintor pinta diferente?, esta es la pregunta clave para analizar tras haber obtenido toda la información y la respuesta que hemos creído correcta es que cada pintor es diferente ya que tanto las técnicas como la historia cambian y la pintura no sería menos, además que si la pintura no cambiara nos aburriríamos, y no nos impactaría tanto, cada pintor busca maneras distintas para impactar, y llamar la atención con nuevas técnicas y colores con una gran importancia llamativa, ya que la pintura es un arte visual. En definitiva, hemos observado que a lo largo de la historia tanto los pintores como sus técnicas han ido evolucionando. Y nosotras nos preguntamos: ¿Qué nuevas pinturas aparecerán en un futuro?

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Bibliografía:      

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_renacentista http://trianarts.com/los-grandes-pintores-y-sus-frases/ http://www.arqhys.com/articulos/renacentista-pintura.html http://www.suite101.net/content/historia-del-amor-eternidad-y-concepto-a2144 http://www.profesorenlinea.cl/artes/pinturahistoria.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo

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