EL BASILISCO RESIDENCIA DE ARTISTAS AVELLANEDA, BUENOS AIRES, ARGENTINA 2004-2009

ESTEBAN ÁLVAREZ / CRISTINA SCHIAVI / TAMARA STUBY

Idea y producción general Esteban Álvarez, Cristina Schiavi, Tamara Stuby Textos introductorios y edición de textos Tamara Stuby Textos Jan Adriaans, Paulo Almeida, Nicanor Aráoz, Marco Bainella, Ana Bas Backer, Christian Bermúdez, Adriana Bernal, Gabo Camnitzer, Asli l Çş ğv oş , Mariano dal Verme, François Dion, Alejandro Fangi, Susanne Figner, Jaime Gamboa, Luis Guerra, Felice Hapetzeder, Alexa Horochowski, Runo Lagomarsino, Núria Marquès, Celeste Massin, Alejandra Montiel, Bjargey Ólafsdóttir, Roland Persson, Olivia Plender, Cintia Romero, Pablo Rosales, Cristian Segura, Carolina Senmartin, Lila Siegrist, Marcela Sinclair, Tamara Stuby, Jorge Tirner, Traplev (Roberto Moreira Jr.), Lucrecia Troncoso, Alejandra Urresti, Rob Verf, Adrián Villar Rojas.

ÍNDICE 6

Introducción

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Artistas

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Cambiar la perspectiva

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Mirar la excepción

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Controlar el espejo

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Cazar fantasmas

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Conquistar el espacio

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Indagar lo básico

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Traer puerta propia

Concepto de diseño Paula Galli

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El proyecto como motor home

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La protesta visual

Diagramación y retoque fotográfico Gustavo Barugel

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La llamada de la calle

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Dejarse llevar

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Excepciones a la regla

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Síntesis cronológica

255

Biografías

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Agradecimientos

Todas las fotografías son de los artistas salvo en los casos indicados. Todas son cortesía de los artistas salvo en los casos indicados Tapa: Gabriel Sierra, fotografía, 2007.

www.elbasilisco.com

TSeptiembre 2012, Buenos Aires, República Argentina. ISBN 411981 Ficha bibliográfica Titulo: Contenido: Características: Edición bilingüe (Español / inglés)

Página siguiente Foto: Seth Wulsin / Chih Chien Wang. (Invitación a la muestra de los artistas en El Basilisco), 2007.

mos una utopía fuera del alcance del vil metal, y mucho menos tomar una posición en contra del mercado; la intención fue generar un espacio que no repitiera la misma dinámica de las galerías ni de las escuelas ni de los eventos masivos.

PRE-HISTORY El Basilisco came into being in response to our own needs, but we quickly realized that they were also shared by many others. It’s hard to single out exactly when a desire begins to be called a “need”, but that’s the point at which we found ourselves. We felt a real lack of time and space for dynamic discussions and opportunities to share experiences with our peers on an everyday basis. At that time (2003) there were places and projects that provided social contexts for young artists, constituting a bridge between their educational phase and independent art production. There were others that helped artists to position themselves in the art scene for the first time, and there was also a circuit of professional activities for well-established artists. For “mid-career” artists, however, those who were already settled in their practice, fully committed to their work and avid to further develop and expand it, opportunities were scant. This gap between the very young and the very established was, in turn, a reflection of the needs of the market, which by its very nature needs a constant supply of novelty on the one hand and solid values on the other. Aside from a few marked exceptions (Fundación Antorchas or the Fondo Nacional de las Artes, among others), institutions at the time tended to follow the market’s lead, leaving those in the middle to fend for themselves. In this sense, we found ourselves with an open road ahead of us. We were also interested in proposing activities in an environment that lacked the competitive structure that characterized so many of the situations that brought artists together to share the same space at the same time (such as art fairs or prizes), where the only thing really shared were the drinks. It isn’t that we were longing for a utopia beyond the vile metal’s reach, and we certainly weren’t taking up an anti-market position; the idea

was to generate a space that wouldn’t merely reiterate the same dynamics as galleries or schools or massive art events.

Otra necesidad era la posibilidad de pensar y vivir nuestro contexto en toda su complejidad; superponiendo lo local con el contexto del país, con lo regional y lo internacional. En sus comienzos, globalización (antes de volverse una etiqueta), significaba conocer culturas ajenas a través de su arte, comidas y paisajes; ya en un mundo post-2000, era romántico y hasta no-realista suponer que podíamos funcionar desde un extremo u otro de la gama local-global sin estar influenciados por lo que sucedía en otros puntos. Paradójicamente, cuanto más lejos uno viajaba, mayores eran las expectativas de representar el lugar de origen (la camiseta de lo latinoamericano sigue siendo estrecha). Nos pareció que la forma más productiva de luchar contra los estereotipos, tan nocivos para la recepción de nuestro trabajo como artistas, era a través del conocimiento directo del otro. No pretendíamos cambiar el mundo, pero sí sabíamos que con poco, podíamos enriquecer el pequeño mundo de cada uno de nosotros. La decisión de trabajar con artistas de otras provincias del país junto a otros del extranjero fue una extensión natural de esa misma inquietud.

INTRODUCCIÓN

EL BASILISCO 6

LA PRE-HISTORIA El Basilisco nació como una respuesta a nuestras necesidades, pero rápidamente nos dimos cuenta de que eran comunes a una gran cantidad de gente. Es difícil señalar el momento en que uno empieza a llamar “necesidad” a un anhelo, pero nos encontrábamos allí. Sentíamos que nos faltaba un tiempo y un espacio para una dinámica de discusión, y la posibilidad de compartir experiencias entre pares cotidianamente. En aquel entonces (2003) existían proyectos y lugares que ofrecían contención para artistas jóvenes y constituían puentes para la transición entre la etapa de la educación artística y la producción independiente. También funcionaban otros espacios que ayudaban a los artistas a posicionarse en el medio por primera vez, y un circuito de actividades profesionales para los ya establecidos. Sin embargo, para los artistas de “media carrera”, es decir, los que ya estaban instalados y comprometidos con su práctica, ávidos de seguir desarrollándola, no existían muchas oportunidades. Esa brecha entre los muy jóvenes y los bien establecidos reflejaba, a su vez, las necesidades del mercado, que por su misma naturaleza requiere un suministro continuo de novedades por un lado y valores firmes por el otro. Salvo excepciones marcadas (Fundación Antorchas o el Fondo Nacional de las Artes, entre otros), las instituciones en ese entonces tendían a seguir el mismo compás que el mercado, dejando que la franja del medio se ocupara de sí misma. En ese sentido, nos encontrábamos frente a un camino despejado. Otro de nuestros intereses apuntaba a proponer actividades en un entorno libre de la competencia que caracterizaba tantas de las situaciones que nos convocaban a estar en el mismo lugar, al mismo tiempo, con otros artistas (como las ferias de galerías o los premios), donde la bebida constituía lo único compartido. No es que buscára-

Durante todo ese proceso tuvimos la suerte de mantener un diálogo muy fluido con el Triangle Arts Trust, importantísimo en términos de debatir ideas previas al inicio del proyecto. Habíamos entrado en contacto con la organización —y con Alessio Antonioli en particular— durante una residencia que Esteban y yo realizamos en 1999 en el programa de

We also felt that we needed to be able to contemplate and experience our context in all its complexity; a local reality simultaneously superimposed with the context of the country, the region and the world. At the outset (before turning into a label), globalization meant getting to know foreign cultures by way of their art, cuisine and landscape; in a post-2000 world, it was romantic and even unrealistic to assume that one could function from a position at one extreme or the other of the local-global gamut without being influenced by what was taking place at other points along the scale. Paradoxically, the further you traveled, the greater the expectations were that you would represent your place of origin (stereotypes of Latin America continue to pinch and confine). It seemed to us that the most productive way of fighting against the pre-conceived notions that were so damaging to our work as artists was through first-hand knowledge. We weren’t out to change the world, but we were sure that we could enrich the little corner of it that pertains to each one of us. The decision to work with artists from other provinces in Argentina in combination with artists from abroad emerged as a natural consequence of these same concerns. During this entire process we had the good fortune of being able to maintain a very fluid dialogue with the Triangle Arts Trust, which was crucial in terms of debating ideas prior to launching the project. We had come into contact with the organization–and with Alessio Antonioli in particular--during a residency in 1999, when Esteban and I had been at Gas-

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EL BASILISCO

la posibilidad de construir un espacio donde los artistas pudieran explayarse libremente, y fue en junio de 2004 que ya entre los tres, Cristina, Esteban y yo, dimos inicio al proyecto que continuó hasta principios de 2009.

works, in London. Some years earlier, another factor that was undoubtedly an influence was the experience Esteban and I had at Studio Camnitzer, an intensive work and study program held in Valdottavo, Italy (directed by Luis Camnitzer) that wasn’t called a residency because the term wasn’t that popular at the time; it wound up being a turning point in terms of life and work for both of us. Triangle had encouraged us to organize a workshop in Buenos Aires which would consist of a two-week encounter in an isolated venue with roughly twenty artists from Argentina and abroad. Although it was clearly an attractive idea, we were convinced that what was most lacking was a more ongoing experience, an environment for exchange that would be available on a continual basis more than as an exception. Coinciding with the crisis in 2001, the first attempt at activating the residency failed (only in terms of initiating our program at that moment, since Dutch artist Rob Verf wound up staying to live in Argentina instead of spending just two months in residency, joining the Buenos Aires art community for the long term). At that time, the series of roundtable talks at the Alianza Francesa1 was already well underway, being an activity that we could carry out practically without resources (that is, investing our time and effort and with institutional collaboration from the French Alliance, but without external funding). Motives similar to those behind the residency had given rise to the idea for the round table talks, and as time passed, the issues discussed there progressively confirmed and further articulated many of our observations regarding the dynamics of interaction between diverse sectors of the art world and of artistic production. Artists moved in different circuits at the time, without much connection between groups, or with other artists from abroad or from the provinces in Argentina. Although the talks did fulfill our desires to a certain extent, dur-

ing 2002 and 2003 we continued to think up ways of constructing a space where artists would be able to work freely and interact with one another, and it was in June, 2004 that Cristina, Esteban and I finally began the project that would continue until early 2009.

La idea parecía bastante simple: invitar a un artista del extranjero y otro de la Argentina a residir diez semanas en una casa en Avellaneda, donde pasarían su tiempo viviendo y trabajando, en la proporción que mejor les sirviera para sus procesos creativos. La casa donde funcionó el proyecto era una casa familiar que fue ideal en todo sentido: contaba con un gran salón que serviría de taller, más varias habitaciones individuales, una cocina muy amplia (esencial), tres patios y cuatro baños, y muy importante: vecinos bastante tolerantes. Suena fácil, pero quijotesco es un término más preciso; de todos modos, nuestras razones nos impulsaron adelante persistentemente y salimos a buscar los recursos necesarios y a convencer a quienes pudimos de lo genial que sería el proyecto.

INTRODUCCIÓN

Gasworks en Londres. Seguramente, tenía que ver también la experiencia que Esteban y yo habíamos tenido varios años antes en el Studio Camnitzer, un programa de trabajo intensivo en Valdottavo, Italia (dirigido por Luis Camnitzer), que no se llamaba residencia porque la palabra aún no era tan familiar, pero resultó un punto bisagra para la obra y la vida de ambos. Desde Triangle nos habían impulsado a organizar un work-shop en Buenos Aires, que consistiría de un encuentro de dos semanas de duración en un lugar aislado, con una veintena de artistas argentinos y extranjeros. Aunque claramente la idea tenía su atractivo, estábamos convencidos de que lo que más hacía falta era una experiencia continua, un ámbito de intercambio disponible como una constante, más que como una excepción. Coincidiendo con la crisis, el primer intento de comenzar con la residencia en el 2001 fracasó (aunque sólo en términos de iniciar nuestro proyecto en ese momento, ya que Rob Verf, de Holanda, en lugar de pasar dos meses en residencia terminó quedándose a vivir en la Argentina, incorporándose definitivamente a la comunidad artística local). En ese momento, las charlas en la Alianza Francesa1 ya estaban en pleno funcionamiento, siendo una actividad que podíamos llevar adelante casi sin recursos (es decir, sólo con nuestro tiempo y esfuerzo y la colaboración institucional de la Alianza). La idea de las charlas surgió por motivos similares a los de la residencia, y con el tiempo, los temas que allí se discutieron fueron confirmando y articulando mejor muchas de nuestras observaciones acerca de la dinámica de interacción entre distintos sectores del mundo del arte y el quehacer artístico. En ese momento coexistían distintos circuitos de artistas sin demasiado contacto entre sí, ni con otros del exterior o de las provincias. Aunque la serie de charlas cumplió con una parte de lo anhelado, durante 2002 y 2003 continuábamos pensando en

El motor Es natural suponer que el comienzo de un proyecto de estas carácterísticas estuviera acompañado por una mezcla de exaltación y terror; lo que no era tan previsible es que esa sensación iba a seguir acompañándonos con la llegada de cada nuevo artista a la residencia. Con los años, resultó cada vez más claro que compartíamos la experiencia de los visitantes en forma complementaria, a pesar de que se establecieron ciertos ritmos y ritos. Y ahí estaba el verdadero motor; el contacto palpable con el proceso del conocimiento, el procesamiento de lo nuevo y diferente. Cuando uno llega a un lugar desconocido, no para

The idea seemed simple enough: to invite one artist from abroad and one from Argentina to reside in a house in Avellaneda during ten weeks, where they would spend their time living and working in the proportion that best served their creative process. The house where the project took place was a family residence, ideal in every sense: it had a large main hall that was used as the studio in addition to several individual bedrooms, a huge kitchen (essential), three patios and four bathrooms, aside from another key element: neighbors who were quite tolerant. It may sound simple, but Quijote-esque would be more exact; at any rate, our reasons for undertaking the endeavor pushed us persistently forward and we set out to find the necessary resources, convincing everyone we could of just how great the project would be. Motivation It’s natural to suppose that the outset of a project of this nature would be accompanied by a mix of exaltation and terror; what is less predictable is that these sensations would continue to accompany us with the arrival of every new artist to the residency. Over the years, it became increasingly clear that we shared the artists’ experience in a complementary way, although certain rhythms and rituals did set in. Our true motivation was just that; tangible contact with the process of acquiring knowledge and processing the new and

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En cuanto a la confrontación con lo nuevo, estamos cada vez más acostumbrados a reunir y relacionar datos diversos; tenemos mil sistemas para acceder a lo desconocido, pero son pocos (y cada vez menos) los sistemas que nos ayudan a dar sentido a esos datos acumulados. Esta carencia se cubre muchas veces bajo el amplio paraguas del término Intercambio, una palabra estirada al punto de volverse irreconocible, que abarca desde el turismo mundial con pretensiones hasta un simple trueque de tarjetas de presentación. Adjudicar o construir sentido, es algo que funciona a través de comparaciones, paralelos y yuxtaposiciones, y tiene que ver con la tensión permanente entre la rutina (lo familiar) y una situación “excepcional” (lo desconocido). Aunque el lado más oscuro del capitalismo global nos ha demostrado el potencial que tienen las situaciones excepcionales para doblegar la voluntad de la gente, llevándola a hacer lo impensable o aceptar lo inaceptable, nuestra intención apuntaba hacia el otro extremo, apostando al potencial que tiene un cambio de circunstancias para inducir a alguien a explorar rincones de su voluntad que normalmente se encuentran obstaculizados. Sin embargo, mantener un balance entre la rutina y la exploración es esencial para que la experiencia no resulte demasiado desesperante o desgastante. Entonces la casa- grande, vieja y llena de idiosincrasias propias- sirvió para eso:

different. When you arrive in an unfamiliar place, you incessantly ask questions and make translations, searching for ways to approach and comprehend what is new to you. When new people arrived in our city for the first time, they posed new questions regarding that which we already knew, regarding that which we (supposedly) already understood beyond the shadow of a doubt. What, then, does knowledge actually consist of, if it proves to be so malleable? How does the learning process—the mechanism for incorporating new ideas and sensations—really function? When it comes to confronting the new, we are increasingly accustomed to gathering and defining relationships between diverse bits of information; we have thousands of systems for accessing the unknown, but the systems that enable us to give meaning to the data accumulated are very few and dwindling every day. This lack is frequently dissimulated within the ample scope of the term exchange, a word stretched so far out of shape that it is now almost unrecognizeable, covering anything from world tourism to trading business cards. Ascribing or constructing meaning is an operation that functions on the basis of comparisons, parallels and juxtapositions, and it involves a constant tension between routine (what is familiar) and “exceptional” situations (the unknown). Although the darkest side of global capitalism has demonstrated the potential that exceptional situations have to bend people’s will, leading them to do the unthinkable or to accept the unacceptable, our intention aimed at precisely the opposite, committed to the potential that a change of circumstances has to induce someone to explore corners of their desire that are habitually blocked or inhibited. However, maintaining a balance between routine and exploration is

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EL BASILISCO

nos ofrecía un microclima de contención, una base que liberaba energía para que cada uno la empleara en la dirección que quisiera. Alejandro Fangi, un artista que se sumó al proyecto para vivir en la casa, fue una fuente inagotable de asistencia y apoyo continuo, fundamental en la creación de ese microclima. En el mismo sentido, Avellaneda, o más bien Piñeyro -un barrio común y silvestre- se ofrecía como un lugar concreto y real, marcando un contraste con el circuito de los espacios de arte. Antiguamente el barrio fue formado por trabajadores, muchos de ellos extranjeros, y este hecho sin duda enriqueció la interacción que los vecinos tenían con los artistas visitantes. Por lo general había sólo dos o tres artistas en residencia a la vez, con lo que la residencia no constituía una comunidad en sí misma. Como organizadores facilitamos la introducción al contexto, al estilo de las presentaciones al principio de una fiesta, sin querer meternos mucho, dejando así que la química social hiciera lo suyo. Cuando surgió alguna colaboración, fue producto del interés de alguien por algo, no para cumplir con algún requisito preestablecido.

INTRODUCCIÓN

de preguntar y traducir, buscando formas de abordar y aprender lo nuevo. Con la llegada de los artistas a nuestra ciudad por primera vez, se formularon nuevas preguntas acerca de lo que ya conocíamos, de lo que ya (supuestamente) entendíamos. Entonces, ¿en qué consiste el conocimiento, si se revela tan mutable? ¿Cómo funciona el aprendizaje, ese mecanismo de incorporar ideas y sensaciones nuevas?

La política detrás de la práctica Las decisiones y posiciones que uno va tomando dentro del marco de la gestión generalmente desaparecen en la sombra de sus consecuencias más visibles. Se van sumando y toman forma con el paso del tiempo, y ahí dejan entrever las actitudes subyacentes. En la coyuntura específica del arte argentino en los años que siguieron a la crisis, frecuentemente se hicieron generalizaciones que definieron a todas las iniciativas de artistas con

essential in order to prevent the experience from being too exasperating or exhausting. The house where the residency took place—a big old place full of odd idiosyncrasies— served the purpose well: it offered a microcosm of containment, a home base that liberated energy for each person to apply in whatever direction they wanted. Alejandro Fangi, an artist who joined the project and lived in the house, provided an endless supply of support and assistance, playing a fundamental role in the creation of this familiar atmosphere. Similarly, the neighborhood of Avellaneda—or Piñeyro to be specific, a rather run of the mill neighborhood—was there as a very real and concrete place, almost the complete opposite of the art world. The neighborhood was historically a working class area with a significant component of immigrants, and this fact undoubtedly enriched the interaction that its inhabitants had with visiting artists. In general, there were two or three artists in the residency at a time, and as a result, it did not constitute a community in and of itself. As organizers, we facilitated visiting artists’ introduction into the local context, much like a host who makes a first round of introductions at a party, although our aim was to remain on the sidelines in order not to obstruct the natural flow of social chemistry. When different instances of collaboration did arise, they were the result of a genuine mutual interest, and not a response to a pre-established requisite. The Politics Behind Our Practices The decisions you make and the positions you take in the framework of self-management tend to disappear, overshadowed by their most visible consequences. Over time,

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El Basilisco no estaba en Avellaneda como una toma de posición geográfica, sino porque era nuestro barrio, y le teníamos un cariño infinito. Vivimos nuestras convicciones políticas de la misma forma en que uno vive como vecino, ciudadano, hijo, hermano o padre, y estas convicciones nos llevaron a encarar acciones en nuestro ámbito, el del arte (en cierto

however, they accumulate and take shape, and providing a glimpse of the underlying attitudes that shape them. In Argentinean art’s specific circumstances during the years that followed the crisis, sweeping generalizations were frequently made that categorized all artist-run initiatives with the “collective-ism” label. What was in many cases a simple matter of joining forces strategically in the face of adversity reached an extreme in terms of its perception, where collective projects acquired an aura of egos sacrificed in the name of the whole, with a certain air of sect or political militancy. In the midst of this climate, our position was far from correct: since there were three of us, we were deemed an artists’ group, but we never professed to renounce individuality or to subsume it within a larger identity. We still think that the issue of authorship is such a personal and complex one that it makes little sense to label one form as inferior or superior to another, any more or less noble. The way in which each person carries out his or her practice is reflected in their works or projects, and there was no point in qualifying art practices according to their authorship (group or individual), theme (political, gender-related, etc.), formal or technical aspects. Consequently, we did not look to nor did we achieve establishing an ‘aesthetic’ or ‘scene’ in particular. Instead, there was a continual turnover of different approaches and ways of working and by extension, a continual metamorphosis in the people who would visit the residency and form part of adjoining social circles. If any common denominator did exist among the most regular visitors to the space, it was that they possessed a certain openness and breadth of interests and had as much zeal for listening as for talking, for asking as for responding.

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EL BASILISCO

modo, nuestra fábrica). Buscábamos y buscamos incidir en el contexto desde nuestro quehacer como artistas, con nuestras palabras a toda hora y especialmente a través de aquellos proyectos que se articulan en el plano de la comunidad. Reformular la figura del artista siempre ha sido una meta: lograr que tenga mayor peso en las jerarquías de las ideas y opiniones, que tenga mayor voz en la formulación de las políticas que nos afectan, que se valore como parte de la sociedad y que su aporte no se limite a la comercialización de los objetos o imágenes que produce.

INTRODUCCIÓN

la etiqueta del ‘colectivismo’. Lo que en muchos casos fue una cuestión simple de aunar o sumar esfuerzos estratégicamente frente a la adversidad, en la percepción general llegó a un extremo, adquiriendo los proyectos colectivos un aura de sacrificio del ego con cierto aire de secta o militancia política. En medio de ese clima, nuestra posición resultaba poco correcta; siendo tres, fuimos calificados como un grupo de artistas, pero no profesábamos renunciar a la individualidad ni subsumirla en una entidad mayor. Seguimos pensando que el tema de la autoría es tan personal y complejo que poco sentido tiene tildar una forma u otra de mejor o peor, de más o menos noble. La forma en que cada uno lleva adelante su práctica se ve reflejada en las obras o proyectos, y no nos servía de nada categorizar prácticas artísticas según el formato de la autoría (grupal o individual), el tema (político, de género, etc.) o algún aspecto formal o técnico. En este sentido, no buscábamos ninguna ‘estética’ en particular, y no terminó generándose una ‘escena’; hubo un recambio continuo de distintas formas de ver y de trabajar, y por consiguiente, las personas que frecuentaban la residencia y los círculos sociales adyacentes también iban metamorfoseándose constantemente. Si existió un denominador común entre los visitantes más asiduos a la residencia, fue cierta apertura y amplitud de interés, un afán para escuchar tanto como para hablar, y preguntar tanto como contestar.

Hubo quienes interpretaron esto como una postura anti-comercial. Lo que intentábamos crear era un ámbito libre de reglas comerciales como un paréntesis (no como una negación) por la simple razón de que generalmente van a contrapelo de las necesidades creativas. El proceso creativo involucra cierto riesgo, y ningún mercado o inversionista quiere riesgo (real); y en el arte, el riesgo calculado o simulado es una receta para la mediocridad. Ese riesgo dentro del proceso es, a veces, imperceptible. Si uno espera presenciar un masoquismo dramático o una delincuencia vistosa, seguramente se decepcionará. Puede tratarse simplemente de una manera diferente de pensar, o de incursionar por primera vez en un campo ajeno, con altas probabilidades de un desenlace torpe, fallido o postergado. Puede ser divertidísimo, o un tormento insoportable; lo que es imposible es saberlo de antemano. Entendemos la dificultad que esta ambigüedad presenta, tanto para un mercado que requiere de claridad y simplificación para identificar tendencias o categorías, como para fundaciones que necesitan justificar sus gastos en términos de objetivos logrados o características geopolíticas representadas. En ese sentido, gran parte de nuestro

The fact that El Basilisco was in Avellaneda was not our taking a geographical stance, but because it was our neighborhood, and we were infinitely fond of it. We live our political convictions in the same way that one lives as a neighbor, citizen, son or daughter, sibling or parent, and these convictions led us to take action in our sphere of endeavor, which is art (our factory, in a sense). Something that we sought then and continue to seek now is to have a bearing on our context by way of our artwork, our words at all times and especially by way of projects that are articulated on a community level. Reformulating the profile of the artist has always been an objective: to achieve a more significant position for artists in the hierarchies of the realm of ideas and opinions, a greater say in formulating the policies that affect us all, that artists be valued as part of society and that our contribution not be limited to the commercialization of the objects and images we produce. Some have interpreted this as an anti-commercial posture. What we attempted to create was an atmosphere free of the rules of commercial activity, as a parenthesis (not a negation) for the very simple reason that in general, they go against the grain of creative needs. The creative process involves certain risk, and no market or investor wants (real) risk, and calculated or simulated risk in art is a recipe for mediocrity. Risk within the creative process is not always visible. If one expects to see debonaire delinquency or dramatic masochism, disappointment is almost sure to follow. Risk may be simply a matter of thinking differently, or of venturing into an unknown field, with high probabilities for clumsy or delayed results or outright failure. It can be either highly entertaining or torturous, and there is no way of knowing ahead of time. We understand the difficulty that this

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Aunque ahora cuesta creerlo, cuando comenzamos a buscar apoyo de instituciones locales en el año 2003, primero había que explicar la idea de una residencia de artistas y justificar la necesidad y los beneficios a largo plazo para toda la comunidad de un proyecto de esas características, y solo entonces pudimos solicitar el financiamiento para hacerlo. (Pero nada es tan constante como el cambio, y hoy las residencias son consideradas una línea esencial para cualquier currículum y el proceso se ha vuelto un nuevo objeto de deseo.) Una vez que logramos que una institución local respondiera con entusiasmo a la propuesta (Fundación Proa), otras se sumaron con más confianza. Aprendimos mucho en el camino que transitamos hacia la “legitimación” del proyecto en el ámbito local, tal vez porque no hubo un modelo preexistente a seguir. Selección anti-natural Las sesiones que dedicábamos a la selección de los artistas eran larguísimas; fue la parte que más nos dividía pero también donde más confirmábamos el respeto mutuo, donde volvíamos a articular nuestras mejores esperanzas y peores temores sobre lo que fuera a suceder en cada período de residencia. Eso no quiere decir que no lo disfrutáramos, y mucho. La gran mayoría de los artistas llegaron a través de una convocatoria abierta e internacional, pero hubo también casos de convocatorias más específicas o de invitacio-

ambiguity presents, either for a market that requires clarity and simplification to identify tendencies or for foundations that need to justify their expenses in terms of missions accomplished or geopolitical characteristics represented. In this sense, a large part of our project took place on a cultural or conceptual level, continually articulating and communicating different aspects of our underlying motives and aims for the project, defending artists’ right to dedicate time to their own process. Although it is hard to believe today, when we began to look to local institutions for support in 2003, we first had to explain the idea behind an artists’ residency, justify the need for it and explain the benefits it would bring long-term to the entire community. Only then could we ask for financing. (Nothing is as constant as change, however, and today residencies are considered an essential line in any curriculum and process has become a new object of desire.) Once we were able to find one local institution that responded with enthusiasm to our proposal (Fundación Proa), others followed suit with greater confidence. We learned a great deal along the road traveled until the project gained its “legitimacy”, perhaps because there was no pre-existing model available in our context. Un-natural Selection The sessions that we dedicated to selecting the artists were extremeley long ones; it was the part that divided us the most, and where we reconfirmed our mutual respect, where we re-articulated our highest hopes and worst fears regarding what might happen during each period of residency. This doesn’t mean that we didn’t enjoy it; we did, immensely. The

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nes directas. Resultaba tan difícil porque era tan pequeño el porcentaje de los postulantes que podíamos elegir, por razones de infraestructura, y porque considerábamos los múltiples aspectos de cada artista, (su modalidad de trabajar, su nivel de madurez o independencia, sus razones para participar, experiencias previas, entre otras cosas), y, más que nada, porque sabíamos que era, finalmente, una lotería. Nadie sabe qué va a pasar cuando alguien cambia de lugar y de hábitos. Quizás discriminábamos a aquellos que mostraban un sistema muy pulido para procesar lo nuevo, una forma ya establecida de canalizar y dirigir su reacción frente a una nueva situación en una producción dada, porque no nos interesaba una “profesionalización” de la experiencia de estar en residencia (más bien, eso figuraba en nuestra lista de los peores temores). Elegíamos primero a los artistas y luego buscábamos cómo traerlos; ese orden de prioridades en el proceso nos parecía muy importante aunque a veces significaba un camino más complicado.

INTRODUCCIÓN

proyecto tomó lugar en un plano cultural o conceptual, articulando y comunicando constantemente los matices de las intenciones que lo impulsaban y defendiendo el derecho de los artistas de tener tiempo para sí mismos.

EZE y más allá ¿Qué encontraron los artistas que vinieron? Paradójicamente, pocos encontraron lo que estaban buscando o esperando; se topaban con otras situaciones, por suerte, que generalmente igualaban o sobrepasaban sus expectativas. En 2004, el país contaba con varios mundos paralelos delimitados: desde distintos circuitos de galerías, centros culturales, museos, premios privados y estatales y la feria de galerías ArteBA, entre otros. La escena del arte en Buenos Aires estaba pasando por cambios rápidos, todavía reorganizándose después de cierta desarticulación estructural a fines de los ’90, debido a muchos factores, incluyendo una polarización entre sectores, la pérdida de figuras influyentes como Ruth

majority of artists arrived by way of an international open call, although there were cases with additional specifications or direct invitations. The reason that it wound up being so difficult was that we could only select such a small percentage of the artists who applied on account of our infrastructure, and due to the fact that we would take various aspects of each artist into consideration (way of working, level of maturity or independence, their reasons for wanting to participate, previous experience, etc.). More than anything, it was hard because we knew that it was, in the end, a lottery. No one knows what will happen when a person is faced with a new place and a change of habit. We may have discriminated against those who demonstrated a clearly developed system for processing the new, a set way of channeling and digesting their reaction to a new situation in a given kind of production, but we weren’t interested in “professionalizing” the experience of being in residency (that actually came closer to figuring on our list of worst fears). We would select the artists first, and then look for a way to bring them; this order of priorities in the selection process was important to us, even though it made the road a bit rougher at times. EZE* and Beyond What did artists find upon arrival? Paradoxically, few found what they had hoped or were looking for; they came across other situations, which fortunately generally met or surpassed their original expectations. In 2004, there were various delimited parallel worlds in Argentina: different gallery circuits, cultural centers, museums, private and state-sponsored prizes, and the ArteBA gallery fair, among others. The Buenos Aires art scene was *EZE is the abbreviation used for Buenos Aires’ international airport, actually located in the town of Ezeiza.

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Mientras tanto, la Internet ofrecía un mundo de información acerca de todo lo que pasaba en el mundo del arte global basado en un mapa hiper-detallado del éxito, pero aún era difícil encontrar información acerca de lo que pasaba al lado nuestro o en un lugar tan distante y exótico como el Uruguay. Faltaba notablemente una sensación de pertenencia regional tanto como el contacto real con otros artistas. Entender cómo y por qué un artista de otra parte del mundo hacía lo que hacía era tan importante como el proceso inverso respecto a la producción local. Ese aspecto de la residencia, el de mirar, contar, preguntar y

De resultados e informes Teníamos muy claro qué queríamos hacer, y por qué. El cómo, se fue dando con una práctica robusta de ensayo y error, pero una cuestión que siempre nos resultó muy huidiza fue la de los resultados. La expectativa que genera la palabra resultados es de por si, falsa: sugiere un producto, un bien, un cambio ostensible y cuantificable, medido con una escala de valores concreta. Y no había resultados de ese tipo (siempre podríamos haberlos dibujado —somos artistas— pero no nos parecía lo más adecuado). La dificultad llevaba a la

going through rapid change, still settling into a new order after having suffered certain structural disarticulation during the late ‘90s due to many factors, including a polarization between different sectors, the loss of influential figures such as Ruth Benzacar or Federico Klemm and diverse changes on an institutional level. For example, it was quite a surprise for many people to find that some of the transformations in articulating new forms of presenting works would come from established institutions instead of from independent spaces. The weight of widespread economic hardship that would finally culminate in the outbreak of the crisis in 2001 was a very significant factor. During the crisis, it was quite logically the primary topic of almost all conversation. Later, while increased social consciousness was seen reflected in many different ways on a local level, a sharp increase in interest in the social and economic situation in Argentina on the part of foreigners, above all from Europe, had a marked influence on the cultural plane. This materialized in the form of projects carried out on both sides of the Atlantic. In economic terms, visiting and even buying Argentinean works was inexpensive for pockets containing dollars or Euros, and this opened a new window of commercial opportunity in the midst of a gradual recovery in the local economy. There was a little bit of everything, with highly contrasting perspectives of a reality that was evolving at breakneck speed.

well as real contact with other artists. Understanding how and why an artist from another part of the world was doing what they were doing was as important as the inverse process regarding local production. This aspect of the residency, observing, telling, asking and above all listening is what occupied the large majority of the time. The nerve center for this interaction was the kitchen, but it didn’t end there; on the bus, at shows, in cafés or wherever, any place was a propitious scenario for discussions that at times generated an absolute vertigo of laughter, opinions and thought.

Meanwhile, Internet offered a world of information about everything that was happening in the global art world based on a hyper-detailed map of success. On the contrary, it was hard to find information about what was happening next door or in a place as far-off and exotic as Uruguay. There was a notable lack of any sense of belonging within the region, as

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EL BASILISCO

sobre todo, escuchar, es lo que ocupaba la mayoría del tiempo. El centro neurálgico de esa interacción fue la cocina, pero no terminaba ahí; el colectivo, una muestra, un café o donde fuera, eran escenarios propicios de charlas que a veces generaban un verdadero vértigo de risas, opiniones y reflexión. Por lo general, se hablaba del quehacer artístico en términos de las características y la metodología de la producción concreta, a veces ampliada hasta incluir la inspiración con “I” mayúscula. Nos parecía que hacía falta hacer lugar, además, para la química entre sensaciones y pensamientos donde se mezcla todo, impulsada por la curiosidad y el deseo, que es la manera en que se toman muchas decisiones claves. La oportunidad de entrar en contacto con personas con distintas perspectivas representaba una alimentación vital para ese proceso, además de ser un antídoto perfecto para el hartazgo, el cansancio y los callos que pueden dejar en el cerebro demasiadas vueltas sobre un circuito cerrado, y eso no es un tema menor.

INTRODUCCIÓN

Benzacar o Federico Klemm y diversos cambios a nivel institucional. Para muchos era sorprendente, por ejemplo, que algunas transformaciones en la articulación de nuevas formas de presentar obras hubieran venido de la mano de instituciones establecidas en vez de espacios independientes. El peso de las dificultades económicas generalizadas que culminarían en el 2001 con el estallido de la crisis fue un factor contundente. Durante la misma, lo que más se hizo fue hablar de ella, muy lógicamente. Luego, a la vez que una mayor conciencia social se vio reflejada de muchas maneras en el plano local, el interés por la situación económica y social en la Argentina por parte de extranjeros (sobre todo provenientes de Europa), tuvo una influencia muy marcada en el plano cultural, tomando formas concretas en proyectos realizados en ambos lados del Atlántico. En términos económicos, visitar y hasta comprar obras aquí resultaba barato para el bolsillo que contenía dólares o euros, abriendo una nueva ventana de oportunidad comercial en medio de la recuperación paulatina local. Había de todo un poco, con perspectivas contrastadas de una realidad que se transformaba con gran velocidad.

The artistic endeavor is generally spoken of in terms of the characteristics and methodology of its material production, expanded at times to include inspiration with a capital I. It seemed to us that the chemical reaction between sensations and thought, where everything mixes or merges together driven by curiosity and desire, where many key decisions somehow wind up being made also deserved a place. Having an opportunity to come into contact with others who bring different perspectives represents vital nourishment for the creative process, in addition to being the perfect antidote for despair, exhaustion and the calluses that too many laps along a closed circuit can leave on any mind, and this is no small matter. Regarding Results and Reports We had a very clear idea of what we wanted to do, and why. The how came along by way of a robust practice of trial and error, but one question that always remained elusive was that of results. The expectation that the word itself generates is necessarily false: it suggests a product, a durable good, an exchange that can be quantified and discerned, measured

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Cómo documentar una experiencia vital, es un desafío para nada sencillo, donde cualquier sistema de cartografía corre el riesgo de modificar la ruta. Un proyecto que encaramos de modo experimental con el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata, dejó en claro la riqueza potencial de un programa de documentación integrado a la actividad, a la vez que revelaba las limitaciones que producen las mismas pautas que otorgan valor y confiabilidad a los registros como fuente para posibles futuras investigaciones. El funeral irlandés ¿Por qué las cosas llegan a su fin? Dificultades hay, siempre y para todos. Nosotros medíamos el éxito del proyecto en cómo las residencias servían a los artistas y en el efecto que los artistas tenían sobre el entorno local. En ese sentido nos dio una gran satisfacción; ya que fueron mínimos los casos en los que no se cumplieron esas metas. Sin embargo, estas instancias nos sirvieron para ajustar distintos aspectos del proyecto, desde la metodología

along a scale of concrete values. There weren’t results of this sort (we always could have drawn them in—we are artists, after all—but that wasn’t the point). This difficulty led to reflection, and it seemed to us that the demand for results revealed certain tendencies in how art was thought of in the social context, influenced by market dynamics. In the non-profit realm, we encountered a sort of corollary to this, where money (destined toward a program whose objective is to enrich artists’ creative process) had to be justified, in addition, by other “social” reasons. Curiously, it was as though cultural producers existed in some limbo separate from society, and as such it was necessary to demonstrate what links might be created to connect the two. How to document a lived experience is a challenge, in no way simple, where any mapping system risks making modifications to the route. A project that we undertook in an experimental mode jointly with the Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la Facultad de Bellas Artes from the Universidad de La Plata made the potential wealth of a documentation program integrated with the activity itself quite clear, at the same time that it revealed the limitations generated by the very parameters that give value and reliability to the record as a dependable source for possible future research. The Irish Funeral Why do things come to an end? Difficulties always exist, for everyone. We measured the success of the project in terms of how the residencies served the artists who participated in them and the effect they had on the local environment. Given that there were few cases

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EL BASILISCO

de la selección hasta las comunicaciones con cada artista antes de su llegada. También hubo casos donde, contra viento y marea, diferentes artistas nos sorprendieron con su persistente entusiasmo y creatividad frente a situaciones difíciles que atravesábamos juntos, desde paros en el transporte público, cortes de teléfono o Internet, hasta dificultades personales que la vida reparte a todos por turno. Las diez semanas eran largas (en las ausencias) y demasiado cortas y veloces, siempre. Varios artistas volvieron después, de visita o para seguir elaborando proyectos por su propia cuenta; esas instancias le agregaron otra capa de marcada riqueza a la experiencia en su totalidad.

INTRODUCCIÓN

reflexión, y nos parecía que la demanda por resultados revelaba tendencias en cómo se pensaba el arte dentro del contexto social influenciado por la dinámica del mercado. En el ámbito sin fines de lucro, encontrábamos una suerte de corolario a eso, donde el dinero (destinado a un programa cuyo fin es enriquecer el proceso creativo de los artistas) necesita ser justificado, además, por otras razones “sociales”. Curiosamente, es como si los productores culturales existieran en algún limbo separado de la sociedad, y por lo tanto es necesario demostrar qué vínculos se pueden tender entre los dos.

El proyecto tardó en arrancar, pero creció con una velocidad insospechada de ahí en más, en términos del número de artistas que vinieron por año, del alcance de la convocatoria, de las posibilidades que tuvimos para invitar artistas argentinos a viajar al extranjero como fruto de intercambios que realizamos, y del nivel de reconocimiento que tuvo el proyecto. Pudimos cumplir el sueño de hacerlo crecer dentro de nuestra región, especialmente con proyectos hermanos como Lugar a Dudas (Colombia), Kiosco (Bolivia) y Capacete (Brasil), además de trabajar en conjunto con instituciones de más larga trayectoria como NIFCA (Países Nórdicos), Buy-Sellf (Francia) o Hangar (España), entre otros. Vimos florecer colaboraciones ricas e insospechadas entre artistas y vecinos del barrio, recibimos más visitas de artistas y otros actores del mundo del arte de distintas partes del mundo que pudiéramos haber imaginado, y terminamos comiendo, charlando, tomando y bailando mucho más de lo planificado.

in which these aims were not met, the project was a source of great satisfaction for us. Nevertheless, those few instances were useful in that they led us to make adjustments to different aspects of the project, from selection methodology to communication with each artist prior to their arrival. There were also cases where, against all odds, artists surprised us with their patience and creativity in the face of situations that were hard on us all, from lapses in Internet service to bus strikes or the personal difficulties that strike all of us at one time or another. The ten weeks proved to be long ones (of absence), but at the same time always too short and too fast. Several artists returned later on their own account, either to visit or to continue developing projects; these situations added yet another layer that greatly enriched the experience in its totality. The project took a long time to start up, but grew at an unsuspected velocity from then on, in terms of the number of artists who participated, the reach of the open call, the possibilities we had to invite Argentinean artists to travel abroad as the result of mutual exchange agreements we established, and the level of recognition that the project received. We were able to fulfill the dream of making it grow within our own region, particularly with sister programs such as Lugar a Dudas (Colombia), Kiosco (Bolivia), and Capacete (Brasil), in addition to working with institutions with longer histories such as NIFCA (Nordic peninsula), Buy-Sellf (France) or Hangar (Spain), among others. We saw surprising and enriching collaborations blossom and bear fruit between artists and members of the neighborhood, we received visits from more artists and other art world figures from different parts of the world than we could

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Este libro Se espera que esta publicación presente una suerte de balance de los años de actividad del programa de residencias de artistas El Basilisco, y aquí volvemos a las dificultades

have ever imagined, and we wound up eating, talking, drinking and dancing much more than we had planned. In the e-mail message we sent inviting everyone to the last party and official closing of the project, I wrote that “although we recognize the value of forming a solid, lasting institution on an intellectual level, we know that it isn’t our strength. There are many other reasons why the project reached the point that it did and no further that range from personal crises to the world crisis with several stops in between, but they are symptoms, not causes. They say that basiliscos hatch from rotten eggs, and in that sense the name was a perfect fit; we wanted to contribute something to a situation that we saw as lacking in different aspects, and we believe that we did manage to add something.” Years later, these same words still serve to explain the project’s end. In early 2009, we found ourselves looking for a new place to host El Basilisco, now grown to a considerable size, and between the international economic crisis, the changes that had occurred in the city’s art scene and others that had taken place in our lives, the extraordinary conditions that have to exist in order to overcome the numerous obstacles that any independent endeavor has to face simply didn’t come together. It should come as no surprise that projects of this sort come to an end, nor should it necessarily be a sad thing; what should be outstanding is how incredible it is when they do function, and how marvelous it is when they function well, for however long they may last.

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EL BASILISCO

ya mencionadas acerca de la documentación. Son los artistas los que hicieron de El Basilisco lo que era. ¿Cómo elegir las palabras que podrían constituir una suerte de rampa para acercar a los lectores a lo esencial de cada uno de ellos sin contar la historia completa, sin describir de dónde venía, qué camino le llevó a la residencia, qué esperaba, encontraba, preguntaba y al fin decidió hacer, y qué pasó después? Muy buena pregunta. Aquí presentamos un intento de mostrar por lo menos la punta del témpano, algo que quepa en la cantidad de páginas que pudimos reunir con ese fin. Al indagar la forma de encarar su obra, el modus operandi de cada uno, se pretende revelar alguna clave que facilite la comprensión de su trabajo sin dictar una interpretación predeterminada, incluso hay propuestas que todavía resbalan de un capítulo a otro. Esperamos que esa mirada subjetiva y discutible no importe tanto, ya que en las imágenes y las palabras de los artistas, se puede confiar ciegamente.

INTRODUCCIÓN

En el mensaje de e-mail que invitaba a todos a la última fiesta y cierre oficial del proyecto, escribí que “aunque en el plano intelectual reconocemos el valor de formar una institución fija y duradera, sabemos que no es lo nuestro. También hay muchas otras razones por las cuales el proyecto llegó al punto y al momento que llegó y no más allá de eso, en un rango que va desde la crisis personal a la crisis mundial con algunas escalas en el medio, pero son síntomas y no causas. Dicen que los basiliscos nacen de los huevos podridos, y en ese sentido el nombre le calzó perfectamente al proyecto; queríamos aportar algo a una coyuntura que veíamos como carente en varios aspectos, y creemos que algo hicimos.” Años después, esas mismas palabras todavía sirven para explicar el final del proyecto. A principios del 2009, nos encontrábamos buscando una nueva sede para El Basilisco, ya crecido a un tamaño significativo, y entre la crisis económica internacional, los cambios que habían transcurrido en el ámbito artístico de la ciudad y aquellos que habían transcurrido en nuestras vidas, las condiciones extraordinarias que tienen que existir para poder sobrellevar los muchos obstáculos que enfrenta cualquier emprendimiento independiente, simplemente no confluyeron. No debe ser sorprendente que proyectos de ésta índole terminen, ni necesariamente triste; lo que sí debería destacarse es lo increíble que es cuando funcionan, y lo maravilloso que es cuando funcionan bien, por el tiempo que sea que duren.

Tamara Stuby en nombre de El Basilisco

1 El ciclo de mesas redondas “Pensando en voz alta”, creado y organizado por E. Álvarez y T. Stuby, realizado en la Alianza Francesa, entre 2001 y 2003. El contenido de las mismas se publicó en CD card y en: http://www.elbasilisco.com/charlas.html

This Book The hope is that this publication will present a sort of end balance of years of activity at the El Basilisco artists’ residency, and here we return to the difficulties previously mentioned regarding documentation. The artists are the ones who made El Basilisco what it was. How to choose the words that might constitute a ramp to facilitate readers’ approach to the essence of each of them without telling the whole story, describing where they came from, what path led them to the residency, what they expected, found, asked about and finally decided to do, and what happened next? Good question. Here we offer an attempt to show at least the tip of the iceberg, something that fits into the number of pages that we were able to bring together for this purpose. By examining the way in which each one approaches his or her work, their modus operandi, the intention is to reveal a key to comprehending the work without dictating any predetermined interpretation, and many proposals may yet slip from one chapter to another. We hope that this subjective and debatable perspective matters relatively little, and that readers will trust blindly in the artists’ words and works. Tamara Stuby in the name of El Basilisco

1 The “Pensando en voz alta” (Thinking Out Loud) series of round table discussions, created and organized by E. Alvarez and T. Stuby, held at the Alianza Francesa in Buenos Aires from 2001 to 2003. The content of the same can be found on a CD card and at: http://www.elbasilisco.com/charlas.html

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ARTISTAS

Origami y fotografía de Alejandro Fangi, 2005.

CAMBIAR LA PERSPECTIVA

Paulo Almeida / Iara Freiberg / Adriana Bustos / Cristian Segura / Adriana Bernal / Sara Ramo / Jan Adriaans

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EL BASILISCO

trate de “reconocer” a una galería por su planta o de pintar una sucesión de pinturas sobre una sola tela (Paulo Almeida); doblar nuestra visión de las paredes de un espacio con dibujos simples que obedecen estrictamente a las reglas de la perspectiva matemática (Iara Freiberg); ponerse en la piel de un animal o adoptar tácitamente su punto de vista (Adriana Bustos); tomar la institución museo como la materia prima del artista en una inversión de roles (Cristian Segura); aplicándole carteles de otros lugares muy conocidos a escenas locales que son identificables como tal (Adriana Bernal); o abriendo dudas acerca de lo que vemos con un juego de las siete diferencias o animaciones filmadas cuadro por cuadro que revelan una vida oculta de los objetos (Sara Ramo); o cuando muestra una

suerte de radiografía de la rareza de sitios cotidianos, extraordinarios cuando pasan bajo la lupa de su lente, sea subacuático o terrenal, estático o en movimiento (Jan Adriaans). A pesar de lo que pueden tener en común, el trabajo de cada uno va mucho más allá de este único aspecto, en direcciones muy diversas.

A CHANGE OF PERSPECTIVE Before a cat makes any leap outside of its usual repertoire, it repeatedly moves its head in such a way that creates slight changes in perspective, in order to add more data to its calculations regarding heights and distance, in order to better understand the relationship between objects and the surrounding space. A common thread that runs through all these artists’ way of working is something similar to this feline instinct. They look at places, institutions or systems of representation from a different angle in order to unfold other views that complement our usual way of perceiving these things. By juxtaposing procedures that are familiar but do not habitually bear any relation to one another, they open new facets of comprehension

regarding a particular theme or object of interest. This may be a case of “recognizing” a gallery on the basis of its floor plan or painting a series of paintings on one same canvas (Paulo Almeida); bending our vision of the walls of a space with simple drawings that strictly obey the laws of mathematical perspective (Iara Freiberg); putting one’s self in the place of an animal or tacitly adopting their point of view (Adriana Bustos); taking the museum institution as the raw material in the hands of the artist in a role reversal (Cristian Segura); applying signs indicating other places to recognized local sites (Adriana Bernal); or raising doubts regarding what we see with a game of the seven differences or stop-action animations that reveal the secret lives of different objects (Sara Ramo); or showing a kind

of x-ray of the estrangement inherent in everyday situations, turned extraordinary when they pass under the loupe of his lens, whether subaquatic or terrestrial, static or in movement (Jan Adriaans). Despite what they may have in common, the work of each artist goes far beyond this single aspect, in very different directions.

Página anterior Foto: Jaime Gili. (Foto tomada desde el avión llegando a Buenos Aires por primera vez, donde se ve el centro de Avellaneda) 2004.

CAMBIAR LA PERSPECTIVA

CAMBIAR LA PERSPECTIVA Antes de intentar un salto fuera de lo habitual, un gato hace algunos movimientos con la cabeza que producen leves cambios en la perspectiva, para agregar más datos a su cálculo de las distancias y alturas, para entender mejor la relación entre los objetos y el espacio. Un hilo común a la forma de trabajar de estos artistas es algo parecido a ese instinto: miran hacia lugares, instituciones o sistemas de representación desde otro ángulo para desdoblar otras vistas que complementan nuestra manera habitual de percibir esas cosas. Con la yuxtaposición de procedimientos conocidos pero usualmente no relacionados entre sí, abren facetas nuevas en lo que entendemos, acerca del tema u objeto de su interés. Se

Paulo Almeida Pintura (detalle del plano de la ciudad de Buenos Aires donde aparecen señalados los espacios de arte), 2008.

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Paulo Almeida The work [Almeida] develops is amply conceptual, process-based and directly related to the specific spaces that surround it, art spaces. The artist has been working predominantly in painting, relating it directly to the spatial-temporal context that envelops it by way of constructive strategies usually associated with other languages—such as photography, video, performance, installation and other site-specific practices—and utilizing it as a means in order to position himself in a critical position in regard to the art system by revealing the normally implicit mechanisms of visibility and legitimization. Concentrated on a meta-linguistic approach to art and its social system, the artist has maintained a working process that consists of research and exhibition

of the history—recent or otherwise—of the place where he exhibits, a procedure carried out through an adaptation of each work to its specific context, always incorporating new strategies and granting his paintings a considerable site-specific character, where the construction process is highlighted although detrimental in terms of a final product. In paintings elaborated on the basis of en incessant superposition of images that originate from each exhibition context, the artist makes the polyphony of art and the world visible, forging a metaphor for the usually complex network of efforts that shape it and that tend to annul memories in favor of novelties, by way of an uninterrupted dynamic of choice, accumulation, superimposition and erasure, in consonance with large scale globalizing processes.

EL BASILISCO

investigación y exhibición de historia –reciente o no– del lugar donde exhibe, procedimiento realizado mediante adaptación al contexto específico de cada trabajo, siempre incorporando nuevas estrategias y confiriendo a sus pinturas un gran carácter site specific, donde el proceso de construcción es resaltado en detrimento de un producto final. En pinturas elaboradas a partir de la incesante sobreposición de imágenes originarias de sus propios contextos expositivos, el artista hace visible la polifonía del arte y del mundo, metaforizando la normalmente compleja red de esfuerzos que lo forma y que tiende a anular recuerdos a favor de novedades por medio de una permanente dinámica de elección, acumulación, sobreposición y borramiento, en consonancia con los grandes procesos globalizantes.

CAMBIAR LA PERSPECTIVA

Paulo Almeida Desarrolla un trabajo ampliamente conceptual, procesual y en relación directa con los ambientes que lo envuelven específicamente, los del arte. El artista viene trabajando preponderantemente con la pintura, relacionándola directamente al contexto espacio-temporal que la envuelve por medio de estrategias constructivas habitualmente relacionadas a otros lenguajes –como la fotografía, el vídeo, la performance, la instalación y las prácticas site specific –, y utilizándola como medio para posicionarse críticamente delante del sistema del arte al revelar sus mecanismos habitualmente implícitos de visibilidad y legitimación. Concentrado en un abordaje metalingüístico del arte y de su sistema social, el artista viene manteniendo un proceso de trabajo que consiste en la

Paulo Almeida Vista de su instalación en El Basilisco, 2008. Paulo Almeida Pintura (Planta de la Galería Ruth Benzacar), 2008.

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Iara Freiberg Buenos Aires, November, 2006. Week eight, the days are hot and Christmas is in the air, exhibitions are opening and people are coming and going, here in the house as well as outside. Now there are five of us inhabiting the house, between Argentineans, Brazilians, Colombians, Finnish and Icelanders. The language spoken in the house is a universal, quasi-comprehensible tongue. The criteria for my work is changing, the forms have changed along with the modes of operation. It arrived as one thing, in plans, and it leaves something else, in practice, quite happily; it’s what proves that all this is a living thing, a mechanism, part of an organism that moves, walks and changes. My work escaped from the scheme, escaped from the house and runs

loose in the city. Four drawings in the streets. As I see it, they are interventions in public sites, heavily transited places, the city… which belongs to everyone and to no one. For some, it is graffiti or vandalism. For others, I hope, it is an instance of rupture, a point that stands apart. Painted on the walls throughout the neighborhood, there are graffitis, declarations of love, attacks on state politics, jokes and curses. In parallel, there are superimposed interventions, drawings that cannot be identified as graffiti that suggest alterations in the everyday, and even in the “normalcy” of the rest of the painted messages on the walls. In the context of a country where many people venture forth to make their voices heard, this manifestation, occupying the city walls, makes

EL BASILISCO

Para mí, intervenciones en locales públicos, lugares de circulación, la ciudad... que es de todos y de nadie. Para unos, grafiti o vandalismo. Para otros, espero, un acontecimiento de quiebre, un punto que no encaja. Por las paredes del barrio, pintadas, declaraciones de amor, ataques a la política nacional, chistes, puteadas. Paralelamente, intervenciones superpuestas, dibujos que no terminan de identificarse con grafitis, sugieren apenas alteraciones en el cotidiano, incluso en la “normalidad” de las propias pintadas en las paredes. Dentro del contexto de un país donde mucha gente se anima a tener voz activa, esta manifestación, la ocupación de muros de la ciudad, tiene todo el sentido. Y la falta de ella hubiera quizás provocado una sensación de silencio, de cerrar los

CAMBIAR LA PERSPECTIVA

Iara Freiberg Buenos Aires, noviembre de 2006. Octava semana, días calurosos, clima de navidad acercándose, exposiciones abriendo, gente que va y viene, allá afuera y aquí dentro de la casa. Ahora somos cinco habitantes, entre argentinos, brasileños, colombianos, finlandeses, islandeses. En la casa se habla un idioma universal, semicomprensible. Los criterios del trabajo fueron cambiando, las formas cambiaron, los modos de operación. El trabajo llegó uno, en planes, y sale otro, en la práctica, felizmente; lo que prueba que todo esto es algo vivo, es un mecanismo, parte de un organismo que camina, se mueve y cambia. Mi trabajo escapó al esquema, se escapó de la casa, anda suelto por la ciudad. Cuatro dibujos en las calles.

Iara Freiberg Intervención en la fachada de un edificio cercano a la residencia, 2006. Iara Freiberg Intervención en el portón de El Basilisco, 2006.

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Iara Freiberg Vistas de su intervención en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2006. Fotos: Guido Bonfiglio.

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ojos y lavarse las manos frente a la realidad, al abuso. Ocupar las ciudades que nos pertenecen. Hacer declaraciones – aunque anónimas – en voz alta, a los gritos por los muros de la ciudad. Esas son acciones políticas. Pueden proponerse dentro de cualquier ámbito de discusión, pero son básicamente acciones políticas. Críticas ideológicas, declaraciones de amor o simplemente dibujos. Ocupar la ciudad, dejar claro que la ciudad nos pertenece; no a los artistas, a los abandonados, a los amantes, a los buenos o a los malos, sino que pertenece a la gente. Ocuparla es volverla nuestra otra vez. Recuperar una ciudad ya sin nuestra identidad, con una identidad impuesta, de un “bello” inventado en los outdoors, de una suciedad desparramada en las

perfect sense. The lack of it may well have provoked a sense of silence, a sensation of closing one’s eyes and washing one’s hands of the surrounding reality, of the abuse. To occupy the cities that belong to us, to make statements—albeit in anonymity—out loud, shouts that emanate from the city walls. These are political actions. They could be proposed in almost any area of discussion, but they are basically political actions. They are ideological critiques, declarations of love or simply drawings. To occupy the city is to make it clear that it belongs to us; not to artists, to the abandoned, to lovers, to the good guys or the bad guys, but to the people. To occupy it is to make it ours once again. It means recovering a city that no longer has our identity, but an

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Adriana Bustos Vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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imposed identity, a form of “handsome” invented outdoors, grime on every street that is precisely the result of the lack of the sensation that the city belongs to us, that it is our home. Mine is an anonymous action, a nocturnal invasion of the city that has been abducted, taken from us. Dawn arrives with one more shout. It may be that an anonymous action transforms that action into one that belongs to many. One person’s action is transformed in the reactions of others in complementary actions, that add, or that respond in opposition. The action is multiplied. I take one step in the direction of real life, much more real than art.

CAMBIAR LA PERSPECTIVA

calles justamente por la falta de sentir que la ciudad nos pertenece, que es nuestra casa. Una acción anónima, una invasión nocturna a la ciudad que nos fue secuestrada. Un amanecer con un grito más. La acción anónima tal vez transforme la acción de uno en la acción de muchos. La acción de uno, transformada en la reacción de otros, en una acción de complemento, de suma, o en una acción de respuesta, de oposición. La acción multiplicada. Doy un paso hacia la vida real, mucho más real que el arte.

Adriana Bustos Stills del video Perros de Avellaneda, realizado durante su residencia en El Basilisco, 2007.

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Cristian Segura Patinar en el Macba - Museu d’ Art Contemporani de Barcelona. Video-instalación realizada durante su Residencia en Hangar, Barcelona, 2008.

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(1938) de Emiliano di Cavalcanti— en camisetas que compré en su tienda y estampé con las obras subastadas. […] La performance fue llevado a cabo de manera independiente, el 18 de mayo -Día Internacional de los Museos-, para recordar esta pérdida cultural irremplazable. En la segunda, tracé un romboide en el parqué del taller, delimitando las raspaduras, manchas de pintura y otros rastros dejados en el suelo por los residentes anteriores y restauré a su estado original todo lo que estaba por fuera. El área revelaba las marcas dejadas por los artistas durante el proceso de trabajo, al modo de un palimpsesto, que iba desde la idea hasta la obra terminada. […] En 2008, viajé a La Habana, Cuba, para permanecer un mes y producir

una obra en el marco de la Residencia Batiscafo. Había recibido la invitación dos semanas antes, de modo que iba sin un proyecto previo. La obra se me presentó durante el evento teórico de La Caja Negra, al que asistí en Matanzas, una ciudad cercana a la capital cubana. Y cuando digo que se me presentó, digo bien. Un disertante hablaba sobre la historia del videoarte cubano y una breve frase me marcó el camino: “mientras el video llegó más temprano, en algunos países como Argentina, Brasil y México, en Cuba lo hizo mucho más tarde”. En ese instante, saqué mi cámara y documenté un momento. Un conferencista que “espera”, impaciente, que llegue su turno. Esperar se convierte en actitud ante el discurso. El sonido es vital y, por

Cristian Segura […] I participated in my first residency in 2006. It was at El Basilisco, a house with a studio in Avellaneda. […] There I conceived of various projects that I produced during my stay of almost two months. […] The first piece arose in relation to three paintings pertaining to the collection of the Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires being put up for sale at Sotheby’s—the New York auction house, in 2005—in order to pay the 2,4 million dollars in import taxes that were owed to the Administración Federal de Ingresos Públicos (AFIP, similar to the IRS in the US). I decided to briefly re-introduce the three paintings into the museum--L' Eau (Water, 1939) by Roberto Matta, Constructivo en colores (Constructive

in Color, 1931) by Joaquín Torres García, and Mulheres de pescadores (Fishermen’s Wives, 1938) de Emiliano di Cavalcanti—in the form of t-shirts that I bought in the museum shop on which I printed images of the works sent to auction. […] The performance was carried out independently on May 18—International Museum Day—in commemoration of this irreplaceable cultural loss. For the second piece, I traced a rhomboid on the studio’s parquet floor, delineating an area where the scrapes, paint stains and other traces of prior residents were left on the floor, and then restored the entire surrounding area to its original state. The area revealed the marks left by artists during their working process like a palimpsest ranging from the idea to the finished work.

[…] In 2008, I travelled to Havana, Cuba for a month-long stay to produce a piece in the framework of the Batiscafo Residency program. I had received the invitation two weeks beforehand and as such went without a pre-conceived project. The project presented itself to me during La Caja Negra, a presentation on theory held in Matanzas, a city close to the Cuban capital. And when I say that it presented itself, I mean precisely that. A speaker discussing the history of Cuban video art stated a short phrase that signaled my path: “while video arrived earlier in some countries such as Argentina, Brazil or Mexico, in Cuba it took place much later”. At that instant, I took out my camera and documented the moment. A speaker who “waits” impatiently for his turn to speak. Waiting becomes an

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Cristian Segura […] En 2006 hice mi primera residencia. Fue en El Basilisco, una casa con taller, en Avellaneda, […] Allí conceptualicé varios proyectos que produje durante mi estancia de casi 2 meses. […] La primera obra surgió a raíz de la venta que efectuara, en Sotheby's -la casa de subasta de Nueva York en 2005- el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, de tres pinturas de su colección, a fin de pagar los 2,4 millones de dólares que le adeudaba a la Administración Federal de Ingresos Públicos, en impuestos de importación. Decidí reingresar, brevemente, los tres cuadros al museo — L' Eau (1939) de Roberto Matta, Constructivo en colores (1931) de Joaquín Torres García, y Mulheres de pescadores

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attitude toward discourse. Sound is vital, and on the other hand, it is an almost indecipherable fragment. A series of gestures speak for themselves. Back in Havana, I intervened in the marquee of the Riviera cinema with the announcement of the projection of my video.[…] Also in 2008, I received a grant for an artist’s residency at Hangar, in Barcelona during two months […] Once there, upon seeing how the MacbaMuseu d’ art Contemporani de Barcelona was becoming a center of conflict between skateboarders who had appropriated some of its outdoor areas for skating and the police, entrusted to enforce the ordinance that proposed “to foment and guarantee co-existence between citizens in Barcelona’s public space”,

I reformulated my original project […] in response to this complex situation. […] I began by buying a skateboard from a skater on the museum esplanade and adding a small screen to it in order to show a video which documented the situation going on there, along with a series of inter-related elements including a policeman’s hat, a Mosso d’Escuadra vest and a book on architecture (acquired at the Macba shop) that shows the museum without any people. Another piece is an installation that represents the Police Guards who patrol the museum. I employed dissimilar elements in making it: a photograph of the building, two police figurines and a collector’s car, places at different distances on a tripod fastened to the wall. These elements, unrelated to one another in scale, join

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en torno a esta compleja situación. […] Comencé comprando un skateboard a un patinador en la explanada del museo al que añadí una pequeña pantalla que reproduce un video, el cual documenta la situación que allí se vivía y que lleva una serie de elementos interrelacionados, tales como una gorra, un chaleco de Mosso d’ Escuadra y un libro de arquitectura (adquirido en la tienda del Macba) que muestra al museo despoblado. Otra obra es una instalación que representa la Guardia Policial que vigilaba frente al museo. La hice valiéndome de elementos disímiles: una fotografía del edifico, dos figurillas de policía y un automóvil de colección, dispuestos a diferentes distancias sobre un trípode sujeto a la pared. Estos elementos, sin

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otro lado, es un fragmento casi indescifrable. Una serie de gestos hablan por sí solos. De regreso a La Habana, intervine la marquesina del cine Riviera con el anuncio de la proyección de mi video […] También en 2008, fui becado como artista en residencia del Centro de Producción Hangar, en Barcelona, durante 2 meses. […] Una vez allí, al presenciar cómo el Macba - Museu d’ Art Contemporani de Barcelona, se convertía en un ámbito de conflicto, entre los skaters, que se habían apropiado de algunos de sus espacios exteriores para patinar, y la policía, que debía hacer cumplir la ordenanza que dispone “fomentar y garantizar la convivencia ciudadana en el espacio público de Barcelona”, reformulé mi proyecto […]

Cristian Segura La Espera, video, intervención y registro fotográfico. Realizados durante su residencia en Batiscafo, La Habana, 2008.

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together in perfect perspective when viewed through an inverted monocular eyepiece. […] The working process included prior interviews with the skaters, workers from the museum and neighborhood residents. Recording video footage in front of the Macba was frustrated on several occasions by the police. For this reason, the final scene wound up being achieved through the use of the camera’s zoom at its maximum, shot from a distance. This footage also coincides with one of the few occasions when friendly persuasion was used by the police with the skaters. In other instances, they confiscated skateboards and fined skaters. The project had a second phase and conclusion in 2009, with a series of photographs in black and white of the reforms carried out in the

Dels Àngels square—commonly known as the Macba square—and the front steps of the museum, which have finished off what was quite possibly the world’s most popular skateboarding zone.

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remodelación de la plaza Dels Àngels –conocida popularmente como plaza del Macba– y de las gradas frente al Museo, que acabaron con lo que fue, posiblemente, la zona de “skate” más popular del mundo.

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guardar relación de escala entre ellos, se aúnan en perfecta perspectiva al ser observados mediante un monocular invertido. […] El proceso de trabajo incluyó entrevistas previas con los skaters, trabajadores del museo y habitantes del barrio. El registro en video, frente al Macba, se vio frustrado en varias ocasiones por la Policía. Por esta razón, la escena final quedó lograda usando el zoom de la cámara al máximo nivel desde un lugar alejado. Esta toma, también coincide con una de las pocas persuasiones amables que presencié por parte de la Policía hacia los skaters, mientras que en otros casos, les confiscaban las tablas y los multaban. El proyecto tuvo una segunda etapa y conclusión, en 2009, con una serie de fotografías en blanco y negro de las obras de

Cristian Segura El Taller, vista de su Instalación en El Basilisco, 2006. Cristian Segura Restitución temporal, documentación fotográfica de su acción en Malba, Buenos Aires, 2006.

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Adriana Bernal Kyoto, fotografía, Buenos Aires, 2006. Adriana Bernal Paris, fotografia, Buenos Aires, 2006.

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de la cual tenemos un concepto preconcebido, ya que los medios de consumo masivo como la fotografía, la televisión, los souvenirs e Internet han ayudado a difundir estas imágenes que pertenecen a nuestra memoria colectiva. Para mí es importante poder conocer las ciudad de una manera más profunda y entender cuáles han sido sus influencias, sus herencias y su historia para poder identificar una cultura y sus gustos. Esta serie de fotografías plantea una nueva propuesta visual la cual nos recuerda que la ficción, la apariencia o el simulacro son mas valorados en cuanto más descabellada pero bien realizada sea la mentira creativa, además a diferencia de muchos otros proyectos, éste, está en constante crecimiento pues el encuentro de muchas de estas visiones, es esporádico y no esta señalado en una guía turística.

Adriana Bernal Imported Landscapes As a visual artist I am interested in using different means of expression in order to communicate my ideas and my proposals. Nevertheless, photography has become the most relevant visual language within my production [...], and as a photographer, the city and the urban context are sources of inspiration where I find that I am able to discover, investigate and observe life’s contemporary scene. Imported Landscapes is a proposal that came into being at the artists’ residency El Basilisco in the city of Buenos Aires, Argentina, and has extended to different cities in Colombia. It consists of subjective interventions by way of which a space in the city is signaled where architecture or landscape has been identified that recreates, simulates or

appears similar to another city in the world about which we have some preconceived notion thanks to media of mass consumption such as photography, television, souvenirs or internet that have helped to circulate the images that pertain to our collective memory. For me it is important to be able to get to know cities in a more profound manner and to understand their influences, inheritance and history in order to be able to identify a culture and its tastes. This series of photographs sets forth a new visual proposal that reminds us that fiction, appearances or simulacra are valued the crazier they are when the creative lie is carried out well. In addition, as opposed to many other projects, this one grows constantly, since the discovery of many of these visions is sporadic, not indicated in any tourist guidebook.

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Adriana Bernal Nueva York, fotografía, Buenos Aires, 2006.

Adriana Bernal Paisajes Importados Como artista plástica me interesa usar diferentes medios de expresión para comunicar mis ideas y mis propuestas. Sin embargo, la fotografía se ha convertido en el lenguaje visual mas relevante dentro de mi trabajo […], y como fotógrafa, la ciudad y contexto urbano son fuentes de inspiración en donde encuentro que puedo descubrir, investigar y observar el escenario contemporáneo de la vida. Paisajes importados es una propuesta que nació en la residencia artística El Basilisco en la ciudad de Buenos Aires, Argentina y se ha extendido a diferentes ciudades colombianas. Consiste en señalar por medio de una intervención subjetiva un espacio de la ciudad donde se identifica una arquitectura o paisaje que recrea, simula o parece otra ciudad del mundo y

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Sara Ramo Fotografía (díptico), 2006.

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Jan Adriaans During my residency period at El Basilisco in 2005, walks through the neighborhood were the point of departure for my project, during which I took pictures of houses, sheds and markets. This working process resulted in an installation built in the patio and part of the studio space containing a roof, a pond, a market booth and some beds, all made out of cheap materials like plastic bags and wooden crates. Flexible plastic tubes attached to a ceiling fan produced an industrial whistle-sound, and gave the constructed place of retreat a bit of insanity. Back in Rotterdam, I tried to combine my installation practice with my photography. This took shape by making interventions in real locations. In these I consider the use of

materials, function and appearance of the place, questioning their original intentions. For example, in The executive’s teeth are slightly stained I, you see a fancy black tiled lobby with an impressive shiny steel elevator door, in a corporate building. To increase the impenetrability of gloss and reflection, I unfolded two emergency foils (aluminium foil) on the floor, giving rise to a block pattern that took over the black of the wall as color. ‘ A floor as a layer of bars of gold.’ In 2007 I went back to Buenos Aires (my residency here felt unfinished) to make a video-piece and a new series of photos. In the entrances of offices and apartment buildings clothed with rich marble or worn out carpet, I found the right locations for my series. Time, value and meaning weigh

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intervenciones hechas en sitios reales. En ellos, tomé en consideración el empleo de los materiales, su función y apariencia en el lugar para luego cuestionar las intenciones originales. Por ejemplo, en Los dientes del ejecutivo están levemente manchados I, se ve el lobby lujoso de un edificio corporativo, revestido con azulejos negros y una puerta impresionante de acero brillante de un ascensor. Para incrementar la impenetrabilidad del brillo y los reflejos, desplegué dos mantas de emergencia [papel de aluminio] en el piso, que dio lugar a una trama de cuadrados que tomó el negro de la pared como su color. ‘Un piso como una capa de barras de oro.’ En 2007, volví a Buenos Aires (mi residencia allí me parecía aún por concluir) para hacer un trabajo en video y una nueva serie de fotos. En

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Jan Adriaans Durante mi período de residencia en El Basilisco en el 2005, mi proyecto partía de caminatas en el barrio, tomando fotos de casas, mercados y galpones. Este proceso de trabajo resultó en una instalación construida en el patio y una parte del taller, e incluía un techo, un estanque, un puesto de mercado y algunas camas, todos realizados con materiales baratos como bolsas de consorcio y cajones de frutas. Tubos flexibles de plástico atados a un ventilador de techo producían un zumbido industrial, que otorgó un toque de locura al lugar construido como un refugio. De vuelta en Rotterdam, intenté combinar la práctica de armar instalaciones con mi fotografía. Esto tomó forma a través de

Jan Adriaans Ultrabright, close to being deaf, fotografía (intervenciones en espacios públicos), Rotterdam, 2007.

Jan Adriaans Lick, fotografía (intervenciones en espacios públicos), Buenos Aires, 2008.

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las entradas de oficinas y torres de departamentos, revestidos con mármol caro o alfombras desgastadas, encontré los sitios adecuados para realizar la serie. El tiempo, valor y sentido pesan mucho sobre algunos materiales, mientras otros parecen vaciarse de sus significados por el uso universal y global. En estos lugares, usé cuerina en ensamblajes temporales, jugando con las ilusiones de texturas, escalas y profundidad. Me interesa mostrar la materialidad en su forma particular e improvisada en posturas casi humanas, como si participaran activamente de la vida.

heavily on some materials, and others seem to be rendered completely meaningless by universal, worldwide use. On these locations I used fake leather for temporary assemblies and played with the illusion of texture, scale and depth. I like to show materiality in its peculiar and improvised form in almost human poses, as if it is actively taking part of life.

Jan Adriaans Vistas de su instalación en El Basilisco, 2005.

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Roland Persson y Törbjorn Berg / Chih-Chien Wang / Graciela Arce / Olivia Plender / Seth Wulsin

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pertinente en el caso de este grupo de artistas: la manera de elegir cuál será la cosa en la que se fije la mirada se vuelve muy importante. Así, la intuición cobra el protagonismo que esperamos que tenga en el arte, y que tratamos de ignorar en la ciencia. En el caso de Roland Persson y Torbjörn Berg, la decisión fue conscientemente azarosa: dispararon un tiro sobre un mapa de la ciudad de Buenos Aires, confiando al trayecto de una bala el destino de dos meses de sus vidas en un lugar extraño. A Chih-Chien Wang lo hipnotizó un espacio particular en los galpones de cheLA (Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano), donde elaboró un proyecto en video, y a Graciela Arce, fue un lugar común, digamos, a todos: el que tienen los baños en la vida de cada uno, lo que le sirvió como hilo

conductor. El interés de Olivia Plender por la historia de un pequeño grupo separatista y reformista llegó a permear su propio mundo y el lugar del artista en el mundo, y Seth Wulsin, que llevaba un tiempo trabajando con un momento de un lugar (la demolición de la cárcel de Caseros) y de ese proceso surgió una investigación filosófico-matemáticogeométrico más compleja.

EXAMINE THE EXCEPTION Both the exception and the rule depend on one another for their own definition. Who says that the majority or an overall average has more to tell or to teach us than the exceptions? Scientific method has channeled all fields of knowledge into its parameters of repeatability and a oneway process that leads from specificities to generalizations. Its guidelines have accustomed us to overlooking the uncomfortable details and to rounding off the rough edges that appear along the way in coming to any conclusion. Nevertheless, it is not the only possibility. It may well be that the meticulous study of one specific thing has as much to reveal (if not everything) regarding the world in which it exists. This manner of approaching things presents a

different problem (or advantage?), very pertinent to this group of artists’ work: how to choose what will become the object of study becomes essential. As such, intuition takes on the principal role that we expect it to have in art but that we try to ignore in science. In the case of Roland Persson and Torbjörn Berg, the decision was consciously random: they shot a bullet into a map of Buenos Aires, trusting the course of two months of their lives in a strange place to the trajectory of a small projectile. ChihChien Wang was captivated by a particular space in the abandoned factory buildings of cheLA (Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano), where he elaborated a video project, and for Graciela Arce, a place that we all have in common but that is usually left to

one side, the bathroom, is what served as the central axis of her work. Olivia Plender’s interest in a small separatist reform group wound up permeating her own world and that of the artist in the world at large, and Seth Wulsin’s ongoing work with a specific moment of a particular place (the Caseros jail in process of being demolished) branched off into a complex philosophical-mathematical-geometric investigation.

Página anterior Foto: Jan Adriaans. (Foto tomada desde la terraza del Basilisco.) 2005.

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MIRAR LA EXCEPCIÓN La excepción y la regla se necesitan para definirse. ¿Quién dice que la mayoría o el promedio tiene más para decirnos o instruirnos que la excepción? El método científico ha encauzado todos los campos del conocimiento dentro de sus pautas de repetibilidad y su flujo unidireccional que parte desde lo específico y lleva hacia las generalizaciones . Nos acostumbró a olvidarnos de los detalles incómodos y a limar las asperezas que aparecen en el camino hacia una conclusión. Sin embargo, no es la única posibilidad; también es posible que una cosa específica, estudiada minuciosamente, nos revele mucho (por no decir todo) acerca del mundo en que existe. Esta forma de acercarse a las cosas tiene otra problemática (¿o ventaja?), muy

Roland Persson / Torbjorn Berg The Random Project, vista de su video instalado en El Basilisco, 2007.

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El hecho de residir por un tiempo en una cultura con mayores diferencias económicas entre grupos sociales que las de mi país de origen (Suecia) también me impactó. En el barrio de Avellaneda uno se cruzaba en cualquier parte con una abundancia de basura – literalmente en la calle. Había recipientes para contener la basura, pero parecía que nunca fueran suficientes. Siempre estaban rebalsando y la basura se extendía a las veredas y las calles. Este choque entre el caos y la civilización había constituido el eje de mi obra artística durante muchos años, pero después de mi visita a la Argentina, mi interés creció, más focalizado en el tema de la basura expuesta en público. Un ejemplo de eso es mi exhibición Fragile Stories (Historias Frágiles), donde muestro nueve fotografías

ampliadas de desperdicios públicos, fotografiadas en Inglaterra, Alemania y Argentina. Las imágenes pueden ser vistas como una crítica a la sociedad contemporánea tanto como esculturas en si mismas.

Roland Persson y Törbjon Berg One of the most important experiences I have brought with me from my stay at El Basilisco (in Spring of 2007) is the benefit of working together with other people in artistic projects. I have, since El Basilisco, on several occasions involved people from the outside in my artistic projects regarding public works of art. It has most certainly added to the final results regarding both democratic and artistic aspects. The random Project which was realized together with Torbjörn Berg during our stay at El Basilisco became a starting point from which I have dared to engage in further combined social and sculptural projects since then. Residing in a culture with far grater economical divides between social groups than

my own country of origin, Sweden, also made an impact on me. In the suburb of Avellaneda you would come across an abundance of litter wherever you were, literally in the streets. Bins had been placed to contain the rubbish but there never seemed to enough of them. They were constantly overflowing and the rubbish would spread all over streets and pavements. This collision between civilization and chaos has been in the centre of my artistic work for many years but since my visit to Argentina a more focused interest of rubbish exposed to the public has grown. An example of this is my exhibition Fragile Stories where I’m exhibiting nine enlarged photographs of public litter, photographed in England, Germany and Argentina. These pictures could

simultaneously be viewed as a critique of contemporary society, as well as sculptures in their own right.

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Roland Persson y Törbjon Berg Una de las experiencias más importantes que he llevado conmigo luego de mi estancia en El Basilisco (en la primavera del 2007) es el beneficio del trabajo conjunto con otras personas en proyectos artísticos. Desde que participé en El Basilisco, he involucrado otra gente en varias ocasiones en mis proyectos artísticos de obras públicas. Tanto en los aspectos democráticos como en los artísticos, sin duda ha sumado algo a los resultados finales. The Random Project (El proyecto al azar) que se realizó en conjunto con Torbjörn Berg durante nuestra residencia en El Basilisco, se convirtió en el punto de partida desde donde me he atrevido a abordar otros proyectos sociales conjuntos en combinación con la escultura.

Roland Persson / Torbjorn Berg Fragile Stories, fotografía, 2008.

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Roland Persson / Torbjorn Berg The Random Project, vista de su instalación en El Basilisco (detalle), 2007.

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Roland Persson / Torbjorn Berg The Random Project, vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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Gabo Camnitzer Tipping Tower, 2007 During my time at El Basilisco we often went to a restaurant close by called El Pescadito*. There were many great things about this restaurant, but the thing that enchanted me most was the extremely grandiose column at its center. It was hexagonal and had halogen lights all over it; it looked like a space ship that might leave the restaurant at any moment. I imagined it beginning to shake and rattle and then suddenly lifting off. Before I left, I took a picture to remember it by. A year or so later while staying in an old mill house on the countryside with my family, I found the photograph of the column and was again struck by its mysterious, luxurious beauty. I decided to build my own version. Upon finishing it I placed my version of the column in

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Gabo Camnitzer Tipping Tower (Torre Inclinada), 2007 Durante el tiempo que estuve en El Basilisco, solíamos ir a un restaurante cercano llamado El Pescadito*. Ese restaurante tenía muchísimas cosas particulares, pero lo que más me fascinó fue el exagerado esplendor de la columna que se ubicaba en el medio de la sala. Era hexagonal y tenía luces halógenas por todos lados; parecía una nave espacial que podría salir del restaurante en cualquier momento. Imaginaba que empezaba a temblar y vibrar y luego despegaba de repente. Antes de irme, le tomé una foto de recuerdo. Aproximadamente un año después, durante una estadía en una vieja casa de molino en el campo con mi familia, encontré la foto de la columna y nuevamente me impactó su belleza lujosa y misteriosa. Decidí construir mi

Gabo Camnitzer Fotografía del interior del restaurant La Placita, Avellaneda, Buenos Aires, 2005.

Gabo Camnitzer Tipping Tower, still de video, 2007.

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* El restaurante referido por Gabo se llama “La Placita”, fue renombrado afectuosamente por los artistas en residencia, como “El pescadito frito” por su especialidad en pescados y mariscos.

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Chih-Chien Wang Fragmento de ‘Combinaisons’, de François Dion (publicado en francés en Spirale 215, Montreal, Canadá, 2007) […] En las imágenes de Chih-Chien Wang, pequeños gestos y objetos cotidianos resuenan: el rojo texturado de un cangrejo dejado en un plato, una pila de papeles que sugiere una columna infinita, la cáscara de una banana balanceándose en el borde de un vaso, un pedazo de melón recostado en el hueco de una mano, el torso desnudo de un hombre frente a una pared blanca. El fotógrafo combina y recombina los elementos de una realidad doméstica de una manera que hace surgir motivos, compone escenas y permite al artista mostrarse frente a la cámara. […] A través de una serie de gestos

the middle of a field close by in the countryside. Completely alien to its original context, I left it there for a while, growing increasingly annoyed by its lack of motion. Eventually I shot a video of my father, hidden behind the structure, steadily rocking it back and forth along to a soundtrack I had made beforehand. In the video the rocking gradually gains in force giving the impression that the structure is about to lift off or explode, but anticlimactically the soundtrack ends abruptly, the movements stop, and the man behind the column slowly peeks out. The restaurant that Gabo refers to is “La Placita”, affectionately nicknamed by the artists in residency as “El pescadito frito” (The Little Fried Fish), because it specialized in seafood..

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Gabo Camnitzer vista de su instalación en El Basilisco, 2005.

sobreimpuestos y yuxtapuestos, disecciona el espacio. […] En sus fotos, tenemos la impresión de ver el tiempo congelado en un proceso de investigación, […] la finalidad del cual es, en palabras del artista, de ‘redescubrir’ lo que le rodea. Con ese fin, Wang produce composiciones modestas y eficaces que demuestran una sensibilidad extrema a la forma de las cosas que transitan el universo doméstico. […] Lo más fascinante de la obra de Chih-Chien Wang es la manera en que se nutre de una sensibilidad intensa hacia los objetos, una sinceridad casi inocente en su forma de expresar la ambigüedad inherente de lo que él capta. […] Las imágenes de Wang tratan de la presencia, y […] nos confrontamos con dos formas de ser, una sobre papel fotográfico, y otra en la pantalla de video: “Entre dos

lugares, construí dos casas y dos vidas. Estoy separado en dos por igual. Soy una combinación.”

Chih-Chien Wang Excerpt from ‘Combinaisons’ (Original text by François Dion, first published on Spirale 215, Montreal, Canada, 2007). Translated from French by Bill Mersereau.

dissects space. […] In his photographs, we have the impression of seeing time frozen in a process of research, […] The goal of which is, according to the artist, to ‘rediscover’ what is around him. To do this, Wang produces modest and efficient compositions that demonstrate an intense sensitivity to the shapes of things that travel through the domestic universe. […] What is most fascinating in the work of Chih-Chien Wang is the way in which it draws upon an intense sensitivity to objects, an almost naïve sincerity in expressing the inherent ambiguity of what he captures […] Wang’s images are about the idea of presence, and […] we are confronted by two ways of being, one on photographic paper, and the other on a video screen: “Between two locations, I built two houses and two lives. I am separated equally in two. I am a combination.”

[…] Small gestures and everyday objects resonate in Chih-Chien Wang’s images: the textured redness of a crab left on a plate, a stack of papers suggesting an infinite column, the skin of a banana hung on the rim of a glass, a piece of melon nestled in the recess of a hand, a man with bare torso in front of a white wall. The photographer combines and recombines elements of a domestic reality in a way that draws motifs, composes scenes, and allows the artist to exhibit himself in front of the camera. […] through a series of juxtaposed and superimposed gestures, the photographer

MIRAR LA EXCEPCIÓN

propia versión. Al terminarla, coloqué la columna en el medio de un prado cercano, en el campo. Completamente ajena a su contexto original, la dejé allí durante un tiempo, mientras crecía mi enojo por su falta de movimiento. Terminé por hacer un video con mi padre escondido detrás de la estructura, sacudiéndola rítmicamente en acompañamiento a una pista de sonido que había preparado previamente. En el video, el balanceo se hace cada vez más fuerte, dando la impresión de que la estructura está a punto de despegar o explotar, pero de manera anti-climax la pista de sonido termina bruscamente, el movimiento se detiene y el hombre detrás de la columna se asoma lentamente.

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Chih-Chien Wang Still de su video realizado en cheLA, Buenos Aires, 2008.

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Chih-Chien Wang Stills de su video realizado en cheLA, Buenos Aires, 2008.

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Graciela Arce Higiénica afectividad, fotografías, 2007.

Graciela Arce Asistencia perfecta. De la serie Higiénica afectividad, fotografía, 2007.

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Olivia Plender Texto del catálogo Altermodern: Tate Triennial 2009 Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine (La máquina será esclava del hombre, pero no seremos esclavos para la máquina) se basa en mi investigación sobre el Kibbo Kift Kindred, un movimiento de jóvenes británicos establecido en los años 20 por un artista y escritor de novelas llamado John Hargrave, que duró hasta los años 50. La instalación funciona como una exhibición histórica de fuentes autorizadas de museo, incluyendo un diorama y reconstrucciones de los estandartes y el vestuario de los Kibbo Kift acompañados por un video narrativo. […] Originalmente una parte de los Boy Scouts, los Kibbo Kift dejaron la

organización conservadora de Baden Powell para establecer un movimiento socialista de jóvenes, en colaboración con veteranos de la campaña por el voto femenino y el movimiento cooperativista. Al principio se involucraron con causas liberadoras como la del medio ambiente, la reforma de vestimentas, pacifismo, vegetarianismo, y la democratización de las artes, pero luego de una segunda ruptura (de los Co-operadores), Hargrave se estableció como un líder carismático, e ir de campamento fue elevado a constituir una actividad espiritual ritualizada. En respuesta a la crisis económica de 1931, se transformaron en el Green Shirt Movement for Social Credit, un grupo uniformado que marchó por las calles de Londres, abogando una teoría de reforma

Olivia Plender Catalogue text, Altermodern: Tate Triennial 2009 Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine is based on my research into the Kibbo Kift Kindred, a British youth movement established in the 1920s by an artist and novelist named John Hargrave that lasted until the 1950s. The installation functions like an authoritative historical museum display, complete with diorama, reconstructions of the Kibbo Kift’s costumes and banners along side a narrative video.[…] Originally part of the Boy Scouts, the Kibbo Kift split from Baden Powell’s conservative organisation in order to establish a socialist youth movement, in collaboration with veterans of the Campaign for Women’s Suffrage and

the Co-operative Movement. They were initially involved with such emancipatory causes as environmentalism, clothes reform, pacifism, vegetarianism and the democratisation of the arts, but following a second split (from the Cooperators), Hargrave established himself as a charismatic leader and camping was elevated to a ritualised spiritual activity. Then as a response to the economic crisis of 1931 they became the Green Shirt Movement for Social Credit, a uniformed group who marched through the streets of London advocating a now discredited monetary reform theory. […] As the circular story weaves back and forth in time the Kibbo Kift are situated in relation to parallel texts both personal and historical: observations on life in London since the beginning

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Olivia Plender Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine, instalación con videos, Tate Triennial, Tate Britain 2009. Fotos: Sam Drake, Tate Photography.

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Olivia Plender Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine, detalle de la instalación, Tate Triennial, Tate Britain 2009. Foto: Sam Drake, Tate Photography.

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Olivia Plender Vista de su instalación en El Basilisco, 2006.

en torno a la narración de la historia y la legitimidad del conocimiento producido dentro de un contexto académico frente al conocimiento ‘ilegitimo’, frecuentemente producido por amateurs y autodidactas dentro de un marco religioso.

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monetaria, hoy desprestigiada. […] La historia circular serpentea adelante y atrás en el tiempo, situando los Kibbo Kift en relación a mis propios textos paralelos personales e históricos: las observaciones de la vida londinense desde el comienzo de la actual crisis económica global, un viaje a la Argentina en el período posterior a su colapso económico en el 2001, el auge del nacionalismo y el neocolonialismo en el siglo XIX y los orígenes del sistema financiero actual en el período seguido a la revolución británica. […] La veracidad de la información (histórica o no) presentada está permanentemente en duda, ya que una voz subjetiva contando una historia carece de autoridad. Esta pieza forma parte de un cuerpo de obra mayor en el cual cuestiono el marco ideológico armado

of the current global economic crisis, a trip to Argentina in the period after that country’s economic collapse in 2001, the rise of nationalism and neo-colonialism in the nineteenth century and the origins of the current financial system in the period after the British revolution. […] the veracity of the information (historical or otherwise) presented is always in question, as a subjective voice telling a history lacks authority. This is part of a wider body of work in which I question the ideological framework around the narration of history and the legitimacy of the knowledge produced within an academic context versus ‘illegitimate’ knowledge, often produced within a religious framework by amateurs and auto-didacts.

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Seth Wulsin Drops in Decay, vista de su instalación en El Basilisco, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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Pablo Guiot / Bjargey Ólafsdóttir / Adrián Villar Rojas / Felice Hapetzeder / Alejandra Urresti

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o dar cuerpo a lo que en vivo experimentan. En ningún caso se trata de una práctica que ingrese nítidamente dentro de la tradición del auto-retrato; todos trabajan a través de elaboraciones en las que ese aspecto se mezcla con otras preocupaciones particulares a cada uno, desplegando un amplio y diverso abanico de lo que podríamos llamar lo íntimo.

MONITOR THE MIRROR Why do mirages bear that name? (translator’s note: espejismo (mirage) and espejo (mirror) are more closely related in Spanish, as if it were mirror and mirrorism instead of mirage) Is what we see in the mirror that illusory? Or does it have more to do with the fact that it is so difficult to truly comprehend what we see there, right before our eyes? And since we are our own instrument of perception and the collection, analysis and interpretation of data, it would seem absolutely essential that we have a thorough understanding of just how the device that we call I functions. Among other things, these six artists pay particular attention to their own histories, the place each one occupies and the impact generated by their presence in the world.

Ironically, in order to share these inward-looking reflections, they have had to take a step to one side, back, or ahead in order to look on from outside of themselves in order to find a way to embody or represent what they experience live and first-hand. None of these cases deal with something that would neatly fit into the tradition of the self-portrait; they all work in differently elaborated forms where this aspect merges with other concerns that are particular to each artist, and what unfolds is a wide and diverse range of what could be referred to as the realm of the intimate.

CONTROLAR EL ESPEJO

CONTROLAR EL ESPEJO ¿Por qué el espejismo se llama así? ¿Es tan ilusorio lo que vemos en el espejo?¿O tiene más que ver con el hecho de que sea tan difícil comprender, verdaderamente, lo que vemos ahí, aunque esté delante nuestro? Y ya que somos nuestro propio instrumento de percepción, recolección de datos, análisis e interpretación, parece imprescindible que entendamos muy bien cómo funciona ese dispositivo que llamamos Yo. Entre otras cosas, estos seis artistas prestan particular atención a sus propias historias, al lugar que ocupan y al impacto generado por su paso en el mundo. Irónicamente, para compartir esa reflexión hacia adentro, es preciso dar un paso al costado, adelante o atrás para verse desde afuera y así saber cómo representar

Página anterior Foto: Tamara Stuby. (Foto de grupo en Rosario.) 2005.

Adrián Villar Rojas Fotografía, 2007.

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Adrián Villar Rojas Vistas de su instalación en El Basilisco, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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Adrián Villar Rojas Tengo un regalo tonto para vos: las claves de acceso a mi mail, fotolog, flickr, myspace y un larguísimo etcétera empiezan con tu nombre. Tal vez ese password que empieza con la palabra Malena quede grabado en archivos y carpetas y directorios de servidores que luego reenviados por satélites y satélites y más satélites viajarán a Dios sabe qué rincón de la galaxia y de nuestro planeta. Dentro de miles de miles de años, cuando la humanidad deje de existir, tu nombre, como una palabra sin sentido, va a estar flotando en el espacio, tu nombre que yo escribí para mí y ahora te lo regalo a vos. Escribamos cartas de amor en nuestros passwords, les aseguro que son cápsulas de tiempo.

Adrián Villar Rojas I have a silly gift for you: the passwords to access my e-mail, fotolog, Flickr, Myspace and an extensive etcetera all begin with your name. Passwords that begin with the word Malena may remain on record in archives and folders and server directories that are forwarded by satellites and satellites and more satellites, reaching God knows what corner of our planet and the galaxy. Thousands and thousands of years from now, when humanity no longer exists, your name, like a word without meaning, will be floating in space, your name that I wrote for myself but now give to you as a gift.In our passwords we write love letters; I assure you that they are time capsules.

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editar, un sello que imprime la palabra ”paciencia”. Seguí recorriendo la casa para vaciarla y ordenarla, ambiente por ambiente, y en cada rincón aparecían estos proyectos inconclusos. Hasta en la heladera encontré placas de un viaje a Finlandia sin revelar. La sorpresa no tenía que ver con encontrar estos objetos. La sorpresa fue la reacción a la voz imperante de éstos que exigían un final. Me importa lo que no hice. Nada tan invisible me pesa tanto. Empiezo por Cuba. En mayo del 2006 participé en la residencia Batiscafo que duró exactamente cinco semanas. Y en esas larguísimas cinco semanas, dos artistas sudamericanos estuvimos en contacto con dos artistas cubanos. Viví en el barrio de Vedado, en la casa de Myasaka […]. Después de diez días de vivir en La Habana, y de haber leído

Alejandra Urresti It’s what never ends that’s real Today is Friday and I’m in my house, in the part upstairs, standing on the threshold of a small room. […] This small room is full of objects. It’s an oppressive image. It’s an accumulation of […] a million things, just in case; on the off chance that maybe one day they might come in hand for something. […] That same day I got rid of the things that I no longer wanted, that I wasn’t going to use, ever, that occupied space but also carried out a sinister function: to cover up the important things. […] I emptied out the room. And it was in that void that they ruthlessly appeared, : all the projects that were unfinished, abandoned, left half started. There they were, claiming attention: a pile of Granma newspapers I’d brought from Cuba, an unedited

video, a rubber stamp of the word “patience”. I kept going through the house, looking to empty it and organize things, room by room, and in every corner, unfinished projects showed up. Even in the refrigerator, I found [largeformat] plates from a trip to Finland that had never been developed. The surprise didn’t have to do with finding those objects. The surprise was my reaction to their imperative voice, demanding some conclusion. What I didn’t do matters to me. Nothing else that invisible can weigh so heavily on me. I’ll begin with Cuba. In May, 2006 I participated in the Batiscafo residency, which lasted for exactly five weeks. And in those five extremely long weeks, we were two South American artists in contact with ten Cuban artists.

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Alejandra Urresti Lo verdadero no termina Hoy es viernes, estoy en mi casa, en la parte de arriba, parada en el umbral de una pequeña habitación. […] Esta pequeña habitación está repleta de objetos. La imagen es oprimente. Una acumulación de […] miles de cosas por las dudas, por si algún día, porque a lo mejor en algún momento podrían servirme. […] Ese mismo día saqué de ahí lo que ya no quería, lo que nunca iba a usar, lo que ocupaba espacio pero que cumplía una siniestra función: tapar lo importante. […] Vacié la habitación. Y fue en ese vacío donde aparecieron, de manera implacable, todos los trabajos no terminados, abandonados, dejados por la mitad. Ahí estaban reclamándome: una pila de diarios Granma traídos de Cuba, un video sin

Alejandra Urresti Balcón de Myasaka, Cuba. Fotografía (La Habana), 2007.

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Alejandra Urresti Nieve en Finlandia. Fotografia, 2007.

a 100 cubanos diciendo mi nombre. […] Pasó un tiempo y me invitan a Nifca (Nordic Institute for Contemporary Art), una residencia nórdica situada en la isla, Suomenlinna, Finlandia. Era mi segunda isla en un año. Otra vez en una isla. Con una diferencia entre ambas: 50°C. Pasé de los 40°C de Cuba a los 15°C bajo cero de Finlandia. Después de la experiencia en Cuba, el residir fue distinto. Descubrí contra qué me había enfrentado en el país de Myasaka. Al tiempo, su duración. Dueña de mi tiempo, pero con la obligación de decidir qué hacer de él. En Finlandia esto no resultó ser un problema. […] Edité un video en el que aparezco yo en cuadro durante cincuenta minutos jugando con una paleta, también registré mi estadía con treinta rollos de diapositivas. Los dos trabajos fueron terminados.

I lived in the Vedado neighborhood, in Myasaka’s house […]. After ten days of living in Havana, and having read the six books I’d brought with me, I asked Myasaka for Granma and read the whole thing. My intention was to save them and bring them back to Buenos Aires. In a country affected by the blockade, Granma sometimes doubled as toilet paper when this was in short supply. For me, it was a strange newspaper, where I saw only two protagonists, the United States and Cuba. I decided to do something with it, another activity to shorten those never-ending days. So, black marker in hand, imitating an act of censorship, I covered up all the texts that referred to one of the two countries. That way I measured what portion of space victim and victimizer each occupied in the press. Keeping myself as busy as

possible, I spent long, hot hours lugging around a large format camera and photographing Cuba, in addition to filming 100 Cubans saying my name. […] Time passed and I was invited to Nifca, a Nordic residency situated on the island of Suomenlinna, Finland. It was my second island in the space of a year. On an island, again. There was a difference between them: 50°C. I went from Cuba’s 40° to 15°(C) below zero in Finland. After the experience in Cuba, being a resident was different. I discovered what I had confronted in Myasaka’s country. Time and its duration. I was master of my own time, but with the obligation of deciding what to do with it. In Finland, this didn’t turn out to be a problem. […] I edited a video where I appear in frame, playing with a paddle during fifty minutes. I also recorded my stay

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Alejandra Urresti Lugar de guardado, casa. Fotografía, 2007.

los seis libros que había llevado, le pedí el Granma a Myasaka y lo leí entero. Mi intención era guardarlos y llevarlos a Buenos Aires. En un país afectado por el bloqueo, el Granma hace las veces de papel higiénico cuando éste falta. Me resultó un diario extraño, donde vi sólo dos protagonistas. Estados Unidos y Cuba. Decidí hacer algo con eso, era otra actividad para acortar aquellos días interminables. Entonces, marcador negro en mano, imitando un gesto de censura, tapé todos los textos que se referían a uno de los dos países. Así medí la porción de espacio que ocupaban víctima y victimario en la prensa. Mientras me mantengo lo más ocupada posible, paso largas y calurosas horas cargando una cámara de placa fotografiando Cuba, también filmando

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Y, como en Cuba, salí con la cámara de placa a fotografiar el paisaje en color. Terminé y mostré este trabajo que llamé Finlandia. Dejé para el final de la residencia, para los días más fríos, un trabajo por hacer. Fotografiar con esta misma cámara, pero con película blanco y negro, el interior de Nifca, una construcción alargada, con techos abovedados. Blanco. Todo muy blanco. En ese edificio estaba la biblioteca, siempre vacía, el laboratorio de fotos, siempre vacío, un taller de carpintería, siempre vacío, salas de muestras, siempre vacías. Todo era blanco y vacío. Nifca estaba a un mes de cerrar. Cada tanto me cruzaba con las personas que trabajaban ahí y con algún residente. Fotografié espacios de trabajo y, como es mi costumbre, no me detuve en la gente. Hice alrededor de cincuenta placas, éstas son las que

esperan en la heladera. Mientras tanto son parte de otra acción inconclusa. Ahora en Buenos Aires sigo pensando en el tiempo, en lo que transcurre, en lo que se detiene, en el final de las cosas. Como necesito ejercitar mi paciencia, encargo en el local El selladorr, un sello con la palabra paciencia. Pienso en la repetición como salvación. Si yo sello muchas veces la palabra paciencia, si yo leo muchas veces la palabra paciencia, efectivamente voy a conseguirla. Mando a hacer 100 talonarios troquelados que suelen usarse para rifas, pero vacíos, sin numerar. Quería sellar los cien talonarios con la palabra paciencia pero solo hice uno y lo regalé. 100 talonarios de 100 hojas troqueladas. 2 paciencia por hoja, 200 paciencia por talonario. Podría haber sido suficiente. […]

Bjargey Ólafsdóttir Se podría comparar a Bjargey Ólafsdóttir […] con un músico versátil que ha logrado el dominio de muchos instrumentos, ya que Bjargey trabaja en cine, arte sonoro, arte performático, dibujo, pintura y fotografía. La exhibición Tíra/Scintilla es una colección de símbolos que se han plasmado en los sueños de la artista, o que irrumpieron en su conciencia entre el sueño y la vigilia. Bjargey lleva al espectador a acompañarla al entrar en un mundo donde rigen la belleza y lo espiritual; un lugar donde sujetos tan diversos como la mano de Dios, las montañas, una caja mágica, una pila bautismal de duendes, bufandas y dibujos de tacos altos desempeñan su papel), bañados en una luz mística y colores chillones. Aunque Bjargey está aquí continuando

on thirty rolls of slide film. Both projects were concluded. And, like in Cuba, I went out with the large format camera to photograph the landscape in color. That work was finished and shown with the title Finlandia. I left a task to do for the end of the residency, for the coldest days. That was to photograph the interior of Nifca, a long building with arched ceilings, using the same camera, but with black and white film. White. It was all very white. The library, always empty, was in that building, as were the photo lab, always empty, the carpentry studio, always empty and the exhibition halls, always empty. Everything was white and empty. Nifca was one month away from closing. Every once in a while I would come across people who worked there or some other resident. I photographed

the work spaces and, as is my custom, did not concentrate on the people. I took around fifty plates, those are the ones waiting in the refrigerator. Meanwhile, they are part of another unfinished action. […] Now, in Buenos Aires, I still think about time, about things that happen, about things that stop, about things’ endings. Since I need to exercise my patience, I ordered a rubber stamp of the word patience from the El selladorr shop. I think of repetition as salvation. If I stamp the word patience so many times, if I read the word patience so many times, I will, effectively, achieve it. I ordered 100 tear-off ticket books. 2 patience per sheet, 200 patience per book. It might have been sufficient. […]

Bjargey Ólafsdóttir […] Bjargey Ólafsdóttir […] may be likened to a versatile musician who has mastered many instruments, as Bjargey works in film, sound art, performance art, drawing, painting and photography. The exhibition Tíra/Scintilla is a collection of symbols which have come into being, either in the artist’s dreams, or have sprung into her consciousness between sleeping and waking. Bjargey takes the observer with her into a world where beauty and the spiritual reign; where such diverse subjects as the hand of God, mountains, a magic box, an elven baptismal font, scarves and drawings of high-heeled shoes play a role, bathed in a mystical light and gaudy colour. While Bjargey is here continuing to explore the territory of magical realism and surrealism, as in

Bjargey Ólafsdóttir Still de video, 2007

Bjargey Ólafsdóttir Still de video, 2007.

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her prior work, she does not focus on the individual as such – she seeks to photograph sensations which are expressed in these objects. In the past two years, Bjargey has participated in artists residencies in Chile and Argentina providing her with great inspiration from which she is still working; perhaps the colourfulness in her new works derives from there. “I will lend you my ragged shawl, my ragged shawl for dancing in… chants the ghostly infant of Icelandic folklore. But what was Bjargey doing, out in the grass field with her ragged shawl…?” She captured an unfathomable world… in a sort of trance she danced in a world we know, and she succeeded in reaching a world that exists, but a world which did not exist,” artist Ingibjörg Magnadóttir writes about Bjargey.

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mundo que conocemos, y logró alcanzar un mundo que existe, pero un mundo que no existía,” escribe el artista Ingibjörg Magnadóttir acerca de Bjargey.

Bjargey Ólafsdóttir Fotografía, 2006.

Bjargey Ólafsdóttir Still de video, 2007.

Felice Hapetzeder “Una gran cruz de yeso, casi tamaño natural, colgaba en el pasillo de Kurti. La sangre brillaba, roja, corría con abundancia recorriendo las muñecas y los pies. Llenaba el comedor, las cabezas y los cuernos de los corzos que Kurti había baleado. En el sótano había una pieza con una escultura de una bella chica negra en caoba. Tenía tentadores labios rojos. Había una cruz esvástica de metal en la manga de su blusa. Supongo que Kurti la usaba durante la guerra. Fue aviador en la guerra. Al lado de esa escultura estaba el piano en el cual yo tenía que practicar cuando iba de visita.” (de Onkel Kurti, video, 2008) Durante los últimos años, he trabajado en un proyecto denominado Limits of forgiveness (Los límites del perdón). El punto de partida es una experiencia

personal que viene de mi adolescencia, en relación con mi padrino en Austria, un nacionalsocialista convencido, participó en la guerra y nunca se arrepintió ni cambió sus creencias. El proyecto surge de un impulso de lidiar con esa mentalidad y esos ideales para investigar el efecto que han tenido en mí. […] Hoy la mayoría de nosotros quienes no estuvimos expuestos a la guerra en forma directa, sin embargo estamos afectados por ella de alguna manera. Nos fue transferida de segunda mano a través de los sentimientos de una generación mayor que sí estuvo en contacto directo con los hechos y el estado mental de la época. En la fase actual del proyecto Limits of forgiveness, estoy poniendo el enfoque en las experiencias de otras personas.

Felice Hapetzeder “A big plaster crucifix of almost human size was hanging in Kurti’s hall. The blood that ran plentifully round the wrists and feet glistened in red. The dining room was full of heads and horns of roe deer that Kurti had shot. In the cellar there was a room with a sculpture of a beautiful black girl in mahogany. She had inviting red lips. On her blouse sleeve there was a swastika cross in metal. I suppose Kurti wore it during the war. He was an aviator during the war. Next to this sculpture stood the piano that I had to practice on when I came to visit.” (from Onkel Kurti, video, 2008) The last few years I have been working on a project called Limits of forgiveness. It has a self-experienced starting point in my relation to my godfather in

Austria during my adolescence. He is a convinced national-socialist who took part in the war and has never regretted it or changed his beliefs. The project grows from an urge to deal with this mentality and ideals and investigate how they have affected me. […] Today most of us who haven’t had any direct exposure to war are often still affected by it in some way. It has been transferred emotionally second hand by an older generation, which was in direct contact with the facts and the mental state of the time. In the present part of the project Limits of forgiveness I’m focusing on other peoples’ experiences. --Excerpt from confessional correspondence on Onkel Kurti between artist Felice Harpetzeder and

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su indagación en el territorio del realismo mágico y el surrealismo como en su obra anterior, no enfoca tanto en el individuo como tal..busca fotografiar las sensaciones que están expresadas en dichos objetos. Durante los últimos dos años, Bjargey ha participado en residencias de artistas en la Argentina y en Chile, lo que la ha provisto de una gran inspiración que aún alimenta su trabajo; tal vez la presencia de mucho color en los nuevos trabajos proviene de ahí. “Te prestaré mi chal harapiento, mi chal harapiento para bailar… corea el bebé fantasmagórico del folclore islandés. Pero qué estaba haciendo Bjargey ahí, en medio de un prado con su chal harapiento…?” Capturó un mundo insondable… en una suerte de trance, bailó en un

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F.H.: […] Con Onkel Kurti quería explorar las partes más oscuras de mi propio mapa mental. Viajando hacia mi propio corazón de las tinieblas, pretendo haber encontrado también un rincón de la oscuridad de nuestra “Civilización Occidental”. […] Es tan fácil criticar a un estado fascista Nazi, o hasta la administración de George Bush, pero aparentemente resulta tabú criticar a otro régimen, que acepta matar a los travestis, reprimir a las minorías y ejercer la tortura. ¿Puede ser porque Turquía está en una posición clave como base para la OTAN en el oriente cercano? ¿Qué sea un país musulmán que mantiene buenas relaciones tanto con los EE.UU. como con Israel? ¿O es porque a nosotros, por ser artistas occidentales, deberían taparnos los ojos frente a los males de los

art theorist Mille Winther (2008). M.W.: […]How do we discuss and criticise cultures foreign to us (as well as art) in a respectful way? How do we avoid stepping into the trap of ignorance by making superficial judgements? Can we show responsibility through our way of discussing, joking with, and shed light on foreign cultures – as well as art? […] how do we connect the discussion of national identity to a broader context without denying the personal level? Which ways of discussing and criticising are proper when discussing each others’ differences and each others’ (art)work? F.H.: […]With Onkel Kurti I wanted to investigate the darker parts of my own mental map. Travelling into my heart of darkness, I claim to also have found a corner of the darkness of our

”Western Civilization”. […] It is so easy to criticise a Nazi Fascist state or even the George Bush administration but apparently taboo to criticise an other regime, which is accepting killings of transvestites, suppression of minorities and torture. Can it be because Turkey has a key position as NATO base in the near east? That it is a Muslim country that has good relations with both the USA and Israel? Or is it because we as western artists should be blind to the evils of non-western governments, classifying them as historically suppressed? That must permit us to criticise and make subversive artistic statements aimed also against others aside from the traditional nemesis of western artists or intellectuals – Mother USA. During my stay in Istanbul I felt that

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Felice Hapetzeder Vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

--Fragmento de la correspondencia confesional sobre Onkel Kurti entre el artista Felice Hapetzeder y la teórica de arte Mille Winther (2008). M.W.: […] ¿Cómo podemos discutir y criticar a las culturas que nos son ajenas (y también al arte) de manera respetuosa? ¿Cómo podemos evitar caer en la trampa de los juicios superficiales? ¿Podemos mostrar responsabilidad en nuestra manera de hablar de las culturas ajenas, hacer humor con ellas y dar a conocerlas–y lo mismo para el arte? […] ¿Cómo podemos vincular la discusión de la identidad nacional con un contexto más amplio sin dejar de lado el nivel personal? ¿Cuáles son las maneras correctas de entablar la discusión y la crítica cuando se trata de las respectivas diferencias y obras de arte?

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discutir, tal vez la mejor! No puedo evitar sentir cierta alegría de que esta discusión parece trascender el habitual contexto incrustado del arte. […] La película es una obra de arte y como tal, no se proyectará en ninguna mezquita ni iglesia sino en la escena del arte, donde hay un acercamiento más crítico. Probablemente requiere de algún tipo de marco teórico, o por ejemplo, una discusión después de la proyección. Pero no me parece que sea irrespetuosa como arte, ni que esté fuera de lugar. Espero que haya podido contestar algunas de sus preguntas.

working with contemporary art by itself meant disrespecting local culture. The way I was constantly questioning and exploring the context made me a parasite. […] The art world in Istanbul is a part of this disrespect: financed by powerful and rich people who want Turkey to Go West. They are once again, like Atatürk, trying to modernize Turkey by means of aesthetics. […] Humour is a good way of discussing, maybe the best! I cannot help myself by being somewhat glad that this discussion seemed to transcend the usual embedded art context. […] The film is an artwork and as such it will not be screened in a mosque or a church but in the art-scene, where there is more of a critical approach. It probably needs some kind of framework or for instance a discussion afterwards. But I

don’t think it is disrespectful as art, or even out of line. I hope I was able to answer some of the questions.

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gobiernos no-occidentales, calificándolos como históricamente reprimidos? Eso debe permitirnos criticar y hacer declaraciones artísticas subversivas que también apuntan a otros, aparte del enemigo clásico de los artistas o intelectuales occidentales – Madre EE.UU. Durante mi estadía en Estambul sentía que trabajar con arte contemporáneo significaba en sí una falta de respeto hacia la cultura local. La manera en que constantemente cuestionaba e indagaba el contexto me convertía en un parásito. […] El mundo del arte de Estambul forma parte de esa falta de respeto: financiado por gente rica y poderosa que desea que Turquía vire hacia Occidente. Ellos están tratando otra vez, como Atatürk, de modernizar a Turquía por medio de la estética. […] El humor es una buena manera de

Felice Hapetzeder Onkel Kurti, still de video, 2008.

Felice Hapetzeder Onkel Kurti, still de video, 2008.

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Pablo Guiot Ideas desechadas, instalación, papel abollado, cesto papelero, 2005.

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Pablo Guiot Marinas, instalación, dispositivo que genera manchas de color sobre papel, a través de agua contaminada del Riachuelo y pastilla desinfectante para inodoros, 2005.

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Nicanor Aráoz / Asli Çavuşoğlu / Agnieszka Casas Rodríguez / Luis Guerra / Traplev (Roberto Moreira Jr.) / Breda Beban

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punto que entonces se volviera eterno, inmodificable? Hablamos del tiempo, pero también de lugares y de distancias. Asli Çavuşoğlu buscó repetir literalmente el itinerario físicoliterario-imaginario de Bruce Chatwin, indagando acerca de los límites entre los tres, investigando los rastros dejados en la memoria de los vivos, y Agnieszka Casas Rodríguez hizo un relevamiento de los espacios industriales fantasma en el mismo barrio de Avellaneda, registrando la ausencia de seres memoriosos. Luis Guerra entrenaba su cuerpo como conducta entre mundos y estados a la vez que afilaba su sensibilidad como única herramienta. Traplev calzaba las palabras de Federico Manuel Peralta Ramos como una suerte de mapa interno para su experiencia de viaje. Breda Beban retomó una obra/gesto

emblemática de Alberto Greco, el Vivo Dito, para ponerse en el lugar de ese artista, recreando la obra a su manera, señalando a parejas besándose en la calle. Revive esa obra y a su autor trayéndolos al presente, y los traslada a ambos (otra vez) de la Argentina a otros lugares del otro lado del mar.

HUNTING GHOSTS When we speak about ‘being’ somewhere, the (unspoken) assumption is that it is a first-hand experience that we are referring to. Nevertheless, if a person leaves a strong mark in the world of the living, one that persists after they have gone, is that enough to reach the point of being able to say that they are forever present? Is that immortality? To what extent can we follow in the footsteps of someone who has stepped into the great beyond? To what point can we avoid coinciding in the same footsteps as someone who came before us, without our realizing it? We continually convoke the spirit of other times through memory and we embody it in history, generating a living process with a trajectory of its

own. Just the same, might it be possible, as Nicanor Aráoz asks himself, to freeze death (or a memory) at a point that then becomes eternal, immutable? We are talking about time, but also about places and distance. Asli Çavuşoğlu sought to literally repeat Bruce Chatwin’s physicalliterary-imaginary itinerary, questioning the borders between the three, investigating the traces that remain in the memories of the living, and Agnieszka Casas Rodríguez made a survey of the neighborhood’s phantasmal abandoned industrial buildings, registering the absence of carriers of memory. Traplev slipped into Federico Manuel Peralta Ramos’ words, taking them as a sort of inner map for his experience in Argentina. Breda Beban took up an emblematic gesture/work by Alberto Greco, his

Vivo Dito, and put herself in the artist’s place again, recreating the work in her own way, signaling couples kissing in the street. She thus revived both work and author, bringing them into the present, also transporting them from Argentina (again) to other places across the sea.

Página anterior Foto: Tamara Stuby. (Detalle de la instalación de Nicanor Aráoz), 2006.

CAZAR FANTASMAS

CAZAR FANTASMAS Cuando hablamos del estar, se supone (sin decirlo) que nos referimos a una experiencia en primera persona. Sin embargo, si una persona deja su huella en el mundo de los vivos más allá de su muerte, ¿alcanza así a estar para siempre? ¿Es eso la inmortalidad? ¿Hasta qué punto podemos seguir los pasos de alguien que ya ha cruzado el umbral de la muerte? ¿Y hasta qué punto podemos evitar coincidir con los mismos pasos de alguien que lo haya cruzado antes, sin saberlo? Convocamos constantemente el espíritu de otros tiempos a través de la memoria y lo encarnamos en la historia, generando un proceso vivo con trayectoria propia. ¿Pero, como se pregunta Nicanor Aráoz, sería posible congelar la muerte (o una memoria) en un

Nicanor Aráoz Detalle de su instalación en El Basilisco, 2006.

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Nicanor Aráoz, El Diablo, mueble, lata, servilleta, galletitas con tratamiento de resina poliéster coloreada, medidas variables, 2007/8.

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Nicanor Aráoz Vista de su instalación en El Basilisco, 2006.

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Nicanor Aráoz En mis trabajos busco de alguna forma, mediante diferentes técnicas, realizar instantáneas fotográficas en formato tridimensional, para poder "detener el tiempo" de los materiales que investigo. Trabajo con técnicas que me ayuden a que objetos orgánicos/perecederos puedan ser eternos o por lo menos extender su tiempo de vida útil, es así que en algún momento utilicé la taxidermia y el sellado con resinas polyester. Las escenas que monto se caracterizan por recrear algún tiempo pasado infantil que rememoro, en esta lógica cabe mencionar que la iconografía pop de los años ochenta me cautiva y de ella descifro algunas coordenadas que guían mis trabajos.

Nicanor Aráoz In my work, I look for some way to be able to “freeze time” for the materials I investigate by way of different techniques, somewhat like making snapshots in three-dimensions. I work with techniques that help me to make organic/perishable objects eternal somehow, or at least to extend their useful lifespan; as such, at one point I turned to taxidermy and sealing objects in polyester resins. A typical characteristic of the scenes that I stage is that they recreate a past moment from childhood that is recalled, and in accordance with this logic it is pertinent to mention that Pop iconography from the ‘80s fascinates me and is a key to how I decipher some of the coordinates that guide my work.

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Asli Çavuşoğlu Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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estipulado al comienzo. Los viajes siempre se describen como un círculo y los protagonistas siempre regresan triunfalmente al lugar desde donde partieron. Así los viajes no son una fuente de conocimiento, sino la confirmación del conocimiento que el héroe ya posee, trasladado a los otros personajes y por supuesto, al lector. --EL VIAJE DE FABIAN GOTTLIEB VON BELLINGSHAUSEN A LOS MARES DE LA ANTÁRTIDA Cumpliendo un encargo de la armada rusa, Fabian Von Bellingshausen cruzó el Círculo Polar Antártico el 26 de enero del 1820. Aparentemente, el logro no le impresionó mucho, ya que no hace ninguna mención en particular de eso en su narrativa, salvo una anotación de latitud. Durante diez

Asli Çavuşoğlu ‘THE WORLD IS A BOOK, AND THOSE WHO DO NOT TRAVEL READ ONLY A PAGE’ Our Turkish teacher back in primary school gave us an assignment once entitled, “Does travel broaden the mind more than reading?” One of the boys in class ended his essay as follows: ‘The world is a book and whoever does not read it is an idiot.’ --AROUND THE WORLD IN NINETY DAYS, FIVE WEEKS IN A BALLOON, AROUND THE MOON, TWENTY THOUSAND LEAGUES UNDER THE SEA AND JOURNEY TO THE CENTER OF THE EARTH All the journeys in Jules Verne’s books begin with a challenge, and the challenge is met when the distance or

time set at the beginning is covered. Travel is always described as a circle and the leading characters always triumphantly return to where they have begun. Travelling is thus not a source of knowledge but the confirmation of the knowledge already possessed by the hero given to other characters —and of course to the reader. --THE VOYAGE OF FABIAN GOTTLIEB VON BELLINGSHAUSEN TO THE ANTARCTIC SEAS Commissioned by the Russian Navy, Fabian Von Bellingshausen crossed the Antarctic Circle on the 26th of January, 1820. He was apparently unimpressed with this accomplishment, since he makes no particular mention of it in his narrative, noting only the latitude. His

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Asli Çavuşoğlu ‘EL MUNDO ES UN LIBRO, Y QUIENES NO VIAJAN, LEEN SÓLO UNA PÁGINA’ Nuestro profesor turco, cuando estuvimos en la primaria una vez nos dio una tarea titulada, “¿Los viajes amplían los horizontes más que la lectura?” Uno de los alumnos de mi clase terminó su ensayo en la siguiente forma: ‘El mundo es un libro y quién no lo lea es un idiota.’ --LA VUELTA AL MUNDO EN NOVENTA DÍAS, CINCO SEMANAS EN GLOBO, ALREDEDOR DE LA LUNA, VEINTE MIL LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO Y VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA Todos los viajes en los libros de Julio Verne comienzan con un desafío/reto, y el reto se cumple cuando se atraviesa la distancia o el tiempo

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narrative would not be published for ten years following his return. It was in 1945 that it was eventually translated in English. From that date on, Russia maintained that Bellingshausen was the first explorer of the South Pole. That was the first and only time the Russians ever organized an expedition to the South Pole. The Vodvok newspaper clarifies this indifference in one of its issues in 1973: “It would be complete nonsense to go all that way just to see some ice. The Soviets do not need it.” --TOURIST VS. TRAVELLER A tourist is someone who travels at the most ignorant level. It is not a wise decision to go to somewhere packed with tourists. A ‘foreigner’ is the adventurous kind of tourist who

has a little bit of a higher level of awareness. On the other hand, a traveller is the one who more or less knows what s/he will see before going to a place. --WELL, I’M TRAVELLING SO FAST MY FEET AIN’T TOUCHING THE GROUND As he was listing the places he had been to, a friend of mine included the countries he had flown over. “They don’t count,” objected another one. Puzzled, my friend asked innocently, “Why not?” and continued his list…

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Por otro lado, un viajero es quien sabe más o menos lo que él o ella verá antes de llegar a un lugar. --BIEN, ESTOY VIAJANDO TAN RÁPIDAMENTE QUE MIS PIES NI TOCAN EL SUELO Mientras hacía una lista de todos los lugares que había visitado, un amigo mío incluía los países que había sobrevolado. “No valen,” protestó otro amigo. Perplejo, mi amigo preguntó inocentemente, “¿Por qué no?” y seguió con su lista…

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años después de su regreso, su relato permanecerá inédito. Recién en 1945 eventualmente se tradujo al inglés. A partir de esa fecha, Rusia sostiene que Bellingshausen fue el primer explorador del Polo Sur. Fue la primera y última vez que los rusos organizaron una expedición al Polo Sur. El periódico Vodvok esclarece esta indiferencia en una edición del 1973: “Sería un disparate viajar tan lejos sólo para ver una cantidad de hielo. Los soviéticos no lo necesitan.” --TURISTA VS. VIAJERO Un turista es una persona que viaja en el nivel más ignorante. No es una decisión acertada ir a un lugar atestado de turistas. Un ‘extranjero’ es esa clase de turista aventurero que posee un nivel mayor de conciencia.

Agnieszka Casas Rodríguez Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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Luis Guerra Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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No existen para mí diferencias entre pintar, esculpir, hacer un video, una foto, una performance, etc. La manera más clara que encontré de combatir el mainstream que todo lo consume es apagando su estridencia, investigando y estudiando. Estar informado es también un trabajo. Durante mi residencia en El Basilisco, practiqué secretamente en un dojo Haikido. Mi maestro fue un argentino que era pintor de autos. La máxima de nuestro dojo era "Ceder es Vencer", dejar pasar la fuerza del enemigo, dejarla fluir mientras nosotros, siguiendo ese movimiento lo dejábamos caer, influíamos sobre él sólo a través de conducir su movimiento y no imponiendo una fuerza contraria. El arte, y la cultura, son básicos a toda sociedad. Lo perdido es la cultura, y mis

Luis Guerra El Basilisco I was in Avellaneda for two months. Outside, the house is mythical. You cross a bridge and suddenly you enter another world, much more Argentinean than Buenos Aires would have you believe. As I write this, a year has already gone by since then. I find myself in other lands to the North, between the Gulf of Mexico’s beaches and Montreal, jumping from place to place, trying to live and always working as an artist, as a nomad. El Basilisco was my first step toward leaving my country. From Chile, I have gone into self-imposed exile. El Basilisco was the first place where I began to abandon my country. Since then I have accepted nomadic life and being house-less as

fundamental parameters for working. I make no difference between painting, sculpting, making video, taking a photograph or performance, etc. The clearest way that I have found to combat the mainstream that consumes everything in it path is to silence its stridency, engaging in research and study. To maintain one’s self informed is also work. During my residency at El Basilisco, I practiced in a Haikido dojo (martial arts academy) in secret. My maestro was an Argentinean who was a car painter. Our dojo’s maxim was “Ceder es Vencer” (To Cede is to Vanquish), to let the force of the enemy pass by, to let it flow, and while we follow that movement, letting it fall, we exert influence upon it, only in the sense of conducting its movement, not by imposing a contrary force.

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Agnieszka Casas Rodríguez Detalle de su instalación en El Basilisco, 2008.

Luis Guerra El Basilisco Durante 2 meses estuve en Avellaneda. La casa es por fuera mítica. Atraviesas un puente y de pronto entras a otro mundo, mucho más Argentina de lo que Baires* intenta convencerte. Ha pasado ya un año desde entonces cuando escribo esto. Estoy en otras tierras, al norte, entre las playas del Golfo de Mexico y Montreal, saltando, tratando de vivir y siempre trabajando como artista, como nómade. El Basilisco fue el primer paso para abandonar mi país. Me he auto-exiliado de Chile. El Basilisco fue el primer lugar para empezar a abandonar mi país. Desde entonces asumí el nomadismo y el sin-casa como parámetros fundamentales de trabajo.

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* apodo local para Buenos Aires

Luis Guerra Study about what is missing, performance. 3/14 Galleri, Bergen, Noruega, 2008.

Luis Guerra Performance en El Basilisco, 2008.

Art and culture are essential for any society. Culture is what is lost, and my work consists of studies of this continual aggregation of ruins, of ashes’ resistance and a celebration of uncertainty. I currently write poetry, paint and carry out minimal actions that exert an influence in their complete immediacy and disappearance.

Traplev (Roberto Moreira Jr.) Vista de su instalación en El Basilisco (detalle), 2006.

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Traplev Las sensaciones del “Artista-viajante” en el siglo XXI empiezan luego de que se negocia la llegada a la región elegida. Hacía tiempo ya que había escuchado de la Residencia para Artistas (2004/2005), y fue esa intuición de querer hacer una experiencia fuera del lugar donde vivía […] lo que me llevó a presentar una aplicación para El Basilisco en Buenos Aires (2006) siendo el primer brasileño en participar en la Residencia. En Brasil, la práctica de Residencias para Artistas todavía no estaba entre las actividades más comentadas y/o divulgadas; sólo la conocían los curiosos y otros artistas interesados en este (multi) contexto. Capacete Entretenimentos, organizado por Helmut Batista en Río de Janeiro

(desde 1998), siempre tuvo el eje de sus actividades puesto en el intercambio y la estadía de artistas de otros países. (...) Para mí, Argentina tiene una presencia política muy fuerte, que luego percibí desde mi primer paseo por la ciudad, sea por las recientes manifestaciones del los ciudadanos, como fue la situación en Buenos Aires en el 2001, o históricamente (1973/1983), en su dictadura militar, entre otras manifestaciones. Los muros de la ciudad, o las mismas fachadas de los predios gubernamentales me evidenciaban una presencia constante de la discusión política/histórica, con una inflamación que todavía no había percibido en la ciudad en que vivía anteriormente […] lo que me llevó a reflexionar sobre las especificidades

Traplev The sensations of the “traveling artist” in the 21st Century begin after having negotiated arrival in the chosen region. I had already heard about artists’ residencies some time earlier (2004/2005), and it was the intuition of wanting to undergo an experience away from where I was living […] that led me to present an application for El Basilisco in Buenos Aires (2006) – being the first artist from Brazil to participate in the residency. In Brazil, the practice of artists’ residencies was not yet among the activities that were frequently discussed or widely disseminated; only the curious and other artists interested in that (multiple) context knew about them. Capacete Entretenimientos, organized by Helmut Batista in Rio de Janeiro

(since 1998), always had the central thrust of its activities focused on exchange and artists’ stays in other countries. […] For me, politics have a strong presence in Argentina, which I then perceived from the very first walks that I took around the city, whether because of the recent demonstrations by citizens that were part of the situation in Buenos Aires in 2001, or in a more historical sense (1973/1983), during its military dictatorship, among other manifestations. The walls of the city and the very facades of government buildings made it clear to me that here there was a constant presence of political/historical discussion with a degree of ardor that I had not yet perceived in the city where I had lived before […] and this led me to

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trabajos son estudios acerca de esta constante sumatoria de ruinas, de la resistencia de la ceniza, y la celebración de la incertidumbre. Actualmente escribo poesía, pinto y hago mínimas acciones que influyen en su total inmediatez y desaparecimiento.

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Las acciones fotográficas que empezaron en la Isla de Florianópolis y que se extendieron a Buenos Aires y a Berlín siempre incluyeron un nuevo objeto encontrado, por ejemplo: un plástico plateado o dorado, una billetera revestida de mapa, un cuaderno, o los objetos que se encontraban en una mesa de escritorio de planos trasladado al espacio público, evidencian justamente esa movilidad específica (vivencia en otro lugar). Estas acciones fotográficas son algunas consecuencias, justamente, de estos dislocamientos, que nos hacen reflexionar sobre la propia razón de estar, y por este motivo, (los objetos que son llevados y mostrados por la mano en el espacio urbano), para mí suenan como una comprobación doble de una búsqueda de sentido. […]

reflect upon the specificities of different cities. […] One person in Buenos Aires who I already knew was researcher Teresa Riccardi, and in the residency I also met Nicanor Aráoz; they both facilitated exchange with the local art scene to a great extent. The interest that I have and develop in my work often stems from an association between texts, images and quotations, or the appropriation of objects themselves in order to create an interaction with a specific or general context. In this sense, the work of Federico Manuel Peralta Ramos was a very punctual reference for one of my interventions in Buenos Aires, as was the access I had to Teresa Riccardi’s personal library with a specific bibliography on Latin American art, among other artists’ projects. […]

The photographic actions that began on the island of Florianopolis and were then extended to Buenos Aires and Berlin always included a new found object, for example: a gold or silver piece of plastic, a wallet covered with a map, a notebook, or the objects found on a blueprint cabinet tabletop, moved out into public space all evidence this exact, specific mobility (an experience in another place). These photographic actions are all consequences of precisely these dislocations, which lead us to reflect upon the reason for being, and as a result (the objects are taken by hand and shown in urban space), they seem to me to be like a two-fold confirmation of a search for meaning. […] In the 1983 poem ¿Qué es el Arte? (What is Art?), by Federico Manuel

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Traplev (Roberto Moreira Jr.) Fotografía, 2006.

Traplev (Roberto Moreira Jr.) Vista de su instalación en El Basilisco, 2006.

de las ciudades […] En Buenos Aires ya conocía a la investigadora Teresa Riccardi, y en la Residencia también conocí al artista argentino Nicanor Aráoz, lo que me facilitó mucho el intercambio con la escena local del arte. El interés que tengo y desarrollo en mi obra, parte muchas veces de una asociación entre textos, imágenes o citas, o apropiaciones de objetos para crear una interacción con un contexto específico y/o general. En este sentido, la obra de Federico Manuel Peralta Ramos fue muy puntual para una de mis intervenciones en Buenos Aires, así como el acceso que tuve a la biblioteca particular de Teresa Riccardi, con una bibliografía específica sobre arte de Latino América, entre otros proyectos de artistas. […]

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Federico Manuel Peralta Ramos, en la poesía ¿Qué es el Arte? de 1983, dice que “El arte es transmisión de la vida. El arte es caminar por la calle con vos. El arte es andar con plata en el bolsillo...”. Y también generar dudas como plataforma para el pensamiento.

Peralta Ramos, he says that “Art is the transmission of life. Art is to walk on the street with you. Art is walking around with money in your pocket…” And it is also to raise doubts as a platform for thought.

Breda Beban Vista de la proyección de The Most Beautiful Woman in Gucha en El Basilisco, 2008. Breda Beban Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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Breda Beban Arte Vivo. Gabriela y Pablo 2008. Breda Beban Arte Vivo. Ana y Juan 2008.

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Nándor Angstenberger / Henry Coleman / Alejandra Montiel / Pablo Rosales

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formas que moldean el espacio de una manera que bordea lo fantástico; Henry Coleman es capaz de cubrir la piel de un espacio con una suerte de tatuajes temporarios, de tal forma que hace vibrar las paredes, convirtiéndolo en un vehículo, una autopista de nexos visuales. Alejandra Montiel también activa el espacio, pero con objetos y gestos gráficos, haciendo dialogar al piso, techo, paredes y ventanas por igual, y Pablo Rosales observa y escucha el lenguaje específico de un espacio, sus demarcaciones y puntuación, para luego incorporar estos elementos a su vocabulario personal.

THE CONQUEST OF SPACE We’re surrounded. Space is out there, everywhere, full of potential; there are thousands of things that are impossible to imagine before someone comes along with a way of articulating it that leaves us with our mouths hanging open. This might be a case where someone sees and understands an existing space with greater insight than all those who have come before, or it may be a matter of “dismissing” the way in which a space presents itself, seeing it instead as the perfect underpinning for a different structure or forms that will completely transform it. Nándor Angstenberger draws, weaves and constructs at the same time, an architect of the lines traced by single strands that transform the function of any space’s existing lines, turning them into

potential anchors for his lines that generate forms that shape the space and push it toward the fantastic. Henry Coleman is capable of covering the entire skin of a space with what could be thought of as temporary tattoos that make the walls vibrate, converting the space they contain into a vehicle or super-highway of visual connections. Alejandra Montiel also activates space, but using objects and graphic expressions, bringing floor, ceiling walls and windows equally into dialogue, and Pablo Rosales observes and listens to the specific language of a space, its demarcations and punctuation, in order to then incorporate these elements into his personal vocabulary.

CONQUISTAR EL ESPACIO

CONQUISTAR EL ESPACIO Estamos rodeados. El espacio está allí en todas partes, lleno de potencial, miles de cosas que son imposibles de imaginar antes de que alguien aparezca con alguna forma de articularlo de una manera que nos deje con la boca abierta. Puede ser el caso de ver y entender un espacio existente con mayor profundidad que todos los que vinieron antes, o puede tratarse de “desestimar” un espacio tal como se presenta, viéndolo como el andamiaje perfecto para otra estructura u otras formas que lo transformarán completamente. Nándor Angstenberger dibuja, teje y construye a la vez. Es un arquitecto que, con líneas de hilos, transforma la función de las líneas existentes de cualquier espacio en potenciales anclas para las suyas, generando

Página anterior Foto: Lucrecia Troncoso. (Nándor Angstenberger trabajando), 2007.

David Musgrave, Golem (Grey), 19992007, parte de la muestra Los Vinilos, curada por Henry Coleman en El Basilisco. Foto: Gustavo Barugel

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Los primeros días que estuve solo, caminé al azar por la ciudad, en un cuaderno dibujaba lo que veía de interés, como “el pintor de la vida moderna” de Baudelaire. En estas excursiones me interesé por los mosaicos calcáreos que abundan en esta ex-ciudad de lujo, como aquí nunca existió alguna. Mecánicamente en otras tantas caminatas, ahora con Carolina que trabajaba en un video, fotografié estas baldosas, con fin documental, y más tarde reproduje en esténcil algunos de estos diseños, más otros que inventé o derivé de celosías y azulejos que vi. Copias de estas matrices de varios colores, mostré al final aunque no era necesario, y no sé si lo artístico estaba acá o en otro lado. Como es normal cuando uno viaja, viví muchos momentos de conciencia, veía mucho sentido en

Pablo Rosales In 2006 I was selected by El Basilisco to participate in the Batiscafo residency program in Havana, Cuba, along with Carolina Senmartin during the month of April. No previously prepared project was required; the idea was to live, think and carry out work that would not necessarily be finished in the form of an art object, it might be only a process. For the other two artists, [in residency] Cubans, the grant consisted in concrete terms of a subsidy for a particular phase of a project that they were already working on. Carolina and I had a beautiful apartment in Old Havana and money to cover expenses. We had one meeting a week in order to share ideas, and that was it in terms of the formal arrangements. Regarding this entire month of dedication exclusively

to art in a strange land, what should I tell, and what should I keep to myself? The first days that I spent alone, I walked randomly around the city, drawing the things that were of interest to me in a sketchbook, like Baudelaire’s “painter of modern life”. On these excursions, the chalky mosaics that abound in this once luxurious city interested me, since none had ever existed here. On many other walks, now in the company of Carolina, who was working on a video, I mechanically photographed these tiles for documentary purposes, and later I reproduced some of the designs using stencil, in addition to others that I invented or derived from different examples of latticework and tiles that I saw. I showed copies of these matrixes in various colors at the end of the residency, although it wasn’t

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Pablo Rosales En 2006 El Basilisco me seleccionó para participar de la Residencia Batiscafo, en La Habana Cuba, junto a Carolina Senmartin, durante el mes de abril. No se requería proyecto previo, la idea era vivir, pensar, y realizar un trabajo que no debía finalizar necesariamente en un objeto artístico, podía ser sólo un proceso. Para los otros dos artistas, los cubanos, la beca consistía más concretamente en un subsidio para una fase de un proyecto que ya venían realizando. Con Carolina teníamos un bello apartamento en la Habana Vieja y dinero para gastos, Teníamos una reunión por semana para compartir ideas, y hasta aquí lo formal. De todo ese mes de exclusiva dedicación artística en tierras extrañas, ¿qué debiera contar y qué debiera callar?

Pablo Rosales Impreso sobre papel, 2007. Pablo Rosales Cuaderno de dibujos, 2007.

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muy compleja y a todos interesa, pero no voy a profundizar aquí, porque no corresponde. Haber vivido y trabajado, por un tiempo, como un artista 24 horas, en tan distinto contexto, me da nuevas perspectivas, sobre mi trabajo y sobre mi medio, además de la nostalgia que me queda por la ciudad y los amigos que hice allá. Volveremos!

strictly necessary, and I don’t know if the artistic part was there or someplace else. As is normally the case when you travel, I lived many moments of heightened consciousness; I saw a great deal of sense in everything. I also made a map of political and artistic deeds during recent years in Buenos Aires in the hopes of contextualizing my work. Geographic considerations made themselves present all the time, it is very visible in Cuban art and we ourselves, as “universal Argentineans” felt quite situated on the globe, whether in the Northern or Southern hemisphere, in the capital or the country’s interior, we were constantly thinking about these issues. With the eyes of the world upon them, Cuban contemporary art is a liberal professional activity sustained by

international collectors, while the majority of activities related to production depend on the State, and on an emerging economy. There are high levels of consumption of Culture, and as a result artists are practically heroes. The recent history of Cuban art is clearly very complex and everyone is interested in it, but I won’t go into detail about that here, because it doesn’t apply. Having lived and worked for a while as an artist 24 hours a day in such a different context has opened new perspectives for me, in terms of my work and my environment, in addition to the nostalgia that remains with me for the city and the friends that I made there. We shall return!

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Pablo Rosales Sin título, vista de su instalación en la Universidad de La Habana, 2007.

todo. También realicé un mapa de hechos artísticos y políticos de Bs. As. de los últimos años con la esperanza de contextualizar mi trabajo. Se nos presentó todo el tiempo lo geográfico, muy visible en el arte cubano, nosotros mismos “argentinos universales”, nos sentimos bastante situados en el globo, hemisferio Sur o Norte, capital o interior, todo el tiempo pensábamos estas cosas. Con todas las miradas del mundo encima, el arte contemporáneo cubano es una actividad profesional liberal, con un coleccionismo internacional que la sustenta, mientras que la mayoría de las actividades productivas están supeditadas al estado, y a una economía de emergencia. El consumo cultural es muy alto, por lo que los artistas son casi héroes, claro que la historia reciente del arte cubano es

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Nándor Angstenberger Vistas de su instalación en El Basilisco, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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Nándor Angstenberger Fantasma, dibujo sobre pared y detalle, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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El vinilo es un material tan atractivo como difícil. […] Podríamos decir que el uso del vinilo para comunicar una obra de arte es una elección bastante específica, y esta muestra explora cómo reunir una serie de piezas hechas con vinilo subraya esa especificidad. […] Hay una inconsistencia atractiva en tatuar las paredes de esta sala [la de El Basilisco], ubicada en un suburbio de clase obrera de Buenos Aires, con obras y diseños de todas partes del mundo, enviados por e-mail. El mismo proceso de enviar por e-mail y la lejanía de la producción son importantes en cuanto enfatizan esa

Henry Coleman Excerpts from the introductory text for the Los Vinilos show, curated by Henry Coleman

Henry Coleman Los Vinilos, vistas de la instalación en El Basilisco, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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Vinyl is an attractive and difficult material. […] The use of vinyl to convey an artwork seems to be a very specific choice and this show explores how bringing multiple vinyl pieces together highlights that specificity. […] There is an attractive incongruity of tattooing the walls of this room [the space at El Basilisco], located in a working class suburb of Buenos Aires with designs e-mailed in from various parts of the world, the e-mailing and remoteness of production itself being important in that it re-emphasizes that inherent possibility within vinyl and to some extent becomes a secondary theme of the show, the

posibilidad inherente del vinilo, y en cierta medida, se convierte en un tema secundario de la muestra: la posibilidad que tienen los artistas de enviar la obra a distancia "por teléfono", no obstante creando obras en su propia escala, con su presencia física completamente intacta. La Argentina parece un lugar particularmente adecuado para esta muestra, los muros aquí tienen una lectura más abierta que en otros lugares. La propaganda política se hace en letras de grandes tamaños, los nombres de los políticos embadurnando cada pared blanca disponible, como una forma de grafiti permitido por el estado. También existe la cultura de los grafitis politizados hechos con esténcil, y la tendencia de la gente a expresar su amor hacia otro con aerosol en la

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Henry Coleman Fragmento del texto de presentación de la muestra Los Vinilos, curada por Henry Coleman

ability of the artists to "phone-in" the work and yet create fully fledged, physical artworks. Argentina seems a particularly good place for this show, the walls here are more readable than most. The political canvassing is done in meters high letters, the names of politicians daubed along every available white wall like a state sanctioned graffiti. There’s also the culture of politicized stencil graffiti, and the tendency for people to declare their love for each other in spray paint on the barrio walls. To an outsider it can seem, to a certain extent, that the walls here exist as some form of de-regulated territory, a means of conveying a message to the widest possible public. Participating artists: Reza Aremesh, Henry Coleman, Peter Fillingham,

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paredes del barrio. A los ojos de un extranjero, las paredes podrían parecer, hasta cierto punto, como un territorio desregulado, donde es posible transmitir un mensaje al público más amplio posible. Artistas participantes: Reza Aremesh, Henry Coleman, Peter Fillingham, Liam Gillick, Sam Griffin, Peter Harris, Saron Hughes, Jim Isermann, Anne Low, Dave Muller, David Musgrave, Rupert Norfolk, Olivia Plender, Giles Round, Karin Ruggaber, Mark Titchner, Gary Webb, Lawrence Weiner, Pae White

Liam Gillick, Sam Griffin, Peter Harris, Saron Hughes, Jim Isermann, Anne Low, Dave Muller, David Musgrave, Rupert Norfolk, Olivia Plender, Giles Round, Karin Ruggaber, Mark Titchner, Gary Webb, Lawrence Weiner, Pae White.

Henry Coleman Decorated Structure (Productive Public) Vista de su obra en la muestra Separados al nacer (42 SNA). Cartagena, Colombia, 2011. Foto: Alberto Sierra, cortesía del Ministerio de Cultura de Colombia.

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Alejandra Montiel Fotografía intervenida, 2008.

Alejandra Montiel Fotografía intervenida, 2008.

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Alejandra Montiel Mi hacer artístico de estos últimos años se ha basado a grandes rasgos en las siguientes ideas: - Arquitecturas otras, arquitecturas paralelas desde lo poético visual. - Arquitectura real o las nociones de paisaje y ciudad utilizadas como lugar de locación de configuraciones propias. - Velar la realidad, realzarla o inventar una paralela a la misma a través de la fotografía y el diseño. - Buscar mi propia realidad plástica. - Señalar lo que me interesa del espacio. - Intervención dislocada. - Naturaleza arquitectónica. - Línea y plano como base plástica.

Alejandra Montiel My art practice during recent years has been based, in large part, on the following ideas: - Other architectures, parallel architectures in terms of visual poetry. - Real architecture or the notions of city and landscape utilized as a place to situate configurations of my own. - Veil reality, highlight it or invent a parallel to it by way of photography and design. - Search for a plastic reality of my own. - Indicate what it is that interests me about a space. - Dislocated intervention. - Architectural nature. - Line and plane as a plastic base.

Alejandra Montiel Vista de su instalación en El Basilisco, 2005.

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Narda Alvarado / Gabriel Sierra / Marco Bainella / Gregor Passens

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mundo y de nuestra existencia dentro de él. Cada uno se mueve dentro de un rango diferente de experiencia; mientras Marco Bainella se pregunta por la enormidad de la línea del tiempo que somos capaces de concebir con respecto a la de la vida de cada uno, cuánto podemos ver y procesar o qué distancia existe realmente entre dos vecinos que viven uno al lado del otro, Narda Alvarado se pregunta cómo nacen las ideas y qué hay de sus vidas una vez que llegan al mundo. Para Gabriel Sierra y Gregor Passens, cualquiera de los objetos que nos rodean les puede dar una razón para detenerse. Para Gabriel Sierra, la función es un eje central, desde andamios hasta árboles, las patas de una silla o las de un gato; Gregor Passens se enfoca en objetos iconográficos o conocidos por todos y

los trastoca para transformar su presencia y significado. No es que ellos nieguen las explicaciones existentes que condicionan y adiestran nuestra vida cotidiana, sino que todo eso sólo logra despertar sus apetitos por más. Y más. Y más. Su indagación no se limita a lo intelectual; es un proceso en el cual se regocijan, jugando, a sabiendas de que, además, por cada respuesta nacerán mil nuevas preguntas.

QUESTION THE BASICS There is one word that can bring even the most solid and erudite, the wisest and most experienced, the most intelligent and knowing to their knees: Why? Applied with the persistence and the familiarity with the infinite that characterize the first ten years of life, it is capable of penetrating solid rock like a drop of water repeated over time. Unfortunately, handing over this healthy skepticism in exchange for blind acceptation of certain basic principles as being true—or at least, sufficiently explained—is understood as passing into maturity. Luckily, some do retain the capacity to doubt almost everything without losing their grip in the process. These artists question very basic elements of the world and our existence in it. Each moves within a different range of experience; while

Marcos Bainella asks himself about the enormity of the timeline that we are capable of conceiving as compared to the length of our lifespan, how much we can see and process or how much distance actually exists between two neighbors who live side by side, Narda Alvarado meditates on how ideas come into the world, and how their lives unfold after birth. For Gabriel Sierra and Gregor Passens, any one of the objects that surrounds us can signify a trigger that gives them pause. Function is the central issue for Gabriel Sierra, from scaffolding to trees, the legs of a chair or those of a cat; Gregor Passens focuses on objects that are iconographic or familiar to all, subjecting them to some twist that transforms their presence and suggested significance. It isn’t that these artists negate the existing

explanations for things that condition and guide everyday life, but that these explanations only whet their appetite for more. And more, and more. Their exploration is not limited to the intellectual realm; it is a process of play that they absolutely delight in, fully aware that every response will germinate a thousand new questions.

Página anterior Foto: Nándor Angstenberger, 2007.

INDAGAR LO BÁSICO

INDAGAR LO BÁSICO Hay dos palabras que pueden llegar a desmoronar hasta a los más armados y eruditos, los más sabios y experimentados, los más inteligentes y conocedores: ¿Por qué? Aplicadas con la persistencia y la familiaridad con lo infinito que caracteriza a la primera década de la vida, son capaces de penetrar a la piedra como una gota de agua con el tiempo. Desgraciadamente, se entiende la entrega de ese escepticismo saludable a cambio de una aceptación ciega de algunos principios básicos como verdades—o por lo menos ya suficientemente explicados—como el paso hacia la madurez. Por suerte, algunos retienen la capacidad de dudar de casi todo sin volverse locos en el proceso. Estos artistas cuestionan elementos muy básicos del

Marco Bainella Vista de su instalación en Taller 7, MDE’07, Encuentro Internacional de Prácticas Artísticas Contemporáneas, Medellín, Colombia, 2007.

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más que otra manera de moverse. De haberlo sabido antes hubiese tenido menos temor y más confianza, pero sin ese temor de seguro hoy no estarías de nuevo aquí conmigo, abrazándome. - Fue muy difícil descifrar todas tus palabras amontonadas, era como no poder ver. Tranquilo. (Marzo de 2009).

Marco Bainella Álbum de fotografías tomadas sin cámara, detalle de su instalación en El Basilisco, 2004. Marco Bainella Tratado de ambliopía, libro, 2009.

Marco Bainella Ampliaciones, vista de su instalación en El Basilisco, 2004.

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INDAGAR LO BÁSICO

Marco Bainella Hoy o mañana Con suma conciencia nos trasladamos expectantes por entrecruzados caminos pavimentados sobre inmensas cavernas. No puedo asegurarlo pero no sé hasta cuando soportará esta delicada y fina capa que nos separa ligeramente de ese inimaginado abismo. Puede que pronto colapsen estas carreteras, puede que caigamos y nos friamos en el núcleo de nuestro planeta azul o tal vez nos reciban esponjosos colchones de algodón que acaricien los días vividos. Me gusta charlar contigo de todas estas cosas, de cómo nos reconstruimos después del colapso, de cómo colapsamos una y otra vez sabiendo que es evitable, de cómo no aprendemos o de cómo olvidamos rápidamente. Con tranquilidad continúo, caer no es

Marco Bainella Today or Tomorrow It is with heightened awareness and high expectations that we move along intertwining paved roads above immense caverns. I cannot say for sure but who knows how much longer this fine, delicate layer that separates us ever so slightly from that unimaginable abyss will continue to hold. These highways may well collapse soon, we may fall and fry in the nucleus of our blue planet or it may be that fluffy cotton mattresses cushion our fall, caressing the days we have lived. I like talking with you about all these things, about how we reconstruct ourselves after a collapse, about how it is that we collapse time after time knowing that it can be avoided, about how we do not learn or how we so

quickly forget. I calmly continue, falling is just one more form of movement. Had I known ahead of time, I would have been less afraid and more confident, but if I hadn’t had that fear to count on, you wouldn’t be here with me again today, embracing me. - It was very difficult to decipher your words, piled high, it was like not being able to see. Relax. (March, 2009).

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Narda Alvarado Fotografía, 2008. Narda Alvarado Detalle de su instalación en El Basilisco, 2008.

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Narda Alvarado Ordenar mentalmente la pieza, vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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Gabriel Sierra Vistas de su instalación en El Basilisco, 2007. Fotos: Gustavo Barugel.

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Gregor Passens Triumph, still del video, 2007.

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Gregor Passens Batterie Asfalto macizo, Ludwig-MaximilianUniversität-München, Campus Planegg Martinsried. Alemania, 2008.

Gregor Passens Triumph, inflable, vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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TRAER PUERTA PROPIA

Anna Bas Backer / Alexa Horochowski / Marcela Sinclair / Jorge Tirner

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BRING YOUR OWN DOOR A door is a frame that draws a threshold on the ground, plus two handles: one for entering and another for leaving. If we think of a door by itself, without floor or walls to anchor it to a single place, it serves as a good metaphor for certain ways of approaching art practice in a place that lies beyond the usual. In this case, it is a frame that singles out one particular aspect of any context and delimits a kind of portal of entry and exit (which may well allow one to go back again, even though it may not be to the same place). In Ana Bas Backer’s case, this would be the pages of a comic; for Alexa Horochowski, a particular stage of life: feminine youth, brought to life in painting, and for Marcela Sinclair and Jorge Tirner, their explorations have one material as

their organizational axis: sheets of foamy (related to architecture) and rubber bands (in terms of the strength they find in numbers), respectively. After the first step is taken over the threshold, those that follow fan out toward limitless horizons .

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tienen un material en particular como su eje organizativo: goma eva (relacionada con la arquitectura) y bandas elásticas (en términos de la fuerza que se encuentra en la cantidad), respectivamente. Después del primer paso cruzando el umbral, los siguientes se abren en un abanico sin límites.

TRAER PUERTA PROPIA

TRAER PUERTA PROPIA Una puerta es un marco que dibuja un umbral en el suelo, más dos manijas: una para entrar y otra para salir. Si pensamos en una puerta suelta, sin pisos ni paredes que la anclan a un solo lugar, sirve como una buena metáfora para ciertas formas de abordar la práctica en un sitio fuera de lo habitual. En este caso, es un marco que selecciona una particularidad de cualquier contexto y delimita una suerte de portal de entrada y de salida (tal vez permitiendo a uno volver, aunque no sea al mismo lugar). En el caso de Ana Bas Backer, son las páginas del cómic; para Alexa Horochowski, una época particular en la vida: la juventud femenina, a la que da vida a través de la pintura, y para Marcela Sinclair y Jorge Tirner, son exploraciones que

Página anterior Vista de Everythingispossibleexceptthatwhichisdeemedimpossiblebythenatureofthings, de Liam Gillick en la entrada de El Basilisco, parte de la exposición Los Vinilos, curada por Henry Coleman, 2007. Foto: Gustavo Barugel.

Anna Bas Backer Proyección de sus dibujos en El Basilisco, 2007.

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juicios, sólo presenta la evidencia y plantea preguntas. En prisiones o en casos donde se aísla gente en situaciones extremas parece que nacieran formas amplificadas de comportamiento, que de hecho son muy humanas, pero bastante alejadas de las que cómodamente admitimos. Consciente de que el análisis de Levi es un ejemplo exagerado frente a mi propuesta, carezco de un paralelo que se ajuste a mi caso, pero ¿Por qué ocurre, por ejemplo, que algunos artistas ‘sobreviven’ y otros ‘perecen’? Existe un tipo de desconfianza, sospecha, desprecio de uno mismo, entre artistas, críticos, curadores y espectadores en la “zona-crepúsculo” de lo que llamamos arte contemporáneo que, a veces, adquiere dimensiones ridículas. Luego de mi llegada a Colombia, me

“Si esto es un Artista” está basado en el título del libro “Si esto es un hombre” (‘Se questo è un uomo’, original en IT.) escrito por Primo Levi entre 1945 y 1947. El libro da una cuenta detallada de la supervivencia del autor en Auschwitz y en consecuencia, se ha convertido en referencia representativa de las condiciones que hacen o rompen la definición de hombre como hoy la conocemos. Levi intenta analizar por qué la gente se comportó de la manera que lo hicieron en Auschwitz y porqué algunos sobrevivieron mientras otros perecieron. Levi no hace

Anna Bas Backer Excerpts from the Statement for the Drawing Marathon (24 hs) organized in Cali and Medellín, Colombia in 2008: “Si esto es un Artista” is based on the title of the book ‘If this is a Man’ 1947, (orig. in IT; ‘Se questo è un uomo’) by Primo Levi. The book gives a detailed account of the author’s survival in Auschwitz and has consequently come to stand as a representative for the conditions that make or break the definition of man as we know it. Levi attempted to analyse why people behaved the way they did at Auschwitz, and why some survived whilst others perished. He makes no judgments; he only presents the evidence and asks the questions. In prisons or in cases where people

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are isolated in extreme situations, it seems that amplified forms of behaviour are born which in fact are very human but far from what we are comfortable admitting to. Aware that Levi’s analysis presents a rather exaggerated example of my case in point, I am at a lack of a more fitting parallel. Why is it, for example that some artists ‘survive’, and others ‘perish’? There exists a type of mistrust, suspicion and contempt of oneself, between artists, critics, curators and onlookers in the ‘twilight-zone’ we call contemporary art that, at times, can take on ridiculous dimensions. Upon arrival in Colombia, I became aware of the fact that there was more I wanted to know and learn from the artists here, than what I wanted to communicate to them.

di cuenta de que era más lo que quería conocer de los artistas de aquí, que lo que yo quería comunicarles a ellos. Es con este sentimiento que propongo mi proyecto. […] Quise reunir las diferentes dudas individuales de los artistas y artistas del comic de la ciudad y crear como resultado una revista impresa. Considero el comic, con su línea de historia flexible, una combinación de la imagen y el texto y, el sentido del humor, un medio irremplazable para la reflexión. En el cómic, el autor puede encontrase en el juicio y ser su propio juez dentro de su propio trabajo.

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Anna Bas Backer Extracto de la presentación del maratón (24 hs) de dibujo organizado en Cali y Medellín, Colombia en 2008:

It is with this sentiment that I propose my project. […] I want to collect the different individual doubts of the local artists and comic artists and create a printed magazine with the results. I consider the comic, with its flexible story line, combination of image an text and sense of humour, an irreplaceable medium for reflection. What’s more, in the comic, the author can stand trial and be his own judge within his own work.

Anna Bas Backer Si esto es un artista, dibujos, 2008.

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Avellaneda, club deportivo, Charlone 933 Dos suecos que trabajan en colaboración y no siempre se llevan bien Un tiro a un mapa que conduce a un loro que habla La pila de basura enfrente Que se contrae y se expande, Destino tanto para perros como artistas callejeros Conversaciones embebidas en vino hasta el amanecer Cantos de pájaro simulados al amanecer por el Canadiense Tardes de yerba mate Ñoquis de fin de semana amasados por Alejandro Largas noches de Quilmes, el

Alexa Horochowski El Basilisco, how do I remember thee?

Alexa Horochowski Hollywood Flats, videoinstalación. Franconia Sculpture Park, Shafer, Minneapolis, USA, 2008.

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Alexa Horochowski Sin título, bronce pintado, luz fluorescente. Praxis International Art, Miami, 2008.

Avellaneda, club deportivo, Charlone 933 Two collaborating Swedes who don’t always get along A gunshot through a map leads to a talking parrot The pile of garbage across the street, Expanding and contracting, Destination for stray dogs and artists alike Wine-infused conversations until dawn Morning bird calls emanating from the Canadian Yerba mate afternoons Weekend ñoquis crafted by Alejandro Creative energy fueled by late-night Quilmes, Neighborhood kiosk, ferretería,

combustible para la energía creativa, El kiosko del barrio, ferretería, librería ecléctica Una pintura sobre las grietas en la pared del patio Palanganas para juntar gotas de lluvia El amargado tachero del centro se niega a llevarte allí

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Alexa Horochowski El Basilisco, ¿cómo te recuerdo?

Mis esculturas y murales elaborados para sitios específicos emplean un estilo rigurosamente gráfico que consiste en un trabajo conciso de línea, planos pulidos y un rango acotado de color para presentar una manera alusiva de contar una historia. […] Entornos fracturados sugieren momentos recordados a medias; momentos que yacen latentes en las profundidades de la memoria antes de desplegarse en las paredes y piso de la galería.

eclectic librería A Painting on the fractured patio wall Palanganas to catch the raindrops The disillusioned taxi driver from Capital refuses to drive you there My site-specific sculptures and wall paintings employ a rigorous graphic style that consists of concise line work, polished surfaces, and a limited color range to present an allusive mode of storytelling. […] Fractured environments that suggest halfremembered moments; moments which lie dormant in the depths of memory before being deployed on the gallery walls and floor. There is a cinematic presence to my minimal props, slow-motion, videoloops and temporary, delicate wall drawings. A cinematic presence not in the sense of a verifiable, formal

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Alexa Horochowski Pintura mural en El Basilisco, 2007.

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Marcela Sinclair Durante los meses de agosto y septiembre de 2008 fui artista en residencia en El Basilisco junto a Asli Çavuşoğlu, de Estambul, y Paulo Almeida, de San Pablo. A pesar de vivir en la misma ciudad y de que no fuera un requisito, elegí mudarme a Avellaneda, y así aprovechar la oportunidad de salir de mi espacio habitual de trabajo, tener un taller amplio y compartir la experiencia de convivir con artistas de otros países. Es un raro privilegio éste de contar con la posibilidad de dedicarse exclusivamente al arte, concentrarse en el propio proceso, y desde ya que eso es muy productivo. La convivencia con los otros artistas también fue estimulante. De un lado: vivir con otros que están posando una mirada estética sobre su entorno, el

lazo que nos une es la práctica. Y de otro, el que a pesar de estar en la ciudad en la que he vivido y trabajado desde que nací, en tanto portadores de marcas de sus lugares de origen me devolvieron otra mirada sobre los distintos modos de inserción, las diferentes o parecidas estructuras del campo artístico, diversas prácticas de producción, difusión y distribución de la obra, los modelos hegemónicos, los distintos circuitos y un “universo del artista en residencia”. Un espejo para reevaluar el campo local, los circuitos internacionales y la propia situación en relación a éstos. Confrontar con estos modelos es una tarea constante de reflexión para el artista y su trabajo de desmarcación permanente. Por eso, uno va en residencia, juega al espejo deformante y luego vuelve a su

movement, but in a fantastical temporality that relates to what is happening in each installation. The tension between impermanence and stillness in all the work can be likened to that first or last moment in a film where the image is just about to fade in or out. Each installation functions as a set from a movie that is never made. […]

Marcela Sinclair During the months of August and September of 2008 I was an artist in residence at El Basilisco along with Asli Çavuşoğlu from Istanbul and Paulo Almeida from San Pablo. Despite living in the same city and the fact that it wasn’t exactly a requisite, I chose to move to Avellaneda, thus taking advantage of the opportunity to leave my habitual work space, have a large studio and share the experience of living with artists from other countries. It is a rare privilege, this one; the possibility of dedicating one’s self exclusively to art, to concentrate on your working process. This in itself is highly productive. Living with other artists was also very stimulating. On the one hand, living with others who are viewing their environment from an aesthetic

perspective, the link that binds us is our art practice. On the other hand, although I was in the city where I have lived and worked since I was born, [the other artists] as carriers of marks from their places of origin gave me other ways of seeing diverse manners of inserting one’s self, similarities and differences in structures within the field of art, different practices in the production, communication and distribution of artwork, the artist as a globalized professional, hegemonic models, various circuits and the “artists in residency universe”. It was a mirror in which to reevaluate the local environment, international circuits and my own situation in relation to them. Confronting these models is an ongoing task of reflection for any

Marcela Sinclair Juego de escuadras. Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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En mis accesorios mínimos, bucles de video, cámara lenta, delicados y efímeros dibujos sobre pared, hay una presencia cinemática, pero no en el sentido de un movimiento formal y verificable, sino en una temporalidad fantástica que tiene que ver con lo que está pasando en cada instalación. La tensión entre la quietud y la falta de permanencia que atraviesa toda la obra es comparable al primer momento de una película, o el último, donde la imagen está a punto de fundirse a negro. Cada instalación funciona como la escenografía de una película jamás realizada. […]

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Marcela Sinclair Tatlin-Flavin, vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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artist along with the continual job of re-contextualizing his or her work. That is the reason to participate in a residency, to play around with mirrors that distort and then go back to continue working, noticing that something in your way of seeing has slightly but perceptibly changed, if indeed the experience was such. As an already institutionalized model, it is possible that an international residency can restrict artists in a kind of corset by removing them from their circle of closest interlocutors (where the most potent purgative may come from) and reformatting their practice as closely as possible to the hegemonic model of the globalized intellectual worker, a professional par excellence of advanced capitalism. As I write these lines, I find myself in a second instance of residency, this

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lugar y sigue trabajando y nota que algo en su mirada fue ligera pero perceptiblemente modificado, si la experiencia fue tal. Las residencias internacionales como modelo ya institucionalizado pueden encorsetar al artista apartándolo de su entorno de interlocutores más próximo (del que podría salir lo más revulsivo) y formatear las prácticas lo más ajustadamente posible al modelo hegemónico del trabajador intelectual globalizado, el profesional del capitalismo avanzado por excelencia. Al momento de escribir estas líneas me encuentro realizando una segunda residencia, esta vez en Cali, y me pregunto lo siguiente: ¿qué puedo decirles yo de Cali a los caleños, más que una ligereza? […] Por otro lado, esta argumentación puede verse como reaccionaria. Un

Marcela Sinclair Maracatú atómico, vista de su instalación en la galería Mite, Buenos Aires, 2009.

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time in Cali [Colombia], and I ask myself the following question: What can I possibly say about Cali to those who live here that won’t wind up being superficial? […] On the other hand, this argument could be seen as reactionary. Any visual artist today (from a point of view that comes closer to anthropology, given the timeframe and the general nature of its object) may well be incorporated into social life in this way, as a commentator who heightens sensibilities (working with aesthetic aspects). Of course, this stance is far more humble than that of the genius… it would mean putting artists on the same level as other professionals, and removing the aura from their task. As we have already seen, the loss of aura is a thorny issue: art has to gain its autonomy in

a constant process. It must perpetually shift its position, in any direction whatsoever, away from hegemonic practices. This is why everything must be constantly revised. The feeling of being outside of your habitual circuit of production gives you an injection of strength. In Buenos Aires, at least, the large majority of artists support themselves economically with other jobs. Work schedules, vacations, holidays… the sensation of living according to other, more fluid norms, where time is managed in a different way, can encourage you to venture further. The same is true being in contact with artists from other parts of the world, who share similar situations. But being re-situated only takes place once you return to your own place. I would like to add that another thing

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artistas se sostienen económicamente con otros trabajos. Horario, vacaciones, feriados… la sensación de vivir de acuerdo a otras normas, más fluidas, otro manejo del tiempo, puede animarlo a uno a ir más allá. Lo mismo que estar en contacto con artistas de otros lugares del mundo que comparten situaciones similares. Pero la re-situación sucede al volver al lugar propio. Quiero decir también que otra cosa que valoro enormemente de la residencia en El Basilisco es la manera en que organizaron encuentros de presentación de la obra y los artistas. Creo que más allá de los encuentros espontáneos que puedan darse, estas instancias más formales (aunque nunca rígidas) son fructíferas para situar la sociabilidad en el marco de la discusión sobre el trabajo. Lo mismo

los diálogos a los que generosamente se prestaron los coordinadores cada vez que lo precisé o quise simplemente compartir mis ideas y preguntas, y el clima amable que supieron generar. […]

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artista visual hoy (desde un punto de vista más cercano al antropológico, por el recorte de tiempo y la generalidad de su objeto) quizás esté incorporado a la vida social de esa manera, como comentarista, y sensibilizador (en tanto trabaja la estética). Pero claro, es tan humilde esa posición en relación a la del genio… es equipararlo a muchos otros profesionales, muy desauratizador. Y lo des-auratizado, hemos visto tiene sus bemoles: la autonomización del arte tiene que ser constante. En perpetuo corrimiento, sea en la dirección que sea, de la manera hegemónica. Por eso hay que revisar constantemente todo. Hay una inyección de fuerza al sentirse fuera del circuito productivo habitual. Por lo menos en Buenos Aires la enorme mayoría de los

about the residency at El Basilisco that I value greatly is the way that get-togethers were organized to present artists and their work. I think that above and beyond the spontaneous meetings that may take place, these more formal (but never rigid) instances are very productive in terms of situating social interaction within the framework of discussion about people’s work. The same is true for the dialog that the coordinators so generously offered every time I needed it or simply wanted to share my ideas and questions, in addition to the friendly atmosphere that they managed to create. […] Jorge Tirner Detalle de su instalación en El Basilisco, 2007.

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Esteban Álvarez al teléfono. Me avisa que fui seleccionado para la residencia. Dura algo así como dos meses. Dudo. En un segundo todo lo que tengo de cotidiano está en mi mente: novia, trabajo, casa. Le digo que me de 48 hs para responder. Llamo a Jess, llamo al pelado y en realidad no importa a cuánta gente más llame, es una decisión personal. Pienso. Trabajo seguro, con sueldo seguro, mes a mes. Las cosas en la balanza no tienen equilibrio. Nunca pensé en ser artista, pero hace unos años me metí en este baile… a bailar entonces. Dejo trabajo, casa y una novia en ella. Me voy a probar y a

Jorge Tirner Excerpts from a text by Celeste Massin, based on the oral account “My days at El Basilisco” by Jorge Tirner It’s Esteban Alvarez on the phone. He tells me that I’ve been selected for the residency. It lasts something like two months. I have my doubts. In an instant every single thing that is part of my everyday existence comes to mind: girlfriend, job, house. I tell him I need 48 hours to come up with my answer. I call Jess, I call my buddy “Cueball” and it doesn’t really matter who else I call; the decision is a personal one. I think. I have a steady job, with a steady income every month. The things on either side of the scales don’t balance out. I never thought about being an artist, but

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probarme. ¿Qué puede suceder en dos meses y monedas lejos de mi pequeño y aglomerado mundo? Conocer más de mi obra, conocer gente o lo que sea, de todas formas eso está por verse. A más de mil kilómetros de distancia de lo perfectamente conocido las líneas se desdibujan. Comparto mi estancia en el Basilisco con una artista boliviana y un artista chileno. La casa tiene muchos compartimientos y la comunicación con la calle es un interminable pasillo. Entre el ruido de los coches y las habitaciones hay un patio interno, con una pelopincho llena. La escalera caracol que me lleva al segundo piso está hermosamente decorada por una ventana de vidrios coloridos. O no tan coloridos, no importa. Los pocos colores dan la sensación de muchos. Mi habitación es justa y necesaria. La

several years ago I climbed aboard this boat… now it’s time to take up the oars. I leave job and house with girlfriend inside. I’m off to take a shot and put myself to the test. What can happen in two months and change, far away from my small, conglomerated world? If I will get to know more about my work or get to know other people in any case remains to be seen. Leaving what I know perfectly well over a thousand kilometers behind, all the lines begin to blur. I share my stay at El Basilisco with an artist from Bolivia and an artist from Chile. The house has many compartments and an endless hall communicates it with the street. Between the noise of passing cars and the bedrooms there is an inner patio, with a brimming plastic swimming pool. A handsome window with panels

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Jorge Tirner Extractos de un texto de Celeste Massin, basado en el relato oral “Mis días en el Basilisco” de Jorge Tirner

Jorge Tirner Vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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of colored glass decorates the spiral staircase that takes me to the second floor. It isn’t all that colorful, but it doesn’t matter. The few colors there are give the sensation of being more. My bedroom is just enough, and necessary. The house is spacious enough to allow each of us to have his or her own space, even in the kitchen cabinets. […] My work continues in a process where my hand no longer intervenes. The pieces become new works. The rubber bands have this property; they change, influenced by the change of context. They dilate, contract, or snap. In the majority of cases, the work retains some sign that something was there, while a tangle of rubber curls lies at its feet. […] After some tests, the final product was an explosion of primary colors and a

visual register of the object’s patient, slow transformation. […] Even though everything may seem to have been determined ahead of time, it wasn’t. I played around, a lot. With enclosed cans, chains of matches, painting in vices and quite a few drawings. Constructing so many things simultaneously allows you to focus constantly on your work. Sharing a space with strangers who later cease to be such strengthens your own character. The countless visits to exhibitions generate new knowledge. And as soon as you know it, the two months and change have flown by. Whether flying low or flying high hardly matters. The conclusions of the experience are what remain.

EL BASILISCO

cuantos dibujos. La construcción de tantas cosas simultáneamente permite la constante focalización en el trabajo. Compartir el espacio con desconocidos, que después no lo son, refuerza el carácter de uno. Las innumerables visitas a exposiciones generan un nuevo conocimiento. Y cuando te das cuenta los dos meses y algo se pasaron volando. Alto, bajo, a una altura considerable, como sea. La conclusión de la experiencia es lo que queda.

TRAER PUERTA PROPIA

amplitud de la casa permite que cada uno tenga su propio espacio. Inclusive en la alacena de la cocina. […] La obra continúa un proceso en el que ya no interviene mi mano. Se transforman en una nueva obra. Las banditas tienen esa propiedad, con la influencia del contexto cambian. Se dilatan, se contraen, se cortan. En la mayoría de los casos queda en la obra la señal de que algo estuvo y a los pies de ella una ensalada de rulos de goma.[…] Después de algunas pruebas el producto fue la explosión de los colores primarios y el registro visual de la paciente y lenta transformación del objeto. […] Aunque todo parezca predeterminado no lo es. Jugué, y mucho. Con latas encerradas, rieles de fósforos, pintura prensada y unos

Jorge Tirner Vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

Bill Burns / Jaime Gamboa / Núria Marquès / Thomas & Renée Rapedius

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THE PROJECT AS MOTOR HOME It is possible to view the work of almost any artist as a vehicle or medium in as much as it constitutes a via of communication, but for some, it can turn into a means of transport for the artist him or herself, as if it were a motor home, a base on wheels that facilitates movement to anywhere in the world. Like the tasks related to setting up camp, the needs of the work are the primary motivation to launch one’s self into a new place and to interact with it. With this continuous element as the point of departure, all the differences that appear alongside the constant are highlighted, and the constant will be a key to analyzing and assimilating them, much like the exercise of drawing an entire room without lifting the pencil off the paper. It led Bill

Burns to work with neighborhood lathe craftsmen who produce precision parts in metal and also to write a letter to the President of Argentina; for Jaime Gamboa and Núria Marqués (both of whom also dealt with knowing that their residence would be the last to take place in the house), it was a way of managing time and space. For Jaime, a manner of taming the hours and days in addition to a landscape without heights, and in the case of Marqués, a stop in the odyssey of her fantastic characters who struggle with indomitable locks or tears beyond control. For Thomas and Renée Rapedius it meant open terrain upon which to construct their own landscape.

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Presidente de la Nación; a Jaime Gamboa y Núria Marqués (quienes además lidiaban con la conciencia de que la suya sería la última residencia en esa casa) fue una manera de manejar el tiempo y el espacio. En el caso de Gamboa, una forma de domar las horas y los días y un paisaje sin alturas, y para Marqués una parada en la odisea de sus personajes fabulosos que luchan con pelos indomables o lágrimas fuera de todo control. Para Thomas y Renée Rapedius, era un terreno despojado sobre el cual erigir su propio paisaje.

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME Es posible mirar la obra de casi cualquier artista como un vehículo o un medio, en cuanto constituye una vía de comunicación, pero para algunos artistas se convierte en un medio de transporte como si fuera un motor home, una base sobre ruedas que fomenta su movimiento por el mundo. Como las tareas de instalar un campamento, las necesidades de la obra serán el motor para lanzarse al nuevo lugar e interactuar con él. Partir de un elemento continuo realzará las diferencias alrededor de esta constante, y será una clave para analizarlas y asimilarlas, como el desafío de dibujar una habitación entera sin levantar el lápiz del papel. A Bill Burns, lo llevó a trabajar con torneros artesanales del barrio y también a escribir una carta al

Página anterior Foto: Pablo Rosales, 2012.

Bill Burns Dogs and boats and aeroplanes. Fotografía, 2009.

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EL BASILISCO

Querida Sofía: he llegado el día de ayer a mi destino, mi buen amigo S. me ha recibido con beneplácito y mucho agrado. Todo es completamente nuevo pero siento en esta ciudad un aire muy familiar, hay pequeñas cosas y situaciones que me recuerdan a Bogotá, sin embargo, S. me dice que las diferencias son realmente grandes […] Existe algo que ha llamado profundamente mi atención y que lo hizo desde el momento en el cual anunciaban en el avión la llegada a la ciudad de Buenos Aires; nunca imaginé cuán llana podría ser, sin alguna señal de una cadena

Jaime Gamboa (excerpts from correspondence from October 13 to December 14, 2008)

Bill Burns Dogs and boats and aeroplanes, fotografía, 2009.

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Dear Sofía: yesterday I arrived at my destination point; my good friend S welcomed me with great pleasure and enthusiasm. Everything is completely new but I sense a very familiar air about the city, there are little things and situations that remind me of Bogota, although S assures me that the differences are actually quite large […] There is something that makes a profound impression on me and it has done so since the very moment that they announced our arrival in Buenos Aires on the plane; I never imagined that any place could be so flat, without any sign whatsoever of a mountain chain, and it is something

montañosa, eso es algo a lo cual no estoy acostumbrado. […] Desde ayer hasta hoy he recorrido y visitado espacios muy particulares y llamativos, llevan consigo una pesada carga que a veces creo no logran soportar con éxito, mientras otros se aferran a un pasado que no comprendo aún. Es como si la ciudad se debatiese entre una eterna nostalgia y una extraña modernidad. […] Te acuerdas lo que te comentaba de los horarios, pues no he podido ajustarme a ellos y con frecuencia pierdo toda noción de rutinas anteriores. Pienso mucho sobre el transcurrir del tiempo, casualmente escuchaba por estos días en un programa radial donde concluían que éste es sólo una invención de nosotros los humanos, muchos estamos sometidos a él, sólo si

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

Jaime Gamboa (extractos de correspondencia desde el 13 de octubre hasta el 14 de diciembre, 2008)

that I am unaccustomed to. […] Between yesterday and today I have toured and visited very particular and notable spaces that carry a heavy load that they do not always manage to uphold successfully, while others cling to a past that I not yet comprehend. It’s as if the city were debating between an eternal nostalgia and a strange modernity. […] You will remember that I had commented about the schedule here as I haven’t been able to adjust to it, and I often lose all notion of my previous routine. I think about the passing of time quite a lot, and in recent days I happened to hear the conclusion on a radio program that all this is just an invention of we humans, and many of us are subject to it, but it is only if we wish to be. It is something that I had already been

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Seguro encontraré solución a estas inquietudes, habrá que tomar una bocanada y seguir por algún camino. […] Ya he decidido qué presentar para el día de la pequeña muestra aquí en la casa, aunque no estoy seguro si sea capaz de finalizar a tiempo, quisiera hacer cosas interesantes o impresionantes pero no sería honesto para mi, aunque debo admitir que detrás de toda obra siempre existe un ánimo de pedantería y autosatisfacción de un ego sin sentido. He tenido suerte al encontrar una solución medianamente acertada para la elaboración de la obra y su movilización de vuelta hacia Bogotá, la consecución de los materiales ha sido muy interesante pues me ha obligado a recorrer lugares de la ciudad que no hubiera imaginado visitar. […]

reflecting upon several years ago and I always wanted to set some trap, to beat it at something somehow, but now I am coming to the realization that it is an exhausting, pointless struggle […] Although I had a project in mind before coming here, they have given me complete freedom to work on whatever I want. It occurs to me that the graphite drawings are not the most well-suited to do here, you know that they always take me some time to do and I don’t have the conditions here to work on them with any agility. The ideas about my work always change, that’s its nature, because here is where I should reformulate many things that implicitly accompany a change of city, habits, materials (and even though we speak the same tongue),

and languages as well. I will surely find solutions to these issues that concern me, I’ll have to take a deep breath and continue forward along one path or another […] I’ve already decided what to present for the day of the small show here in the house, although I’m not sure if I’ll be able to finish it in time. I’d like to do things that are interesting or impressive but it wouldn’t be honest on my part, although I must admit that behind every work there is always a certain spirit of pedantry and self-satisfaction that come from a pointless egotism. I’ve been fortunate enough to find a fairly good solution as to how to elaborate the work and to bring it back to Bogota with me. Finding the materials has been very interesting since this has obliged me to visit

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EL BASILISCO

Bill Burns Vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

queremos. Ya lo venía reflexionando varios años atrás y siempre quise ponerle trampas para ganarle en algo, pero ahora me voy dando cuenta de que es una lucha desgastante y sin sentido […] Aunque tenía en mente un proyecto antes de venir para acá, me han dado libertad total para trabajar en lo que desee. Se me ocurre que los dibujos en grafito no son los más indicados para realizar, tú sabes que me toman siempre algo de tiempo y aquí no cuento con las condiciones para realizarlos de una manera ágil. Las ideas sobre mi trabajo siempre cambian, es su naturaleza, porque es aquí donde debo reformular tantas cosas que vienen implícitas a un cambio de ciudad, de costumbres, de materiales (y aunque hablemos el mismo idioma) también de lenguajes.

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me resultaba incómodo, en ocasiones es tan intenso el hedor que llega hasta la casa, pero me he acostumbrado poco a poco y cuando percibo ese leve picor en la garganta causado por el penetrante aroma me siento de nuevo en casa y a la vez muy tranquilo, así como el niño cuando oye la voz de su madre y así se mengua su angustia. […] Desde la primera semana que llegué y por cómo pude percibir en adelante ciertas cosas en la ciudad, vino a mí la sensación de que aquí existe la posibilidad (si uno quisiere y cuenta con los recursos suficientes) de llegar a la perdición total, de alcanzar elevados extremos en varios aspectos, aspectos que tomarían bastante tiempo para describir pero que más adelante a nuestro encuentro te los contaré. […]

many places in the city that I would never have imagined visiting.[…] I miss our city’s indiscriminate way of raining; I’ve seen in rain here in the past few days but it isn’t comparable at all. When it does happen, I am hit by gusts loaded with tons of memories. I like certain of this city’s smells; a couple of days ago I found myself walking in a park and smelt the aroma of jasmines that hit me unexpectedly and a thought came to mind immediately, an image of your delight on those cold nights when the shrubs blossom with a sweet, intense fragrance of honey. I know that for many it will not be their fondest memory of Avellaneda, and it’s true that I almost forgot to mention it, but every time I’m traveling toward the city I think of the intense stench, a smell of shit

exuded by the Riachuelo [River]; at first it was uncomfortable, the reek was so intense at times that it reached as far as the house, but I’ve become accustomed to it little by little and when I perceive that slight sting in my throat, caused by the penetrating odor, I feel at home again and at the same time very calm, like a child whose anxiety begins to fade at the sound of his mother’s voice. […] Since the first week when I arrived and due to what I have been able to observe since then regarding certain things in the city, I have come to have the sensation that the possibility exists here (if one might wish to and had sufficient resources) to reach compete perdition, to achieve elevated extremes in various aspects, aspects that would take quite some time to describe but that I

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

Extraño mucho la manera indiscriminada de llover de nuestra ciudad, en estos días he visto llover por aquí pero nada equiparable y cuando sucede esto vienen ráfagas cargadas de miles de recuerdos. Me gustan ciertos olores de esta ciudad, hace unos días me encontraba caminando por un parque y sentí un perfume de jazmines, fue como un golpe inesperado, inmediatamente me vino un pensamiento, la imagen tuya deleitada en aquellas noches frías de cuando florecen aquellos arbustos con una intensa y dulce fragancia de miel. Sé que para muchos no sería su mejor recuerdo de Avellaneda, y por cierto casi olvido mencionarlo, pero cada vez que viajo rumbo a la ciudad pienso en el intenso olor a peste, a mierda que despide el riachuelo; al comienzo

Bill Burns Vista de su instalación en El Basilisco (carta al Presidente de la Nación), 2007.

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EL BASILISCO

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

Una de las primeras cosas que quiero realizar a mi retorno es buscar una guía de Bogotá, parecida si pudiera a la que usé aquí durante mi estadía; he aprendido a entender la ciudad desde una vista completamente diferente. Bogotá la conocí tridimensional, Buenos Aires la entendí bidimensionalmente. […] No sé que haya sucedido en mí, es muy pronto para pensarlo, pero de seguro tengo que éste tipo de situaciones sólo se vive una vez (…) Ya ha acabado esto y me mudaré de nuevo […]

will tell you more about further on, once we meet again. […] One of the first things that I want to do upon my return is to look for a guide to Bogota, similar, if possible, to that which I used here during my stay; I have learned to understand the city from a completely different perspective. I came to know Bogota in three dimensions, and I came to understand Buenos Aires in two. […] I don’t know what has happened to me, it is very early to think about this, but I am sure that you only experience this kind of situation once […] This is already over and I’m set to move again. […]

Jaime Gamboa Dibujo, 2008.

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Jaime Gamboa Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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2_ Esta alegoría se materializa en un personaje inocente y naïf dotado de una gran peculiaridad: sus cabellos, inmensamente largos, inmensamente envolventes que convierto en símbolo del bagaje emocional. 3_Desencuentros, desencantos, vasos medio vacíos, culpas… arrollan, aprisionan, asfixian a la pequeña protagonista que ha caído en un bucle. Fantasmas, quizás para morir o quizás para matar una etapa vital. 4_Deconstrucción, en sus caras el personaje, insinúa con sus sombras,

Núria Marquès Art is part of a historical-social context […] and it is precisely in the context of contemporary society— where a frenzied pace reigns, where ‘now or never’ it is the leit motif, where competition is one more form of relating to one another—that my work appears. My metaphorical meditations […] make use of the “social evils” […] provoked by this vital frenzy that is imposed upon us. They are emotional and moving disorders that lead us to chaos on a personal level—anxiety, stress, fear of living—that I handle in a quotidian, even humorous way, humanizing what was until recently a stigma. I propose an emotional catharsis for all, by working with narrative that awakens empathy, with a large dose of innocence and fresh air.

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EL BASILISCO

1_Creando una alegoría sobre cómo creamos resistencias para dejar en el camino aquellos recuerdos y vivencias que acaban enquistándose en las emociones del presente.

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

Núria Marquès El arte forma parte de un contexto histórico-social, […] y es precisamente en el contexto de la sociedad contemporánea --en la que impera un ritmo frenético, en la que ‘ahora o nunca’ son el leit motif, en la que la competitividad es una forma más de relacionarse-– donde aparece mi trabajo. Mis reflexiones metafóricas […] se sirven de los “males sociales” […] provocados por este frenesí vital que nos viene impuesto. Son desórdenes emocionales y emotivos que nos conducen al caos personal –-ansiedad, estrés, miedo a vivir-- que trato de forma cotidiana, incluso divertida, humanizando lo que hasta hace poco era estigmatizado. Os propongo una catarsis emocional, a través de un trabajo de narración empática con una gran dosis de frescura e inocencia.

Jaime Gamboa Dibujo, 2008.

Núria Marquès Vistas de su instalación en El Basilisco, 2008.

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EL BASILISCO

Thomas & Renée Rapedius Texto de Susanne Figner, Curadora, Kestnergesellschaft, Hannover El punto de partida para la obra Monte Vera de Thomas & Renée Rapedius fue la residencia de tres meses que realizaron en Buenos Aires […] Para prepararse, Thomas & Renée dejaron los libros guía convencionales a un lado, en favor de los relatos literarios sobre viajes y reclusión. Los artistas se interesaron especialmente en las novelas de Annemarie Schwarzenbach que describen sus viajes a lugares exóticos además de documentales sobre la comuna artística Monte Verità en Suiza, entre otros. Tanto las fugas fantásticas de la Europa de Schwarzenbach como la alegremente fogosa “Cooperativa Monte Verità” se

Recurro a los paisajes emocionales para convertir en protagonistas a las emociones en estado puro.

1_Creating an allegory regarding how we create forms of resistance in order to leave behind the memories and experiences that wind up embedded in present-day emotions. 2_This allegory materializes by way of an innocent, naïve character featuring a notable peculiarity: her immensely long, immensely enveloping hair, which I convert into a symbol of emotional baggage. 3_Misencounters, disillusion, half empty glasses and guilt… all overwhelm, entrap and asphyxiate our tiny heroine, who falls into a loop. Ghosts, to die, possibly, or to kill a phase of life. 4_Deconstruction, in the faces of this character whose shadow insinuates,

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Thomas & Renée Rapedius Text by Susanne Figner, Curator, Kestnergesellschaft, Hannover

creating poetry that submerges us in an emotional siege, in a state of mental block, at a deadlock from which it is impossible to move forward, only catharsis will allow things to continue. I turn to emotional landscapes in order to convert emotions in their pure state into protagonists.

Núria Marquès Detalle de su instalación en El Basilisco, 2008.

The starting point for Thomas & Renée Rapedius’ piece Monte Vera was set when the duo was granted a three-month residency in Buenos Aires […] To prepare, Thomas & Renée Rapedius eschewed conventional guide books in favor of literary accounts of travel and seclusion. The artists were particularly drawn to Annemarie Schwarzenbach’s novels describing her exotic journeys, as well as documentaries of the artist commune Monte Verità in Switzerland, among others. Both Schwarzenbach’s fantastic escapes from Europe and the high-spirited “Cooperativa Monte Verità” were prone to failure due to their idealistic

prestaron al fracaso, ya que sus metas y expectativas idealistas rápidamente se desmoronaron frente al impacto de los sentimientos mundanos y los conflictos personales. […] Monte Vera expresa la forma propia de Thomas & Renée de involucrarse con las expectativas, las emociones y los fracasos de la experiencia de viajar. […] Dibujos diminutos en la superficie del papel planean acontecimientos del viaje de los artistas, tanto reales como ficticios, obligando al espectador a recorrer la instalación para componer la narrativa fragmentada. Aunque las distintas vistas de montañas ofrecen placer visual a los espectadores, el hecho de que los artistas se nieguen a divulgar un relato integral de sus experiencias de viaje, genera una extraña brecha entre los puntos de la

EL PROYECTO COMO MOTOR HOME

crea una poesía que nos sumerge en un asedio emocional, en un estado de bloqueo mental, en un punto muerto donde es imposible avanzar, sólo la catarsis permitirá continuar.

goals and expectations that soon collapsed under the impression of worldly emotions and personal conflicts.[…] Monte Vera expresses Thomas & Renée Rapedius’ own engagement with the expectations, emotions and failures of the travel experience. […] Diminutive drawings on the surface of the paper map out both real and fictive events in the artists’ journey and force the viewer to move around the installation to compose the fragmented narrative. Though the various mountain views grant spectactorial pleasures, the artists’ refusal to give a comprehensive account of their travel experiences creates an uncanny gap in viewpoints between the panoramic perspective seen from afar and the fragmented view from up close. […] Thomas &

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EL BASILISCO

Thomas & Renée Rapedius O.025 (Monte Vera), papel enrollado, detalle de su instalación en S.M.A.K. Museum, Ghent, 2009.

Thomas & Renée Rapedius O.025 (Monte Vera), papel enrollado, vista de su instalación en S.M.A.K. Museum, Ghent, 2009.

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perspectiva de la vista desde la distancia y la vista fragmentada del primer plano. […] Thomas & Renée Rapedius movilizan al espectador, ofreciéndole vistas continuas mientras develan la naturaleza construida de las descripciones idealizadas de la experiencia de viajar.

Renée Rapedius set the spectator in motion and offer continuous views while revealing the constructed character of ideal depictions of the travel experience.

Thomas & Renée Rapedius Detalle de su instalación en El Basilisco, 2006.

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LA PROTESTA VISUAL

Agnes Eperjesi / Runo Lagomarsino

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VISUAL PROTEST All art is political. At least that’s what they say; at the very least, it can always be interpreted in a political manner, and it does undeniably exist, within a socio-economic political system that consists of different mechanisms of power hopelessly tangled together. This, on the one hand. On the other, there are artists who take on different political issues as the central topic of their work. This is the case of these two artists. Given that the ultimate instance of political power is that which imposes limits on where bodies are situated and/or restrictions on their power to act, there is a common thread here where the body plays a central role, whether in its presence or its absence, as a vehicle for protest or as the victim of some kind of abandon. Agnes Eperjesi

investigated protest as a form in and of itself, with its potential for expression in an almost abstract way, while Runo Lagomarsino elaborated a comprehensive inverse theory of protest where the impact of a body’s presence may turn out to be negligible but its absence can generate enormous resonance.

EL BASILISCO

potencial para la expresión casi en forma abstracta, mientras Runo Lagomarsino elaboraba una comprensiva teoría inversa de la protesta donde la presencia de un cuerpo puede resultar ínfima pero su ausencia es capaz de una resonancia enorme.

LA PROTESTA VISUAL

LA PROTESTA VISUAL Todo arte es político. Eso dicen; o por lo menos, siempre se lo puede interpretar de una manera política, y existe, sí o sí, dentro de un sistema socio-económico-político que consiste de diversos mecanismos de poder enmarañados irremediablemente entre sí. Eso por un lado. Por otro, hay artistas que abordan como tópico central de su obra diferentes temas políticos. Es el caso de estos artistas. Ya que la última instancia del poder político es la de imponer límites en la ubicación de los cuerpos y/o restricciones sobre su accionar, hay un hilo común aquí donde el cuerpo tiene un protagonismo central, sea en presencia o ausencia, como vehículo de protesta o víctima de alguna forma de abandono. Agnes Eperjesi investigó la protesta como forma en sí y su

Página anterior Foto: Jaime Gili. (Vista de sus afiches en el barrio de Piñeyro, Avellaneda.) 2004.

Agnes Eperjesi Protesta, vista de su instalación en El Basilisco, 2007.

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Alguna vez el poeta argentino Juan Gelman escribió: La memoria es una cajita que revuelvo sin solución (Memory is a little box that I stir without solvent*). Cada vez que escribimos la historia, hay selecciones obvias; una selección consciente, una selección melancólica, una política, una personal (y a veces todas juntas están presentes), entre lo que se inscribe en la historia y lo que no. En este texto corto intentaré pensar entre líneas, empleando a Gelman en forma literal – no buscando el solvente de la memoria, pero

Runo Lagomarsino Thinking beyond 1968 and its locality Ps. Do you know what a Cuba Libre is called in Cuba - La Mentirita. (The Little Lie) Ds. The Argentinean poet Juan Gelman once wrote: La memoria es una cajita que revuelvo sin solución - Memory is a little box that I stir without solvent. Every time we write history there are obvious selections; a conscious one, a melancholic one, a political one, a personal one (sometimes present all together) what’s inscribed in history and what’s not. In this short text I will try to think in in-between the lines and use Gelman literally - not to search for the solvent of memory but to stir differently.

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I will start with claiming two positions. - If you don’t know what the South is it’s simply because you are from the North. - When we were 10, we wore berets, not because we wanted to be artists, but because we were in love with Che Guevara. There have been several discussions of 68, one coming from the conservative side meaning that we are communist idiots to even discuss it. The neo liberals would like to claim that it almost didn’t exist, and if it existed it was merely a youth culture that grew older, got a job and found the truth. And then there is us, we who at different times and for different reasons have been part of “68”. Being there, or growing up with

EL BASILISCO

revolviendo de una manera distinta. Para comenzar, afirmaré dos posiciones: - Si no conocés qué es el Sur, es simplemente porque sos del Norte. - Cuando teníamos 10 años, usábamos boinas no porque queríamos ser artistas, sino porque estábamos enamorados del Che Guevara. Hubo varias discusiones acerca del ’68, una que venía del lado más conservador, que significaba que éramos unos idiotas comunistas sólo por hablar del tema. A los neoliberales, les gustaría pretender que casi no existió, y si de hecho existió, que fue sólo una cultura de jóvenes que cuando crecieron, consiguieron empleo y descubrieron la verdad. Y luego estamos nosotros, los que en distintos momentos y por diferentes razones hemos formado parte del

“68”, o por haber estado allí, o porque lo tuvimos muy presente durante nuestro proceso de maduración. Leíamos los textos que se produjeron en torno a él y pensábamos en su potencial. Comprendo la manera de hoy de pensar de nuevo sobre el ’68, en la búsqueda de herramientas de inspiración y pensamiento crítico. Pero pienso que es preciso escuchar esa voz desde otro lugar en la habitación, mirarlo desde otros ojos, otro hemisferio. Apunto aquí a la falta de o hasta la negación del (¿será una amnesia política?) otro 1968(s). ¿Por qué hubo poco o nada de debate en torno al “68” más allá del entorno de la producción de “la historia occidental”? ¿Sus luchas, sus movimientos, sus pérdidas? La última

LA PROTESTA VISUAL

Runo Lagomarsino Pensando más allá del ’68 y su carácter local P.D: – ¿Sabés cómo se llama un Cuba Libre en Cuba? - La Mentirita. Ds.

it present in mind. We read the texts produced around it and think of its potential. I understand today’s rethinking of the 68, looking for tools of inspiration and criticality. But I think that the voice needs to be heard from another place in the room, seen from another set of eyes, another hemisphere. I am aiming here at the lack of, or even denial of (is it a political amnesia?), the other 1968(s). Why has there been little or no debate about “68” outside the realm of “western history” production? Its struggles, its movements, its loss? The last time I was in Buenos Aires I overheard somebody saying – ¿Y cuando pensás que vuelve Naomi Klein? I think the comment so clearly Agnes Eperjesi Protesta, performance marks the absence and cynical power of history writing. en Avellaneda, 2007.

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One of the most radical changes in the 60s and ongoing was the anti colonial movement and the struggles for national freedom. Then an open question - Is the Cuban revolution more or equally important to the discourse of 68 than Paris? At least in the global South? And more contemporarily - Is Cochabamba more or equally important for the anti globalization movement than Seattle? An important aspect of this is obviously a historical one; a critique of the way we read our political past, what’s inscribed in it and what’s not. But to just claim the rights of history and its medals will be very melancholic and conservative. More importantly, it gives alternatives to the “official 68 left discourse”. It can also give us alternatives to the

present and struggles for the future. Or to think the present (and fight in it) and dream the future.

EL BASILISCO

allí y qué no. Sin embargo, reclamar sólo los derechos de la historia y sus medallas sería una cosa muy melancólica y conservadora. Más importante aún es que ofrece alternativas al “discurso oficial del ’68 de la izquierda”. También nos puede ofrecer alternativas en el presente y luchas para el futuro. O para pensar el presente (y luchar en él) y soñar el futuro.

LA PROTESTA VISUAL

vez que estuve en Buenos Aires, escuché a alguien decir: ¿Y cuándo pensás que vuelve Naomi Klein? Creo que ese comentario marca muy claramente la ausencia de la escritura histórica y su poder cínico. Uno de los cambios más radicales desde los años ‘60 en adelante fue el movimiento anti-colonial y las luchas nacionales por la independencia. Entonces, una pregunta abierta - ¿Es la revolución Cubana tan o más importante al discurso del ’68 que París? ¿Por lo menos, en el sur globalizado? Y en términos más contemporáneos – ¿Es Cochabamba tan o más importante al movimiento anti-globalización que Seattle? Un aspecto importante de eso es, obviamente, el histórico; una crítica de la manera en que leemos nuestro pasado político, qué queda inscripto

* nota de traductor: El artista interpreta la cita de Gelman en inglés de forma literal, diciendo: La memoria es una cajita que revuelvo sin solvente.

Runo Lagomarsino G-8 Perdona (English is broken here) Fotografía, 2006. Cortesía del artista y Elastic, Malmö.

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LA PROTESTA VISUAL

Runo Lagomarsino We Support Proyección de una diapositiva sobre foamboard, 2007.. Foto: Matthew Watson Cortesía del artista y Elastic, Malmö.

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Runo Lagomarsino Untitled Tinta y cinta adhesiva sobre papel, 2007. Cortesía del artista y Elastic, Malmö.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Jaime Gili / Aurelio Kopainig / Nicolás Lelièvre / Renaud Herbin / Víctor Muñoz / Julieta Ortiz de Latierro / Anu Pennanen / Pedro Sequeira / Guga Ferraz

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nutren sus trabajos con imágenes que vienen de la calle, mientras Guga Ferraz, Jaime Gili, Julieta Ortiz de Latierro y Pedro Sequeira tomaron a la calle misma como su soporte. Nicolás y Renaud literalmente insuflan vida al cemento y los ladrillos del entorno urbano en su trabajo con animación cuadro por cuadro y digital, mientras Julieta Ortiz de Latierro anima costados enteros de edificios con dibujos dramáticos de historietas proyectados a gran escala. Para Víctor Muñoz y Guga, es el locus donde se manifiestan los cambios y las injusticias sociales, económicas y políticas; Víctor trabaja con imágenes fotográficas intervenidas de viviendas, contando las vidas de las paredes como un indicio de algo más y Guga interviene directamente con serigrafías y afiches que hablan de la

intemperie a la cual están expuestos los cuerpos en muchos sentidos. Tanto Jaime Gili como Pedro Sequeira, utilizando distintos formatos, aprovecharon la oportunidad de hacer intervenciones específicas en Avellaneda: en el caso de Jaime, con afiches casi abstractos producidos en una tradicional imprenta tipográfica local, y en el caso de Pedro, con acciones que alteraron la fisonomía de la plaza del barrio. Aurelio Kopainig y Anu Pennanen emplearon la fotografía, en el primer caso para seleccionar situaciones particulares de la convivencia o supervivencia del reino vegetal en el contexto de la ciudad, y en el segundo, haciendo foco en frentes lujosos de entidades financieras generando un contraste entre su geometría regular y su comportamiento irregular.

THE CALL OF THE STREET What, exactly, is the nature of the siren’s song that reaches our ears from the interstices of the urban fabric? Every street and every corner has a character all it’s own, as does every sequence, grouping or selection that we call a neighborhood. It is this character that can serve either as an anchor that defines our origin or an indicator of just how far we have strayed from it. As such, it can be a site for the most unexpected and potentially savage at the same time that it can be the most familiar and comforting of places. For these artists, the street represents a shared place: open to additions and interventions and an endless source from which to freely extract information, images and experience. Aurelio Kopainig, Víctor Muñoz, Anu

Pennanen and the duo comprised by Nicolás Lelièvre and Renaud Herbin nourish their work with images that come from there, while Guga, Jaime Gili, Julieta Ortiz de Latierro and Pedro Sequeira instead take the street itself as their support. Nicolas and Renaud literally breathe life into the urban realm’s bricks and cement through their work with stop motion and digital animation, while Julieta Ortiz de Latierro enlivens entire sides of buildings with dramatic comic book drawings projected in large scale. For Víctor Muñoz and Guga, the street is the locus where social, economic and political changes manifest themselves; Víctor works with digitally intervened photographic images of different types of housing, telling the life story of the walls as

an indication of more, and Guga intervenes directly with screen prints and posters that speak of the exposure to the elements that bodies are subjected to in many senses. Both Jaime Gili and Pedro Sequeira work in different formats but took the opportunity to carry out specific interventions in Avellaneda: in Jaime’s case, with almost abstract posters produced at a local traditional letter-press, and in Pedro’s case, for direct actions that altered the physiognomy of the small local plaza. Aurelio Kopainig and Anu Pennanen work with photography, in the first case using it to single out particular situations that deal with the coexistence or survival of the vegetable realm in the midst of the city, and in the second, focusing on the luxurious façades of financial

Página anterior Foto: Esteban Álvarez. (Imagen del colectivo 93 llevando un cartel con el texto “Vamos al Basilisco”, para la invitación a la muestra de Runo Lagomarsino y Pablo Guiot en El Basilisco.) 2005.

Guga Ferraz Compro su alma / vendo mi piel, still de noticiero de TV que publicó sus carteles pegados en la vía pública en Buenos Aires, 2007.

LA LLAMADA DE LA CALLE

LA LLAMADA DE LA CALLE ¿De qué se trata, precisamente, ese canto de sirenas que nos llega desde los intersticios del tejido urbano? Cada calle y cada esquina tiene su carácter, y cada secuencia o conjunto o recorte que llamamos barrio, también. Ese carácter nos puede servir de ancla como una definición de origen, o nos puede indicar exactamente cuán lejos estamos de él. Así resulta ser una fuente de lo más inesperado y potencialmente salvaje, y a la vez el lugar más familiar y reconfortante posible. Para estos artistas, la calle representa un lugar compartido: abierto a intervenciones y agregados y un recurso inagotable de dónde conseguir información, imágenes y experiencias. Aurelio Kopainig, Víctor Muñoz, Anu Pennanen y la dupla de Nicolás Lelièvre y Renaud Herbin,

entities, generating a contrast between their regular geometry and irregular behavior.

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Jaime Gili Afiches realizados durante su residencia, pegados en la calle en Avellaneda, 2004.

LA LLAMADA DE LA CALLE

Guga Ferraz Vistas de su instalación en El Basilisco, 2007.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Jaime Gili Ruta rota, proyecto para La Bienal de Arquitectura de Londres, con Platform for art, Riflemaker and Modus Operandi, Londres, 2006.

Jaime Gili Vista de la instalaciòn de Tipos Móviles UK (curado por Jaime Gili, proyecto de Luis Romero / Fundaciòn La Llama, Caracas, con apoyo del Arts Council of England) en El Basilisco, 2004.

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Jaime Gili Vista de su instalación en El Basilisco, 2004.

Anu Pennanen Fotografía. Buenos Aires, 2006.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Anu Pennanen Fotografía. Buenos Aires, 2006.

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Anu Pennanen Fotografía. Buenos Aires, 2006.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Aurelio Kopainig De casas y árboles (2001-2009), fotografía, Avellaneda, 2006. Aurelio Kopainig De casas y árboles (2001-2009), fotografía, Chongqing, 2007. Aurelio Kopainig De casas y árboles (2001-2009), fotografía, Macau, 2007.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Julieta Ortíz de Latierro Proyecciones. Cali, 2007.

Julieta Ortíz de Latierro Proyecciones. Buenos Aires, 2006.

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Julieta Ortíz de Latierro Proyecciones. Buenos Aires, 2006.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Nicolas Lelièvre / Renaud Herbin still de video animación, Buenos Aires, 2005.

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Nicolas Lelièvre / Renaud Herbin Cuadras y esquinas, stills de video animación Buenos Aires, 2005.

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EL BASILISCO . LA LLAMADA DE LA CALLE

Pedro Sequeira Intervención con cinta de embalar en la Plaza Marcelino Ugarte, Avellaneda, 2006.

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Pedro Sequeira Vista de su instalación en El Basilisco, 2006.

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Víctor Muñoz Terrazas salvajes, fotografía intervenida, 2007.

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LA LLAMADA DE LA CALLE

Víctor Muñoz Estuarios, vista de su instalación. AIM (espacios de memoria Moravia), proyecto de cooperación entre Festival della creatività Firenze, Cittadellarte, Biella, Centro de desarrollo cultural de Moravia y Alcaldía de Medellín, 2009.

Víctor Muñoz Terrazas salvajes, fotografía intervenida, 2007.

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DEJARSE LLEVAR

Mariano Dal Verme / Christian Bermúdez / Lila Siegrist / Pablo Adarme / Lucrecia Troncoso / Cintia Clara Romero / Carolina Senmartin

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familiar es excitante; pero ¿qué viene después de ese primer paso? Todos estos artistas de alguna manera decidieron o se entregaron a dar ese paso y a seguirlo después, un paso complicado aún más por el hecho de estar en un lugar nuevo y además desconocido. Mariano dal Verme, Christian Bermúdez y Carolina Senmartin encararon la distancia como una oportunidad de apartarse de sus procesos más habituales y experimentar con diferentes medios y formas de construir su obra, tal como cada uno de ellos explica. Pablo Adarme hizo un movimiento desde los gestos que dejaban los vecinos en la arquitectura hacia los vecinos mismos, y para Lila Siegrist, la extrañeza que lograba generar con ficciones armadas en su estudio se

derramó al contexto mismo, que de golpe le ofreció contrastes que pusieron de relieve los elementos familiares de su propio entorno. A Cintia Romero, los contrastes sutiles de un juego de variaciones sobre un tema le sirvieron de guía en una búsqueda de la flor más elusiva (la felicidad), y para Lucrecia Troncoso, fue otra planta, la yerba mate, la que le sirvió casi como un hilo de Ariadna en un trayecto bumerán, que la trajo de vuelta a su lugar de origen después de años de haberse radicado en el extranjero.

GO WITH THE FLOW We are all creatures of habit, and our society places greater value on repetition, constancy and memorization than it does on improvisation and experimentation. In the few environments where it is acceptable to take risks, every decision is buttressed by a wide array of mathematical calculations of risk and percentages, from the race track to Wall Street. They say that one learns from one’s mistakes, but just the same it is well understood that it is far better to avoid being touched personally by this learning experience at any cost. The temptation exists, nevertheless, to do the things that we shouldn’t, and curiosity is very capable of winning over selfpreservation. The decision to abandon the familiar beaten path and launch

out into unknown terrain is exciting; but what comes next after that first step? In one way or another, all these artists decided to or gave themselves over to taking that first step and also to continue onward, a process made yet more complex by being in a place that was both new and unfamiliar to them. Mariano dal Verme, Christian Bermúdez and Carolina Senmartin all saw being at a distance as an opportunity to take a step away from their usual processes and to experiment with other media and other ways of constructing their work, as each of them explains. Pablo Adarme made a shift from the gestures that neighbors would imprint on local architecture to concentrating directly on the people close by, and for Lila Siegrist, the estrangement she was accustomed to generating through

fictions set up in her studio overflowed into the context itself, which suddenly offered contrasts that emphasized familiar elements from home. For Cintia Romero, the subtle contrasts of playing with variations on a theme served as a guide in the search for the most elusive flower of all (happiness), and for Lucrecia Troncoso, it was another plant, yerba mate, that would serve almost as an Ariadne’s thread leading her in a boomerang trajectory back to her place of origin after having spent years settled abroad. Página anterior Foto: Jaime Gili. (Imagen de la tarjeta de invitación a la muestra junto a Marco Bainella en el Basilisco.) 2004.

DEJARSE LLEVAR

DEJARSE LLEVAR Somos criaturas de rutina, y nuestra sociedad valora mucho más la repetición, la constancia y la memorización que la improvisación y la experimentación. En los pocos ámbitos donde se acepta tomar riesgos, cada decisión está apuntalada por una armadura de cálculos matemáticos de riesgos y porcentajes, desde el hipódromo hasta la bolsa de valores. Se dice que uno aprende de los errores, pero igual se entiende que hay que evitar cualquier posibilidad de que ese aprendizaje nos toque. Sin embargo, la tentación de hacer lo que no debemos existe, y la curiosidad es muy capaz de superar el instinto de auto-preservación. La decisión de abandonar un camino conocido y seguro para lanzarse a un terreno no

Christian Bermúdez Pastilla (Akevitt Sunrise), fotografía, 2008.

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relación del espectador con la obra ya que no puede percibirla a menos que opere para hacerlo: se hace visible sólo cuando el espectador espere, valga la redundancia, el tiempo necesario o intervenga para revelarla. Aunque sean por el momento invisibles, las obras actúan como una cápsula o prisión que encierra un mensaje que luego es liberado, esta liberación del mensaje se relaciona íntimamente con la imagen que finalmente se muestra. La mayoría están relacionadas con la violencia política y social de Colombia. Terrorismo de Estado, paramilitares, desplazados, sindicalistas asesinados, guerrilla. Trabajé también en otras obras relacionadas con el problema del dibujo. Sfumatto es una instalación en la que utilizo una máquina de

humo para crear un dibujo espacial en una habitación de la residencia. Se utiliza el típico extractor de aire caleño para dinamizar el tránsito del humo que forma nubes, arabescos y líneas para desaparecer luego. Nube y Fantasma son dos video/ registros de estas experiencias. Gris #1 y #2 son breves videos en los que el humo satura y termina por desnaturalizar su propio origen (una bengala y una máquina de humo).

Mariano Dal Verme The primary task undertaken during my period of residency was to put different operations that I habitually utilize to the test in a different reality, with new materials, situations and interlocutors. I initiated a series related to drawing in which I used acid to draw on paper. The idea was to produce an invisible drawing, which as opposed to a normal drawing, becomes more and more visible with the passage of time. By way of the action of the acid catalyzed by light and heat, a switch from white to dark ochre is produced. This technique is known as invisible writing, an ancient technique used to write secret messages that could be revealed by heating the paper over a flame. In this way, the viewer’s relationship to the work changes, since he or she can no

longer perceive it unless they take action in order to do so: the drawing becomes visible only when the viewer waits, and the redundancy is worthwhile, the amount of time necessary or intervenes in order to see it revealed. Although they are momentarily invisible, the works operate as capsules or prisons that enclose a message that is then liberated, and this liberation of the message is intimately related to the image that is finally displayed. The majority of them are related to Colombia’s political and social violence. This includes state terrorism, paramilitary groups, displaced persons, assassinated union members and guerrilla groups. I also worked on other pieces related to the problem of drawing. “Sfumatto”

is an installation in which I utilized a smoke machine to create a spatial drawing in one of the rooms in the residency. An extractor typical of those used in Cali was used to make the transit of smoke more dynamic, forming clouds, arabesques and lines that would then disappear. “Nube” (Cloud) and “Fantasma” (Ghost) are two videos made to record these experiences. “Gris #1 and #2” (Grey #1 and #2) are short videos in which the smoke saturates and winds up denaturalizing its own origin (a flare and a smoke machine).

Mariano Dal Verme Sfumatto, vistas de su instalación en Lugar a Dudas, Cali, 2008.

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Mariano Dal Verme Mi tarea principal durante el período de residencia fue poner a prueba distintas operaciones que habitualmente utilizo, en una realidad diferente, con nuevos materiales, situaciones e interlocutores. Inicié una serie relacionada con el dibujo, en la que utilizo ácido para dibujar sobre el papel. La idea es producir un dibujo invisible, que a diferencia de un dibujo normal, se hace más visible a medida que pasa el tiempo. Por acción del ácido catalizado por la luz y el calor, se produce el viraje del blanco a un ocre oscuro. Esta técnica es conocida como escritura invisible, una técnica antiquísima que se utilizaba para escribir mensajes secretos que podían ser revelados al calentar el papel con una llama. De este modo se cambia la

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Christian Bermúdez […] I suddenly discover that two and a half years have passed since I was there (!) For me it seems like it was yesterday, since memories of El Basilisco remain quite present and the experience I lived there comes back from time to time; sometimes it is on a personal level, others, working with art and finally, even while working as art director for films. During these two and a half years I have worked on different projects, perhaps the most complex of which has been “Hanging Gardens”, which was the second part of “Polkagrishuset”, which is where the video of the house painted with pink and white stripes originated. […] In parallel, I’ve worked on other pieces for exhibitions held by way of competitions, which is a very popular format in Norway, where the gallery

system is not as strong as it is in Argentina. In this way I’ve worked with photography in “Aquavitt Sunrise” (2008) and produced my first sound installation, with “Bestirium Digitalis”. This is in general, in addition to my work as Art director this past year, for example, where I produced a short film whose story takes place in Buenos Aires; the results are interesting, especially working with images by Horacio Cóppola as the point of departure, a photographer I discovered at MALBA during my stay there. […] Finally, what influence has El Basilisco had on my productions during these past two and a half years? I would begin by saying that there are no concrete references (except in the case of the film), but above all it has to do with my practice. Let me explain: I

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fuerte como en Argentina. Así he trabajado con fotografía en la obra Aquavitt Sunrise (2008) y realizado mi primera instalación sonora en "Bestirium Digitalis". Esto a grandes rasgos, además de mi trabajo en dirección de arte en el último año, donde por ejemplo realicé un corto filmado en estudio cuya historia sucedía en Buenos Aires, los resultados son interesantes, sobre todo cuando trabajé a partir de imágenes de Horacio Coppola, a quien descubrí en el MALBA cuando estuve por allá. […] Finalmente, ¿Cómo influyó El Basilisco en mi producción de estos dos años y medio? Parto de que no hay referencias concretas (excepto en el caso de la película) pero ante todo tiene que ver con la práctica. Me explico: mi residencia la utilicé ante

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Christian Bermúdez […] Descubro que fue hace dos años y medio que estuve por allá (!) Para mí fue ayer, pues los recuerdos del Basilisco los tengo muy presentes y la experiencia vivida vuelve de tanto en tanto, a veces a nivel personal, en otras trabajando con arte y últimamente incluso trabajando con la dirección de arte para películas. En estos dos años y medio he trabajado con distintos proyectos, quizás el más complejo fue "Hanging Gardens" que era la segunda parte de "Polkagrishuset", donde nació aquel video de la casa pintada a rayas rosas y blancas. […] Paralelamente he trabajado con otras obras para exhibiciones que se realizan mediante concurso, que es un formato muy popular en Noruega, donde el sistema de galerías no es tan

Christian Bermúdez Caribe (Akevitt Sunrise), fotografía, 2008. Christian Bermúdez Monitor (Akevitt Sunrise), fotografía, 2008.

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Cintia Clara Romero “Todo desplazamiento supone un cambio, una modificación, una alteración en el curso de las cosas. Mi viaje a Cuba para participar en el programa de residencias para artistas Batiscafo, intuyo, sujeta a la poderosa energía de la experiencia en la que aún estoy inmersa, dejará huellas significativas tanto a nivel profesional como personal (…)”. Así comencé el reporte de mi estadía como residente en mayo del 2008 y hoy, casi un año después, sólo puedo confirmar esa sospecha. Batiscafo propone una dinámica de trabajo en la que a partir del intercambio, entre dos artistas cubanos y dos de otro país latinoamericano, más las coordinadoras del proyecto y un crítico invitado, se genera un proceso de producción individual o grupal que

se desarrolla a lo largo de una serie de encuentros de discusión y debate organizados durante el período de residencia. […] Conversando con los residentes cubanos comento que mi proyecto, Viajo buscando la flor de los siete colores, estuvo originalmente vinculado al animé japonés Ángel la niña de las flores* difundido a finales de la década del setenta. Hago una síntesis acerca de la historia y uno dice “uf, pero nosotros aquí veíamos uno similar, pero ruso … se llamaba El último pétalo”. Todos los locales presentes se empeñan en recordar y comienzan a cantar a coro “Vuela, vuela hojita mía de Este a Oeste con el viento y regresa en un momento usando el norte por guía. Y no olvides que al caer, lo que te pida haz de hacer”. Fue así como comencé a buscar

utilized my residency first and foremost in order to explore other media, and as such I made incursions into audio, returned to photography and even given artistic value to films. I arrived at El Basilisco with the idea of breaking away from video, and though I continue to work in video, I feel that following the residency, I had acquired the confidence to venture into other fields. This can be judged as either positive or negative according to the different criteria one may have regarding art practice, but in my case it is a tangible reality; after El Basilisco, I ceased to be an artist employing video as my only medium.

Cintia Clara Romero “Any displacement implies a change, a modification, an alteration in the course of things. My intuition is that the trip to Cuba to participate in the Batiscafo artists’ residency program, subject to the powerful energy of the experience in which I am still immersed, will leave a significant mark, on a personal as well as professional level (…)”. This is how I began the report on my stay in the residency in May of 2008, and today, almost a year later, I can only confirm what I suspected then. Batiscafo proposes a work dynamic where, on the basis of exchange between two Cuban artists and two from another Latin American country plus the project coordinators and an invited critic, an individual or group production process is developed throughout a series

of meetings for debate and discussion that are organized during the residency period. […] While speaking with the Cuban residents, I commented that my project, Viajo buscando la flor de los siete colores (I travel in search of the seven-color flower) was originally linked to Japanese animé. Ángel la niña de las flores (Angel, the little flower girl)*, which was distributed during the late seventies. I summarized the story and one person said “ah, we used to have one that was similar, but Russian… it was called El ultimo pétalo (The Last Petal). All the locals present made an effort to remember and began to sing in unison, “Fly, fly little petal of mine, from East to West with the wind and return sometime using the North as your guide. And don’t forget that when you

Pablo Adarme Fotografía, 2008. Pablo Adarme Vista de su instalación en El Basilisco, 2008.

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todo para explorar otros medios y así he incursionado en el audio, vuelto a la fotografía e incluso dado un valor artístico a películas. Al Basilisco llegué con la idea de desprenderme del video, y si bien sigo trabajando en video, siento que tras la residencia adquirí una confianza para adentrarme en otros campos. Lo anterior puede ser juzgado como positivo o negativo según los distintos criterios que se tengan acerca del quehacer artístico, pero en mi caso es una realidad palpable, después de El Basilisco dejé de ser un artista que utilizaba el video como único medio..

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Cintia Clara Romero Deseos postales 1, impresión color sobre cartón encapado, edición de 100, 2008.

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soporte visual para producir una serie de postales, de esta manera comencé a desarrollar Deseos postales. […] Por último, durante este tiempo surgió el proyecto Acciones imprescindibles. […] Esto quedó solo registrado en un cuaderno de anotaciones y fue el origen de toda una serie de videos que aún está en desarrollo. […] Los pequeños rituales diarios que nos acompañan, así como las obligaciones y los deseos nos sorprenden en una especie de acción en loop que repetimos una y otra vez con la esperanza contenida del cambio. Para finalizar me gustaría recalcar la importancia de este tipo de programas de residencias en los que se fomenta el intercambio cultural, la consolidación de redes de trabajo, el acercamiento a contextos diferentes, y la reflexión sobre los procesos

fall, you must do whatever they ask”. That was how I began to look for information about that little Russian (cartoon) doll that was consumed by Cuban children during the seventies**. […] My constant question regarding the construction of desire and what is desired led me to ask myself about what the Cubans yearned for now that almost fifty years had passed since the revolution. That is how, favored by their extreme sociability and openness to dialog that I began to explore this and, notebook in hand, would take notes to record parts of our conversations. […] I must confess that it wound up being somewhat paralyzing for me at first, thinking about the possibility of producing in relation to this work. Then I observed several photographs of grillwork in the form of flowers that I had taken

there recently and it occurred to me that they might function well as a visual support for producing a series of postcards, and that is how I began to develop Deseos postales (Postcard Desires). […] Finally, the Acciones imprescindibles (Indispensable Actions) project emerged at that time. […] This was only recorded in a notebook and it was the starting point for an entire series of videos that I am still developing. […] The small daily rituals that accompany us, as well as obligations and desires, take us by surprise in a kind of looping action that we repeat time and time again, with a contained hope for change. To conclude, I would like to highlight the importance of this type of residency programs, where cultural exchange, the consolidation of

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Cintia Clara Romero Deseos postales 2, impresión color sobre cartón encapado,edición de 100, 2008.

información sobre este muñequito (dibujo animado) soviético consumido por los niños cubanos a fines de los setenta**. […] Mi continuo interrogante acerca de la construcción del deseo y lo deseado me llevó a cuestionarme acerca de los anhelos de los cubanos a casi cincuenta años de la revolución. Así fue que, favorecida por su extrema sociabilidad y gran apertura para el diálogo, comencé a indagar sobre esto y, libreta en mano, iba tomando nota de parte de nuestras conversaciones. […] Debo confesar que me resultó un tanto paralizante, en este primer momento, pensar en la posibilidad de producir en relación a este trabajo. Luego observé unas fotografías de rejas con formas de flores que había tomado en esos días y pensé que podrían funcionar como un buen

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* La serie de animé Ángel la niña de las flores fue creada por Shiro Jumbo y producida por Toei Animation, en Japón en 1978. Cuenta la historia de Ángel, una niña que emprende un viaje alrededor del mundo con la misión de encontrar la Flor de Siete colores, una llave para encontrar la felicidad. Al final, vuelve a su pueblo, desanimada, sólo para encontrar al día siguiente que la flor de los siete colores había crecido en su propio jardín.

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cuento La Flor de siete colores de V. Kataev, donde una niña corre desesperada tras un perro, y llega a un lugar extraño donde se encuentra a una viejita que le regala una flor con la que puede pedir un deseo por cada uno de los siete pétalos. Después de malgastar los seis primeros de distintas maneras, se encuentra con un pobre niño inválido, Vitya, y, arrancando el último pétalo de la flor, pide sanarlo para siempre. Al pedir cada deseo decía: Vuela, vuela hojita mía de este a oeste con el viento y regresa en un momento usando el norte por guía. Y no olvides que al caer lo que te pida haz de hacer. Quiero: …

Lila Siegrist Palette es el registro documental de una acción irreversible acontecida entre octubre y noviembre de 2008 en Burdeos, Francia. Se trata de dar cuenta de qué manera el uso crónico y sostenido del error puede favorecer, también, escenas felices, festejables y coloridas. Así pueden ensayarse sistemas torpes y subversivos a los buenos modales. Desde hace algún tiempo organizo escenas ficticias en el espacio del taller y las registro de manera documental. Utilizo la foto y el video como sistemas que soportan estas escenas. Aquí el tiempo y su extensión laxa son determinantes, y se potencian gracias al “estado de residencia”. [fragmento] 25.10.08 Me bajo del tranvía una cuadras antes del mercado, y la

an animé series created by Roman Kachanov and produced by Soyuzmultfilm in Russia in 1977. The story is based on the tale of the Flor de siete colores (Seven-color flower) by V. Kataev, where a little girl runs desperately after a dog and arrives in a strange place where a little old lady gives her a flower with which she can make one wish for each one of its seven petals. After squandering the first six wishes in different ways, when she meets a poor invalid boy named Vitya, she pulls out the flower’s last petal, asking that he be cured forever. When she would make each wish, she recited: Fly, fly, little petal of mine, on the wind from east to west and come back in a moment using the North as your guide. And don’t forget that upon falling you must do what is asked of you. I want…

Lila Siegrist Palette is the documentary recording of an irreversible action that occurred between October and November, 2008 in Bordeaux, France. It deals with a way of registering in what way the chronic, sustained use of error can also propitiate scenes that are happy, colorful and can be celebrated. This way, systems that are clumsy and subversive to good manners can be tried out. For quite some time now I have organized fictitious scenes in my studio space and registered documentary records of them. I use photography and video as support systems for these scenes. Here time and its lax duration are determining factors that are granted further potential by being in a “state of residency”. [fragment]

** El último pétalo es una serie de animé creada por Roman Kachanov y producida por Soyuzmultfilm en Rusia en 1977. La historia esta basada en el

working networks, approaches to different contexts and reflecting on production processes are all encouraged, removed from the pressing interests of the market and hegemonic institutional art circuits. * The animé series Ángel la niña de las flores (Angel, the Little Flower Girl) was created by Shiro Jumbo and produced by Toei Animation in Japan in 1978. It tells the story of Ángel, a little girl who undertakes a trip around the world with the mission of finding the seven-color flower, a key to finding happiness. In the end, she returns, disappointed, to her hometown only to discover the following day that the seven-color flower had sprouted in her own back yard. ** El último pétalo (The Last Petal) is

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Lila Siegrist La table mise, video y fotografía documental, duración variable, loop, 2008.

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productivos despojados de los intereses inmanentes al mercado y a los circuitos artísticos hegemónicos institucionales.

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10.25.08 I get off the tramway one block before the market, and take a side road to get there where only men gather to talk and smoke. Different aromas then begin to fill the space and the light is very white, with blue shadows under the tarps. Everything that is sold there is offered generously and at the top of someone’s voice, and everything that is bought follows the same formula. This result of this traffic is that children, colorful fruit, genders, vegetables, spices, sounds and actions are all concentrated into three hours on Saturday. I go to Saint Michel on Saturdays to feel close to home. It is to understand that men still look at me even though I didn’t bring my hair dryer, don’t put on make-up and go my way wearing sneakers. They challenge you with a gaze that penetrates the vapor of coffee and

black tobacco. I return as if distancing myself, thinking that the sun there must be just as pleasant as it is here, but in the next four or five hours, and I walk toward La Garonne and head North, with the sun on my slender back and I see the river, with the thick viscosity that my river lacks, here it looks like Cindor chocolate milk, and barely crawls along. The Paraná [River] is as chronically sharp, intense and glossy as this one is delayed. I look across at the other shore and the limit is the silver Banque Populaire building that reflects this side and an amusement park where nobody dies. It leads me to think that when I walk there, along the river’s edge, that the limit is water’s possibility, time after how many times, to slip into the green landscape, all the way to Africa. This is my limitless river, between green

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estará tan lindo como acá pero en las próximas cuatro o cinco horas, y camino hacia La Garonne, y rumbo norte, con el sol en mi lomo angosto, y veo el río, con la viscosidad espesa que no tiene mi río, acá se parece a la leche Cíndor, y corre lento. La agudeza crónica del Paraná es intensa y brillosa, la manera de éste es demorada. Miro la costa de enfrente y el límite es un edificio plateado del Banque Populaire, que refleja a éste lado y a un parque de diversiones donde no se muere nadie. Entonces pienso que cuando camino por allá, en la orilla del río, el límite es la posibilidad del agua repetidas veces cuantas pueda ésta colarse entre el paisaje verde, y así hasta África. Ése es mi río ilimitado, entre fronda y tierra. Y entonces veo acá cómo una gaviota pesada, blanca y densa se

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llegada la hago por una calle lateral donde se juntan sólo los hombres a conversar y a fumar. Entonces los olores empiezan a copar el espacio y la luz es muy blanca y las sombras de los toldos azules. Todo lo que se vende se ofrece a los gritos y de manera generosa, y todo lo que se compra responde a la misma fórmula. Este tráfico hace que los niños, las frutas coloridas, los géneros, las verduras, las especias, los sonidos, y las acciones se reduzcan a tres horas por sábado. Voy los sábados al Saint Michel para sentirme cerca de casa. Para entender que los hombres aún me miran, aunque no me haya traído el secador de pelo, no me pinte la cara y ande en zapatillas. Te increpan mirándote entre vahos de café y tabaco negro. Vuelvo como alejándome, y pensando que el sol allá

Lila Siegrist La table mise , video y fotografía documental, duración variable, loop, 2008. Lila Siegrist Palette, video y fotografía documental, duración variable, loop, 2008.

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en Francia y lo que no sucede por el glamour, sucede por la historia. Todo el tiempo aquí la escena se debate así. Noche en una fonda y vuelvo a casa: recién me comí siete corazones de patos, y termino de confirmar que el amor es eso, la posibilidad acelerada y aguda de una sensación que no se disemine en otras, mientras tanto uno se come los siete corazones de pato, que parece que aquí son frecuentes.

Carolina Senmartin He llegado a Madrid hace apenas cuatro días, con una beca. Muchos dicen que haber hecho dos residencias ha valido para que me den una beca, pero no lo sé. Lo que sí sé, es que las residencias me dieron la posibilidad de una pausa en mi vida cotidiana, un tiempo extraordinario de suspensión y -como dicen en la jerga futbolística- de concentración, disponiendo de circunstancias “maravillosas” para producir. A veces no resulta, hay quienes no se sienten cómodos, pero no ha sido hasta ahora mi caso. El período de una residencia, algunas más cortas, otras más largas, no garantiza y en la mayoría de los casos no exige resultados materiales concretos, cosa que resulta aún más estimulante para aprovechar y producir algo, aunque

fronds and land. And then I see how a dense, heavy white seagull alights on the water’s surface without a drop of splash, and my skinny, hungry ducks come to mind, and their sloppy, athletic diving into the aquatic space that exists between the river and the mist that protects it making foam. While my steps lead North, Bombón Asesino plays in my earphones and I hear the phrase: “…she has a killer bonbon… a very Latino bonbon…” and that’s love. Love is dancing cumbia with complete joy, and that you like to walk around Saint Michel and that you like Los Palmeras and that the indiscreet gaze of others makes your day. And I continue in my European trance until I arrive, after 90 minutes of walking, at some abandoned factories in the North that have nothing more to offer than three

words in giant letters that once were elegant: LACOSTE S.A. I am in France and what doesn’t happen on account of glamour happens on account of history. That is how the scene here is always debated. Night in a canteen and I return home: I just ate seven duck hearts, and have finally confirmed that this is what love is, the sharp, accelerated possibility of a sensation that doesn’t disperse into others, and meanwhile you eat the seven duck hearts, which seem to be quite frequent here.

Carolina Senmartin I arrived in Madrid with a scholarship just four days ago. Many say that having participated in two residencies is what has earned me the scholarship, but I’m not too sure about that. What I do know is that the residencies gave me possibility to take a break from my everyday life, an extraordinary, suspended time—like they say in soccer jargon—for concentration, “marvelous” circumstances that were available to me in order to produce work. It doesn’t always work out, there are people who don’t feel comfortable, but thus far that hasn’t been my case. A period of residency, some shorter and some longer, doesn’t guarantee and in the majority of cases doesn’t demand material results in a concrete sense; this turns out to be even more of an

Carolina Senmartin Vistas de su instalación en El Basilisco, 2006.

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apoya en la superficie del agua sin salpicar, y pienso en mis patos, y cómo se zambullirían atléticos y desprolijos sobre el espacio acuático que existe entre el río y el brumal que lo protege, haciendo espuma, hambrientos y flacos. Mientras norteo mi caminata, suena en mis auriculares Bombón Asesino y oigo esa frase: “….ella tiene un bombón asesino…. un bombón bien latino…”, y eso es el amor. El amor es bailar cumbia con alegría, y que te guste caminar por Saint Michel y que te gusten Los Palmeras y que te alegre la vida la mirada indiscreta de los otros. Y sigo mi trance europeo hasta llegar, luego de 90 minutos de andar, al norte, a unas fábricas abandonadas, que no ofrecen mucho más que tres palabras en letras gigantes, que alguna vez fueron elegantes : LACOSTE S.A. Estoy

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“concentración”: también integran lo vital, la experiencia sensible del cambio de contexto. Y eso me gusta, es algo parecido a experimentar con uno mismo, ¿a ver qué neurona se pondrá a funcionar ahora bajo cuáles estímulos?

incentive to take advantage of it and produce something, even if it’s a little curlicue, that can be a cause of what is to come. I am also sure that I spent a long time looking for a Master’s program with a productive profile, half theory, half practice, with reminiscences of an artistic residency, because it had a great deal to do with the experiences I had lived first at El Basilisco (Avellaneda, Argentina) and one year later, at Batiscafo (Havana, Cuba). I remember that about halfway through the time I spent at El Basilisco, when we began to prepare the show and were going around and around with the design for the invitation card and accompanying text, I found a text by Pablo Guiot (artist in residence at El Basilisco in 2005) in the house’s archive that described the

situation of the artist in “residence” all too well: the paradisiacal situation of having time, space and the means to carry out a project leaves me somewhat perplexed, and so I am modeling a possible escape in the wall, or if not, a series of anxious discarded ideas that turn into a firm column of support. Discarded ideas. That’s what it’s all about! A daily exercise that as time goes by gradually transforms into small support columns, forms that in any case, whether fragile or more secure, reflect this insistence day after day, where these gestures are materialized in what winds up being constructed. In my own city, conjugating the tasks of surviving and of producing art is an arduous task, and that is why I search for these precious opportunities for escape. Although my intuition tells me

that what I also find attractive about these practices is not just the possibility to “concentrate”: they also combine what is vital, the notable experience of a change in context. That appeals to me; it’s almost like experimenting with yourself: let’s see what neurons begin to function now, in response to what stimulus?

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paradisíaca de poseer un tiempo, un espacio y medios para hacer un proyecto, me deja un tanto perplejo, entonces modelo en la pared un posible escape, o si no, una serie de ansiosas ideas desechadas que se vuelven firme columna de sostén. Ideas desechadas. ¡De eso se trata!: un ejercicio diario, que se va transformando al pasar los días en pequeñas columnas de sostén y que en todo caso las formas, lo construido es la materialización de esos gestos, acaso frágiles o más seguros, que reflejan esas insistencias cotidianas. Conjugar el trabajo de supervivencia y la producción artística en mi ciudad, es una tarea ardua y por eso busco estos preciosos escapes. Aunque intuyo que lo que también me atrae de estas prácticas es que no sólo suponen la posibilidad de

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sea un rulo, que pueda ser la causa de lo que vendrá. También estoy segura de que busqué largamente un Master con perfil productivo, mitad teoría mitad práctica, con reminiscencias de residencia artística, porque mucho tienen que ver las experiencias que viví, primero en el Basilisco (Avellaneda, Buenos Aires, en 2006) y un año después en Batiscafo (La Habana, Cuba, en 2007). Recuerdo que, mediando el tiempo que pasé en el Basilisco, cuando comenzamos a preparar la muestra y estábamos dándole vueltas al diseño de la tarjeta y a los textos, encontré en el archivo de la casa el texto de Pablo Guiot (artista residente en el Basilisco en el 2005), que tan bien describe la situación de artista en “residencia”: - la situación

Lucrecia Troncoso Mate sobre tela, vista de la muestra en El Basilisco, 2008. Carolina Senmartin Vista de su instalación en El Basilisco, 2006.

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accidentalmente empecé a hacer videos. Nunca antes me había interesado, ni tampoco me interesaba cuando apreté el botón de la cámara. Fue la magia de ese taller. Hace ya un año y todavía no comprendo bien lo que sucedió –ni las técnicas de ese medio- pero lo que sé es que desde ese día mi curiosidad no para de crecer. Al regresar de la residencia, me di cuenta de que tenía que comprar más memoria, que la imagen en movimiento es mucho más frágil que la escultura; me di cuenta de que todo material tiene el potencial de comunicarnos su poesía si nos detenemos un segundo y ponemos atención. Y así entonces es como sigo haciendo videos, a golpes y porrazos, hasta el día de hoy. […] El Basilisco me dio una familia así porque sí, un tanto atropellado y sin

Lucrecia Troncoso “El Basilisco changes your life”, Esteban told me one night walking back from a ‘family’ dinner at El [Progresista] Club. That phrase has remained so fresh in my memory that it is the one I turn to when I loose confidence in my work, my motivation or my inspiration. Those are the words that unleash a series of fragments lived in that ‘house of affection’, as Gabriel said. Bursts of laughter, saws, pastry, text messages, skype, curators, projections, notes on the piano, strolls, photos, bus tickets, burnt matches, bricks and ping-pong. But above all, there are fragments that carry me back to a little piece of earth where enormous creative freedom is lived and breathed. El Basilisco is the place where I accidentally began to make videos. I

had never been interested in doing so before, nor did it interest me when I pressed the button on the camera. That was the magic thing about that studio. A year has already gone by and I don’t yet really understand what happened—or the techniques involved in that media—but what I do know is that since that day my curiosity has only grown. When I came back from the residency, I realized that I had to buy more memory and that the image in motion is much more fragile than sculpture; I realized that all materials have the potential to communicate their poetry to us if we just take a moment to pay attention. And so that is how I have come to continue making videos albeit with wire and duct tape, until this very day. […] It was by simple chance that El Basilisco wound up giving me a family,

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Lucrecia Troncoso “El Basilisco te cambia la vida”, me dijo Esteban una noche a la salida de una cena ‘en familia’ en El Club [El Progresista]. Esa frase está tan fresca en mi memoria que es a lo que acudo cuando pierdo la confianza en mi obra, la motivación o la inspiración. Son esas palabras las que desencadenan una serie de fragmentos de experiencias vividas en esa ‘casa de afectos’, como dijo Gabriel. Carcajadas, serruchos, facturas, mensajes de textos, skype, curadores, proyecciones, notas del piano, paseos, fotos, boletos de colectivo, fósforos quemados, ladrillos y ping-pong. Pero por sobre todo, fragmentos que me remontan a un pedacito de tierra donde se respira una enorme libertad de creación. El Basilisco fue donde

Lucrecia Troncoso Mate sobre tela, (detalle), 2008.

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Lucrecia Troncoso El Árbol de la vida (antimicrobial), esponjas de celulosa, alambre, cola, 2008. Lucrecia Troncoso Selección natural, C-prints de tonos de verde extraídos de fotos de hierba real, pegamento, estructura de foam, 2008.

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a bit worn around the edges and without asking permission; it was pure generosity. I know that we are connected, as if by threads from a spider’s web, each one from his or her own corner of the world. We send each other photos of works and shows and we critique and support one another. One day I will appear in Bogotá with a piano on my back so that Gabriel’s cat can finally hear the horror movie music that assaults him while working. And some other day, we’ll finally get around to putting music to the CD that will go in the box along with the photo of Nandor-Jan-me that we took in Uruguay at the moment that we realized we were actually rock stars. Special guest on piano: Gabriel Sierra. El Basilisco made me question my work. It forced me to look deep down

inside, to scrape around a bit and overturn all the certainties that I had about how, why and in what way to work. It helped me to rethink and to stop thinking. I remember all the conversations that were so productive, on Friday mornings over mate and pastry, or the moments charged with energy when we would trade names and photos of work as inspiration. Now I begin every new piece with a more liberated view, without the tethers that, the better you get to know the playing field, the more you go along tying down every corner of a work with. I ask myself what my life would be like without El Basilisco, and it is with complete certainty that I repeat the same words: El Basilisco changes your life.

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cómo, en qué y por qué trabajar. Me ayudó a repensar y dejar de pensar. Recuerdo esas charlas tan fructíferas, de viernes por la mañana en medio de mates y facturas, o esos energizantes momentos cuando intercambiábamos nombres y fotos de obras a modo de inspiración. Ahora emprendo cada nuevo trabajo con ojos mas libres, sin las ataduras que al ir conociendo el campo de juego que uno ubica en cada esquina de una obra. Me pregunto cómo sería mi vida y obra sin El Basilisco, y con certeza puedo repetir esas mismas palabras, El Basilisco te cambia la vida.

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pedir permiso; de pura generosidad. Sé que estamos conectados, como por hilos de arañas, desde cada propio rincón del mundo. Nos mandamos fotos de obras y muestras y nos criticamos y apoyamos. Algún día me apareceré en Bogotá con un piano a mis espaldas para que la gata de Gabriel pueda finalmente escuchar la música para película de terror que lo asalta en medio del trabajo. Y otro día finalmente le vamos a poner música al CD que va a ir dentro de la cajita donde va a ir pegada la foto NándorJan-yo que nos sacamos en Uruguay y ahí nos dimos cuenta de que en realidad somos estrellas de rock. Invitado especial al piano: Gabriel Sierra. El Basilisco me hizo cuestionar mi obra. Me forzó a mirar más adentro, a escarbar y poner patas para arriba todas las certezas a cerca de

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EXCEPCIONES A LA REGLA

Alejandro Fangi / Rob Verf

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EXCEPTIONS TO THE RULE It would hardly be fair to inter-collate Rob and Alejandro into the list of other artists as if their cases were no different than the rest. On the one hand, it is on account of having experienced the residency project so first-hand, and on the other, for having arrived before it would begin as such. When we met Rob Verf he was already considering settling in Buenos Aires and we had the idea of him sharing his stay with an artist from another province. It was the year 2000 and for reasons just as unimaginable as they were historic, our plan didn’t pan out but Rob stayed in Avellaneda as a tenant during six months, very rapidly becoming part of the neighborhood and the Buenos Aires art community. Alejandro Fangi joined the project in 2005, chosen as

an ideal person to live in the residency house with the artists on an ongoing basis, a local reference par excellence for the artists in residency and an essential liaison for us, allowing us to maintain our finger on the pulse of daily life inside the house without our presence becoming too oppressive (as close as our relationship with the artists would become by way of their working processes, nothing would change the fact that in administrative terms, we continued to be the organizers). These were two complementary experiences, and each one made a unique contribution.

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con los artistas de forma constante, un referente local para los artistas en residencia por excelencia y un nexo esencial para nosotros, permitiéndonos mantener un dedo en el pulso de la vida diaria dentro de la casa sin que nuestra presencia resultara opresiva (por más cercana que se volviera nuestra relación con los artistas a través del proceso artístico, nada podía cambiar el hecho de que en lo administrativo, seguíamos siendo los organizadores). Ambas fueron experiencias complementarias, y cada una aportó algo único.

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EXCEPCIONES A LA REGLA No sería del todo justo compaginar a Rob y Alejandro entre los otros artistas que participaron en la residencia así nomás. En un caso, por haber vivido la residencia tan de cerca, y en el otro, por haber llegado antes de que comenzara como tal. Cuando conocimos a Rob Verf ya pensaba instalarse en Buenos Aires, y teníamos la idea de que compartiera una estadía con un artista del interior. Era el año 2001 y por razones tanto insólitas como históricas el plan se pinchó, pero Rob se quedó en Avellaneda como inquilino durante seis meses, incorporándose al vecindario y a la comunidad artística de Buenos Aires muy rápidamente. Alejandro Fangi se incorporó al proyecto en 2005, elegido como una persona ideal para vivir en la casa

Página anterior Foto: Tamara Stuby. (Vista del interior de El Basilisco.) 2008.

Alejandro Fangi Detalle de su instalación en El Basilisco, 2006.

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hasta ahora en mi visión no ha salido aún a la luz, pero que está presente en todas las instancias. Podría decir que éste es mi método en este momento: encarar cada instalación como única, y cuando digo única me refiero a que cada ocasión me presenta características propias. Por ejemplo, el lugar donde se tiene que montar, los materiales a utilizar – los que quiero usar y los que finalmente uso –, el presupuesto requerido y los recursos para realizarlo, y otros… […] En este momento todo me resulta un proceso que está en constante progreso, como un gran work in progress. […] Esta idea parte de mi intuición de que la materia podría llegar a atravesarse, traspasarse o, para decirlo de otra forma, que nosotros podríamos traspasar la materia, o que la materia nos traspasaría a nosotros. De […] ahí

llego al campo artístico, […] y en particular del paisaje de la naturaleza […] y cuando decimos “naturaleza” o “paisaje” nos referimos a una representación cultural y no a la naturaleza original o primigenia […]. Siempre se trata de una interpretación de lo que vemos. A través de las ciencias, o mejor dicho, de la física cuántica, pre-suponemos que lo que nuestro cerebro percibe a través de lo que nuestros ojos ven no es precisamente el todo del espectro sino sólo una parte […] Mi intención es reinterpretar o re-presentar la materia del paisaje como un conjunto de elementos dispuestos en el espacio para poder ser atravesados, recorridos o al menos permitir la sensación de que uno está adentro de la materia, por ejemplo adentro de un árbol o de otro elemento del paisaje. No debería

Alejandro Fangi Parts of a Whole. Having collaborated and participated in the El Basilisco artists’ residency program for three years (2005 – 2008), living with artists from Argentina and from many other countries exchanging ideas, ways of thinking, lifestyles, etc. allowed me to learn a great deal and to observe that there is more than just one way of doing things. I was also able to materialize one of my ideas (one that I believed to be among the most crazy and impossible) for the first time. “Instalación de un paisaje” (Installation of a landscape) was carried out during the open studio event at El Basilisco in December, 2006. It was the first step in the search for a way to express this idea in the clearest, most satisfactory way possible. […] Each opportunity is

like a small essay on how to elaborate the first, principal or central idea: that which I have in view but has not yet come to light, although it is present in each instance. You could say that this is my current method: to approach each installation as being unique, and when I say unique I am referring to the specific characteristics that present themselves on every occasion. For example, the place where it will be mounted, the materials to be used— those that I’d like to use and those that I finally wind up using—the budget required and the resources available for carrying it out, among other things… […] Right now all these things turn out to be a process that constantly progresses, like a grand work in progress […]. The starting point for this idea is my intuition that matter might possibly

wind up being penetrable or passable, or in other words, that we might be able to pass through matter, or that it might be possible for matter to pass through us. […] From there, I arrive at the art field, […] and natural landscape in particular […] and when we say “Nature” or “landscape” we refer to a cultural representation and not to an original or primordial Nature […]. It is always a question of an interpretation of what we see. By way of the sciences, or to be more precise, quantum physics, we presuppose that what our brain perceives by way of what our eyes see is not exactly the entire spectrum, but only one part of it […]. My intention is to re-interpret or to re-present landscape matter as a group of elements arranged in space in such a way that they can be passed through, visited or at least that

Alejandro Fangi Vista de su instalación en El Basilisco. 2006

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Alejandro Fangi Las partes del todo. Haber colaborado y participado en la residencia de artistas El Basilisco por tres años (2005 – 2008), y convivido con artistas argentinos y de muchos otros países intercambiando ideas, formas de pensar, estilos de vida, etc., me permitió aprender, observar que no hay sólo una forma de hacer las cosas. Pude también materializar por primera vez una de mis ideas (una de las que creía más locas e imposibles). “Instalación de un paisaje”, realizada en el open studio del mes de diciembre de 2006 en El Basilisco. Fue el primer paso en la búsqueda de expresarla en la forma más satisfactoria o clara posible. […] Cada oportunidad es como un pequeño ensayo sobre cómo mostrar la idea primera, principal o rectora: esa que

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de montaje o distintos materiales. […] Encarar la obra de esta forma es también para mí una especie de prueba y error, […] y tratar de encontrar, a partir de eso, un concepto más amplio, más equilibrado y apropiado para favorecer un cambio de mirada o de punto de vista; descubrir nuevas maneras de experimentar lo que nos rodea. Aprender a observar esa realidad que vemos de otra manera, tratar de sacarnos los filtros orgánicos y mentales de nuestra percepción. Mar del Plata, febrero de 2009.

Rob Verf En el año 2001, vine a la Argentina para trabajar en los preparativos de varias muestras programadas en distintos puntos del país. Había conocido a Tamara y Esteban durante visitas previas a Buenos Aires en el 2000, y nos hicimos muy amigos. Me ofrecieron su casa en Avellaneda en alquiler […] durante seis meses […], tuve un lugar hermoso para mí, donde pude pintar, trabajar en mis dibujos y preparar las exhibiciones en privado. […] A Tamara y Esteban se les había ocurrido la idea de establecer una residencia de artistas, y […] les serví de prototipo para ver cómo funcionaría todo. Desde los primeros días después de mi llegada, nos reunimos con Tamara y Esteban. Hubo noches largas: visitando a artistas en sus talleres,

provide the sensation that one is within this matter, for example, within a tree or some other landscape element. This should be not only a visual experience, but of all the senses. From a distance, the landscape can be perceived in its totality: it is recreated in the retina as in the case of Impressionist paintings. […] In the case of “Instalación de un Paisaje”, the image comes from a photograph of the Riachuelo [River], which was a port for Buenos Aires and wound up highly contaminated, but plants still grow on its shores, Nature remains alive, […] and so it seemed to me appropriate to represent this landscape with synthetic plants and flowers, products of human culture to represent Nature. […] In this particular case, I feel that I came close to my original idea in a certain sense, but on

the basis of that experience, other ways of experimenting with different materials or methods for mounting the piece began to occur to me. […] Approaching work in this way is also a kind of trial and error for me, […] and with this as the point of departure, I look to find a broader concept, one more equilibrated and appropriate for propitiating a change in one’s way of seeing or point of view; to discover new ways of experiencing our surroundings. The aim is to learn to observe the reality we see in a different way and to try to remove the organic and mental filters from our sense of perception. Mar del Plata, February, 2009.

Rob Verf In 2001 I came to Argentina to work in preparation for a few exhibitions throughout the country. I had met Tamara and Esteban on previous visits to Buenos Aires in 2000 and we had become close friends. They offered to rent me their house in Avellaneda […] for half a year […]; I had a beautiful place of my own where I could paint, work on my drawings and prepare for several exhibitions in private. […] Tamara and Esteban had come up with the idea of making an artists’ residency, and […] I was a good prototype for them to see how it all would function. Right from the first days after my arrival in Buenos Aires I met with Tamara and Esteban. There were late nights: meeting artists at their studios, at exhibitions, in bars, etc. I was

Alejandro Fangi Paisaje after-afterMonet, telas, papeles, bolsas, botellas, ramas secas , hojas y flores sintéticas, vista de su instalación, Centro Cultural Gral. San Martín, Buenos Aires, 2007. Rob Verf Vista de la instalación en la exposición, Blanco, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008.

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ser ésta sólo una experiencia visual sino también sensorial. Desde lejos permite apreciar el paisaje en su totalidad: se recrea en la retina como con los cuadros impresionistas. […] En el caso de la “Instalación de un Paisaje”, la imagen surgió de una fotografía del Riachuelo, que es el río que fue puerto de Buenos Aires y quedó muy contaminado, pero en sus márgenes aún crecen plantas, la naturaleza sigue viva, […] entonces me pareció apropiado representar ese paisaje con flores y plantas sintéticas, productos de la cultura humana para representar la naturaleza. […] En este caso particular yo siento que logré aproximarme en cierta forma a mi idea original, pero a partir de esta experiencia se me fueron ocurriendo otras maneras de experimentar con distintas formas

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dragged into the energy of the Buenos Aires art world without boundaries. They organized great happenings, where it seemed like everybody would go and participate, like the exhibition project "Pizza D'Artista". For me, that was El Basilisco’s function: not only to be a space for artists to work and present their work, but also a fantastic door to get to know Buenos Aires and Argentina. I think that without that great introduction, I would never have come to know the art world of Buenos Aires as I do now. As the "El Basilisco-prototype" I prepared for my solo-exhibition The Uruguay Girl at gallery Luisa Pedrouzo, the Bondage Beauty exhibition at the Modern Art Foundation/Teatro Auditorium in Mar Del Plata and various other (solo) exhibitions. […] I gave lectures at the

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en la Fundación de Arte Moderno/Teatro Auditorium en Mar del Plata y varias otras muestras (individuales). […] Ofrecí seminarios en el IUNA-Instituto Universitario de Buenos Aires, el Teatro Auditorium en Mar del Plata y presenté una charla-diálogo con Florencia Braga Menéndez acerca de mi obra en la exhibición individual El Momento en el Centro Cultural Borges en 2007. En el 2006, me encontré representando a los artistas holandeses que vivían y trabajaban en la Argentina, en una reunión selecta con la Reina de Los Países Bajos en el Teatro Colón en Buenos Aires, durante su visita de estado a la Argentina. Sin embargo, en la actualidad mi vínculo con los Países Bajos se ha reducido a un mínimo, y hoy me considero más como un artista argentino. Febrero, 2009.

IUNA-National Art University in Buenos Aires, Teatro Auditorium in Mar Del Plata and a lecture-discussion with Florencia Braga Menendez about my work in the solo-exhibition El Momento at the C.C. Borges in 2007. In 2006 I found myself representing Dutch artists working and living in Argentina in a selected meeting with the Queen of The Netherlands on her visit of state to Argentina at the Teatro Colon in Buenos Aires, although my current connection to The Netherlands is reduced to a minimum, and I regard myself more as an Argentinean artist today. February, 2009.

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en muestras y en los bares, etc. La energía del mundo del arte de Buenos Aires me cautivó inmediatamente. Organizaron happenings geniales, donde parecía que todo el mundo iba a participar, como el proyecto de exhibición “Pizza d’Artista”. Para mí, ésa fue la función de El Basilisco: no solamente existir como un espacio donde los artistas trabajaban y presentaban su obra, sino un portal fantástico para llegar a conocer Buenos Aires y la Argentina. Creo que sin esa introducción tan contundente, no hubiera llegado a conocer el mundo del arte de Buenos Aires de la forma que ahora lo conozco. Como el “prototipo de El Basilisco”, preparé mi exhibición individual The Uruguay Girl (Chica Uruguaya) en la galería Luisa Pedrouzo, la exhibición Bondage Beauty (Belleza de Bondage)

Rob Verf Mujer en el reflejo de un espejo, telgopor, madera, acrílico, plástico y vidrio, 2007/8.

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SÍNTESIS CRONOLÓGICA

Foto: Gustavo Barugel. (Detalle de Time Drops in Decay de Seth Wulsin.) 2007.

Artistas Residencias realizadas en El Basilisco salvo en los casos indicados (Artists in residency at El Basilisco except where detailed otherwise)

2004 Marco Bainella (Paraná, AR) Jaime Gili (Venezuela / Reino Unido) 2005 Pablo Guiot (Tucumán, AR) Runo Lagomarsino (Argentina / Suecia) Renaud Herbin / Nicolás Leliévre (Francia) Alejandra Montiel (Córdoba, AR) Jan Adriaans (Holanda) Felice Hapetzeder (Suecia) Adriana Bustos (Córdoba, AR) Olivia Plender (Reino Unido) ----Alejandra Urresti (Buenos Aires, AR) realiza residencia en NIFCA (Suomenlinna, Finlandia) intercambio con El Basilisco a través del programa Global Perspectives Gregor Passens (Alemania) [presentación en El Basilisco] 2006 Graciela Arce (Santa Fe, AR) Cristian Segura (Tandil, AR) Pedro Sequeira (Portugal) Gabo Camnitzer (EE.UU. / Suecia) Aurelio Kopainig (Suiza / Alemania) Carolina Senmartin (Córdoba, AR) Nicanor Aráoz (Buenos Aires, AR) Traplev (Roberto Moreira Jr.) (Brasil) Christian Bermúdez (Costa Rica / Noruega) Iara Freiberg (Brasil) Sara Ramo (España / Brasil) Anu Pennanen (Finlandia) Alejandro Fangi (Chajarí, AR) Adriana Bernal (Colombia) Bjargey Ólafsdóttir (Islandia) ----Gregor Passens (Alemania) [presentación en El Basilisco] Alejandra Urresti (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) - LAN (Red latinoamericana de residencias) 2007 Henry Coleman (Reino Unido) Agnes Eperjesi (Hungría)

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Bill Burns (Canadá) Alexa Horochowski (Argentina / EE.UU.) Torbjorn Berg / Roland Persson (Suecia) Marco Bainella (Paraná, AR) Víctor Muñoz (Colombia) Anna Bas Backer (Holanda / Alemania) Seth Wulsin (EE.UU.) Chih-Chien Wang (Taiwan / Canadá) Adrian Villar Rojas (Rosario, AR) Guga (Gustavo Ferraz) (Brasil) Thomas & Renée Rapedius (Alemania) Lucrecia Troncoso (Argentina / EE.UU.) Nándor Angstenberger (Novi Sad (ex-Yugoslavia) / Alemania) Gabriel Sierra (Colombia) ----Pablo Rosales (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) – LAN (Red latinoamericana de residencias) Carolina Senmartin (Córdoba, AR) realiza una residencia en Batiscafo (La Habana, Cuba) – LAN (Red latinoamericana de residencias) Julieta Ortiz (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia) Luis Terán (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en FKSE (Budapest, Hungría) - intercambio con El Basilisco Marco Bainella (Paraná, AR) realiza una residencia en Taller 7 (Medellín, Colombia) – intercambio con MDE’07 2008 Narda Alvarado (Bolivia) Luis Guerra (Chile) Jorge Tirner (Resistencia, AR) Pablo Adarme (Colombia) Agnieszka Casas Rodríguez (México) Breda Beban (Novi Sad (ex-Yugoslavia)) Paulo Almeida (Brasil) Marcela Sinclair (Buenos Aires, AR) Asli Çavuşoğlu (Turquía) Núria Marquès (España) Jaime Gamboa (Colombia) ----Lila Siegrist (Rosario, AR) realiza una residencia en Buy-Sellf / Zebra3 (Burdeos, Francia) – intercambio con El Basilisco Mariano dal Verme (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia) - LAN (Red latinoamericana de residencias) Marcela Sinclair (Buenos Aires, AR) realiza una residencia en Lugar a Dudas (Cali, Colombia) - LAN (Red latinoamericana de residencias) Cristian Segura (Tandil, AR) realiza una residencia en el Batiscafo (La Habana, Cuba)- LAN (Red latinoamericana de residencias), y en Hangar (Barcelona, España) - intercambio con El Basilisco

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Actividad Institucional 2004 La Asociación Civil La Estación apadrina el proyecto desde un inicio, y El Basilisco pasa a formar parte de su Comisión de Cultura. La Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación Argentina declara el proyecto de interés cultural. El Arts Council of England International Fellowship Program (Reino Unido) incluye a El Basilisco entre sus destinos, recomendado por el Triangle Arts Trust. La Fundación Proa es la primera institución local en apoyar la participación de un artista argentino en la residencia, y continuaría apoyando el proyecto en diversas formas hasta su finalización. Los artistas en residencia en 2004 y 2005 fueron invitados a dar charlas en el Departamento de Artes Visuales

Institutional Activity 2004 The non-profit organization La Estación acts as the project’s patron from the outset, and El Basilisco becomes part of its Culture Commission. Argentina’s Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación (Presidential Culture Department) officially declares the project to be of cultural interest. Following a recommendation by the Triangle Arts Trust, the Arts Council of England International Fellowship Program (England) includes El Basilisco among its destinations. Fundación Proa is the first local institution to back the participation of an Argentinean artist in the residency program, and they continued to provide support for the project in many different forms. The artists in residency during 2004 and 2005 are invited to give talks in the

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del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte) y al Departamento de Artes de la Universidad de La Plata. 2005 El Fondo Nacional de las Artes (FNA) nos otorga un subsidio para subvencionar la participación de artistas argentinos en la residencia. Ese apoyo fundamental se repetirá y expandirá cada año hasta el fin del proyecto. Elaboración de un proyecto en conjunto con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata, dirigido por la docente de Historia de las Artes Visuales e investigadora María Gabriela Hernández Céliz, en el Programa de Documentación de Arte Contemporáneo. Realizamos una intervención artística en autobuses a través de una colaboración con la empresa Nueva Era, consecionaria de la línea 93. Convenio elaborado con NIFCA para la

realización de residencias recíprocas. Recibimos la primera donaciòn de material para nuestro incipiente Centro de Documentación, que desde ese momento en adelante sería nutrido por aportes de otras instituciones, los artistas en residencia y muchos visitantes, formando un recurso muy valioso para todos. 2006 Elaboración de una propuesta en conjunto con Capacete para un intercambio entre artistas de Brasil y Argentina, denominada South American Exchange Program, presentado ante la Fundación Prince Claus. La Fundación Iberé Camargo (Porto Alegre, Brasil) ofrece un premio nacional consistente en dos becas al exterior, una para el Art Institute of Chicago y otra para El Basilisco. Olivia Bennett realiza una pasantía en El Basilisco, a través de un acuerdo con la University of Edinburgh.

Visual Arts Department at I.U.N.A. (Instituto Universitario Nacional de Arte) as well as the Art Departament at the Universidad de La Plata.

Elaboration of a joint agreement with NIFCA (Nordic Institute for Contemporary Art) for reciprocal residencies.

2005 The Fondo Nacional de las Artes (National Fund for the Arts, FNA) awards El Basilisco with a grant to subsidy the participation of Argentinean artists in the residency program. This fundamental support will repeat and expand every year throughout the project’s duration.

The first donation of material for our incipient Documentation Center arrived, and from this moment on, we would receive contributions from different institutions, the artists in residency and many visitors, constituting an invaluable resource for all.

Elaboration of a joint project with the Fine Arts Department at the Universidad de La Plata, directed by Prof. María Gabriela Hernández Céliz of the Visual Arts History department and researcher in the Contemporary Art Documentation Program. We carry out an artistic intervention in local buses, in collaboration with Nueva Era, the entity that holds the concession for the 93 line.

2006 Elaboration of a joint proposal with Capacete Entretenimientos for a program to facilitate exchange between artists from Brazil and Argentina, denominated South American Exchange Program, presented to the Prince Claus Foundation. The Fundación Iberé Camargo (Porto Alegre, Brazil) offers a national prize that consists of two grants for travel abroad: one destined for the Art Institute of Chicago and the other for El Basilisco.

Convenio elaborado con Itaú Cultural (San Pablo, Brasil) para que un artista de Brasil participe de la residencia. Participación en el evento Upcoming Buenos Aires en el espacio independiente AK28 en Estocolmo, Suecia con la presentación de varias charlas y talleres con artistas locales. Convenio elaborado con Lugar a Dudas en Cali, Colombia, para llevar a cabo residencias recíprocas. Colaboración entre la residencia y el bar / restaurant vecino Bolivia, rebautizado Bar Silisco para la realización de diversos eventos. Como parte de los festejos de su 10° aniversario, Fundación Proa incluye “Mirada del Basilisco” una selección de videos de artistas que pasaron por la residencia. 2007 En conjunto con Capacete (Río de Janeiro, Brasil), se organiza la

Olivia Bennett completes an internship at El Basilisco, by way of an agreement with the University of Edinburgh. Elaboration of a joint agreement with Itaú Cultural (San Pablo, Brazil) for the participation of an artist from Brazil in El Basilisco. Participation in the event Upcoming Buenos Aires in AK28, an independent artist-run space en Stockholm, Sweden that includes several talks and workshops with local artists. Elaboration of a joint agreement with Lugar a Dudas in Cali, Colombia, for reciprocal residencies. Collaboration between the residency and neighboring bar / restaurant Bolivia, re-named Bar Silisco in order to host a wide diversity of events. As part of the celebration of their 10th anniversary, Fundación Proa includes “Mirada del Basilisco” in their

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Festa da bolsa, un evento llevado a cabo en el taller de Ernesto Neto en Río de Janeiro para presentar una beca de residencia en El Basilisco para un artista brasileño; con la invitación al dj argentino Villa Diamante al evento, comienza la colaboración con djs locales. Participación de El Basilisco en MDE’07 -Encuentro Internacional de prácticas artísticas contemporáneas, con la residencia de Marco Bainella en Taller 7, en Medellín. Sibylle Friche hace una pasantía en El Basilisco, recomendada por el Servicio de Cooperación y Acción Cultural de la Embajada de Francia en Argentina. Colaboración con el Festival de Video “59 Seconds” organizado por Irina Danilova y Hiram Levy, para llevar a cabo una edición del festival en el Bar Silisco.

programming, a selection of videos by artists who have participated in the residency. 2007 Jointly with Capacete (Río de Janeiro, Brazil), the Festa da bolsa is organized, an event carried out in Ernesto Neto’s studio in Rio de Janeiro in order to present a grant for a residency at El Basilisco awarded to a Brazilian artist; with the invitation extended to Argentinean dj Villa Diamante, a long-lasting collaboration with local djs is begun. El Basilisco is invited to participate in MDE ’07 -Encuentro Internacional de prácticas artísticas contemporáneas, and delegates Argentinean artist Marco Bainella for a period of residency at Taller 7, in Medellín, Colombia. Sibylle Friche completes an internship at El Basilisco, by way of a recommendation from the Service for Cooperation and Cultural Action of the French Embassy in Argentina.

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Colaboración con Candyland, un espacio independiente en Estocolmo, Suecia para realizar un evento en simultáneo via Internet. Comienza un diálogo fluido con Batiscafo (La Habana, Cuba), para la participación de artistas argentinos en Cuba, con el apoyo del Triangle Arts Trust. Convenio elaborado con el Estudio de la Asociación de Artistas Jóvenes (FKSE), Budapest, Hungría, para la realización de residencias recíprocas. Planificación e implementación de una red de residencias en América latina (LAN – Latin American Network) realizada en conjunto con Triangle Arts Trust / Gasworks (Reino Unido), Capacete Entretenimientos (Brasil), Lugar a Dudas (Colombia) y Kiosko (Bolivia).

videos de artistas de El Basilisco. Colaboración con cheLA (Centro de Hipermedia en la Argentina) para la realización de un proyecto artístico (video de Chih-Chien Wang). Participación en el evento Artistas, etc., organizado por el grupo de artistas Germina Campos y llevado a cabo en Santa Fe, Argentina. La Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) otorga el Premio a la Institución Cultural del Año a El Basilisco. Elaboración de un convenio con BuySellf / Zebra 3 de Burdeos, Francia y el servicio cultural de Francia en la Argentina para la realización de residencias recíprocas. El director de Buy-Sellf, Frédéric Latherrade, hace una presentación de su amplia actividad en el Bar Silisco.

2008 Convenio elaborado con Hangar en Barcelona, España, para la realización de residencias recíprocas. Participación en “Encuentro Iberoamericano de Programas de Residencias Artísticas Independientes” para planificar una red de residencias entre América latina y España, organizada por el Centro Cultural de España / Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (CCESP / AECID) y llevado a cabo en San Pablo, Brasil. Durante todos los años, se mantiene una presencia en periódicos, revistas y otros medios, desde el diario del barrio, La voz de Piñeyro, hasta Art Forum.

El Festival Alucine en Toronto, Canadá, incluye una selección de

Collaboration with the “59 Seconds” video festival, organized by Irina Danilova and Hiram Levy, in which an edition of the festival is carried out at the Bar Silisco. Collaboration with Candyland, an independent space in Stockholm, Sweden, to hold a simultaneous event in both spaces, transmitted via Internet. A fluid dialogue begins with Batiscafo (Havana, Cuba) to include the participation of Argentinean artists in their residency program, with support from the Triangle Arts Trust. Elaboration of a joint agreement with the Young Artists’ Studio Association (FKSE) in Budapest, Hungary, for reciprocal residencies. Planning and implementation of a network of artists’ residency programs in Latin America (LAN – Latin American Network) carried out jointly with Triangle Arts Trust / Gasworks

(England), Capacete Entretenimientos (Brazil), Lugar a Dudas (Colombia) and Kiosko (Bolivia). The Alucine Festival in Toronto, Canada includes a selection of videos by artists who have been in residency at El Basilisco. Collaboration with cheLA (Centro de Hipermedia en la Argentina) for the realization of a project by an artist in residency (video by Chih-Chien Wang). Participation in the Artistas, etc. event, organized by artists’ group Germina Campos, held in Santa Fe, Argentina. The Asociación Argentina de Críticos de Arte (Argentinean Art Critics’ Association, AACA) awards its Premio a la Institución Cultural del Año (Cultural Institution of the Year) to El Basilisco. Elaboration of a joint agreement with Buy-Sellf / Zebra 3 from Bordeaux, France and the French Cultural Service

in Argentina for reciprocal residencies. The Director of Buy-Sellf, Frédéric Latherrade, gives a talk presenting the organization’s broad range of activities at the Bar Silisco. 2008 Elaboration of a joint agreement with Hangar in Barcelona, Spain, for reciprocal residencies. Participation in “Encuentro Iberamericano de Programas de Residencias Artísticas Independientes” to plan a network of artists’ residency programs in Latin America and Spain, organized by the Centro Cultural de España / Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (CCESP / AECID) and held in San Pablo, Brazil. Throughout the duration of the program, the residency maintained a continual presence in newspapers, magazines and other media, ranging from the local neighborhood gazette, La voz de Piñeyro, to Art Forum.

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BIOGRAFÍAS

Foto: Tamara Stuby. (Detalle de Metegol, obra de Esteban Álvarez / Tamara Stuby), 2004.

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Pablo Adarme nació en 1976 en Bogotá, Colombia. Graduado en Bellas Artes (Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá), enseña fotografía y gestión cultural en la misma universidad. Participó en varias exhibiciones grupales e individuales en Colombia, Alemania, Chile, Francia y Argentina. Formó parte del proyecto grupal Bricollage. Jan Adriaans nació en 1972 en Veghel, Holanda. Graduado en fotografía, con posgrado en Free Art (Academia de Arte St. Joos, Breda). Trabaja principalmente en fotografía, video e instalaciones. Su trabajo fue expuesto en Holanda y otros países de Europa, y fuera del continente realizó residencias y proyectos en Townhouse, El Cairo; El Basilisco, Avellaneda; y también en Serbia, México y Canadá. Publicó el libro Garage, basado en la materialización del espacio. El espacio se vuelve el motivo en sí mismo. La combinación de materiales pesados y costosos con materiales efímeros y baratos define la imagen o la instalación. Un nuevo orden de color y profundidad emerge para cuestionar el espacio a través de su superficie y su reproducción. Vive en Rotterdam. Paulo Almeida nació en 1977 en San Pablo, Brasil. Desarrolla un trabajo ampliamente conceptual, en estrecha relación con los entornos que lo rodean, en particular, el del arte. Trabaja principalmente con la pintura, vinculándola directamente al espacio, contexto y tiempo que implica el uso de estrategias constructivas que suelen estar vinculadas a otros medios como la fotografía, video y performance, entre otros, y la utiliza como un medio para posicionarse críticamente sobre el sistema del arte, para revelar sus implícitos mecanismos de visibilidad y legitimidad, dando una nueva mirada conceptual a la pintura. Concentrado en un arte metalingüístico y en su sistema social, mantiene un proceso de trabajo integrado a la investigación de los espacios en que expone, un procedimiento llevado a cabo por la adaptación al contexto específico de cada obra y la incorporación de nuevas estrategias, lo que siempre otorga a sus obras un carácter site-specific, donde el proceso de construcción es más importante que el producto final. Narda Alvarado nació en 1975 en La Paz, Bolivia. Estudió Arquitectura y Construcción en La Paz, durante muchos años (1993-2010), sin saber realmente por qué. Empezó a estudiar Filosofía en el 2009 en la Universidad Mayor de San Andrés de La Paz, buscando extender su horizonte hacia otras ramas del conocimiento. En 2010 empezó un Master en Arte, Cultura y Tecnología en el Massachusetts Institute of Technology de Cambridge, EEUU. Obtuvo una Residencia de Investigación en Artes Visuales en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam (2004-2005), donde aprendió cosas fundamentales del arte y sobre todo de la vida. Realizó residencias en el Jerusalem Center for the Visual Arts, 2007, Israel y en Braziers Internacional Artists Workshop, 2001 y 2005, Inglaterra. Gracias a lo aprendido en Braziers (2001), su trabajo dio un

giro conceptual de 180 grados. Podría decirse que este evento radical en la vida artística de Narda, determinó el curso de esta biografía. Expuso individualmente en el Museo Nacional de Arte, La Paz (2003) y en Galería Kiosko, Santa Cruz de la Sierra (2007). Participó de las bienales de Venecia, 2007; Moscú, 2007; Busan, 2006, Sao Paulo, 2006; Mercosur, 2005, y Fortaleza, 2002, y en exposiciones grupales en España, Brasil, Chile, Francia, Italia, Alemania, Israel, Paises Bajos, Austria, e Islandia entre otros países. Reside y estudia en Cambridge. Nándor Angstenberger nació en 1970, en Novi Sad (Ex-Yugoslavia / Serbia). De nacionalidad alemana / húngara. Estudió en La Academia de bellas artes de Hamburgo con Ursula Christiansen Reuter, Henning Christiansen, Gerhard Rühm y Bogomir Ecker. Entre sus muestras individuales se destacan: Pandemonium, Gallery Delikatessenhaus e.V. Leipzig, Pandora super bien!, Hothouse for contemporary Art Berlin, 2010; Preview Berlin - The Emerging Art Fair, with Christel Fetzer Berlin, 2009; Fortuna Redux, Gallery Breitengraser / Berlin, 2004; Play, Gallery Artfinder / Hamburg, 2003; Entre sus muestras grupales se destacan: Nominated Artists for the Index Kunstpreis, en Kunsthaus Hamburg, 2010; Best of, Gallery Breitengraser, Berlin; Dassollkunstsein, con Gallery Ruta Correa en Kunstverein Freiburg, 2005. Su obra integra colecciones como The Private Collection Bindernagel, Collection Staff Stiftung y la Collection Sparkassenstiftung Magdeburg, entre otras. Nicanor Aráoz nació en 1981 en Buenos Aires, Argentina. Egresó como Lic. en Artes Plásticas de la Universidad de la Plata, luego de graduarse tomó clases con la artista Mónica Girón. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Cepillarse bien los dientes, Galería Appetite, Bs. As, 2006; Patada a la cabeza, Galería Sicart, Barcelona, España, 2007. Entre sus exposiciones grupales se destacan: Museo salvaje, Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2008; Interfaces “La Plata/Corrientes / Fondo Nacional de las Artes, 2008; Premio Petrobras, Feria de galerías arteBA, Bs.As. 2007; Curriculum Cero, 2005, Galería Ruth Benzacar, Bs. As. Entre sus distinciones se destaca el Tercer Premio Site Specific Hotel Panamericano, Bariloche, Argentina, 2008. Graciela Arce nació en 1972 en Santa Fe, Argentina. Participó en exposiciones en diversas ciudades de Argentina como Santa Fe, Rosario, Paraná, Buenos Aires; en Leça da Palmeira, Portugal y Montevideo, Uruguay. Participó como becaria en clínicas de la Fundación Antorchas, Paraná, 2004-5 y en un workshop en El Levante en Rosario, 2005; fue residente de El Basilisco, 2006. Participó en Periférica con los espacios de El Levante y Germina Campos, Buenos Aires, 2006; en arteBA con Germina Campos y Pariente del Mar, Buenos Aires, 2007; y en el programa Interfases 7 (Bs. As.- Santa Fe- General Roca). Coordinó, junto a Marco Bainella, el espacio de arte de Correveidile en Paraná, 2009. Fue becaria de la Fundación Nuevo Banco de

Pablo Adarme was born in 1976 in Bogotá, Columbia. He holds a degree in Fine Arts (Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá) and currently teaches Photography and Cultural Management at the same university. He has participated in diverse group exhibitions and solo shows in Colombia, Germany, Chile, France and Argentina. He was part of the group project Bricollage. Jan Adriaans was born in 1972 in Veghel, the Netherlands. He studied Photography and post-graduate Free Art (Art-academy St. Joost, Breda) and currently works with photography, video and installation.Exhibits in Holland, Europe and outside of Europe, has participated in residencies and projects in Townhouse, in Cairo; El Basilisco, in Buenos Aires, and in Serbia, Mexico and Canada. Published a book: ‘Garage’. The work is based on materialised space. The space itself becomes the motive. The combination of materials, heavy of weight and value with materials temporary and cheap, defines the image or the installation. A new order of colour and depth emerges, to question the space by it's surface and it's reproduction. He lives and works in Rotterdam. Paulo Almeida was born in 1977 in San Pablo, Brazil. His work is extensively conceptual, developed in close relation to the surrounding environment and to art in particular. He works mainly in painting, linking it directly to the immediate space, context and moment, which implies the use of constructive strategies that tend to be tied to other media such as photography, video and performance, among others. He lends a new, conceptual view to painting and uses it as a medium to position himself critically in relation to the art system, revealing its implicit mechanisms of visibility and legitimization. Focused on a meta-linguistic art and its social system, he sustains a working process that integrates investigation of the exhibition spaces where it is shown, a procedure carried out through the adaptation of each work to its specific context and incorporating new strategies that lend his works their site-specific nature, where the construction process is more important than the final product. Narda Alvarado was born in 1975 in La Paz, Bolivia. She studied Architecture and Construction in La Paz for many years (1993-2010), without really knowing why. She began to study Philosophy in 2009 (Universidad Mayor de San Andrés de La Paz) looking to extend her horizons toward other branches of knowledge. She began a Master’s degree in Art, Culture and Technology in 2010 (Massachusetts Institute of Technology, Cambridge, EE.UU.). She was awarded a Research Residency in 20042005 (Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam), where she learned fundamental things about art and above all, about life. She participated in residencies in the Jerusalem Center for the Visual Arts in Israel (2007), and at Braziers International Artists’ Workshop in England (2001 and 2005). Thanks to what she learned at Braziers (2001), her work took a conceptual turn of 180°. It could be said that this radical event in Narda’s life determined the course of this biography. She had solo

shows at the Museo Nacional de Arte, La Paz (2003) and at Galería Kiosko, Santa Cruz de la Sierra (2007). She has participated in the following biennials: Venice, 2007; Moscow, 2007; Busan, 2006; San Pablo, 2006; Mercosur, 2005 and Fortaleza, 2002, and in group exhibitions in Spain, Brazil, Chile, France, Italy, Germany, Israel, The Netherlands, Austria and Iceland, among other countries. She lives and studies in Cambridge. Nándor Angstenberger was born in 1970 in Novi Sad (former Yugoslavia / Serbia). German/Hungarian nationality. He studied at the Academy of Fine Arts Hamburg / Ursula Christiansen Reuter & Henning Christiansen, Gerhard Rühm / Bogomir Ecker. His solo exhibitions include (selection): Pandemonium, Gallery Delikatessenhaus e.V. Leipzig, Pandora super bien!, Hothouse for contemporary Art Berlin, 2010; Preview Berlin - The Emerging Art Fair, with Christel Fetzer Berlin, 2009; Fortuna Redux, Gallery Breitengraser / Berlin, 2004; Play, Gallery Artfinder / Hamburg, 2003; Group Exhibitions (selection) include: Nominated Artists for the Index Kunstpreis at Kunsthaus Hamburg, 2010; Best of, Gallery Breitengraser / Berlin; Dassollkunstsein with Gallery Ruta Correa at Kunstverein Freiburg, 2005. His work can be found in collections such as The Private Collection Bindernagel, Collection Staff Stiftung and Collection Sparkassenstiftung Magdeburg, among others. Nicanor Aráoz was born in 1981 in Buenos Aires, Argentina. He holds a degree in Fine Arts (Universidad de La Plata) and after graduating he studied with artist Mónica Girón. His solo exhibitions include (selection): Cepillarse bien los dientes, Galería Appetite, Bs. As, 2006; Patada a la cabeza, Galería Sicart, Barcelona, Spain, 2007. Group exhibitions (selection): Museo salvaje, Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2008; Interfaces “La Plata/Corrientes / Fondo nacional de las Artes, 2008; Premio Petrobras, Feria de galerías arteBA, Bs.As. 2007; Curriculum Cero 2005, Galería Ruth Benzacar, Bs. As. Among other distinctions, the third prize in the Premio Site Specific Hotel Panamericano Bariloche, Argentina, 2008 deserves special mention. Graciela Arce was born in 1972 in Santa Fe, Argentina. She has participated in exhibitions in different cities in Argentina such as Santa Fe, Rosario, Paraná, Buenos Aires; in Leça de Palmeira, Portugal and in Montevideo, Uruguay. She received grants to participate in a clinic organized by Fundación Antorchas in Paraná, 2004-5 and a workshop in El Levante in Rosario, 2005; she was resident at El Basilisco, 2006. She participated in Periférica with El Levante and Germina Campos in Buenos Aires, 2006; in arteBA with Germina Campos and Pariente del Mar, Buenos Aires (2007); and in the Interfases 7 program (Bs. As.–Santa Fe–General Roca). She jointly coordinated the Correveidile space with Marco Bainella in Paraná, 2009. She received a grant from the Fundación Nuevo Banco Santa Fe in 2009. Prizes awarded include the Asociación Cultural Inglesa, Photography section, LXXXV Salón Anual Nacional de Santa Fé, 2008; acquisition prize “Asociación Amigos del Museo Provincial Rosa Galisteo 257

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Santa Fe, 2009. Obtuvo los premios Asociación Cultural Inglesa, Sección fotografía, LXXXV Salón Anual Nacional de Santa Fe, 2008; Premio adquisición “Asociación Amigos del Museo Provincial Rosa Galisteo de Rodríguez”, Sección fotografía, LXXXVII Salón Anual Nacional de Santa Fe, 2010. Su obra integra la Colección Fotográfica “Pedro Tappa”, patrimonio del MPBA Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe. Vive y trabaja en Santa Fe. Anna Bas Backer nació en Holanda. Comenzó experimentando con comics en estilo documental, donde investigó la historia de la gente y escribió las historias encontradas relacionadas con dibujos de edificios, a veces vacíos pero con pasados elocuentes, como prisiones o casas destruidas en guerras. Más tarde comenzó a usar comics para comentar y criticar su trabajo previo como artista en la forma de proyectos y performances incluyendo la participación de muchos artistas locales. El primero de estos maratones de dibujo fue realizado en Colombia, donde invitó artistas de comic a dibujar juntos por 24 hs acerca de sus quejas sobre el mundo del arte. Durante otro maratón de dibujo en Argentina propuso a una cantidad de artistas de comic locales dibujar por 24 hs sobre la historia e identidad de la ciudad de Buenos Aires. En una performance pública ofreció hacer tatuajes falsos al público con las imágenes creadas durante el maratón. Realizó una acción similar en Berlín sobre el distrito problemático “Neukoelln”. Recibió varios premios en Holanda, Alemania y Suiza por sus proyectos individuales y grupales, incluyendo exposiciones en China, Argentina, Colombia, Kosovo, España y Alemania. Sus pinturas fueron seleccionadas para el Dutch Royal prize en 2005 y recientemente expuso en el Utrecht’s Central Museum en Holanda. Vive en Berlín. Marco Bainella nació en 1976 en Paraná, Argentina. Autodidacta, participó en LiPac, C.C.R. Rojas, Universidad de Buenos Aires (2010); Encuentro Intercampos Regional/Chaco (2008); Consultoria y Seminario con Luis Camnitzer en el CCEBA, Bs. As. (2006). Clínicas de Artes Visuales del C.C. Rojas, 2005. Fue becario de la Fundación Nuevo Banco de Entre Ríos, BERSA (2008); Becario de Fundación Antorchas 2002-3. Entre otras exposiciones, participó de Visita Fantasma, Dante Alighieri, Comitato di Paraná, 2010; Tratado de Ambliopía, Marte Up Market, Montevideo, 2008; Estudio abierto 2007, Bs. As. Participó de MDE07 Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo, Medellín 2007, (con El Basilisco), Colombia, 2007. En residencia en El Basilisco desarrolló como proyectos Fotografía y Recuerdos de Avellaneda, y junto a Jaime Gilli realizó el video Corriente, Buenos Aires, 2004. Participó en Interfases 06 Paraná-Neuquén, 2006. Un dedo en el río, CCEBA, Centro Cultural de España en Bs. As, 2006; Palitos Pintados, Pop Hotel Boquitas Pintadas, Buenos Aires, 2004. Forma parte del Grupo de artistas y gestores Pariente del mar, con quienes realizan encuentros regularmente. Han mostrado su producción en el Bar-

rio Joven de arteBA 2006/07; Periférica 2005, C.C. Borges, Bs.As; Fin de semana salvaje, Casa 13, Córdoba; Una casa nueva, Casa de la Cultura de Entre Ríos. Vive en Paraná. Torbjörn Berg nació en 1959 en Estocolmo, Suecia. Entre sus exhibiciones individuales se destaca National Gallery, Estocolmo, 2008; entre sus exposiciones grupales se destacan Supermarket international artist-run fair, 2009 y Pris extra, Nationalgallery, Estocolmo, 2008. Desde hace catorce años dirige el grupo internacional de arte y performance "Zirkus lokomotiv" junto a la actriz Ylva Törnlund. Roland Persson vive y trabaja en Estocolmo, Suecia. Entre sus muestras individuales se destacan Strange fruit, Härnösands Contemporary Art Space, Suecia, 2006; Flower and flash Artisthouse Estocolmo, Suecia 2005; Bier og blomster, Skive Contemporary art space, Dinamarca, 2000; Bird, fish and in between, Edsvikens Contemporary art Space, Estocolmo, 1999. Entre sus muestras grupales se destacan: Liste, Whit Gallery ALP, Basel, Suiza, 2006; Open, Hanoi, Vietnam, 2004; Eukabek event, Chiang Mai University Art Space, Tailandia, 2002; Umeå.se, The sculpture park, Umeå, Suecia, 1999. Entre otras obras públicas realizó: "In Between" The Square of Sergel, centro de Estocolmo, Suecia 2006; "Clouds" dos salas de espera en el Southhospital of Stockholm Suecia 2002. Christian Bermúdez nació en 1976 en San José, Costa Rica. Vive y trabaja en Oslo, Noruega. Graduado del National School of the Arts, Oslo (Kunsthøgskolen i Oslo) en estudios de Cine y Periodismo. Su trabajo se basa en video, fotografía e instalación e introduce elementos foráneos a contextos particulares. Las áreas que más le interesan son el paisaje, la arquitectura, la botánica, la identidad y su relaciòn con el entorno social. La participación de Christian Bermúdez en El Basilisco se inscribe dentro del programa de intercambio Global Perspectives, organizado por el Nordic Institute for Contemporary Art (NIFCA). Adriana Bernal nació en Bogotá, Colombia. Se graduó con un Master en Artes Visuales (Universidad de los Andes, 2002). Trabaja en diversos medios, como fotografía, dibujo, instalaciones, escultura y diseño. Su trabajo se nutre del contexto urbano, la vida diaria y sus viajes. Su interés principal está enfocado en ofrecer un punto de vista abierto y experimental como base de su trabajo. Breda Beban nació en 1952 en Novi Sad. Falleció en Londres en 2012. Breda Beban fue una artista, curadora y una productora creativa, cuyo trabajo es un cruce entre el cine y las artes visuales. Enfocada en un fuerte sentimiento en los bordes de grandes historias sobre política, geografía y el amor, la producción de Breda Beban descubre las contradicciones generadas por la inestabilidad del amor y la reubicación del poder. Nacida en Serbia, vivió y trabajó en Londres y Sheffield donde

de Rodríguez”, photography section and LXXXVII Salón Anual Nacional de Santa Fé, 2010. Her work can be found in the “Pedro Tappa” photography collection, patrimony of the MPBA Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe. She lives and works in Santa Fe. Anna Bas Backer was born in Holland. She first started experimenting with comics in documentary style drawings in which she researched people’s history and wrote down the found stories next to drawings of buildings, usually empty but with telling pasts like prisons or homes destroyed in war. She later went on to use comics to comment on and critique the work she did as an artist in the form of projects and performances that include the participation of many local artists. The first of these were drawing-marathons in Colombia, where she invited local comic artists to draw together during 24 hs about their complaints about art and the art world. During another marathon in Argentina she asked local comic artists to draw 24 hs about the history and identity of Buenos Aires. In a public performance she performed fake-tattoos with the images created during the marathon onto visitors. She carried out a similar performance in Berlin about the so called ‘problem district’ ‘Neukoelln’. She has received various grants from the Netherlands, Germany and Switzerland for her own or joint projects, including exhibitions in China, Argentina, Colombia, Kosovo, Spain and Germany. Her paintings were selected for the Dutch Royal prize in 2005 and more recently, she exhibited in the Utrecht’s Centraal Museum in the Netherlands. She lives in Berlin. Marco Bainella was born in 1976 in Paraná, Argentina. He is self-taught and participated in the LiPac program, C.C.R. Rojas, Universidad de Buenos Aires (2010); Encuentro Intercampos regional meeting, Chaco (2008); Consultation and Seminar with Luis Camnitzer at the CCEBA, Bs. As. (2006) and Clínicas de Artes Visuales, C.C. Rojas (2005). He received grants from the Fundación Nuevo Banco de Entre Ríos, BERSA (2008) and Fundación Antorchas (2002-3). Exhibitions (selection): Visita Fantasma, Dante Alighieri, Comitato di Paraná, 2010; Tratado de Ambliopía, Marte Up Market, Montevideo, 2008; Estudio abierto 2007, Bs. As. He participated in MDE07 Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo, Medellín, 2007 (with El Basilisco), Colombia, 2007. In residency at El Basilisco he developed the projects Fotografía and Recuerdos de Avellaneda, and, with Jaime Gilli produced the video Corriente, Bs. As., 2004. He participated in Interfases 06 Paraná-Neuquén, 2006; Un dedo en el río, CCEBA, Centro Cultural de España, Bs. As, 2006 and Palitos Pintados, Pop Hotel Boquitas Pintadas, Buenos Aires, 2004. He forms part of the artists’ group Pariente del mar, which organizes encounters on a regular basis. He has shown his work in the Barrio Joven section of arteBA, 2006/07; Periférica 2005, C.C. Borges, Bs. As; Fin de semana salvaje, Casa 13, Córdoba and Una casa nueva, Casa de la Cultura de Entre Ríos. He lives in Paraná. Torbjörn Berg was born in 1959 in Stockholm, Sweden. His solo exhibitions include National Gallery, Stockholm, 2008; his

group exhibitions include Supermarket international artist-run fair, 2009 and Pris extra Nationalgallery, 2008. For the past 14 years he has run the international art- and performance group "Zirkus loko-motiv" together with actress Ylva Törnlund. Roland Persson lives and works in Stockholm, Sweden. Outstanding among his solo shows are Strange fruit, Härnösands Contemporary Art Space, Sweden, 2006; Flower and flash Artisthouse Stockholm, Sweden, 2005; Bier og blomster, Skive Contemporary art space, Denmark, 2000; Bird, fish and inbetween, Edsvikens Contemporary art Space, Stockholm, 1999. Among his group exhibitions the following deserve special mention: Liste, Whit Gallery ALP, Basel, Switzerland, 2006; Open, Hanoi, Vietnam, 2004; Eukabek event, Chiang Mai University Art Space, Thailand, 2002; Umeå.se, The sculpture park, Umeå, Sweden, 1999. His public works include "In Between", The Square of Sergel, downtown Stockholm, Sweden, 2006; "Clouds" two waiting rooms in the South Hospital of Stockholm, Sweden, 2002. Christian Bermúdez was born in 1976 in San José, Costa Rica. Lives and works in Oslo, Norway. Graduated from the National School of the Arts in Oslo (Kunsthøgskolen i Oslo), having studied film and journalism. His work, based in video, photography and installation, introduces foreign elements into particular contexts. His greatest areas of interest are landscape, architecture, botany, identity and how it is related to the social environment. Christian Bermúdez's participation in El Basilisco forms part of the Global Perspectives exchange program organized by the Nordic Institute for Contemporary Art (NIFCA). Adriana Bernal was born in Bogotá, Colombia. She holds a Master of Fine Arts (Universidad de los Andes, 2002). She works in diverse media, including photography, drawing, installations, sculpture and design. Her work is informed by the urban context, everyday life and her travels. Her primary interest lies in offering an open, experimental point of view as the basis of her work. Breda Beban was born in 1952 in Novi Sad and passed away in 2012 in London. Breda Beban was an artist, curator and a creative producer whose work is a crossover between cinema and visual arts. Focusing on what is strongly felt on the edges of bigger stories about politics, geography and love. Beban’s productions discover contradictions triggered by instability of love and relocation of power. Serbian born, Beban lived and worked in London and Sheffield where she was a Professor of Visual Arts. Her award winning work is exhibited worldwide, including exhibitions at the Venice Biennial, Museum of Modern Art in New York, National Museum Reina Sofia in Madrid, National Film Theatre and Tate Britain in London. Things to Do in Buenos Aires is a series of drawings and a film triggered by Alberto Greco’s Vivo-Dito. “Vivo-Dito is an adventure of the real” (Alberto Greco). 259

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además fue profesora de Artes Visuales. Su trabajo obtuvo numerosos premios y es exhibido mundialmente, incluyendo exposiciones como La Bienal de Venecia, El Museo de Arte Moderno de Nueva York, El Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, y El National Film Theatre y la Tate Britain en Londres. Things to do in Buenos Aires es una serie de dibujos y una película inspirada en la obra Vivo-Dito de Alberto Greco. “Vivo-Dito es una aventura de lo real”(Alberto Greco). Bill Burns nació en 1957 en Regina, Saskatchewan. Estudió Arte en el Goldsmiths’ College en Londres, Reino Unido. Su obra sobre animales y la sociedad civil ha sido exhibida y publicada ampliamente. Teme que el mundo en el futuro sea habitado solamente por gente coyote, cucarachas, ratas, salmones atlánticos y palomas. Piensa que sería más difícil hacer arte y literatura en un mundo así. Su trabajo fue exhibido recientemente en el ICA (Institute for Contemporary Art) en Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y Kunsthallen Nicolaj en Copenhagen. Una edición en caja de tres de sus libros sobre animales y nuestra relación con ellos fue publicada en 2010 por Verlag der Buchandlung Wather Koenig, en Colonia, Alemania. Vive en Toronto. Adriana Bustos nació en 1965 en Bahía Blanca, Argentina. Egresada de la Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta y de la Facultad de Psicología en La Universidad Nacional de Córdoba. Participó en exhibiciones en Córdoba, Buenos Aires, y en muchas otras ciudades. Participó en la 5ta Bienal de Mercosur, en Porto Alegre, Brasil. Fue becaria del Fondo Nacional de las Artes y de la Fundación Antorchas. Entre otros premios, recibió la Mención especial del jurado en el Premio Cultural Chandon, en Córdoba, en 2004, y en Tucumán, en 2005. Vive en Buenos Aires. Gabo Camnitzer nació en 1984 en Nueva York, EE.UU. Estudió en Hunter College, City College of New York, EE.UU. y en Konsthögskolan Valand, Goteborgs Universitet, Suecia. Fue becario en P.S.1. y en el Drawing Center, en Nueva York. Entre sus recientes exposiciones se destacan Great Expectations, en Glasshuset, Gotemburgo, Suecia, 2006; Bad Taste, Rotor 2, Gotemburgo, Suecia, 2005; Elevutstaellning, Konsthoegskolan Valand, Gotemburgo, Suecia, 2005; Bussines card Recycling, acción realizada en 2004; Terrorvision, Exit Art, Nueva York, 2004, entre otras. Vive y trabaja en Gotemburgo. Agnieszka Casas nació en 1981 en México, D.F. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de UNAM, 2001-2005, y Moda y Creación en la Casa de Francia, 2000-2002. Cursó un Diplomado en Curaduría en la Academia de San Carlos en 2008. Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en México, 2009- 2010. Algunas exposiciones: Noir, México, 2009; Tercer Festival de Arte Independiente (San Ildefonso; México, D.F); Game Over (Foro Cultural Efrén Rebolledo; Pachuca, Hidalgo), y El Basilisco (Buenos Aires, Argentina), 2008; Feria de Arte

Contemporáneo Emergente (Centro de Arquitectura y Diseño; México); Close Up (Laboratorio Arte Alameda), y Tácticas (Centro de la Imagen de CONACULTA) 2007; Muestra de Audiovisuales del Pasagüero, México, 2006; Mi ciudad y su gente (ITESM), 2005. Entre sus proyectos recientes se destacan: Reinterpretación espacial de la 20, una recreación estética del entorno urbano por medio de cartografía volumétrica y Cartografía histórica del México Bicentenario, desarrollo multimedia para la Mapoteca MOyB. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Asli o uşÇğvu nació en 1982 en Estambul, Turquía. Es artista y escritora. Una gran parte de su trabajo se basa en ejercicios narrativos experimentales accionando mecanismos de corrección, repetición, copias e interacción narrativa. Utiliza varios medios, como libros de artista, videos e instalaciones. Entre sus exhibiciones se destacan: This Place Has No Size at All, Kadist Art Foundation, París, 2009; Kein Ding, ACC Gallery Weimar, 2009; End Game, Space Loop, Seoul, 2009; Hypnosis Show, Jessica Silverman Gallery, San Francisco, 2008; You can’t kiss away a murder, Galerist, Estambul, 2008. Entre otros, produjo los libros de artista Takip/Poursuite (2006), Caiet De Geografie (2006), The Unsubscribed Life of Peter Böse (2007), y In Patagonia after Bruce Chatwin (2009). Henry Coleman nació en 1974 en Harpenden, Inglaterra. Artista y curador, se graduó con un BA con honores en Artes Visuales (Goldsmiths College, London). Exhibiciones (selección): Telón (en colaboración con Cristina Schiavi), Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MacRo), Argentina, 2009; Endless, Leather Lane, Londres, 2009. Perfect, Balice Hertling at home, París, 2008; Memphis, Flaca, Londres, 2005; “Hollows of Glamour”, KIAD, Canterbury, 2004; “Henry Coleman”, Greengrassi, Londres, 2004; HELP, Els Hanappe Gallery, Atenas, 2003. Sus exposiciones como curador incluyen Los vinilos, Zoo Art Fair, Royal academy buildings, Londres, 2008; “13” International Project Space, Birmingham, 2007; Los vinilos, El Basilisco, Avellaneda, 2007; Exchange, Richard Salmon gallery, Londres, 2002; Heart and Soul, Londres y Los Angeles, 1999200. Vive y trabaja en Londres. Mariano Dal Verme nació en 1973 en Buenos Aires, Argentina. Estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón hasta 1997. Desde 1995 participó en diferentes muestras grupales: Ciclo Mute en Notorious, 2000; Fiat Lux en el espacio Giesso Reich, 2001; Tres Volúmenes en Vol. 3, 2003; Arte en Progresión, en el Centro Cultural Gral. San Martín, BsAs; Segunda edición del proyecto Biblioteca En Red en el CCEBA y ZLab en la galería Zavaleta Lab, Buenos Aires 2004; Dibujo Próximo en el C.C.R. Rojas, Buenos Aires, 2006; Las entrañas del arte en Imago, BsAs, 2008; Firmas, en Mark Morgan Pérez Garage, Buenos Aires, 2009. Desde 2002 forma parte de “La Recolección” junto a Fernando Brizuela y Beto de Volder,

Bill Burns was born in Regina, Saskatchewan in 1957, and studied art at Goldsmiths’ College in London, England. His work about animals and civil society has been shown and published widely. He fears a future world inhabited only by people coyotes, cockroaches, rats, Atlantic salmon and pigeons. He thinks it would be harder to make art and literature in such a world. His work has recently been shown at the ICA in London, England, the Museum of Modern Art in New York and Kunsthallen Nicolaj in Copenhagen. A boxed edition of three of his books about animals and our relationship to them was published by Verlag der Buchhandlung Walther Koenig in Cologne in fall 2010. He lives in Toronto. Adriana Bustos was born in 1965 in Bahía Blanca, Argentina. Graduated from the Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta and from the Faculty of Psychology at the Universidad Nacional de Córdoba. She has participated in exhibitions held in Córdoba, Buenos Aires, Tucumán, Salta and Rosario and she was part of the Argentinean envoy to the 5ª Bienal del Mercosur, in Porto Alegre, Brazil. She has received grants from the Fondo Nacional de las Artes and from Fundación Antorchas. She received a Mención Especial del Jurado at the Cultural Chandon exhibition in Córdoba (2004) and in Tucumán (2005). She lives in Buenos Aires. Gabo Camnitzer was born in 1984 in New York, USA. Education: Hunter College, City College of New York, USA, Konsthögskolan Valand, Goteborgs Universitet, Gothenburg, Sweden. Internships at P.S.1 Contemporary Art Center and The Drawing Center in New York. Recent exhibitions include: Great Expectations in Glasshuset, Gothenburg, Sweden (2006); Bad Taste, Rotor 2, Gothenburg, Sweden (2005); Elevutstaellning, Konsthoegskolan Valand, Gothenburg, Sweden (2005); Business Card Recycling action carried out in 2004; and Terrorvision, Exit Art, New York, USA (2004), among others. He lives and works in Gothenburg. Agnieszka Casas was born in 1981 in Mexico City. She studied Visual Arts (Escuela Nacional de Artes Plásticas de UNAM, 2001-5) and Fashion Design (Casa de Francia, 2000-2) and holds a Diploma in Curating (Academia de San Carlos, 2008). She received a scholarship in the Jóvenes Creadores program organized by the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes in Mexico City in 2009-10. Exhibitions include: Noir, Mexico City, 2009; Tercer Festival de Arte Independiente (San Ildefonso; Mexico City); Game Over (Foro Cultural Efrén Rebolledo; Pachuca, Hidalgo), and El Basilisco (Buenos Aires, Argentina), 2008; Feria de Arte Contemporáneo Emergente (Centro de Arquitectura y Diseño; Mexico); Close Up (Laboratorio Arte Alameda), and Tácticas (Centro de la Imagen de CONACULTA) 2007; Muestra de Audiovisuales del Pasagüero, Mexico, 2006; Mi ciudad y su gente (ITESM), 2005. Outstanding among her recent projects are Reinterpretación espacial de la 20, an aesthetic recreation of the urban environment in volumetric cartography and Cartografía histórica del México Bicentenario, a multimedia piece developed for Mapoteca MOyB. She lives and works in Mexico City.

Asli o uşÇğvu was born in 1982 in Istanbul, Turkey. She is an artist/writer. A great bulk of her work stems from experimental narrative exercises working around mechanisms of erasure, repetition, replicas and narrative interplay. She uses various mediums such as artists’ books, videos, and installations. Recent exhibitions include This Place Has No Size at All, Kadist Art Foundation, Paris, 2009; Kein Ding, ACC Gallery Weimar, 2009; End Game, Space Loop, Seoul, 2009; Hypnosis Show, Jessica Silverman Gallery, San Francisco, 2008; You can’t kiss away a murder, Galerist, Istanbul, 2008. The artists’ books she has produced include Takip/Poursuite (2006), Caiet De Geografie (2006), The Unsubscribed Life of Peter Böse (2007), and In Patagonia after Bruce Chatwin (2009). Henry Coleman was born in 1974 in Harpenden, England. An artist / curator, he holds a BA hons in Fine Art (Goldsmiths College, London). Selected exhibitions include: Telon, with Cristina Schiavi, Museo MacRo Rosario, 2009. Endless, Leather Lane, London, 2009; Perfect, Balice Hertling at home, Paris, 2008; Memphis, Flaca, London, 2005; Hollows of Glamour, KIAD, Canterbury, 2004; Henry Coleman, Greengrassi, London, 2004; HELP, Els Hanappe gallery, Athens, 2003. Curated exhibitions include: Los vinilos, Zoo Art Fair, Royal academy buildings, London, 2008; “13” international project space, Birmingham, 2007, Los vinilos, El Basilisco, Avellaneda, 2007; Exchange, Richard Salmon gallery, London, 2002, Heart and Soul, London and Los Angeles, 1999-200. Lives and works in London. Mariano Dal Verme was born in 1973 in Buenos Aires, Argentina. He studied Painting (Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón) until 1997. Group exhibitions since 1995 include: Ciclo Mute en Notorious, 2000; Fiat Lux in the Giesso Reich space, 2001; Tres Volúmenes en Vol. 3, 2003; Arte en Progresión, Centro Cultural Gral. San Martín, Bs As; Second edition of the project Biblioteca En Red at the CCEBA and ZLab in Zavaleta Lab gallery, Bs As 2004; Dibujo Próximo, C.C. R. Rojas, Buenos Aires, 2006; Las entrañas del arte en Imago, Bs As, 2008; Firmas, Mark Morgan Pérez Garage, Buenos Aires, 2009. From 2002 on he was a member of “La Recolección”, along with Fernando Brizuela and Beto de Volder, a project presented at arteBA, Malba (Contemporáneo 11) and the Museo Timoteo Navarro de Tucumán, 2004; and at the MacRo, Rosario, 2006. His solo show Dibujos was held at El Borde Arte Contemporáneo; he presented Star Worse along with Andrés Toro at Sonoridad Amarilla and Grafito sobre papel at the Alianza Francesa de Bs As, 2005. Along with Andrés Toro and Fernando Brizuela, he presented For Esport, an installation in the display window of the CCEBA, Bs As, 2006. He had a solo show at Ruth Benzacar gallery, and exhibited Fiesta at the CCEBA, an installation done jointly with Bárbara Kaplan, 2007. He presented La conquista del espacio, segunda parte, Star Worse along with Andrés Toro at Le bar and participated in a residency at Lugar a Dudas in 261

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proyecto que se presentó en arteBA, en Malba (Contemporáneo 11) y en el Museo Timoteo Navarro de Tucumán, 2004; y en el MacRo, Rosario, 2006. Realizó la muestra individual Dibujos en El Borde Arte Contemporáneo; presentó en Sonoridad Amarilla Star Worse junto a Andrés Toro y expuso Grafito sobre papel en la Alianza Francesa de Buenos Aires, 2005. Presentó junto a Andrés Toro y Fernando Brizuela For Esport, instalación en la vidriera del CCEBA, Buenos Ares, 2006. Expuso individualmente en la galería Ruth Benzacar y exhibió Fiesta, instalación en vitrina junto a Bárbara Kaplan, en el CCEBA, Buenos Aires, 2007. Presentó junto a Andrés Toro La conquista del espacio, segunda parte, Star Worse, en Le bar y realizó una residencia en Lugar a Dudas, Cali, Colombia, 2008. Realizó la muestra Firmamento en Turbo Galería, 2009. Vive y trabaja en Buenos Aires. Agnes Eperjesi nació en 1964 en Budapest, Hungría. En su obra intenta expandir las oportunidades de la fotografía sin cámara y crear un mundo visual de carácter conceptual, en combinación con la reinterpretación personal y el enriquecimiento visual de todos los días, clichés ready-made. Fuera de Hungría, tuvo exhibiciones individuales en Nueva York (2006,1999), Philadelphia (2006), Houston (2002), Ámsterdam (2004), Frankfurt (1999), y participó de exhibiciones grupales en China, EE.UU. y Europa. Sus trabajos forman parte de varias colecciones públicas y privadas de su país e internacionales. Su residencia en El Basilisco fue parte de un intercambio con FKSE (Fiatal Képzomuvészek Stúdiója Egyesület / Estudio de la Asociación de Artistas Jóvenes) en Budapest, Hungría. Alejandro Fangi. Nací en 1971 y crecí en Chajarí, Entre Ríos y después me mudé a Buenos Aires donde cursé un año de la carrera de Publicidad, luego estudié en la Escuela Manuel Belgrano y después Grabado y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Mientras estaba estudiando participé en concursos y en muestras grupales e individuales en Buenos Aires y Chajarí. Entre los años 2005 y 2008 estuve viviendo y participando del programa de Residencias para artistas El Basilisco, donde gracias al intercambio con los artistas residentes comencé a realizar la serie de instalaciones en las cuales estoy trabajando hasta el presente. Actualmente continúo realizando muestras y desde 2009 estoy radicado en Mar del Plata donde además de haber hecho varias muestras colaboro en la gestión de Encuentros de Diálogo con Artistas que se realizan en el Museo Casa Bruzzone. Hasta que la trashumancia me lleve a otros lados… Iara Freiberg nació en 1977 en San Pablo, Brasil. Egresada de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo (ECA-USP), entre 1986 y 1993 vivió en Buenos Aires, adonde volvió entre los años de 2007 y 2010. Vivió también en Londres, Inglaterra, entre 2000 y 2001. A partir de 2002, participó de exposiciones individuales y grupales en San Pablo

(Centro Universitário Maria Antônia, 2002, 2003, 2005; Centro Cultural São Paulo, 2003; SESC, 2003, 2004, 2005; Museu de Arte Contemporânea da USP, 2005; Instituto Itaú Cultural, 2006; entre otras, por las que obtuvo el Prêmio Incentivo Visualidade Nascente - 13° Projeto Nascente – USP, 2003 y el Prêmio Aquisição - 32º Salão de Arte Contemporânea de Santo André, 2004; y en otros lugares de Brasil, como Casa da Cultura da América Latina, en Brasilia, 2005; Museu de Arte de Contemporânea de Fortaleza – Dragão do Mar, en Ceará, 2006; Paço Imperial, en Rio de Janeiro, 2006. Participó de la exposición Los Vinilos, en la Royal Academy of Arts, en Londres, 2008, y tuvo una exposición individual en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, en Argentina, 2006-2007. Participó de dos iniciativas independientes: exposición Lord Palace Hotel, que ocupó un hotel inactivo en el centro de San Pablo, 2004, y una intervención en casa desocupada en el barrio de Morumbi, en San Pablo, 2007. En 2006, participó del proyecto Rumos - Artes Visuais, del Instituto Itaú Cultural. El mismo año, participó de la residencia El Basilisco, en Buenos Aires, a través de la Beca de la Fundación Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil, donde desarrolló intervenciones en el espacio público. Jaime Gamboa Palacios nació en 1981, en Bogotá, Colombia. Estudió en la Universidad de los Andes y obtuvo su título de Maestro en artes plásticas así como la opción en historia del arte y arquitectura. Expone desde el año 2002. Entre sus exposiciones se destacan Ideografismos, Universidad de los Andes, año 2003; Bordes del dibujo, MamBo, 2004; tesis en el MAC de Bogotá. Recibe en 2006 la distinción como finalista y mención honorífica en la 1ª Bienal de dibujo Rafael Cauduro, Tijuana, México. Participa en el proyecto de investigación de jóvenes artistas, Artecámara, en 2007 y 2008; y en exposiciones grupales como el III salón de arte joven, Club El Nogal, 2007; La línea continua, Cámara de Comercio de Bogotá, 2008; Territorios dibujados, Cuestión de corazón, Galería El Museo, 2008; en Galería Fernando Pradilla, espacio Proyectos, Madrid, 2008. Su trabajo actualmente se encuentra relacionado con el dibujo y los límites que existen entre éste y la pintura. Jaime Gili nació en 1972 en Caracas, Venezuela. Estudió en Prodiseño, Caracas y posteriormente en la Universidad de Barcelona, donde culminó un Doctorado en 2001 con el tema “Repetición”. En Londres realizó un Master en el Royal College of Art en 1998. Jaime Gili exhibió su trabajo ampliamente en galerías y, actualmente en mayor medida, en intervenciones en espacios públicos, en lo que para algunos continúa una tradición de intervenciones iniciada en Venezuela en los años ‘50. Para el curador Jesús Fuenmayor la obra de Gili es “como si tiraran una bomba a un Cruz-Diez”, una continuación de la tradición abstracta periférica, pero con menos politiquería. Entre sus muestras recientes se destacan una pintura-instalación en siete pisos en Bloomberg, Londres, una individual en Kunsthalle Winterthur, Suiza y “Expander”, en la Royal Academy of Arts

Cali, Colombia in 2008. He exhibited Firmamento at Turbo Galería in 2009. He lives and works in Buenos Aires. Agnes Eperjesi was born in 1964 in Budapest, Hungary. In her work, she looks to expand opportunities for camera-less photography and to create a visual world that is conceptual in nature, in combination with a personal re-interpretation and visual enrichment of the everyday, clichés and ready-mades. Outside Hungary, she has had solo shows in New York (1999, 2006), Philadelphia (2006), Houston (2002), Amsterdam (2004), and Frankfurt (1999). She has participated in group exhibitions in China, the United States and Europe. Her work can be found in several public and private collections in her country and internationally. Her participation in El Basilisco was part of an exchange with FKSE (Fiatal Képzomuvészek Stúdiója Egyesület / Young Artists’ Studio Association) in Budapest, Hungary. Alejandro Fangi. I was born in 1971 and raised in Chajarí, Entre Ríos and later moved to Buenos Aires, where I studied Publicity for one year. I then studied at the Escuela Manuel Belgrano, followed by studies in Printmaking and Painting at the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. While studying I also participated in prize competitions and group and solo shows in Buenos Aires and Chajarí. From 2005 to 2008 I lived at and participated in the El Basilisco artists’ residency program, where thanks to the exchange with artists in residence I began to carry out the series of installations on which I continue to work today. I currently continue to participate in exhibitions and have been based in Mar del Plata since 2009, where in addition to exhibiting I have collaborated in organizing the Encuentros de Diálogo con Artistas series of talks, held at the Museo Casa Bruzzone. Until transhumance takes me elsewhere… Iara Freiberg was born in 1977 in San Pablo, Brazil. She graduated from the Escola de Comunicações e Artes at the Universidade de São Paulo (ECA-USP) and lived in Buenos Aires from 1986 to 1993, city to which she returned in 2007, until 2010. She also lived in London, England from 2000 to 2001. Since 2002 she has participated in group and solo exhibitions in San Pablo (Centro Universitário Maria Antônia, 2002, 2003 y 2005; Centro Cultural São Paulo, 2003; SESC, 2003, 2004 y 2005; Museu de Arte Contemporânea da USP, 2005; Instituto Itaú Cultural, 2006; among others, for which she was awarded the Prêmio Incentivo Visualidade Nascente – 13° Projeto Nascente-USP, 2003 and the Prêmio Aquisição - 32º Salão de Arte Contemporânea de Santo André, 2004; as well as other venues in Brazil, such as the Casa da Cultura da América Latina, in Brasilia, 2005; Museu de Arte de Contemporânea de Fortaleza – Dragão do Mar, in Ceará, 2006; and the Paço Imperial in Rio de Janeiro, 2006. She participated in the Los Vinilos exhibition at the Royal Academy of Arts in London, 2008, and had a solo show at the Centro Cultural de España en Buenos Aires, in Argentina, 2006-2007. She participated in two independent intiatives: the Lord

Palace Hotel exhibition, which occupied an inactive hotel in downtown San Pablo, 2004, and an intervention in an empty house in the Morumbi neighborhood in San Pablo, 2007. In 2006, she participated in the Rumos – Artes Visuais project, organized by the Instituto Itaú Cultural. The same year, she participated the El Basilisco artists’ residency in Buenos Aires, by way of a grant from the Fundación Iberê Camargo, in Porto Alegre, Brasil, during which she carried out interventions in public spaces. Jaime Gamboa Palacios was born in Bogota, Colombia in 1981. He studied at the Universidad de los Andes and received his Master's degree in Visual Arts in addition to electives in Art History and Architecture. Since 2002 he has participated in exhibitions, among which the following can be highlighted: Ideografismos, Universidad de los Andes in 2003; Bordes del dibujo at MamBo in 2004; thesis show at the MAC in Bogotá. In 2006 he received distinction as a finalist and was awarded an Honorable Mention in the 1ª. Bienal de dibujo Rafael Cauduro in Tijuana, Mexico. In 2007 and 2008 he participated in the Artecámara research project by young artists, and in group shows including III salón de arte joven at the club El Nogal, 2007; La línea continua, at the Cámara de Comercio de Bogotá, 2008; Territorios dibujados, Cuestión de corazón at Galería El Museo, 2008 and at Galería Fernando Pradilla in the Proyectos space in Madrid, 2008. His current work deals with the practice of drawing and with the boundaries between drawing and painting. Jaime Gili was born in 1972 in Caracas, Venezuela. He studied at Prodiseño in Caracas and later at the Universidad de Barcelona, where he completed a Doctorate in 2001 on the theme of “Repetition”. In London he received a Master’s degree from the Royal College of Art in 1998. Jaime Gili’s work has been widely exhibited in galleries, and currently, primarily in the form of interventions in public spaces which for some continue the intervention tradition initiated in Venezuela during the ‘50s. According to curator Jesús Fuenmayor, Gili’s work looks “as if a bomb had been thrown at a Cruz-Diez”, a continuation of the peripheral abstract tradition, but with less politicking. Among his recent shows, special mention can be given to a seven-story painting-installation at Bloomberg, in London, a solo show at the Kunsthalle Winterthur in Switzerland and “Expander” at the Royal Academy of the Arts in London in 2004 and the biggest painting ever made, on 16 storage tanks in Portland, USA, visible by land, sea, air and satellite. His work can be found in collections such as Banco Mercantil in Caracas and Saatchi Gallery in London. He has published numerous articles and chronicles in LAPIZ magazine. His work is represented by Riflemaker in London, Oficina#1 in Caracas and Alejandra von Hartz in Miami. He has lived in London since 1996. Luis Guerra appears in Santiago de Chile in 1974. He holds a Master’s in Visual Arts. My statement says something like: I believe in Bruce Lee’s definition regarding the (martial) Arts as honest self-expression to one’s self. I work on the basis of loss 263

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de Londres, en 2004 y la pintura más grande jamás realizada, en 16 tanques de almacenamiento en Portland, EEUU, visible por tierra, mar, aire y satélite. Su obra está presente en colecciones como Banco Mercantil, Caracas y Saatchi Gallery, Londres. Ha publicado numerosos artículos y crónicas en la revista LAPIZ. Su obra es representada por Riflemaker en Londres, Oficina#1 en Caracas y Alejandra von Hartz en Miami. Vive en Londres desde 1996. Luis Guerra aparece en 1974 en Santiago de Chile. Magister en Artes Visuales. Mi statement dice algo así como: Creo en la definición de Bruce Lee acerca de que las Artes (Marciales) son expresarse a sí mismo honestamente. Trabajo desde la pérdida como metodología de producción. Uso todos los medios necesarios, sin distinciones panfletarias o autoritarias. Hago dibujos, performances, pinturas, disposiciones espaciales, objetos, cosas de arte. Me gusta pensar en las relaciones entre acontecimientos efímeros y massmediatización. Creo que mi producción intenta desmantelar la sincronización emocional, a través de la simple presencia de la cosa arte. He mostrado en Beijing, Masterton, Hamburgo, Londres, Rotterdam, Madrid, Buenos Aires, Bogotá, Sao Paulo, y Santiago. Guga (Gustavo Ferraz) Nació en 1974 en Río de Janeiro, Brasil. En 1992 ingresa en el curso de Arquitectura (Facultade Federal de Río de Janeiro), transfiriéndose al curso de Escultura (Escola de Belas Artes) de la misma universidad en 1996, finalizando en el año 2001. En 1999 desarrolla su primer trabajo de interferencia pública integrando el colectivo de arte ATROCIDADES MARAVILHOSAS, iniciando una serie de intervenciones en el contexto urbano, con proyectos que se realizan teniendo como soporte la cotidianeidad de la ciudad y su problemática. “No preguntamos si lo que vemos es arte. Preguntamos sobre aquello que vemos” dijo Ruben Pileggi sobre el trabajo de Guga. Pablo Guiot nació en 1972 en Tucumán, Argentina. Egresó de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán y de la Licenciatura en Artes en la Facultad de Artes de la U.N.T. Formó parte del grupo "El Ingenio" Realizó numerosas muestras individuales y grupales en Tucumán, Argentina, e internacionalmente. Obtuvo las siguientes distinciones: 2º Premio Salón de la Universidad, Tucumán, 2005; Beca de Perfeccionamiento para artistas del interior del País del Fondo Nacional de las Artes, Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del N.O.A, organizado por Fundación Antorchas, a cargo de Pablo Siquier y Graciela Sacco, 2001; Becario en "Encuentros de análisis de obra", organizados por Trama en la ciudad de Rosario, 2000. Vive y trabaja en Tucumán. Felice Hapetzeder nació en 1973 en Estocolmo, Suecia. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Record Construct, Estambul ECoC, 2010; There and here #4, wip:konsthall, Estocolmo; Koh-i-Noor gallery, Copenhagen, 2008; Gallery Bastard,

Estocolmo; Verkligheten, Umeå, 2007. Entre otras exposiciones participó en Crosstalk video art festival III, Budapest, Hungría, 2010; Videoformes, Videobank, Clermont-Ferrand. SFC - Shoah film collection, Cologne, 2010; Uppsala Art Museum, Uppsala, 2009; Europa Neurotisch #2, Petersburg project space, Amsterdam, 2009; Tempo documentary festival, Estocolmo, 2009; MidEast Cut, Copenhagen. Lens Politica, Helsinki, 2009; There and here #1, wip: konsthall, Estocolmo, 2008; 10th Istanbul biennial Nightcomers, Estambul, 2007; AluCine Latin Media Festival, Toronto, 2007; Canal Plus at Wilma Gold, Londres; La ciudad y el Barrio, 2a parte, Fundación Proa, Buenos Aires; Privat, personligt, gemensamt, Länsmuseet Västernorrland. Beyond the Pale (Non Stop Video Weekend), Konstnärshuset, Estocolmo, 2006; Stockholm special, Live streaming, Park 4DTV; Index guest session at Trafo Gallery, Budapest; Resor, platser och hundar, Länsmuseet i Västernorrland; Please Disturb! Svensk Form, Skeppsholmen, Estocolmo e intinerante exhibición, 2005; Östersund video festival. Sub Urbia touring exhibition, Stockholm läns museum; Arghh, Edsvik konst och kultur, 2003; Hortus Ludi, Marres, Maastricht, 2002; Liljevalchs Vårsalong, Estocolmo, 2002; Blick, New Nordic Film and Video, exhibición itinerante. Kunstmuseum Liechtenstein et.c. 2002; Moderna Museet et.c. 2001. Selección de gestión de proyectos: Director de Arte, Tensta konsthall, 2010; Local A. (Bygg Rec Tensta Konsthall /Record Construct ECoC Istanbul), 2009; Klinik workshop ak28 gallery, 2006. Upcoming – Buenos Aires simposio, 2005; acción de J. Tobias Andersson, ak28; 50/50 con Anders Smedbye, Bella Rune, Marius Engh y Johannes Heldén, ak28. Es co-fundador y gerente de proyectos de ak28, un espacio y red dirigido por artistas, 2003-2008. Vive en Estocolmo. Renaud Herbin es Diplomado de l’Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières, 1999. Fundó junto a Julika Mayer y Paulo Duarte la compañía LàOù – marionnette contemporaine. Realizador e intérprete de PYGMALION miniature, 2011; Lopin, 2008; Mitoyen, 2006; Vrai! Je suis très nerveux, 2003; Les grands poissons mangent les petits, 2002; Petits Chaos, 2000 y Un Rêve, 1999. Desarrolló entre 2003 y 2008 el proyecto Centres Horizons junto al videasta Nicolas Lelièvre: espectáculos y films de animación de autor sobre cuestiones de urbanismo en territorios de Rennes Métropole, Buenos Aires, Berlín (Villa Médicis Hors-les-murs, 2004). Nicolas Lelièvre nació en 1975 en Rennes, Francia. Después de graduarse como arquitecto en 2001, rápidamente se volcó a la creación de imágenes, convencido de que tanto el video como la fotografía son medios privilegiados para examinar las relaciones entre tiempo y espacio. Sus frecuentes viajes a ciudades como Berlín, Buenos Aires o Lisboa, junto con el marionetista Renaud Herbin, son ocasiones para jugar con la percepción y la representación de los espacios urbanos. En 2010, comienza un nuevo ciclo de residencias entre Tokyo (Tokyo Wonder Site) y Paris (le Cent Quatre) y desarrolla nuevas ideas sobre

as my methodology of production. I use all means necessary, without demagogic or authoritarian distinctions. I make drawings, performances, paintings, spatial arrangements, objects and art things. I like to think about the relationship between ephemeral occurrences and mass-media processes. I believe that my production attempts to dismantle emotional synchronization by way of the mere presence of an art thing. I have exhibited in Beijing, Masterton, Hamburg, London, Rotterdam, Madrid, Buenos Aires, Bogota, San Pablo and Santiago. Guga (Gustavo Ferraz) was born in 1974 in Río de Janeiro, Brazil. In 1992 he began studies in Architecture (Facultade Federal de Rio de Janeiro), changing to studies in Sculpture (Escola de Belas Artes) at the same university in 1996, finalizing in the year 2001. In 1999 he developed his first instance of public interference as member of the ATROCIDADES MARAVILHOSAS art collective, initiating a series of interventions in an urban context with projects carried out using everyday city life and its problems as their support. Regarding Guga’s work, Ruben Pileggi said “we don’t ask whether or not what we see is art. We ask about what it is that we see.” Pablo Guiot was born in 1972 in Tucumán, Argentina. He graduated from the Escuela de Bellas Artes at the Universidad Nacional de Tucumán and holds an Arts degree from the U.N.T.'s Arts Faculty. He was a member of the artist’s group "El Ingenio". He has participated in numerous group and solo exhibitions in Tucumán, Argentina and abroad. He has been awarded the following distinctions: 2nd Prize, Salón de la Universidad, Tucumán, 2005, Advanced Study Grant for artists from the provinces, Argentina, from the Fondo Nacional de las Artes, Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del N.O.A, organized by Fundación Antorchas, led by Pablo Siquier and Graciela Sacco, 2001, Encuentros de análisis de obra, grant, organized by Trama in the city of Rosario, 2000. He lives and works in Tucumán. Felice Hapetzeder was born in 1973 in Stockholm, Sweden. His solo shows include Record Construct, Istanbul, ECoC, 2010; There and here #4, wip:konsthall, Stockholm, Koh-i-Noor gallery, Copenhagen, 2008; Gallery Bastard, Stockholm; Verkligheten, Umeå, 2007. Other exhibitions in which he has participated include: Crosstalk video art festival III, Budapest, Hungary, 2010; Videoformes, Videobank, Clermont-Ferrand. SFC - Shoah film collection, Cologne, 2010; Uppsala Art Museum, Uppsala, 2009; Europa Neurotisch #2, Petersburg project space, Amsterdam, 2009; Tempo documentary festival, Stockholm, 2009; MidEast Cut, Copenhagen. Lens Politica, Helsinki, 2009; There and here #1, wip: konsthall, Stockholm, 2008; 10th Istanbul biennial Nightcomers, Istanbul, 2007; AluCine Latin Media Festival, Toronto, 2007; Canal Plus at Wilma Gold, London; La ciudad y el Barrio, 2a parte, Fundación Proa, Buenos Aires; Privat, personligt, gemensamt, Länsmuseet Västernorrland. Beyond the Pale

(Non Stop Video Weekend), Konstnärshuset, Stockholm, 2006; Stockholm special, Live streaming, Park 4DTV; Index guest session at Trafo Gallery, Budapest; Resor, platser och hundar, Länsmuseet i Västernorrland; Please Disturb! Svensk Form, Skeppsholmen, Stockholm and touring exhibition, 2005; Östersund video festival. Sub Urbia touring exhibition, Stockholm läns museum; Arghh, Edsvik konst och kultur, 2003; Hortus Ludi, Marres, Maastricht, 2002; Liljevalchs Vårsalong, Stockholm, 2002; Blick, New Nordic Film and Video, touring exhibition. Kunstmuseum Liechtenstein et.c, 2002; Moderna Museet et.c. 2001; Project manager (selection): Art director, Tensta konsthall, 2010; Local A. (Bygg Rec Tensta Konsthall /Record Construct ECoC Istanbul), 2009; Klinik workshop, ak28 gallery, 2006. Upcoming – Buenos Aires symposium, 2005; Action by J Tobias Andersson ak28; 50/50 with Anders Smedbye, Bella Rune, Marius Engh and Johannes Heldén, ak28. He is co-founder and project manager at ak28, an artist-run gallery and network, 2003-2008. He lives in Stockholm. Renaud Herbin holds a degree from the l’Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières, 1999. He is co-founder along with Julika Mayer and Paulo Duarte of the LàOù – marionnette contemporaine company. He is the creator and interpreter of PYGMALION miniature, 2011; Lopin, 2008; Mitoyen, 2006; Vrai! Je suis très nerveux, 2003; Les grands poissons mangent les petits, 2002; Petits Chaos, 2000 and Un Rêve, 1999. From 2003 to 2008 he jointly developed the Centres Horizons project with video artist Nicolas Lelièvre: shows and animated art films on urban issues in the territories of the Rennes Métropole, Buenos Aires, Berlin (Villa Médicis Hors-les-murs 2004). Nicolas Lelièvre was born in 1975 in Rennes, France. After graduating as an architect in 2001, quickly turned to image creation, as he believed video and photography represented privileged means to examine the relationships between time and space. His frequent trips to cities such as Berlin, Buenos Aires or Lisbon together with puppeteer Renaud Herbin are occasions to play with perception and representation of urban spaces. In 2010, Nicolas Lelièvre starts a new cycle of residencies between Tokyo (Tokyo Wonder Site) and Paris (le Cent Quatre) and develops new ideas about mouvement, duration and space within pictures. Nicolas Lelièvre also regularly works as a videographer for theater and dance companies. He lives in Paris. Alexa Horochowski. Raised in the Patagonia of Argentina, at the age of ten I emigrated to the United States along with my family. I spent my formative years in a small, Midwestern town and went on to study journalism and creative writing at the University of Missouri. In 1996 I completed an MFA degree at the University of Michigan, Ann Arbor. Since then, my art practice has expanded to include sculpture, painting and video. In Minnesota I have done solo exhibitions at the MAEP Galleries at the Minneapolis Institute of Arts, The Soap Factory, and Franconia Sculpture Park. I have also exhibited at Praxis, New York, 265

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movimiento, duración y espacio entre imágenes. Nicolas Lelièvre regularmente trabaja como videasta para compañías de teatro y danza. Vive en Paris. Alexa Horochowski crecí en la Patagonia Argentina, emigré junto a mi familia a los EEUU a los diez años de edad. Pasé mis años de formación en una pequeña ciudad del medio oeste y luego me trasladé a estudiar periodismo y letras a la Universidad de Missouri. En 1996 completé mi grado de MFA en la Universidad de Michigan, Ann Arbor. Desde entonces, mi práctica artística se expandió hasta incluir escultura, pintura y video. En Minnesota expuse individualmente en MAEP Galleries en el Minneapolis Institute of Arts, en The Soap Factory, y en Franconia Sculpture Park. También expuse en Praxis, New York, and Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires. Soy Associate Professor de escultura, en St. Cloud State University, Minnesota. EE.UU. Aurelio Kopainig nació en 1979 en Gais, Suiza. Estudió en la Escuela de arte y diseño en Zürich, la Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam y en el San Francisco Art Institute. Participó en AIAS workshops en la Kaywon School of Art & Design, Seoul, 2002 y en la residencia Re:Location Academy en el Casino Luxembourg, 2004. Entre otros lugares, expuso en Holanda, Alemania, Reino Unido, Luxemburgo, Kosovo, China y Argentina. Sus películas fueron presentadas en festivales en San Francisco, Busan y Toronto entre otros. Exposiciones indiduales: Galerie Hans-Trudel-Haus en Baden, Suiza, 2006; Crecimiento y Memoria, Kopainig-Mensch, Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia, Buenos Aires, 2007; Substitut, Berlin, 2008 and Seconda Natura, I Sotterranei dell’Arte en Monte Carasso, Suiza, 2009. En conjunto con el colectivo de artistas Palatti, organizó y participó en residencias y exposiciones en Berlin, Pristina, Chongqing y recientemente en Buenos Aires, Salón fabril – Palatti en Buenos Aires. Actualmente está trabajando junto al colectivo Bicente, y participó en sus exposiciones recientes Parada Quebrada, en el Museo Arqueológico Dr. Eduardo Casanova y el Museo de Pintura Regional José A. Terry en Tilcara. Vive en Berlín y Buenos Aires. Runo Lagomarsino nació en 1977 en Malmo, Suecia. Obtuvo su MFA de la Malmö Art Academy, Suecia, 2003. Participó en The Whitney Independent Study Program, Nueva York entre 2007 y 2008. Trabajando en diferentes medios como video, dibujo, objetos y fotografía, explora en su práctica artística las condiciones en las cuales creamos el mundo (y la palabra) en que vivimos. Con su obra explora cómo el entorno político y social se desarrolló a través de diferentes procesos históricos y discursivos, generando representaciones y metáforas desde las cuales leemos y releemos la historia y la sociedad. Sus exposiciones recientes incluyen: Las Casas Is Not a Home, Elastic, Malmö; The Travelling Show, Colección Jumex, México,

2010; Report on Probability, Kunsthalle Basel, Basel; Read Thread, Tanas, Berlín; Free as Air and Water, Cooper Union, Nueva York; Panorama da Arte Brasiliera, Museu De Arte Moderna, San Pablo; 2da Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Puerto Rico, 2009; Ours: Democracy in the Age of Branding, New School, Parsons, Nueva York; The 7Th Gwangju Biennale Gwangju; Try again, fail again, fail better, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest; Whitney Independent Study Program Exhibition, Nueva York, 2008; Imagine Action, Lisson Gallery, Londres; Ground Lost, Galerija Nova, Zagreb, 2007. Núria Marquès nació en 1975 en Barcelona. Estudio Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Completó sus estudios con estadías en las universidades de Nottingham Trent, Chelsea y London Institute en Inglaterra y Saint Etienne en Francia. Luego realizó un doctorado en pintura en la Universidad de Barcelona. Entre otras, participó en las siguientes exposiciones, Festival Loop, Barcelona, 2008; The Unfairy Landscapes, Galeria Maior, Palma de Mallorca, Cosas Humanas Impex Gallery, Budapest; Biennal Turku Turun Finlandia; Aquí y Ahora, Alcalá 31, Madrid; Take me with you 160 Loewe, Círculo de Bellas Artes, Madrid; Festival de photo et video, Biarritz; Souvenirs Feria ARCO 2006 con la Galería Llucià Homs, Barcelona; Feria Loop, con la Galería Llucià Homs, Barcelona; Los géneros, Historias diferidas en Alcala 31 (Madrid), VIDEOMIXacción vs. en La Casa Encendida, Madrid, 2006; BIZART, Shangai, 2005, e Indisciplinados en el MARCO (Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Galicia), 2003. Alejandra Montiel nació en 1979 en Córdoba, Argentina. Graduada en pintura en la Escuela de artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Lleva adelante diferentes actividades y exposiciones desde el año 2000 junto al colectivo de artistas “Grup00” en Córdoba y Buenos Aires. Una de las últimas exposiciones del grupo se llamó Boom, tuvo lugar en el Centro Cultural de España, en Córdoba, 2004. Victor Muñoz vive y trabaja en Medellín, Colombia. En el año 2007 participó en el evento MDE07 - Prácticas Artísticas Contemporáneas, donde bajo el eje curatorial “residentes urbanos” realizó el proyecto Maestros de obra. Ha participado además en exhibiciones en el Museo del Banco de la República de Colombia, el Museo de Arte Moderno de Medellín, y el Museo de Arte Contemporáneo, entre otros. En 2005 participó en UNIDEE, en la fundación Cittadellarte en Italia, este mismo año realizó proyectos en el espacio público en Torino y Milán. Bjargey Ólafsdóttir nació en 1972 en Reykjavík, Islandia. Su arte no está confinado a un único medio, sino que más bien, cada una de sus concepciones requiere una herramienta diferente: film, arte sonoro, performance, dibujo y fotografía. Sus obras son narrativas por naturaleza, contando historias sobre mujeres dentistas aburridas, estrellas de rock en Japón y mujeres que pueden ver más allá del futuro. Sus obras a veces dan miedo, aunque bellas, y siempre desbordantes de humor y picardía. Su

and Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires. I am Associate Professor of sculpture at St. Cloud State University, Minnesota, USA. Aurelio Kopainig was born in Gais, Switzerland (1979). He studied at the School of Art and Design in Zürich, the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam and at the San Francisco Art Institute. He participated in the AIAS workshops at Kaywon School of Art & Design, Seoul (2002) and the residency “Re:Location Academy” at Casino Luxembourg (2004). His shows include exhibitions in the Netherlands, Germany, Luxembourg, the UK, Kosovo, China and Argentina. Films have been screened on festivals in San Francisco, Busan and Toronto among others. Individual exhibitions: Galerie Hans-Trudel-Haus in Baden, Switzerland (2006), Crecimiento y Memoria, Kopainig-Mensch, Museo Argentino de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia in Buenos Aires (2007), Substitut, Berlin (2008) and “Seconda Natura”, I Sotterranei dell’Arte in Monte Carasso, Switzerland (2009). Together with the artist-run network Palatti he organized and participated in residencies and exhibitions in Berlin, Prishtina, Chongqing and recently in Buenos Aires: “Salón Fabril – Palatti en Buenos Aires”. He’s also working together with the artist-run group “Bicente“ and showed in their recent exhibition “Parada Quebrada” at the Museo Arqueológico Dr. Eduardo Casanova and the Museo de Pintura Regional José A. Terry in Tilcara. He lives in Berlin and Buenos Aires. Runo Lagomarsino was born in 1977 in Malmo, Sweden. He obtained a MFA degree (Malmö Art Academy, Sweden) in 2003. He participated in The Whitney Independent Study Program in New York, 2007-8. Working in different media such as video, drawing, objects and photography, in his art practice he explores the conditions in which we create the world (and the word) we live in. His work explores how the political and social environment have developed through different historical and discursive processes, generating representations and metaphors on which we base our reading and re-reading of history and society. Recent exhibitions include: Las Casas Is Not a Home, Elastic, Malmö; The Travelling Show, Colección Jumex, Mexico City, 2010; Report on Probability, Kunsthalle Basel, Basel; Read Thread, Tanas, Berlin; Free as Air and Water, Cooper Union, New York; Panorama da Arte Brasiliera, Museu De Arte Moderna, San Pablo; 2da Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Puerto Rico, 2009; Ours: Democracy in the Age of Branding, New School, Parsons, New York; The 7Th Gwangju Biennale Gwangju; Try again, fail again, fail better, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest; Whitney Independent Study Program Exhibition, New York, 2008; Imagine Action, Lisson Gallery, London and Ground Lost, Galerija Nova, Zagreb, 2007. Núria Marquès was born in Barcelona in 1975. She studied Fine Arts at the Universidad de Barcelona. She completed her degree with stays at the universities of Nottingham Trent, Chelsea and London Institute in England and Saint Etienne in France.

She completed her Doctorate program for Painting at the Universidad de Barcelona, DEA (Advanced Studies Diploma). She participated in the following exhibitions: Festival Loop 2008, Barcelona; The Unfairy Landscapes, Galeria Maior, Palma de Mallorca; Cosas Humanas, Impex Gallery, Budapest; Biennal Turku Turun Finland; Aquí y Ahora, Alcalá 31, Madrid; Take me with you 160 Loewe, Círculo de Bellas Artes, Madrid; Festival de photo et video, Biarritz, France; Souvenirs at the ARCO 2006 Fair with Galería Llucià Homs from Barcelona; Feria Loop, with Galeria Llucià Homs, Barcelona; Los géneros, Historias diferidas in Alcala 31 (Madrid), VIDEOMIXacción vs. at La Casa Encendida, Madrid, 2006; BIZART, Shangai, 2005; and Indisciplinados at the MARCO_Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Galicia, 2003. Alejandra Montiel was born in 1979 in Córdoba, Argentina. She holds a degree in Painting (Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba). She has carried out different shows and activities since 2000 with the "Grup00" artists' collective in Córdoba and Buenos Aires. Among her group shows, Boom was a joint intervention along with Grup00 at the Centro Cultural de España, in Córdoba (2004). Victor Muñoz lives and works in Medellin, Colombia. In 2007 he participated in the event MDE07 – Prácticas Artísticas Contemporáneas, where he carried out the Maestros de obra project within the framework of curatorial “urban residents”. He has participated in other exhibitions at the Museo del Banco de la República de Colombia, the Museo de Arte Moderno de Medellín, and the Museo de Arte Contemporáneo, among others. In 2005 he participated in UNIDEE at the Fundación Cittadellarte in Italy, and that same year he carried out projects in public spaces in Torino and Milan. Bjargey Ólafsdóttir was born in 1972 in Reykjavik, Iceland. The art of Ólafsdóttir is not confined to a single medium as each of her concepts calls for a different tool: film, sound art, performance, drawing and photography. Her works are narrative by nature, telling stories of bored female dentists, rock stars in Japan and women that can see into the future and beyond. Her works are sometimes scary, yet beautiful and always brimming with humor and playfulness. Her practice reveals a collection of symbols that seem to have come into being either in the artist’s dreams, or by entering her consciousness at the moment between sleep and waking. Julieta Ortiz de Latierro was born in Barhía Blanca, Argentina in 1979. She graduated from the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón in Buenos Aires in 2002. She studied printmaking at the London Print Studio in 2003. She attended clinics run by Diana Aisenberg, 2005-7. She was an intern at the Centro de Investigaciones Artísticas. She was selected to participate in LIPAC, Laboratorio de Investigaciones Artísticas (2009) and Clinicas de Artes Visuales at the Centro 267

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práctica revela una colección de símbolos que parecen provenir tanto de los sueños de la artista, como de su conciencia en un momento entre el sueño y la vigilia. Julieta Ortiz de Latierro nació en 1979 en Bahía Blanca, Argentina. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, 2002. Realizó cursos de grabado en el London Print Studio, Londres, 2003. Asistió a las clínicas de obra a cargo de Diana Aisenberg, 2005- 2007. Fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas. Fue seleccionada para formar parte del LIPAC, Laboratorio de Investigaciones Artísticas (2009) y de las Clínicas de Artes Visuales, Centro Cultural Ricardo Rojas (2006). Participó del Programa de Residencias para Artistas de Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2007). Entre otras exposiciones, participó en: Movimientos, AP BA; Vis a Vis, Centro Cultural Borges, Bs. As.; Muestra de becarios 20092010, Centro de Investigaciones Artísticas, Bs. As.; KDA Sonoro, Jardín Oculto; Bicentenario: ¡Ahora o nunca!, Oficina Proyectista, 2010. Obtuvo el Tercer Premio en Premio Proyecto A (2006) y una Mención en el 21 Concurso de Video Georges- Méliès 2003, Alianza Francesa de Buenos Aires. Vive en Buenos Aires. Gregor Passens nació en 1974 en Alemania. Estudió en la Akademie der Bildenden Künste München y obtuvo su Diploma en el año 2002. En el mismo año recibió la Beca anual de Intercambio Académico (DAAD) para Buenos Aires, Argentina. En el 2005 hasta 2006 estuvo en la Residencia de artistas internacionales en Villa Concordia, Bamberg. En 2006 obtuvo una beca en Nueva York, EE.UU. Y desde el 2007 trabaja en la Akademie der Bildenden Künste en Munich. Passens ha desarrollado la facultad de crear obras monumentales, sencillas pero impresionantes, con materiales industriales de los que saca partido de forma eficaz y poética. Vive y trabaja en Munich y en Buenos Aires. Anu Pennanen graduada de la Academia de Bellas Artes de Helsinki, Finlandia, donde vive actualmente. Su trabajo como artista se refiere al espacio público urbano y su relación con el cine y los medios. Su proceso es a menudo site-specific, y muchas veces trabaja en conjunto directamente con la gente: espejos e investigadores del entorno construido en sus trabajos. Trabaja frecuentemente en colaboración con músicos experimentales. Olivia Plender recurre a la historia social y la historiografía en sus instalaciones de video, performances y publicaciones, para tratar temas que abarcan desde la historia del sistema financiero mundial hasta diferentes movimientos sociales y religiosos. Un proyecto individual reciente titulado Aadieu Adieu Apa (Goodbye Goodbye Father) en Gaswoks Gallery en Londres (2009), profundiza en la historia de los espectáculos masivos públicos y su relación con la soberanía como forma de interrogar los métodos y las maneras de registrar, interpretar y relatar eventos históricos. Enfocándose en la exhibición sobre el Imperio

Británico llevada a cabo en Wembley (un suburbio del oeste de Londres) en 1924, la instalación habla de la construcción de la identidad nacional inglesa tanto como las facetas teatrales y ritualistas de la política británica de hoy. Es un tema que ella había abordado anteriormente en una obra sobre el Kibbo Kift Kindred titulada Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine. Ese movimiento de jóvenes británicos existió entre 1920 y 1951 y se radicalizó durante la crisis económica de los años 30, convirtiéndose en un movimiento nacionalista de reforma monetaria que se llamaba ‘The Green Shirts’. Mientras tanto, trabaja con There is No Alternative (TINA), un proyecto curatorial reciente, cuyo título proviene del discurso infame de Margaret Thatcher sobre el capitalismo de libre mercado, en el que explora los efectos del sistema financiero en el ámbito de la representación. Sara Ramo nació en 1975 en Madrid, España. Se graduó en Artes Plásticas en 2003 por la Univerdade Federal de Minas Gerais, Brasil. Ha participado recientemente en exposiciones como la 53° Bienal de Venecia. Entre sus exhibiciones individuales se destaca Movable Plans en The Photographer’s Gallery, Londres. En los últimos años su trabajo circuló por lugares como el MAM de São Paulo; York Quay Gallery en Toronto y el Palazzo delle Arti di Napoli, entre otros. Obtuvo algunos premios como la Bolsa Pampulha en 2004 y el premio Marco Antonio Vilaça para as Artes Plásticas en Brasil, 2007. Vive y trabaja en Belo Horizonte. Thomas & Renee Rapedius Este dúo alemán trabaja con un género de la historia del arte muy antiguo: el paisaje. Con instalaciones, objetos y dibujos los artistas crean no sólo paisajes rurales, sino también escenarios urbanos que subvierten las expectativas usuales del género. Sus piezas sorprenden con imitaciones humorísticas de composiciones o estructuras naturales, y emanan al mismo tiempo una poesía simple. En sus dibujos, objetos e instalaciones emplean un método de trabajo “como encontrado”. Generalmente, utilizan materiales de fácil disponibilidad para crear sus ambientes, muchas de sus piezas están realizadas por adición serial de formas simples. Sus trabajos se expusieron en Nueva York, Santiago de Chile, Paris, Ghent, Zurich, Hamburgo y Berlín, la ciudad en la que viven y trabajan. Cintia Romero. Nací en 1976 en Ataliva, Santa Fe, Argentina. Desde el año 1998 desarrollo proyectos artísticos en diferentes medios: fotografía, video, instalaciones y pintura. Mi trabajo ha sido expuesto en muchas ciudades argentinas, como así también en Brasil, Colombia, Cuba, Bolivia, Chile, México, EEUU, Canadá y Suecia. Recibí becas de la Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe, Fundación Nuevo Banco de Santa Fe, Fondo Nacional de las Artes y Fundación Antorchas. En el 2005 fui invitada a participar de Perfil de Artista II en el CCEBA. Participé de las residencias: Ciudad de las Artes, Córdoba, 2007,

Cultural Ricardo Rojas (2006). She participated in the Lugar a Dudas artists’ residency program in Cali, Colombia (2007). Exhibitions she has participated in include: Movimientos, AP BA; Vis a Vis, Centro Cultural Borges, Bs. As.; Muestra de becarios 20092010, Centro de Investigaciones Artísticas, Bs. As.; KDA Sonoro, Jardín Oculto; Bicentenario: ¡Ahora o nunca!, Oficina Proyectista, 2010. She was awarded the Third Prize in Premio Proyecto A (2006) and a Mention in the 21 Concurso de Video Georges- Méliès 2003, Alianza Francesa de Buenos Aires. She lives in Buenos Aires. Gregor Passens was born in 1974 in Germany. He studied at the Akademie der Bildenden Künste München and received his degree in 2002. That same year he was awarded an Annual Scholarship for Academic Exchange (DAAD) to be carried out in Buenos Aires, Argentina. He participated in the international artists’ residency program at Villa Concordia, Bamberg in 2005-6. In 2006 he received a grant to travel to New York. He has worked at the Akademie der Bildenden Künste in Munich since 2007. Passes has developed the ability to create monumental works that are simple yet very impressive using industrial materials that he capitalizes in an effective, poetic way. He lives in Munich and Buenos Aires. Anu Pennanen graduated from the Academy of Fine Arts in Helsinki, Finland, where she is currently based. Her work as an artist deals with urban public space and its relation to cinema and media. Her process is often collaborative and site-specific, working directly with people who are the mirrors and investigators of the built environment in her works, frequently in collaboration with experimental musicians. Olivia Plender draws on social history and historiography, within video installations, performances and publications, addressing subjects ranging from the history of the global financial system to social and religious movements. A recent solo project titled ‘Aadieu Adieu Apa (Goodbye Goodbye Father)’, Gasworks Gallery, London, 2009, delves into the history of mass public spectacle and its relationship to issues of sovereignty in order to interrogate the methods and approaches used to record, interpret and recount historical events. By focussing on the British Empire exhibition that took place in the west London suburb of Wembley in 1924, the installation addresses the construction of English national identity as well as theatricality and ritual in contemporary British politics. It is a subject she addressed previously in a work about the Kibbo Kift Kindred titled Machine Shall be the Slave of Man, but We Will Not Slave for the Machine. This British youth movement existed between 1920-1951 and were radicalised during the economic crisis of the 1930’s into a nationalist monetary reform movement called ‘The Green Shirts’. Meanwhile a recent curatorial project There is No Alternative (TINA), which takes it’s titled from Margaret Thatcher’s notorious pronouncement on free-market capitalism, explores the effects of the financial system on the realm of representation.

Sara Ramo was born in 1975 in Madrid, Spain. She holds a degree in Visual Arts (Universidade Federal de Minas Gerais, Brazil, 2003). She has recently participated in exhibitions such as the 53rd Bienal de Venecia. Among her solo exhibitions, Movable Plans at The Photographer’s Gallery, London deserves particular mention. In the past few years her work has circulated in venues such as the MAM in San Pablo; York Quay Gallery in Toronto and the Palazzo delle Arti di Napoli, among others. She has received prizes that include the Bolsa Pampulha (2004) and the Marco Antonio Vilaça para as Artes Plásticas prize in Brazil (2007). She lives and works in Belo Horizonte. Thomas & Renee Rapedius. This German duo works with a very old genre of art history: The landscape. With installations, objects and drawings the artists create not only rural landscapes, but also urban scenarios that subvert the genre's usual expectations. Their pieces surprise with humorous imitations of natural compositions or structures, and radiate at the same time uncomplicated poetry. In their drawings, objects and installations they employ an "as-found" working method. Generally, they use easy available materials to create their environments, several of their pieces are made by serial adding of simple forms. Their work has been shown in New York, Santiago de Chile, Paris, Ghent, Zurich, Hamburg and Berlin, the city in which they live and work. Cintia Romero. I was born in 1976 in Ataliva, Santa Fe, Argentina. Since 1998 I have been developing art projects in different media: photography, video, installations and painting. My work has been shown in numerous Argentinean cities, as well as in Brazil, Colombia, Cuba, Bolivia, Chile, Mexico, the U.S., Canada and Sweden. I have received grants from the Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe, Fundación Nuevo Banco de Santa Fe, Fondo Nacional de las Artes and Fundación Antorchas. In 2005 I was invited to participate in Perfil de Artista II at the CCEBA. I participated in the following residency programs: Ciudad de las Artes, Córdoba, 2007, Batiscafo, Havana, 2008, Residencia Castagnino+MacRo, San Javier, 2010 and Terra Una, Liberdade MG, Brazil, 2011. I have also coordinated diverse curatorial projects and cultural management initiatives. I have been part of the coordinating team of Germina Campos since 2005. I currently live and work in Santa Fe, and in my free time I travel in search of new scenarios propitious to developing my work. Pablo Rosales was born in Buenos Aires in 1977. He studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón and attended clinics with Tulio de Sagastizábal. He participated in the Batiscafo residency program in Havana, Cuba, the Premio arteBA-Petrobras 09 and obtained the First Prize in the Site-Specific Hotel Panamericano Bariloche competition in 2008. His solo shows include: Formato Hogar, Jardín Oculto gallery, Buenos Aires, 2011; Del Pop al Op es la Nueva Idea Buena, Jardín 269

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Batiscafo, La Habana, 2008, Residencia Castagnino+MacRo, San Javier, 2010 y Terra Una, Liberdade MG, Brasil, 2011. También he coordinado diversos proyectos curatoriales y de gestión cultural. Desde el año 2005 formo parte del equipo coordinador de Germina Campos. Actualmente vivo y trabajo en Santa Fe, y en mi tiempo libre viajo en busca de nuevos escenarios para desarrollar mi obra. Pablo Rosales nació en Buenos Aires en 1977. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, y asistió a clínicas de obra con Tulio de Sagastizábal. Realizó la residencia Batiscafo en La Habana, Cuba, participó del Premio arteBAPetrobras 09, y obtuvo el Primer Premio Site Specific Hotel Panamericano Bariloche en 2008. Realizó las siguientes muestras individuales: Formato Hogar, Jardín Oculto galería, Buenos Aires, 2011, Del Pop al Op es la Nueva Idea Buena, Jardín Oculto galería, Buenos Aires, 2010; El verdadero arte está en las calles, Proyecto Vidriera, Galería Isidro Miranda, Buenos Aires 2007; Otro apuntalamiento a lo moderno, Espacio Vidriera, Centro Cultural de España, Buenos Aires, 2006; Hay que pensar más antes de mostrar, Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires, 2004. Participó de muestras grupales como Gesto Amplificado, C. C. Caixa Cultural Sao Paulo, Brasil, 2012 y Caixa Cultural de Río de Janeiro, 2012; ¿Por qué Pintura? Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2011; Punto, Línea, Curva, Galería Del Infinito, Buenos Aires, 2011; Documentos para un Futuro Imperfecto, El Parqueadero, Museo del Banco de la República, Bogotá, 2011 y Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2010; Juste de Pasaje, Le 19 CRAC, Montbéliard, Francia, 2011; Lá, oú le diable perdit son poncho, 59, Rue de Rivolí, París, Francia, 2010; Transfrontaliers, LE 19, CRAC, Montbéliard, Francia, 2010; Cuaresma, Barraçao Maravilla, Rio de Janeiro, Brasil, 2010; Premio arteBA-Petrobras 09, Feria de galerías arteBA Buenos Aires, 2009; Primer Premio Hotel Panamericano, Hotel Panamericano, Bariloche 2008; Urbanidades, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008; In Situ, Barraçao Maravilla, Río de Janeiro, Brasil, 2008; Ouro Sentimental, Museu de Arte Contemporánea de Niteroi, Rio de Janeiro, Brasil, 2008; Jardines de Mayo, Casa de la Cultura, Buenos Aires, 2006; 2-D, Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2005. Vive y trabaja en Buenos Aires. Cristian Segura nació en 1976 en Tandil, Argentina. Sigue una línea de trabajo que comprende un rango de estrategias relacionadas con los mecanismos y la variabilidad del arte contemporáneo, siempre con un ojo crítico y reflexivo sobre el terreno institucional. Su temprano interés en el arte lo llevó a hacer trabajo voluntario en museos a los catorce años de edad, y a convertirse así en coordinador de exhibiciones a los diecinueve años y director del Museo Municipal de Tandil a los veintitrés. Asistió a talleres de Antoni Muntadas y Tania Bruguera. Obtuvo becas de residencia de Hangar, Barcelona, 2008; Batiscafo, La

Habana, 2008; y El Basilisco, Buenos Aires, 2006. Realizó exposiciones en Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Cuba, México, EEUU, España, Italia y Holanda. Participó de la I Trienal de Chile 2009, en Argentina in Focus. Vizualizing the Concept en el Art Museum of the Americas of the OEA, Washington DC, curada por Alma Ruiz, del Museum of Contemporary Art (MOCA), de Los Angeles, EEUU, 2010. Vive en la ciudad de Tandil. Carolina Senmartin nació en 1973 en Córdoba, Argentina. Egresó de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, como licenciada en dibujo y pintura. Ha realizado muestras grupales e individuales en Córdoba y Buenos Aires. Fue becaria del Fondo Nacional de las Artes en 2002 y 2003, concurriendo al taller de Mónica Girón. Participó de las Clínicas de Análisis y Producción de obras de la Fundación Antorchas en Córdoba 2002 y 2003. Actualmente trabaja como docente en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba y en la carrera de Fotografía de la Escuela Spilimbergo, Córdoba. Vive y trabaja en Córdoba. Pedro Sequeira. Nací en 1976 in Cinfães, Douro, Portugal. Estudié joyería en el Centro de Joalharia do Porto, Portugal desde 1995 hasta 1998. Después de un tiempo trabajando en mi propio estudio, viajé a Alemania en 2001, donde completé mis estudios, el primer año como estudiante invitado at Akademie der Bildenden Künste München con el Prof. Otto Künzli, y obtuve mi Diploma en 2007. Más tarde en el mismo año regresé a Porto a estudiar fotografía en el Instituto Português de Fotografia. Participé en algunos talleres relevantes desde el año 2000, con profesores y maestros como Mona Hatoum, Otto Künzi, Manuel Vikhena, Montenegro de Andrade, Mike goes West, Sabine Hauss y otros. Realicé exhibiciones y proyectos en Portugal, España, Alemania, Argentina, Holanda, Suecia y Estonia. Gabriel Sierra nació en 1975 en San Juan Nepomuceno, Bolívar, Colombia. Graduado como Diseñador Industrial, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en el año 2000, su trabajo se ha ubicado desde el comienzo de su carrera en un punto intersticial entre el arte y el diseño. Durante el año 2006 exhibió en forma individual los proyectos: Compuesto Verde (stepmothernature-series) en el Centre d’Art Contemporain de Brétigny, Brétigny- sur Orge. France, y Día de Frutas y Nubes Negras (stepmothernature_series) en El Bodegón, Bogotá. En el año 2005 expone en la ciudad de París. También participó de importantes eventos colectivos en varias ciudades del mundo, en el 2006 participa del 40 Salón Nacional de artistas y en la galería Or Gallery en Vancouver. En el año 2004 participa de la Bienal Internacional de Diseño en Saint–Etienne y en la Galería de la Raza en San Francisco, California. En el año 1998 participa de la muestra New Designers, en el Business Design Center en Londres. Vive y trabaja en Bogotá.

Oculto gallery, Buenos Aires, 2010; El verdadero arte está en las calles, Proyecto Vidriera, Galería Isidro Miranda, Buenos Aires 2007; Otro apuntalamiento a lo moderno, Espacio Vidriera, Centro Cultural de España, Buenos Aires, 2006 and Hay que pensar más antes de mostrar, Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires, 2004. He has participated in Group shows such as Gesto Amplificado, C. C. Caixa Cultural San Pablo, Brazil, 2012 and Caixa Cultural de Rio de Janeiro, 2012; ¿Por qué Pintura? Fondo Nacional de las Artes Buenos Aires, 2011; Punto, Línea, Curva, Galería Del Infinito, Buenos Aires, 2011; Documentos para un Futuro Imperfecto, El Parqueadero, Museo del Banco de la República, Bogotá, 2011 and Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2010; Juste de Pasaje, Le 19 CRAC, Montbéliard, France, 2011; Lá, oú le diable perdit son poncho, 59, Rue de Rivolí, Paris, France, 2010; Transfrontaliers, LE 19, CRAC, Montbéliard, France, 2010; Cuaresma, Barraçao Maravilla, Rio de Janeiro, Brazil, 2010; Premio arteBA-Petrobras, 09, Feria de galerías ArteBA Buenos Aires, 2009; Primer Premio Hotel Panamericano, Hotel Panamericano, Bariloche 2008; Urbanidades, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008; In Situ, Barraçao Maravilla, Rio de Janeiro, Brazil, 2008; Ouro Sentimental, Museu de Arte Contemporánea de Niteroi, Rio de Janeiro, Brazil, 2008; Jardines de Mayo, Casa de la Cultura, Buenos Aires, 2006; 2-D, Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2005. He lives and works in Buenos Aires. Cristian Segura was born in Tandil, Argentina in 1976. He develops a line of work that includes a range of strategies related to the variability of contemporary art and its mechanisms, always with a critical, reflexive view of the institutional realm. His early interest in art led him to work in museums as a volunteer at the age of fourteen, to then become exhibitions coordinator at nineteen and museum Director at the age of twenty-three. He has attended workshops by Antoni Muntadas and Tania Bruguera. He was awarded residency grants from Hangar in Barcelona (2008); Batiscafo in Havana (2008) and El Basilisco in Buenos Aires (2006). He has exhibited in Argentina, Chile, Uruguay, Brazil, Cuba, Mexico, USA, Spain, Italy and The Netherlands. He participated in the I Trienal de Chile (2009), and in Argentina in Focus. Vizualizing the Concept at the Art Museum of the Americas of the OEA, Washington DC, curated by Alma Ruiz, from the Museum of Contemporary Art (MOCA), in Los Angeles, USA (2010). He lives in the city of Tandil. Carolina Senmartin was born in 1973 in Córdoba, Argentina. Education: Graduate of the Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, with degrees in Drawing and Painting. She has participated in solo and group exhibitions in the cities of Córdoba and Buenos Aires, Argentina. She received grants from the Fondo Nacional de las Artes in 2002 and 2003 in order to carry out advanced study with artist Mónica Girón. She participated in the Clínicas de Análisis y Producción de

obras, a program organized by Fundación Antorchas in Córdoba in 2002 and 2003. She is currently professor at the Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba and professor in the Photography department at the Escuela Splimbergo in Córdoba. She lives and works in Córdoba. Pedro Sequeira. I was born in 1976 in Cinfães (Douro), Portugal. I studied jewelry design at the Centro de Joalharia do Porto, Portugal from 1995 to 1998. After a short period working at my own workshop, I relocated in Germany in 2001. I spent one year as an invited student at the Akademie der Bildenden Künste München with Prof. Otto Künzli, and then finished my studies with a degree in January, 2007. In May that same year, I returned to Porto to study photography at the Instituto Português de Fotografia. I participated in relevant workshops since 2000, with teachers and maestros such as Mona Hatoum, Otto Künzli, Manuel Vilhena, Montenegro de Andrade, Mike goes West and Sabine Hauss, among others. I have exhibited and carried out projects in Portugal, Spain, Germany, Argentina, The Nederlands, Sweden and Estonia. Gabriel Sierra was born in San Juan Nepomuceno, Bolivar, Colombia in 1975. In 2000 he graduated from the Universidad Jorge Tadeo Lozano as an Industrial Designer, and from the very outset of his career his work has articulated an intersection between art and design. During 2006 he presented the solo exhibitions Compuesto Verde (stepmothernature-series) at the Brétigny Centre d’Art Contemporain in Brétigny- sur Orge, France, and Día de Frutas y Nubes Negras (stepmothernature_series) at El Bodegón in Bogotá. In 2005 he exhibited in Paris. He also participated in important group exhibitions in several cities around the world, such as the Or Gallery in Vancouver, Canada in 2006 and the Salon Nacional in Colombia. In 2004 he participated in the International Design Bienal in Saint–Etienne and exhibited at the Galería de la Raza in San Francisco, California. In 1998 he participated in the New Designers exhibition at the Business Design Center in London, England. He lives and works in Bogota. Lila Siegrist was born in 1976 in Rosario, Argentina. Her background formation is in the visual arts, and she has developed her work specifically in photography and video, operating on the border between documentary and fiction that these supports tolerate. She received an artistic production grant from the Ministerio de Asuntos Culturales de Burdeos in order to participate in a reciprocal residency program between Buy-Sellf / Zebra3 and El Basilisco; and an advanced study grant to attend the I.C.P. in New York, among others. She has worked in artist-run spaces from 2003 to 2006. From 2007-2010 she ran the Progama de Artes Visuales del Centro Cultural Parque de España de Rosario / AECID. She exhibits her work regularly. She develops cultural projects related to the world of the visual arts. 271

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Lila Siegrist nació en 1976 en Rosario, Argentina. Posee formación de artista visual, ha desarrollado su trabajo especialmente en fotografía y video, operando entre el mundo documental y ficcional que estos soportes toleran. Ha recibido becas de producción artística por el Ministerio de Asuntos Culturales de Burdeos para realizar una residencia de intercambio en Buy Self, Zebra3/ El Basilisco; ha recibido una beca de perfeccionamiento para entrenamiento en I.C.P. , Nueva York, entre otras. Ha trabajado en espacios autogestionados por artistas entre 2003 y 2006. Entre 2007 y 2010 llevó adelante el Programa de Artes Visuales del Centro Cultural Parque de España de Rosario /AECID. Exhibe su trabajo a menudo. Desarrolla proyectos culturales vinculados al mundo de las artes visuales. Marcela Sinclair nació en 1968 en Buenos Aires, Argentina. Licenciada en Artes Visuales por el I.U.N.A. (2004). Realizó clínica de obra con Tulio de Sagastizábal, fue becaria de las Clínicas del Rojas 2006, del L.I.P.A.C. 2008, del C.I.A. (con el colectivo La Mudadora), y del Programa para Artistas de la Universidad Di Tella (beca parcial) en 2009. Cursó materias de Diseño Gráfico e Historia y Teoría del Arte en la Universidad de Buenos Aires. Fue artista en residencia en El Basilisco, Avellaneda, 2008 y en Lugar a Dudas, Cali, 2009. Desde 2005 participa activamente de la escena local exhibiendo su trabajo en exposiciones individuales y grupales en Buenos Aires y otras ciudades de Argentina. Sus prácticas incluyen dibujo, pintura, instalación, video, intervenciones en el espacio público, obras en colaboración con otros artistas, formación de colectivos y docencia. Su obra, próxima a tradiciones geométricas y conceptuales, forma parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Vive y trabaja en Buenos Aires. Traplev (Roberto Moreira Jr.) nació en 1977 en Caçador, Brasil. Además de ser artista, coordina las acciones de Traplev Orçamentos desde 2005, donde realiza seminarios, ediciones e impresos, curadurías y proyectos en colaboración. Desde 2002 edita Recibo, una publicación experimental de artes visuales de la que es editor responsable. Entre sus exhibiciones recientes se destacan: validades e frustrações sala 5 - Prêmio Marcantonio Vilaça de Artes Plásticas – Funarte, Museu de Arte de Santa Catarina (MASC), Florianópolis, 2011; Die Alsdehnung als Effekt, Montgomery, Berlin, open Studio, Lugar a dudas, Cali, Colombia, 2009; À sombra do futuro, Instituto Cervantes de São Paulo, curadores: Luiza Proença y Roberto Winter, 2010; 7ª Bienal do Mercosul, proyecto curatorial Radio visual, Porto Alegre, 2009. Participó de los siguientes Programas de Residencia: Lugar a Dudas, Cali, Colombia, 2009; Montgomery, Berlín, 2007/2009; El Basilisco, Avellaneda, 2006 y Faxinal das Artes en Faxinal do Céu, Paraná, Brasil, 2002. Entre sus premios recientes se destacan Marcantônio Vilaça Funarte de Artes Plásticas, 2009; en 2010 fue postulado para la Bolsa FUNARTE de Estímulo à Produção Crítica en Artes Visuais publicando un

cuaderno sobre la Revista Malasartes,1975-76; también en 2010 fuimos una de las cuatro revistas seleccionadas por el Programa Cultura e Pensamento – Ministério da Cultura, para publicar seis nuevos números de Recibo, que tambiém fue la publicación brasileña invitada en 2010 para la edición especial de la Revista Pulgar (Venezuela) organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) que reúne en sus páginas revistas independientes de arte de América Latina. Jorge Tirner nació en 1977 en Resistencia, Argentina. Es Diseñador Gráfico egresado de Facultad de Artes de Oberá de la Universidad Nacional de Misiones. Trabajó en Espacio de Arte Radio Libertad junto a los artistas Andrés Bancalari y Diego Figueroa. Becario de la Fundación Antorchas para los Encuentros de Producción y Análisis de Obra para Jóvenes Artistas del NEA y Litoral 2004-2005. Fue becario en El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires, 2008. Fue becario de la residencia para artistas UNO, Gral. Roca, Río Negro, 2009. Desde 2005 participó en varias muestras individuales y grupales en Argentina en las que se destacan: Interior. Borges Contemporáneo, Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Paraconstrucción. Espacio Cultural Itaú, Buenos Aires; Museo Legitimador de Artistas, Franquicias Oberá, Corrientes y Gral. Roca (obra realizada junto a Diego Figueroa); Sabotaje, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires; Un Gallinero en arteBA’07, Espacio de Arte Radio Libertad, Barrio Joven, Feria de galerías arteBa, Buenos Aires. Actualmente vive y trabaja en Chaco. Lucrecia Troncoso nació en 1976 en Paraná, Argentina. Desde entonces y hasta ahora, ese día llueve. Creció mirando el horizonte, la tierra colorada, el ombú, los sapos, el mar y las luciérnagas. Actualmente vive y trabaja en Berkeley, California. Obtuvo el Master of Fine Arts en el año 2005 y desde ese año expone en California, Miami, Nueva York, Santa Fe, Chicago y Los Angeles, como también en Argentina, España y Turquía. Su obra se expuso en el Bronx Museum, Nueva York, Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, y el Headlands Center for the Arts, Sausalito, entre otras. Lucrecia participó en residencias en Argentina y España y en el Santa Fe Art Institute en Nuevo Mexico y en la residencia en el Bemis Center for Contemporary Arts, en Omaha, Nebraska. Alejandra Urresti nació en 1975 en Buenos Aires, Argentina. Cursó hasta cuarto año de la carrera de arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Mientras decide resignar su estudio académico, toma fotografías. Participa en diversos talleres de formación con Alejandro Kuropatwa, Martín Weber, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda, Victoria Noorthoorn, Dino Bruzzone, Alberto Goldenstein, entre otros. Individualmente expuso volar y chocar, 2009, camas, 2008 y Finlandia, 2007, en la Galería Ernesto Catena Fotografía Contemporánea, Buenos Aires y Parque de diversiones en el Centro Cultural Ricardo Rojas, 2003. Participó en varias muestras grupales como: Juste de passage, Le 19, Montbéliard, Francia y Documentos para un futuro

Marcela Sinclair was born in 1968 in Buenos Aires, Argentina. She holds a degree in Visual Arts (I.U.N.A.), 2004. She participated in clinics with Tulio de Sagastizábal, and received scholarships for the Clínicas del Rojas (2006), L.I.P.A.C. (2008), C.I.A. (with the La Mudadora group) and the Programa para Artistas de la Universidad Di Tella (partial) in 2009. She studied Graphic Design and Art History and Theory at the Universidad de Buenos Aires. She participated in residencies at El Basilisco, Avellaneda (2008) and Lugar a Dudas, Cali (2009). Since 2005 she has actively participated on the local art scene, exhibiting her work in individual and group shows in Buenos Aires and other cities in Argentina. Her practice includes drawing, painting, installation, video, interventions in public space, collaborative works with other artists, the formation of groups and teaching. Her work is related to conceptual and geometric traditions and can be found in the collections of the Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén and the Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. She lives and works in Buenos Aires. Traplev (Roberto Moreira Junior) was born in 1977 in Caçador, Brazil. In addition to his art practice, he is the coordinator of Traplev Orçamentos since 2005, including the organization of seminars, prints and editions, curatorial practice and collaborative projects. Since 2002 he has been editor in chief of Recibo, an experimental visual arts publication. Outstanding recent exhibitions include: validades e frustrações sala 5 - Prêmio Marcantonio Vilaça de Artes Plásticas – Funarte, Museu de Arte de Santa Catarina (MASC), Florianópolis, 2011; Die Alsdehnung als Effekt, Montgomery, Berlin, open Studio, Lugar a dudas, Cali, Colômbia, 2009; À sombra do futuro, Instituto Cervantes de São Paulo, curators: Luiza Proença and Roberto Winter, 2010; 7ª Bienal do Mercosul, curatorial project Radio visual, Porto Alegre, 2009, among others. He participated in the following artists’ residency programs: Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2009); Montgomery, Berlín (2007/2009); El Basilisco, Avellaneda (2006) and Faxinal das Artes en Faxinal do Céu, Paraná, Brazil (2002). Outstanding prizes awarded recently incluye: Marcantônio Vilaça Funarte de Artes Plásticas, 2009; in 2010 he was nominated for the Bolsa FUNARTE de Estímulo à Produção Crítica en Artes Visuais for the publication of a notebook on Revista Malasartes,1975-76; also in 2010 his was among the four magazines selected for the Programa Cultura e Pensamento – Ministério da Cultura, for the publication of six new issues of Recibo, which was also the Brazilian magazine invited to participate in a special issue of Revista Pulgar (Venezuela) in 2010, organized by the Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), which brings together independent Latin American magazines in its pages. Jorge Tirner was born in 1977 in Resistencia, Argentina. He is a graphic designer, having graduated from the Facultad de Artes de Oberá (Universidad Nacional de Misiones). He worked in the Espacio de Arte Radio Libertad along with artists Andrés Bancalari and Diego Figueroa. He received a scholarship from Fundación Antorchas for the Encuentros de Producción y Análisis

de Obra para Jóvenes Artistas del NEA y Litoral (2004-5) and a grant to participate in El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires (2008), as well as the UNO artists’ residency in General Roca, Río Negro (2009). Since 2005 he has participated in various solo and group exhibitions in Argentina, of which the following deserve special mention: Interior. Borges Contemporáneo, Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Paraconstrucción. Espacio Cultural Itaú, Buenos Aires; Museo Legitimador de Artistas, Franquicias Oberá, Corrientes and Gral. Roca (work produced in collaboration with Diego Figueroa); Sabotaje, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires; Un Gallinero en arteBA’07, Espacio de Arte Radio Libertad, Barrio Joven, Feria ArteBa, Buenos Aires. He currently lives and works in Chaco. Lucrecia Troncoso was born in 1976 in Paraná, Argentina. Since then until now, it rains on that day. She grew up looking at the horizon, the red dirt, the ombú tree, the frogs, the sea, and the fireflies. Currently she lives and works in Berkeley, California. She received her Master of Fine Arts in 2005 and since then has exhibited in California, Miami, New York, Santa Fe, Chicago, and Los Angeles, as well as in Argentina, Spain, and Turkey. Her work has been shown at the Bronx Museum in New York, the Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, and the Headlands Center for the Arts in Sausalito, among others. Lucrecia has participated in residencies in Argentina and Spain and at the Santa Fe Art Institute in Santa Fe, New Mexico, and at the Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, Nebraska. Alejandra Urresti was born in 1975 in Buenos Aires, Argentina. She studied architecture at the Universidad de Buenos Aires for four years. While she decides to resign from her academic studies, she takes photographs. She participated in different studio courses with Alejandro Kuropatwa, Martín Weber, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda, Victoria Noorthoorn, Dino Bruzzone and Alberto Goldenstein, among others. Her solo exhibitions include: volar y chocar, 2009, camas, 2008 and Finlandia, 2007 at the Ernesto Catena Fotografía Contemporánea gallery, Buenos Aires and Parque de diversiones at the Centro Cultural Ricardo Rojas, 2003. She participated in various group exhibitions, such as Juste de passage, Le 19, Montbéliard, France and Documentos para un futuro imperfecto, Fondo nacional de las Artes, Buenos Aires, 2010; “Z-LAB”, Zavaleta Lab gallery, Buenos Aires, 2005; LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino. In 2004 she was awarded the 4th Prize in the LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, and an artistic production grant from Fundación Antorchas. In 2006 she participated in the artists’ residencies Batiscafo, Havana, Cuba and NIFCA (Nordic Institute for Contemporary Art), Helsinki, Finland. She lives and works in Buenos Aires. Adrián Villar Rojas was born in 1980 in Rosario, Argentina. His solo exhibitions include: Pijas y paisajes, Luisa Strina Art 273

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imperfecto, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires , 2010. “Z-LAB”, Galería Zavaleta Lab, Buenos Aires, 2005; LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino. En el 2004 Obtiene el IV premio en el LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, y la Beca subsidio a la creación artística otorgada por la Fundación Antorchas. En el año 2006 participa en las residencias Proyecto Batiscafo, La Habana, Cuba y Nifca, Instituto Nórdico de Arte Contemporáneo, Helsinki, Finlandia. Vive y trabaja en Buenos Aires. Adrián Villar Rojas nació en 1980 en Rosario, Argentina. Exposiciones individuales: Pijas y paisajes, Luisa Strina Art Gallery, Sao Paulo, Brasil, 2011; Ahora estaré con mi hijo, SAM ART Projects, Villa Rafet à Paris, París, Francia, 2010; Un Beso Infinito, Casas Riegner Art Gallery, Bogotá, Colombia, 2010; Lo que el fuego me trajo, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2008, 15.000 años nuevos, Belleza y Felicidad, 2007; Diario íntimo 3D, Centro Cultural Borges, 2007; Un mar, Alianza Francesa de Buenos Aires, 2005; Incendio, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2004 y Estas son las probabilidades de que te pase algo, UNR, Rosario, 2004 y Mariana y Adrián (en colaboración con Mariana Telleria), Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino, 2003. Exposiciones grupales (selección): Untitled (12° Bienal de Estambul), Estambul, Turquía; Illuminations, 54° Bienal de venecia, Italia, 2011; Serpentine Gallery Map Marathon, Londres, Inglaterra, 2010; Panamericana, Kurimanzutto Galería de Arte, Ciudad de México, México, 2010; The return of the landscape, Akademie der Kunst, Berlín, Alemania, 2010; Moby Dick, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, EE.UU., 2009; Panorama das Artes Brasileira, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Brasil, 2009; X Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador, 2009, II Trienal Poligráfica de San Juan, San Juan, Puerto Rico, 2009 y II Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina, 2009. Premios: Raul Urtasun - Frances Harley Scholarship for Young Emerging Artists from Argentina, Banff Centre, Alberta, Canada, 2010; Premio ArteBA - Petrobras 4ta Edición, Buenos Aires, Argentina, 2007; Beca del Nuevo Banco de Santa Fe para Jóvenes Artistas, Rosario, 2006; 1er. Premio “Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca”, Museo de Arte Contemporáneo, Bahía Blanca, 2005 y 1er. Premio Curriculum Cero, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires, 2004. Residencias: SAM ART Projects, París, Francia, 2011; La Residencia, Bogotá, Colombia, 2010; Banff Centre for the Arts, Alberta, Canadá, 2010; FAAP, San Pablo, Brasil, 2009 y El Basilisco, Buenos Aires, 2007. Rob Verf nació en 1964 en Amersfoort, Holanda. Participó en exposiciones, proyectos artísticos y premios tanto en Holanda como en el exterior. En el año 2000, junto a tres artistas argentinos formó parte de un proyecto de intercambio. Una exposición itinerante surgió de esa experiencia, que incluyó al Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires y la Fundación de Arte Moderno en

Mar del Plata, entre otros espacios. Llegó a Argentina en el año 2000, donde obtiene su residencia en 2005. En 2006 participó en el International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York. Ofreció conferencias sobre su obra en el Instituto Universitario Nacional del Arte, el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, el Teatro Auditorium de Mar del Plata, el Centro de Documentación, Investigación y Publicaciones (CeDIP) en Buenos Aires, la University of Texas y el International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York. Desde 2008 hasta la fecha Rob Verf es profesor de Dibujo y Pintura en el Art Department of the University of Texas en Austin en Estados Unidos. Su obra es exhibida internacionalmente y está incluida en numerosas colecciones. Chih-Chien Wang nació en Taiwan, y vive en Montreal desde 2002. Obtuvo su BFA en Teatro y Cine en The Chinese Culture University en Taipei en 1994 y trabajó para muchas compañías de televisión produciendo documentales antes de mudarse a Canadá. Wang obtuvo su MFA en Studio Arts en Concordia University en 2005. Su obra, principalmente en fotografía y video, frecuentemente contiene sutiles tendencias que pueden referirse a sus preocupaciones personales, culturales o sociales al mismo tiempo que incluyen primariamente su experiencia de la vida diaria. Manipula objetos cotidianos y a partir de ellos entonces, crea imágenes fijas y en movimiento. Wang participó en programas de residencia en Prim, Montreal, 2005; El Basilisco, Avellaneda, Buenos Aires, 2007, y Sagamie, Alma, 2008. Desde 2004, su obra fue vista en exhibiciones en Montreal, Lausanne, Milan, Nueva York, Ping Yao, Peterborough y Toronto. Recientemente expuso en forma individual y grupal en Montreal, Optica, Artefact, Dare-Dare (Mois de la photo à Montréal, 2007), en Leonard and Bina Ellen Gallery; Zenith Gallery, Beijing, 2008; Pierre-François Ouellette Art Contemporain, Montreal, 2008; The Quebec Triennial 2008 en el Musée d’art contemporain de Montréal, Gallery 44, Nuit Blanche Toronto, 2009; The New Gallery in Calgary and The National Gallery of Canada, 2010. Seth Wulsin nació en Spring Valley, Nueva York, EEUU y trabaja principalmente con la luz y el espacio a través de esculturas y dibujos efímeros en el espacio público. Estudió en Parsons y Yale, tocó en varios grupos de rock y trabajó en el Taller de Ray King en Filadelfia. Entre 2005 y 2009 vivió en Buenos Aires, Argentina trabajando sobre la demolición de la Cárcel de Caseros. Participó en varias muestras individuales y colectivas internacionalmente, y participó en residencias en El Basilisco, Argentina y Taller 7, Colombia. Ganó becas de la Fundación Peter S. Reed en 2008 y de la Fundación Thendara en 2009 y 2010. Fue artista en residencia en Smack Mellon en NY. Forma parte del grupo ALA (Artistas en Latinoamérica). Desde 2009 vive y trabaja en Bogotá, Colombia, y Brooklyn, NY.

Gallery, San Pablo, Brazil, 2011; Ahora estaré con mi hijo, SAM ART Projects, Villa Rafet à Paris, Paris, France, 2010; Un Beso Infinito, Casas Riegner Art Gallery, Bogotá, Colombia, 2010; Lo que el fuego me trajo, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2008, 15.000 años nuevos, Belleza y Felicidad, 2007; Diario íntimo 3D", Centro Cultural Borges, 2007; Un mar, Alianza Francesa de Buenos Aires, 2005; Incendio, Ruth Benzacar Galería de Arte, 2004 y Estas son las probabilidades de que te pase algo, UNR, Rosario, 2004 and Mariana y Adrián (en colaboración con Mariana Telleria), Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino, 2003. Group exhibitions (selection): Untitled (12th Istanbul Biennial), Istanbul, Turkey; Illuminations, 54th Venice Biennial, Italy, 2011; Serpentine Gallery Map Marathon, London, England, 2010; Panamericana, Kurimanzutto Galería de Arte, Mexico City, Mexico, 2010; The return of the landscape, Akademie der Kunst, Berlin, Germany, 2010; Moby Dick, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, USA, 2009; Panorama das Artes Brasileira, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Brazil, 2009; X Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador, 2009, II Trienal Poligráfica de San Juan, San Juan, Puerto Rico, 2009 and II Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina, 2009. Prizes: Raul Urtasun - Frances Harley Scholarship for Young Emerging Artists from Argentina, Banff Centre, Alberta, Canada, 2010; Premio ArteBA - Petrobras 4ta Edición, Buenos Aires, Argentina, 2007; Beca del Nuevo Banco de Santa Fe para Jóvenes Artistas, Rosario, 2006; 1er. Premio “Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca”, Museo de Arte Contemporáneo, Bahía Blanca, 2005 y 1er. Premio Curriculum Cero, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires, 2004. Residencies: SAM ART Projects, Paris, France, 2011; La Residencia, Bogotá, Colombia, 2010; Banff Centre for the Arts, Alberta, Canada, 2010; FAAP, San Pablo, Brazil, 2009 and El Basilisco, Buenos Aires, 2007. Rob Verf was born in Amersfoort (The Netherlands) in 1964. He has participated in many exhibitions, art projects and awards in the Netherlands as well as abroad. In 2000, he formed part of an exchange project with three visual artists from Argentina. A tour of exhibitions emerged from that experience that included the Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, the Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires and the Fundación de Arte Moderno in Mar del Plata, among other venues. He has lived and worked in Argentina since 2000, in which he obtained residency in 2005. In 2006 he participated in the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in New York. He has given conferences on his work at the IUNA, the Centro Cultural Borges in Buenos Aires, the Teatro Auditorium de Mar del Plata, the Centro de Documentacion, Investigacion y Publicaciones (CeDIP) in Buenos Aires, the University of Texas and the International Studio and Curatorial Program (ISCP) in New York. From 2008 to date, Rob Verf teaches painting and drawing at the Art Department of the University of Texas at Austin in the United States. His art work

is exhibited worldwide and presented in numerous international collections. Chih-Chien Wang was born in Taiwan and has been living in Montreal since 2002. He obtained a BFA in Theatre and Cinema from the Chinese Culture University in Taipei in 1994 and worked for several television companies producing documentaries before moving to Canada. Wang obtained a MFA in Studio Arts at Concordia University in 2005. Wang’s works, mainly in photography or video, frequently contain subtle traces which might refer to personal, cultural or social concerns while dealing primarily with his everyday experience. He manipulates quotidian objects and then creates still or moving images of them. Wang has participated in residency programs at Prim (Montreal, 2005), El Basilisco (Buenos Aires, Argentina, 2007) and Sagamie (Alma, 2008). Since 2004, Wang’s works have been seen in exhibitions held in Montreal, Lausanne, Milan, New York, Ping Yao, Peterborough and Toronto. Recent solo and group exhibitions include those in Montreal, Optica, Artefact, Dare-Dare (Mois de la photo à Montréal 2007), and the Leonard and Bina Ellen Gallery; Zenith Gallery (Beijing, 2008), Pierre-François Ouellette Art Contemporain (Montreal, 2008), the Quebec Triennial 2008 at the Musée d’art contemporain de Montréal, Gallery 44, Nuit Blanche Toronto 2009, The New Gallery in Calgary and The National Gallery of Canada in 2010. Seth Wulsin was born in Spring Valley, NY and works primarily with space and light through site-specific, ephemeral sculpture and drawing. He studied at Parsons and Yale, played in various rock groups and worked in the studio of Ray King in Philadelphia. From 2005 to 2009 he lived in Buenos Aires, Argentina where he worked with the demolition of Caseros Prison. He has participated in various individual and group exhibitions internationally, and has done residencies in El Basilisco in Argentina, and Taller 7 in Colombia. He was awarded fellowships from the Peter S. Reed foundation in 2008, and the Thendara Foundation in 2009 and 2010. He was a fellow at Smack Mellon in NY, and a member of the group, ALA (Artistas en Latino America). Since 2009 he lives and works in Bogota, Colombia and Brooklyn, NY.

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Directores de El Basilisco Esteban Álvarez (1966) Buenos Aires Argentina. Vivió en Salta hasta 1986. Graduado en Middlesex University, MA Fine Art, Londres, 1999/2000. Talleres con Luis Camnitzer en Valdottavo, Italia, 1994/1995, y en la Universidad Palackeho, Olomouc, República Checa, 1994. Realizó residencias en Gasworks, Londres, 2000, y como curador en la Fundación Alzate Avendaño, Bogotá, 2009. Participó en Hwei-Lann International Artists Workshop en Hualien, Taiwan, 2003. Algunas muestras: Panteón de los Héroes, Fundación Osde, BsAs, 2011; Fuegos de Luces (individual), Fundación YPF, Bs. As., 2010; Variation Time, Kunstverein, Munich, 2009; Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2009; El mundo y el pantalón, La casa encendida, Madrid, 2008; Videonalle, Bienal Internacional de video, Bonn, Alemania, 2007; Alucine, Toronto, Canadá, 2007; Levity, The Drawing Center, Nueva York, 2007; ACC Gallerie, Weimar, 2006; Museo de Arte Contemporáneo - MEIAC, Badajoz, 2005; PR04, Puerto Rico, 2004; False Impressions, Colchester, 2003; Bienal de Arte Contemporânea das Américas, Fortaleza, 2002; Contemporáneo 1, Malba, Bs.As. 2002; Unterwegs nach Timbuktu, Ifa Galerie, Berlín, 2002; Refried, Cubitt Gallery, Londres, 2000. Algunas distinciones: 1er Premio, Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos soportes, Bs. As., 2010; 3er Premio, Salón Nacional de Rosario, 2005; 2º Premio, II Bienal internacional de Grabado de Barranquilla, 1998; Algunas becas: British Council, Londres, 1999, FNA, 2002, Fundación Antorchas, 2003, y Pollock-Krasner Foundation, Nueva York, 2004. Es profesor en el IUNA. Vive en Buenos Aires. Cristina Schiavi (1954) Buenos Aires, Argentina. Sus exposiciones más recientes: Recovering Beauty-(2011) Museo Blanton. Austin. Texas; Separados al nacer-(2011) Salón Nacional de Colombia. Colombia; Homenagem-(2011) Plaza seca en Malba junto con N. Muntaabski; Serenite-(2011) Galería Van Riel; Formato Hogar-(2011) Galería Jardín Oculto junto con P.Rosales y A.Montagnoli; Elogio de la diversidad.(2010) Consulado Argentino en Río de Janeiro; Mutaciones-(2010) Centro Cultural Haroldo Conti. Buenos Aires; Telón-(2009) Instalación en Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) Junto con Henry Coleman; Escuelismo-(2009) escultura. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); Antes de la lluvia-(2009) escultura Centro Cultural Borges; Mercado-(2008) Instalación en Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) Artistas invitados Baggio Bairon Ferraris y Muntaabski; Los Vinilos-(2008) Zoo Art Fair-Londres; Living-(2008) Instalación galería Braga Menendez. Artista invitado Jorge Gumier Maier; Expansive Links-(2007) Diverse Works (Houston, EE.UU); Impresiones Urbanas-(2007) Círculo de Bellas Artes (Valencia. España).

El Basilisco’s Directors Esteban Álvarez (1966) Buenos Aires Argentina, lived in Salta until 1986. He received an MA degree in Fine Art from Middlesex University, London, 1999/2000. He participated in Workshops with Luis Camnitzer in Valdottavo, Italy, 1994/1995 and at the Palackeho University in Olomouc, Czech Republic in 1994. He completed an artist’s residency at Gasworks, London in 2000 and another as a curator at the Fundación Alzate Avendaño in Bogotá in 2009. He participated in the Hwei-Lann International Artists Workshop in Hualien, Taiwan, 2003. Exhibitions (selection): Panteón de los Héroes, Fundación Osde, Bs. As., 2011; Fuegos de Luces (solo show), Fundación YPF, Bs. As , 2010; Variation Time, Kunstverein, Munich, 2009; Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2009; El mundo y el pantalón, La casa encendida, Madrid, 2008; Videonalle, Bienal Internacional de video, Bonn, Germany, 2007; Alucine, Toronto, Canada, 2007; Levity, The Drawing Center, New York, 2007; ACC Gallerie, Weimar, 2006; Museo de Arte Contemporáneo - MEIAC, Badajoz, 2005; PR04, Puerto Rico, 2004; False Impressions, Colchester, 2003; Bienal de Arte Contemporânea das Américas, Fortaleza, 2002; Contemporáneo 1, Malba, Bs.As. 2002; Unterwegs nach Timbuktu, Ifa Galerie, Berlín, 2002; Refried, Cubitt Gallery, London, 2000. Distinctions (selection): 1st Prize, Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos soportes, Bs. As., 2010; 3rd Prize, Salón Nacional de Rosario, 2005; 2nd Prize, II Bienal internacional de Grabado de Barranquilla, 1998; Grants (selection): British Council, London, 1999, FNA, 2002, Fundación Antorchas, 2003 and Pollock-Krasner Foundation, New York, 2004. He is a professor at IUNA and lives in Buenos Aires. Cristina Schiavi (1954) Buenos Aires, Argentina. Recent exhibitions: Recovering Beauty-(2011) Museo Blanton. Austin.Texas; Separados al Nacer-(2011) Salón Nacional de Colombia. Colombia; Homenagem-(2011) Sculpture patio at Malba jointly with N. Muntaabski; Serenité-(2011) Galería Van Riel; Formato Hogar-(2011) Galería Jardín Oculto jointly with P. Rosales and A. Montagnoli; Elogio de la Diversidad .(2010) Argentine Consulate in Río de Janeiro; Mutaciones-(2010) Centro Cultural Haroldo Conti. Buenos Aires; Telón-(2009) Installation at the Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) jointly with Henry Coleman; Escuelismo-(2009) sculpture, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); Antes de la Lluvia(2009) sculpture, Centro Cultural Borges; Mercado-(2008) Installation, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) with invited artists Baggio, Bairon, Ferraris and Muntaabski; Los Vinilos-(2008) Zoo Art Fair-London; Living-(2008) Installation, Braga Menendez gallery. Invited artist: Jorge Gumier Maier; Expansive Links,(2007) Diverse Works (Houston, 276

Durante 2009 desarrolló el proyecto Mark Morgan Pérez Garage junto con el artista Juan Tessi. (www.markmorganperezgarage.wordpress.com) Tamara Stuby (1963) Poughkeepsie, EE.UU., vive en Buenos Aires desde 1995. Egresada de Pratt Institute (Brooklyn, N.Y.), participó de residencias en Gasworks Studios en Londres (2000) y Capacete en Río de Janeiro (2007). Recibió una beca de creación de la Fundación Antorchas en 2004. Organizó el ciclo de mesas redondas “Pensando en voz alta” en conjunto con Esteban Alvarez durante 2001-2. Desde 1998 escribe para catálogos y revistas especializadas internacionales. Exhibiciones (selección): x200más, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2011); Intervenciones Valparaïso, Valparaíso, Chile (2010), Temblor y Fulgor. Museo de la Memoria de Rosario/Museo Castagnino+macro, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Buenos Aires (2010); Variation Time, Galerie der Künstler, Munich, Alemania (2009); Extranjerías, Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina (2009); Pampa, Ciudad y Suburbio, Imago Espacio, Buenos Aires (2007); El arte no nos libera de absolutamente nada, ACC Galerie, Weimar, Alemania (2006); II Bienal de Jafré, España (2005); Arte y Compromiso, MEIAC, Badajoz, España (2005); Contemporáneo 8 (2004) y Contemporáneo 1 (2002), Malba, Buenos Aires; I Bienal Ceará América: De ponta-cabeça, Fortaleza, Brasil (2002).

En memoria Gracias, Breda, por las enseñanzas impartidas por el más puro y espontáneo ejemplo, afirmando con tanta claridad que la mesa de todos los días es esencial no sólo por la comunión de las comidas, las confesiones, las dudas y los anhelos compartidos ahí, sino también para bailar.

USA); Impresiones Urbanas-(2007) Círculo de Bellas Artes (Valencia. Spain). During 2009 she developed the Mark Morgan Pérez Garage project jointly with artist Juan Tessi. (www.markmorganperezgarage.wordpress.com) Tamara Stuby (1963) Poughkeepsie, USA, living in Buenos Aires since 1995. Graduated from Pratt Institute (Brooklyn, N.Y.), and participated in residencies at Gasworks Studios in London (2000) and Capacete in Río de Janeiro (2007). She received a production grant from Fundación Antorchas in 2004. She organized the “Thinking Out Loud” series of round table discussions jointly with Esteban Alvarez during 2001-2. Since 1998 she has been writing for exhibition catalogs and specialized magazines internationally. Exhibitions (selection): x200más, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2011); Intervenciones Valparaïso, Valparaíso, Chile (2010), Temblor y Fulgor. Museo de la Memoria de Rosario/Museo Castagnino+macro, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Buenos Aires (2010); Variation Time, Galerie der Künstler, Munich, Germany (2009); Extranjerías, Fundación Telefónica, Buenos Aires (2009); Pampa, Ciudad y Suburbio, Imago Espacio, Buenos Aires (2007); El arte no nos libera de absolutamente nada, ACC Galerie, Weimar, Germany (2006); II Bienal de Jafré, Spain (2005); Arte y Compromiso, MEIAC, Badajoz, Spain (2005); Contemporáneo 8 (2004) y Contemporáneo 1 (2002), Malba, Buenos Aires; I Bienal Ceará América: De ponta-cabeça, Fortaleza, Brazil (2002).

In memoriam Thank you, Breda, for the learning imparted by way of the most pure and spontaneous example, for so clearly affirming that the table shared day in and day out is essential not only for the communion of meals, confessions, doubts and aspirations, but also for dancing. 277

AGRADECIMIENTOS

Foto: Tamara Stuby. (Vista del taller de Ernesto Neto durante los preparativos para la Festa da Bolsa.), 2007.

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AGRADECIMIENTOS

THANKS

Agradecemos a todas las instituciones que hicieron posible este proyecto pero muy especialmente a la Asociación Civil La Estación, cuyo apoyo fue la piedra fundamental sin la cual nada del resto hubiera pasado.

We extend our very sincere thanks to all the institutions that made this project possible, and especially to La Estación Asociación Civil, whose support was the cornerstone without which none of the rest would have taken place.

También a los burócratas que dejaron de serlo (muchos de ellos representantes de instituciones internacionales trabajando en Buenos Aires), excediendo ampliamente sus responsabilidades, convirtiendo las palabras prometedoras de los lemas y las misiones en compromisos de carne y hueso.

Also, to the bureaucrats who ceased to qualify as such (many of whom were representatives of international institutions working in Buenos Aires), exceeding their obligations by an ample margin, turning the words full of promise from the mottos and mission statements into flesh and bone commitments..

A los proyectos hermanos con quienes colaboramos en la región y en el resto del mundo, compartiendo desde anhelos estrafalarios a quejas de lo más mundanas, y todo lo que hay en el medio, por el aliento y el ejemplo que siempre representaron para nosotros.

To the sister projects with whom we collaborated in the region and the rest of the world, sharing outlandish desires, the most mundane of complaints and everything there is in between, for the encouragement and the example that they always represented for us.

A los artistas y coleccionistas que abrieron sus casas y talleres a los artistas en residencia, agregando así una dimensión muy rica a su comprensión del contexto local.

To the artists and collectors who opened their homes and studios to the artists in residency and by doing so added an essential dimension for any comprehension of the local context.

A nuestros colegas de la comunidad artística (artistas, docentes, críticos, curadores, historiadores, gestores, directores y otros) que se pusieron la camiseta y dieron vida al proyecto, no solamente juntando millas con sus reiteradas visitas a Avellaneda, sino con el préstamo de equipos, trayendo invitados, ayudando con el suministro de música, comida o cerveza en momentos críticos y sobre todo por las palabras positivas diseminadas a los cuatro vientos.

To our colleagues in the artistic community (artists, educators, critics, curators, historians, cultural managers and directors of diverse organizations, among others) who brought energy and affection to the project, not only racking up miles in reiterated trips to Avellaneda, but also by lending equipment, bringing guests, or lending a hand with music, food or beer at critical moments and above all, for the words of praise spread far and wide.

A los vecinos de Piñeyro y a Rubén y su familia en particular, por su entusiasmo y apertura, por haber dado un buen hogar a nuestras obras y por supuesto por compartir ese lugar tan especial, Bolivia/Bar Silisco con nosotros.

To all our neighbors in Piñeyro and very much in particular to Rubén and his family, for their enthusiasm and openness, for having given works of ours such a good home and of course, for sharing a place as special as Bolivia/Bar Silisco with us.

Al Espacio Fundación Telefónica, Malba-Fundación Costantini, el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, CAIA, revista Canecalón, la mayoría de los artistas en residencia y muchos otros de nuestro medio, quienes generosamente donaron diversas publicaciones a nuestro Centro de Documentación.

To Fundación Telefónica, Malba-Fundación Costantini, the Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, the Centro Argentino de Investigadores de Arte (CAIA), Canecalón magazine, most of the artists in residency and countless others from our context and abroad who generously donated diverse publications to our Documentation Center.

Merecen una mención destacada el Fondo Nacional de las Artes y la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina, por el apoyo sostenido a la participación de los artistas nacionales aquí y en el extranjero, y la Foundation for Arts Initiatives por la gratísima sorpresa de darnos una beca no solicitada. Gracias a las tres pudimos imaginar, desarrollar y finalmente realizar la publicación de éste libro.

The Fondo Nacional de las Artes (Argentina) and the Secretaría de Cultura de la Nación Argentina deserve special mention for their sustained support for the participation of Argentinean artists, as does the Foundation for Arts Initiatives, for giving us such a pleasant surprise in the form of an unsolicited grant. Thanks to all three, we were able to imagine, develop and finally bring to fruition the publication of this book.

Finalmente, y tal vez lo más importante, a los amigos más cercanos y a nuestras familias, por el sostén espiritual y material en miles de formas, por comprender con tanta paciencia nuestra inexplicable obsesión con este proyecto.

Finally, and perhaps most importantly, to our families and closest friends, for the spiritual and material assistance in a thousand different ways and for so patiently comprehending our obsession with this project.

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Las siguientes instituciones respondieron con gran generosidad a nuestros pedidos de apoyo para las residencias particulares de distintos artistas, permitiendo que se llevaran a cabo cada una de ellas: The following institutions responded with great generosity to our request for support for the residencies of individual artists, thus enabling each one to be brought to fruition: Akademie Verien (Germany) Alcaldía de Santiago de Cali (Colombia) Arts Council of England International Fellowship Program Centro Cultural de España en Buenos Aires Center for Islandic Art Conseil des arts et des lettres du Québec (Canadá) Embajada de Brasil en Buenos Aires Embajada de España en la Argentina – Agencia Española de Cooperación Internacional Fondo Nacional de las Artes (Argentina) Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal) Fundação Iberé Camargo (Brasil) Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Colombia) Fundación de la Amistad Argentino Turca Fundación Proa (Argentina) Gobierno de Chile – Ministerio de Relaciones Exteriores International Artists’ Studio Program in Sweden (IASPIS) Pro Helvetia - Swiss Arts Council Reykjavikurborg (Islandia) Itaú Cultural (Brasil) Samband Islenskra Myndlistarmanna (Islandia) Secretaría de Cultura de Cali (Colombia) Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación Argentina Servicio Cultural de la Embajada de Francia en la Argentina Taiteen Keskustoimikunta (Finlandia) Turkish Ministry of Foreign Affairs La publicación de este libro no hubiera sido posible sin el generoso apoyo que recibimos de: The publication of this book would not have been possible without the generous support we received from: