IES Gran Capitán. Curso 11/12 Recursos Turísticos Ciclo Formativo Bilingüe de Grado Superior de Agencias de Viajes y Gestión de Eventos.

TEMA 3.- HISTORIA DE LOS ESTILOS ARTÍSTICOS EN ESPAÑA II. Índice: 1. ARTE RENACENTISTA. 1.1 1.2 1.3 1.4

Contexto histórico. Arquitectura. Escultura. Pintura.

2. ARTE BARROCO. 2.1 2.2 2.3 2.4

Contexto histórico. Arquitectura. Escultura: la imaginería barroca. Pintura: Ribera, Zurbarán, Velázquez y Murillo.

3. EL NEOCLASICISMO. 3.1 3.2 3.2 3.3

Contexto histórico. Arquitectura. Escultura. Pintura: Goya.

4. EL MODERNISMO. 4.1 Contexto histórico. 4.2 Obras de Antoni Guadí. 5. El IMPRESIONISMO. 5.1 Contexto histórico. 5.2 Pintura: Joaquín Sorolla. 6. ARTE CONTEPORÁNEO: EL SIGLO XX. 6.1 6.2 6.3 6.4

Contexto histórico. Arquitectura. Escultura. Pintura: Salvador Dalí y Pablo Picasso.

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1. ARTE RENACENTISTA. 1.1 Contexto histórico. El movimiento artístico llamado Renacimiento nació en Italia, en Florencia, durante el siglo XIV, y se extiende posteriormente por toda Europa Occidental. A España llega a finales del siglo XV, fruto del círculo social europeo de los Reyes Católicos, aunque tiene su gran desarrollo a lo largo del siglo XVI, considerado como siglo de Oro de la cultura española. A finales del siglo XV, se producen una serie de acontecimientos fundamentales para el devenir de la historia de España: − La unificación del reino cristiano, que comienza con el matrimonio de los herederos a las Coronas de Castilla y Aragón, los futuros Reyes Católicos, los cuales supieron mantener una monarquía fuerte, ganándose el apoyo de la pequeña nobleza; y concluye con la reconquista del reino nazarí de Granada en 1492. −

El descubrimiento de América por Cristóbal Colón, empresa patrocinada por los Reyes Católicos, también en 1492, que abrió grandes posibilidades a la economía y la ciencia en España.

Todo esto, unido a otros hechos acaecidos fuera de nuestras fronteras, como la invención de la imprenta, trajo consigo una época de apertura al conocimiento y desarrollo, que supuso un cambio radical en el pensamiento, la cultura y la política de la época. Tanto, que supuso para España el pasar de La Edad Media a la Edad Moderna. Metidos ya en el ámbito artístico, el Renacimiento debe su nombre al renacer de las formas características del arte clásico de Grecia y Roma, un milenio después de su declive. Este estilo artístico se distancia del Románico y el Gótico, al ser más profano, es decir más mundano y menos sagrado, por lo que los temas religiosos convivirán con otros de índole político y mitológico, ambos heredados del Arte Griego y Romano. 1.2 Arquitectura. La arquitectura renacentista tomó como fuente de inspiración los monumentos clásicos de la Antigüedad grecorromana, adoptando el uso de elementos clásicos como: • La columna con sus órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio. • El arco de medio punto. • La bóveda de cañón. • La decoración con guirnaldas y personajes mitológicos. En España, la arquitectura de este estilo es muy peculiar respecto a la desarrollada en otras partes de Europa, incluida su cuna, Italia, y a la vez variada, distinguiéndose tres estilos claramente diferenciados: a) Primera etapa, denominada Plateresco, derivado de la mezcla de los elementos decorativos del Gótico tardío, el Mudéjar (arte desarrollado en España hasta el siglo XVI, donde elementos propios del arte cristiano se combinan con la ornamentación árabe) y el Renacimiento italiano. Esto da como resultado un estilo con una exuberante decoración, caracterizado por: −

El grutesco, las guirnaldas, los escudos y otros elementos decorativos, se entremezclan en fachadas, patios y retablos. No en vano, el nombre de

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Plateresco se debe de la similitud de dicho trabajo decorativo con el propio de los plateros en joyería. −

Empleo de la columna abalaustrada: medallones con bustos o cabezas, especialmente en basamentos y entablamentos.

En Castilla y León, encontramos las obras más características del estilo. Salamanca es por excelencia la ciudad del Plateresco. Obras maestras del plateresco son: −

La fachada de la Universidad de Salamanca, de autor anónimo.

−

La fachada de la iglesia del Convento de San Esteban, también en Salamanca, concebida como una portada-retablo, formando un arco de triunfo, obra de Juan de Álava.

Otro buen ejemplo de la arquitectura plateresca se muestra en el Ayuntamiento de Sevilla, obra de Diego de Riaño. A su vez, la capital hispalense acoge dos edificios platerescos con marcados elementos de arte mudéjar en las yeserías, techumbres y azulejos de sus patios andaluces: las Casas de las Dueñas y de Pilatos. b) Segunda etapa, el Purismo o fase clásica. Se trata de una arquitectura en la que desaparece la influencia del Gótico. Ahora los edificios destacan por: − Austeridad y sobriedad decorativa, limitada solo a pequeños detalles. − Armonía y equilibrio. La preparación técnica de los arquitectos se hace mayor. Obras maestras del Purismo son: − En Granada, el Palacio de Carlos V en La Alhambra, de Pedro Machuca, y la catedral de Granada, de Diego de Siloé. − En Toledo, La Puerta de la Bisagra, concebida como un arco triunfal, y el Alcázar de Toledo, obras de Alonso de Covarrubias. − En la provincia de Jaén, sobresalen: la Catedral de Jaén; el Salvador y el Hospital de Santiago en Úbeda; y la Iglesia de San Francisco y la Catedral en Baeza, obras del maestro Andrés de Vandelvira, quien colaboró enormemente en que hoy día, Úbeda y Baeza sean las ciudades más ricas de España en monumentos renacentistas . c) La tercera y última etapa del renacimiento español del siglo XVI, el herreriano. Nace con la construcción, o mejor dicho el acabado por Juan de Herrera del Monasterio de El Escorial en la comunidad de Madrid, (de ahí el nombre de Herreriano o Escurialense), edificio concebido por Felipe II para panteón real, palacio y monasterio. Los edificios de este estilo destacan por: − Desnudez decorativa, limitada solo a bolas o pirámides en los remates de los muros. − Marcada horizontalidad y simetría, apreciable en sus volúmenes. − Rigor geométrico, con un gusto por las relaciones matemáticas entre los elementos. Otro edificio herreriano de bella factura es el Archivo de Indias de Sevilla, donde el ladrillo se alterna con la piedra.

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Finalmente, mención especial merece el papel de las vidrieras en los edificios religiosos. Si el Gótico utilizó las vidrieras para crear en el interior de los templos un espacio luminoso, coloreado y cambiante, la arquitectura del Renacimiento, rompiendo con este concepto, centró el empleo de las mismas en la imagen, es decir, el tema representado, configurando un espacio interior de las iglesias diáfano, donde el simbolismo de la luz pierde protagonismo. 1.3. Escultura: imaginería. La escultura renacentista española difiere aún más si cabe del estilo desarrollado en Italia, donde se produce un culto al cuerpo humano, caso del famoso David de Miguel Ángel. En España, la obra escultórica del Renacimiento se caracteriza por: − − − − −

Estar completamente al servicio de la religión, para rendir culto a los personajes sagrados y escenas religiosas, cuya representación da lugar al concepto de imaginería. Un rechazo por lo profano y pagano. Supervivencia del material tradicional de la escultura gótica, la madera o terracota policromada, para los grandes retablos y las Introducción del empleo del mármol y otras clases de piedra como el alabastro, pero en proporción muy reducida respecto a la madera, para la escultura decorativa y monumental unida a la arquitectura, y casi nunca, para imágenes de culto. El principal objetivo de las obras escultóricas será despertar la devoción de los fieles, conmoverlos, por lo que la espiritualidad y el realismo de las figuras priman sobre la belleza en sí de las mismas. Para ello, las figuras ganan en dramatismo.

El máximo esplendor de la escultura renacentista española, especialmente de la castellana, se produce gracias al trabajo de algunos artistas geniales de primer orden como Juan de Juni y Alonso Berruguete, ambos formados en Italia. Sus mejores obras son: −

−

En el caso de Berruguete: los retablos del monasterio de la Mejorada de Olmedo, el de la iglesia del monasterio de San Benito y el de la Adoración de los Reyes para la iglesia de Santiago, todas en Valladolid. Los dos primeros hoy día en el Museo Nacional de Valladolid. Juan de Juni nos presentará, al igual que Berruguete, figuras y escenas llenas de dramatismo y dolor pero, a través de figuras más robustas y musculosas, al estilo de Miguel Ángel. Es lo que se conoce como "manierismo de la cuadratura". Gran muestra de su obra es el Santo Entierro. 1.4. Pintura.

Este apartado ocupa todo su protagonismo Domenikos Theotokopoulos, más conocido como El Greco, uno de los pintores más célebres de la Historia del Arte universal. Natural de Creta, Grecia, de ahí su nombre, pero educado en Venecia y presente en España, concretamente en Toledo, donde realizará la mayor parte de su obra en nuestro país, hasta su muerte en 1570. Su venida a España debió de estar determinada por la fama de El Escorial y el deseo de trabajar allí. Las principales características de su estilo pictórico, identificables en sus obras son: − Estilo muy personal y bastante especial. − Abundancia del tema religioso en sus obras, debido en parte a que el principal cliente de los artistas de la época es la Iglesia. − Creación de composiciones con muchos personajes, abigarradas.

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− − −

Representación de la figura humana con la cabeza y el cuerpo excesivamente alargados, con la piel pálida, miradas de llanto al cielo, llenas de expresividad y misticismo y con ropajes acartonados de vivos colores. Empleo de marcados contrastes de luz y cielos tenebrosos. Empleo del elemento denominado rompimieto de Gloria, que consiste en una separación del mundo celestial y el terrenal a través de una barrera de nubes o ángeles.

Entre las obras maestras del Greco, todas óleos sobre lienzos, de estilo manierista, destacamos: − El Entierro del señor de Orgaz, realizada para la parroquia de Santo Tomé de Toledo, donde actualmente se conserva. − El caballero de la mano en el pecho, ubicada en el Museo del Prado. − El expolio de Cristo, ubicada en Múnich (Alemania). Y como pequeño apunte sobre otras artes decorativas, el siglo XVI español conoce una gran producción de la rejería, muy unida a la arquitectura plateresca, así como la orfebrería y la cerámica vidriada pintada al modo italiano, sobre todo en Andalucía.

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2. ARTE BARROCO. 2.1. Contexto histórico. El arte barroco define un estilo propio, diferente y opuesto al Renacimiento, en el conjunto de manifestaciones artísticas producidas a lo largo del siglo XVII y los dos primeros tercios del siglo XVIII. Tiene su origen en la Roma papal, para influir al resto de Europa y colonias del Nuevo Mundo. Culturalmente, en España se vive una época de esplendor, liberada ya de las ataduras medievales impuestas principalmente por la iglesia en cuanto a formas de comportamiento y actuación, lo que permitirá que el arte, en todas sus modalidades, evolucione de las estructuras lineales a nuevas formas de movimiento. Demográficamente, el país, especialmente la zona centro, que es la más poblada, comienza a perder población, debido a causas como la emigración americana, numerosas epidemias, un importante índice de celibato entre la población y la expulsión de los moriscos. Económicamente, si el siglo XVI había sido un siglo de bonanzas para España, gracias a las colonias de las Américas, el siglo XVII es un período de penurias económicas para el país, principalmente por el agotamiento de las fuentes de oro de las Indias. Sin embargo, el país se niega a perder su hegemonía y poder mostrados el siglo anterior. En la línea anterior, Europa estaba dividida desde el punto de vista religioso. España encabeza al grupo de países defensores de la Iglesia Católica con sede en Roma y en contra de la Reforma Protestante, que se había extendido a lo largo del siglo XVI por países como Alemania y posteriormente Inglaterra, quienes habían negado el poder supremo del Papa sobre la cristiandad universal. Este movimiento contrario al protestantismo se le conoce como Contrarreforma Católica. Esto genera una situación política de tensión en Europa, entre los grandes Estados modernos y su consecuente lucha de los monarcas por mantener su hegemonía. Todo ello significa que el Barroco se caracteriza por el dirigismo de dos tipos de poderes: el poder papal y el poder real. En España, el artista barroco se convierte en un mero ejecutor y transmisor de los gustos e ideales de sus comitentes, la Corte y la Iglesia. Estos últimos son pues los auténticos programadores de la obra artística. 2.2 Arquitectura barroca. El contexto histórico en el que se desenvuelve este estilo artístico en España condicionará la arquitectura de la época. Se distinguen tres etapas barrocas en España: a) El postherreriano, desarrollado durante los dos primeros tercios del siglo XVII. Destaca por: −

Empleo de materiales más baratos, como el ladrillo, el tapial o el yeso.

−

Influencia herreriana en los edificios, primando la sobriedad, sencillez y uniformidad.

La obra maestra de este período barroco es la Colegiata de San Isidro, en Madrid, de planta de cruz latina; aunque también son destacables la Cárcel, el Ayuntamiento, la Plaza Real y la Plaza Mayor de Madrid (nuevo concepto de espacio público como centro político-religioso) también en la capital madrileña.

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b) El período de finales del siglo XVII, caracterizado por: −

Influencia decorativa del barroco italiano en los edificios, apreciable en las columnas y pilares de orden gigante y salomónicas, o la movilidad de planos en las fachadas.

−

Plantas de los edificios con formas de movimiento, como ovaladas, cóncavo-convexo, etc.

Las principales obras de este período en España son: −

La fachada de la catedral de Granada, de Alonso Cano.

−

La Basílica de la Virgen de los Desamparados, de Valencia, junto a la catedral de la ciudad, cuya capilla-santuario tiene planta ovalada.

−

La Catedral-Basílica de Nuestra Señora del Pilar, en Zaragoza.

c) El Churrigueresco, durante el siglo XVIII, cuyos rasgos principales son: −

Edificios de plantas complejas, con juegos de curvas y contracurvas.

−

Empleo como elementos de alzado, de bóvedas y cúpulas de gran complejidad.

−

Las puertas y fachadas de los edificios destacan por su monumentalidad y abundante decoración, frente a la sobriedad del resto del edificio.

Las principales obras de este período son: −

Plaza Mayor de la ciudad de Salamanca.

−

La fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela, del arquitecto Casas y Novoa.

−

En Andalucía, sobresalen: el Palacio de San Telmo, en Sevilla y obras barrocas de Priego de Córdoba como la Fuente del Rey, de Remigio del Mármol; Parroquia de la Asunción y su impresionante Capilla del Sagrario, de Francisco Javier Pedrajas; o la iglesia de la Aurora y San Nicasio. 2.3 Ecultura: imaginería barroca.

Es un tiempo de retos para la Iglesia Católica, ante la creciente amenaza protestante en Europa, quien buscará por todos los medios de captar y mantener a sus feligreses por cualquier medio. Surge así una escenografía teatral para conmover al pueblo y acercarlo a la religión. Las calles se llenarán de imágenes de vírgenes, cristos y santos, acompañados de música solemne y de olor a incienso. Además, las procesiones eran todas nocturnas, por lo que las imágenes se mecían a la luz de las velas. Todo esto ayudaba a crear un ambiente lleno de misticismo. Surge la imaginería barroca. Las figuras religiosas, creadas para los conventos, las iglesias y la semana santa, son dramáticas pero creíbles, realistas. Para ello, a las tallas de la época se les incorpora pelucas de cabello natural, pestañas postizas y ojos de cristal. En estos tiempos, la Biblia no es accesible para el pueblo llano, por lo que los sermones y las imágenes instruyen a los fieles. En muchas ocasiones, las figuras eran puro armazón para sujetar las prendas que las cubrían, tallándose sólo la partes visibles de la misma: cabeza, manos y pies. Debemos destacar dos escuelas principales:

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a) La Escuela castellana, centrada en Valladolid y Madrid, con escultores de la talla de Gregorio Fernández, autor de obras como el Cristo Yacente de la iglesia de San Miguel y San Julián de Valladolid. b) La Escuela andaluza, extendida por Sevilla, Málaga y Granada, con escultores tan ilustres como Juan Martínez Montañés, su discípula Juan de Mesa o Pedro de Mena. Del primer destaca la obra del Cristo de la Clemencia, ubicado en la sacristía de la Catedral de Sevilla. Otro elemento escultórico desarrollado en este período artístico, y que supone la fusión entre la arquitectura, la escultura y la pintura es el retablo, utilizado normalmente para decorar el altar mayor de las iglesias. 2.4 Pintura: Rivera, Zurbarán, Velázquez y Murillo. La pintura barroca en España es considerada la más importante de toda la historia pictórica de España, por la importancia de los artistas y la calidad de las obras trabajadas durante este período. Los pintores barrocos españoles toman como fuente de inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La influencia flamenca llega de la mano de Rubens, que viene a España a trabajar como pintor de la corte. −

La temática más comúnmente utilizada por los pintores es la religiosa, dado que la Iglesia se convierte en el principal comitente. Otros temas utilizados son los reyes, la nobleza y sus batallas.

−

Las pinturas ganan en realismo, que en el caso de la temática religiosa, adquiere un papel propagandístico de la fe.

−

Se emplean colores vivos, focos de luz y creación de sobras.

−

Las figuras se representan en movimiento, en ocasiones exagerado, para dar fuerza a la escena.

−

Destacan los cuadros al óleo, de grandes proporciones, complejos, con varias figuras y gestos expresivos.

Algunas de las principales obras de los grandes maestros españoles son: −

De Diego Velázquez sobresale: La Rendición de Breda, El retrato del Papa Inocencio X, Las Hilanderas y por supuesto, Las Meninas. – Actividad audiovisual -

−

De Bartolomé Esteban Murillo, sus cuadros de Inmaculada Concepción y otros profanos como El Buen Pastor o Niños Jugando a los Dados.

−

De José de Rivera, El Martirio de San Felipe.

−

De Francisco de Zurbarán, La Visión de San Pedro Nolasco o Cristo en La Cruz.

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3. EL NEOCLASICISMO. 3.1 Contexto histórico. Se denomina Neoclasicismo al movimiento artístico que surgió en Italia, y que floreció en España entre mediados del siglo XVIII y los primeros decenios del siglo XIX. La palabra Neoclasicismo significa, nuevo clasicismo, es decir, una vuelta a lo clásico, a la antigüedad de Grecia y Roma. Esta tendencia tiene su origen en Italia, fuente del Arte, motivada por varias razones: •

El rechazo al recargado Barroco tardío, y trae consigo el retorno al equilibrio y armonía del estilo clásico pregonada durante el Renacimiento. España es uno de los países de Europa que acogió con mejor agrado la irrupción de este estilo artístico.

•

El descubrimiento de las ruinas de Pompeya, ciudad del Imperio Romano sepultada por la erupción del volcán Vesubio, cercana a la actual ciudad italiana de Nápoles, en el año 79 d.C. 3.2 Arquitectura.

La vuelta del estilo clásico supondrá la recuperación de elementos ya utilizados durante el Renacimiento, como: •

La columna con sus órdenes clásicos.

•

Las fachadas de formas armónicas y simétricas.

•

Los elementos decorativos propios de templos y edificios romanos.

•

El gusto por el desnudo y las escenas mitológicas en la pintura y la escultura.

En España, el gran centro de los artistas neoclásicos es la Academia de San Fernando de Madrid, y patrocinada por los artistas extranjeros al servicio de la corte. Esta Academia convirtió a Madrid en la cuna y joya del Neoclásico español. Destacan fundamentalmente dos nombres claves en la arquitectura neoclásica: •

Francesco Sabatini, arquitecto de confianza de Carlos III y director de las grandes reformas urbanas de Madrid. Algunas de sus principales obras: − el edificio de la Real Casa de la Aduana (sede actual del Ministerio de Economía y Hacienda); − la Puerta de Alcalá (de tres grandes vanos en arco y dos menores adintelados); − y el Palacio de Godoy.

•

Juan de Villanueva, quizá el arquitecto más importante del Neoclásico. Su formación en Italia, donde admirará la belleza de las ruinas romanas de Pompeya y Herculano, marcarán su estilo, dotando a sus edificios de: −

pórticos con columnas clásicas;

−

paneles con relieves;

−

alternancia del ladrillo y la piedra en las fachadas:

−

y una excepcional armonía y simetría.

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Sus dos principales obras maestras son: − El actual Museo del Prado, construido en su origen como Museo de Ciencias Naturales. de extraordinaria racionalidad y claridad en su distribución. –Actividad audiovisual-. − El Observatorio astronómico de Madrid, en el que destaca el remate superior del edificio, inspirado en los templos romanos de planta circular. Además de estas obras, hay que destacar otro edificio de gran relevancia en la época, la Real fábrica de tabacos de Sevilla. Se caracteriza por: −

Sus amplias dimensiones, siendo el edificio industrial más grande construido hasta la época en Europa.

−

Su influencia herreriana tanto en la planta, articulándose en torno a diversos patios, como en los remates que decoran sus cuatro fachadas. Fue diseñado por ingenieros militares españoles y de los Países Bajos. 3.2 Escultura.

Debes saber que el neoclasicismo no tuvo tanta fuerza en nuestro país como en la arquitectura o la pintura. Esto es debido al arraigo que provocó en España la imaginería barroca. Es por esto que no encontrarás demasiados ejemplos de escultura neoclásica desligada de dicho modelo anterior. Normalmente la escultura en piedra se limitó a la decoración de edificios urbanos. Quizá los dos ejemplos más relevantes los tienes en dos de las fuentes más famosas de nuestro país: La fuente de Cibeles y La fuente de Neptuno de Madrid. Ambas hacen referencia a seres procedentes de la mitología romana y quizá las conoces más por la celebración de victorias deportivas que por la maestría de su factura. Eso sí, ambas son un símbolo de la capital, por lo que es importante que las conozcas. ver video cámara del oro banco de España. La diosa Cibeles es representada montada en un carro tirado por leones. Neptuno, dios de los mares, es representado en un carro formado por una concha que es tirado por caballos marinos con cola de pez. Ambas fuentes fueron construidas a partir de diseños de Ventura Rodríguez. 3.3 Pintura: Goya. Francisco de Goya es un pintor español y grabador que nació en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Cronológicamente pertenece al neoclasicismo, estilo que adopta en su etapa inicial, con cierta influencia rococó, aunque su estilo evoluciona posteriormente hacia un incipiente romanticismo, del cuál hablaremos más adelante. Aunque siendo rigurosos, es un artista difícil de clasificar, al considerársele hoy día el precursor de varias corrientes pictóricas posteriores: −

El Impresionismo del siglo XIX, apreciable en su pincelada ligera y suave.

−

El Surrealismo, detectable en sus obras de temática fantástica.

−

El Expresionismo, en los gestos de sus personajes representados.

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Además, fue un artista polivalente, dominando distintos géneros y técnicas: Géneros. Pintura religiosa. Pintura histórica. Pintura costumbrista. Retrato. Bodegón.

Técnicas. Al fresco. En caballete. Cartones para tapices. Grabados.

Su vida y obra tienen un punto de inflexión, su viaje a Andalucía a finales de 1792. Es allí donde, estando en Sevilla: −

contrae una enfermedad que lo deja sordo. Dicha sordera, llevará a Goya a dar un cambio tajante en su temática, pintando paisajes desgarradores en su serie de Los caprichos (estampas caricaturescas, de gran calidad técnica), entre los que destaca el Capricho nº43, titulado El sueño de la razón produce monstruos;

−

vivirá como invitado de la Duquesa de Alba, con la que se cree mantuvo un apasionado romance. Hay una corriente de historiadores que vinculan a dicha mujer con la que aparece representada en dos de sus obras más famosas: La maja desnuda y La maja vestida.

En 1800, como retratista de corte, realiza un gran cuadro de grupo de la familia real, que se materializó en La familia de Carlos IV, todo un “guiño” al cuadro de Las Meninas de Velázquez. La Guerra de la Independencia contra los franceses (1808-1814) marcará también al pintor. Fruto de tal acontecimiento histórico son algunas de sus grandes obras maestras: −

El 2 de Mayo de 1808 en Madrid, o La carga de los mamelucos.

−

El 3 de Mayo de 1808 en Madrid, también llamado Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío.

−

Los desastres de la guerra (serie de grabados a modo de denuncia de los horrores y las terribles consecuencias sociales que generan las guerras).

Ya en la última etapa de su vida, contrariado ante la situación política del país, unido a sus sucesivas enfermedades, Goya decide trasladarse a una finca a las afueras de Madrid, donde se recluye, conocida como la Quinta del Sordo. Allí pintará las llamadas pinturas negras, una serie de 14 cuadros considerados como las obras cumbres del autor, dada su modernidad y fuerza de expresión, que decorarán las paredes de la finca. Los pintará a oscuras con la única luz de unas velas colocadas en su sombrero. De ellos, dada su originalidad, sobresalen Saturno devorando a su hijo y Perro semihundido.

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4. EL MODERNISMO. 4.1 Contexto histórico. El Modernismo es la denominación española de un movimiento de renovación artística desarrollado entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, un período denominado internacionalmente como la belle époque, previo a las primeras vanguardias artísticas, que influyó en la arquitectura y en las artes decorativas de Europa Occidental y Estados Unidos. Este movimiento recibió otros nombres en el mundo, como Art Nouveau (Bélgica y Francia) o Modern Style (países anglosajones). El modernismo surge en un contexto de pujanza económica, fruto del desarrollo industrial, el poder de la burguesía y los cambios económicos y sociales producidos por el capitalismo, y lo hace como un estilo artístico que: −

Acepta la nueva tecnología y el gusto burgués;

−

rompe con el arte imperante hasta la fecha, dominado por el eclecticismo;

−

y que tiene como reto cambiar el triste paisaje urbano de fábricas y muros ennegrecidos por ciudades alegres y elegantes, utilizando la decoración y la ornamentación integrada en la arquitectura con el objetivo de crear un paisaje natural.

Es un estilo artístico caracterizado por: −

Uso de la línea curva y la asimetría, tanto en planta y alzado de los edificios como en la decoración.

−

Protagonismo de la exuberancia decorativa y el refinamiento, elegancia e inclinación al esteticismo.

−

Uso de una temática ornamental basada en la naturaleza y sus manifestaciones orgánicas, tanto del reino animal como del vegetal y mineral. Flores como el lirio, insectos como libélulas o mariposas, aves como el cisne o el pavo real, ninfas, sirenas y las figuras femeninas con aire soñador, misterioso y sensual (en ocasiones eróticas) con los cabellos y ropas vaporosas.

−

Libertad en el uso de motivos de tipo exótico como estampas japonesas.

−

Búsqueda de una estrecha conexión entre arquitectura, decoración y ornamentación, buscando un todo unitario y coherente.

−

Tendencia a utilizar muchos materiales diferentes en un mismo edificio: piedra, ladrillo, vidrio, hierro y cerámica policromada (los colores preferentes son las tintas frías y transparentes en zonas planas, el amarillo, el blanco, la mezcla de amarillo y violeta y el combinado de azul y gris...).

El Modernismo en España tiene su mayor desarrollo en la arquitectura. Empezó siendo la expresión de la burguesía más preparada socialmente e intelectualmente, y se concentró en los barrios señoriales y las casas burguesas. A partir de 1900 fue un estilo tan extendido que encontramos elementos modernistas en edificios como grandes almacenes, el metro, viviendas rurales, bodegas, cooperativas agrícolas, fábricas de tejidos y comercios.

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4.2 Obras de Antoni Guadí. El Modernismo tuvo acogida en varias localidades de España como Zaragoza, Cartagena, La Unión o Ceuta, pero es la ciudad de Barcelona su principal foco de expresión, debido a: −

Contar un elenco de importantes arquitectos catalanes como Lluís Doménech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch, que siguieron la línea de Antonio Guadí, máximo exponente del Modernismo en España.

−

Disfrutar de un desarrollo económico e industrial, que trajo consigo una burguesía muy sólida, con afán de convertir la ciudad condal en una gran ciudad.

Hablar de Modernismo en Barcelona es hacerlo del Ensanche (L´Eixample, en catalán), nueva zona de crecimiento de la ciudad, con la reforma urbanística de Ildefonso Cerdá en 1859, que concentra los edificios modernistas más importantes. Veámoslas a continuación: a) Zona del Paseo de Gracia, centro del Ensanche barcelonés: −

Casa Batlló (1904-1906): Construida por Antonio Gaudí. Este arquitecto transformó una casa típica de finales del siglo XIX en uno de los edificios más singulares de la arquitectura de la ciudad. Fachada ondulada con cerámica policromada, una alegoría de San Jorge matando al dragón.

−

Casa Milá o La Pedrera (1906-1912): Se trata de una de las obras civiles más conocidas de Gaudí. Su fachada de piedra rememora las ondulaciones del mar y en ella también destacan las rejas de los balcones y de las ventanas.

−

Los bancos-farolas del Paseo de Gracia, creados por Pere Falqués.

b) En los alrededores del Paseo de Gracia: −

Hospital de San Pau (1905-1911 / 1914-1930): Es una de las obras cumbres del Modernismo barcelonés. Fue construido en dos fases, la primera por Lluís Doménech i Montaner y la segunda por su hijo Pere Montaner. Para realizar esta obra monumental, el arquitecto contó con la colaboración de dos reputados escultores catalanes. Los diferentes pabellones aparecen decorados con mosaicos de temas mitológicos y alusivos a la historia de Cataluña.

−

La Sagrada Familia (1883- ): Es la obra más conocida de Antonio Gaudí que trabajó en ella hasta su muerte en 1926. Consagrado a la Sagrada Familia y a San José, patrón de los obreros, pretendía ser una expiación del materialismo del mundo moderno a favor de la fraternidad y la solidaridad de los pueblos. La parte dirigida por Gaudí es la más antigua, con las cuatro torres de 115 metros de altura que coronan las tres puertas de su gran fachada. Es basílica desde su consagración por el Papa Benedicto XVI en el año 2010.

−

Palau de la Música Catalana (1908): Construido por Lluís Doménech i Montaner, combina el fuerte sentimiento nacionalista de la época con la cultura catalana. Sede del Orfeó Català, entidad fundada para la difusión y el fomento de la música catalana. En la actualidad es la sede de conciertos más importante de Barcelona. Su fachada está decorada con mosaicos de colores y el grupo escultórico que representa a la canción popular.

−

Palau Güell: construido por Guadí como residencia en Barcelona del Conde Güell. Su interior contiene una extraordinaria riqueza de detalles.

−

Parque Güell: es la obra de mayor envergadura, en extensión, que Gaudí realizó en Barcelona. Se trata de una amplia zona de recreo.

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