Tema 63 Las artes plásticas del impresionismo a la abstracción Resumen Introducción En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la historia del arte que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los movimientos que vamos a ver son más una actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura. La revolución impresionista El impresionismo hunde sus raíces en la escuela de Barbizon y los grandes paisajistas como Corot, Courbet, Mollet y Boudin. A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento. Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. La ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida. El pintor vive de su arte, y que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías. El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico. Implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina una actitud ante la obra activa, en lugar de pasiva. Aplican el color en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El dibujo desaparece en favor de las manchas de color que abocetan la figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color. Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición del Salón de los Rechazados. El crítico francés Louis Leroy les llama despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día.

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También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de ocio de la burguesía. Los impresionistas

Edouart Manet (1832-1883) está considerado como el precursor del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba, La Olimpia. Camile Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la naturaleza. El lavadero, La estación de Perge. Claude Monet (1834-1906) es el pintor impresionista más reconocido. Impresión: sol naciente, las series de la catedral de Rouen, la estación de San Lázaro y de las Ninfeas.

Alfred Sisley (1839-1899) retrata la realidad sin efectismos. El canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo.

Edgar Degas (1834-1917) era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos. Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Bañista arreglándose el pelo. Pierre Auguste Renoir (1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. El palco, Baile en el molino de la Galette, Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera. En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela. La escultura Algunos pintores impresionistas realizan esculturas con un aspecto similar al de sus cuadros. Destacan Gauguin, Degas, que esculpe bailarinas y Renoir que realiza relieves. El escultor impresionista por excelencia es Auguste Rodin, (18401917): La edad del bronce, El pensador, La mano de Dios. El neoimpresionismo El neoimpresionismo o divisionismo o puntillismo, en realidad se trata de un impresionismo radical que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de Chevreul. Sus cuadros se diferencian netamente del impresionismo 2

clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo. Las figuras se hacen geométricas. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro. Se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos. Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Los puntillistas

Georges Seurat (1859-1891) es quien antes plasma en una obra de arte la nueva técnica. Sus puntos son extremadamente pequeños. Una tarde de domingo en la Grande Jatte, Un baño en Asnières, y El circo.

Paul Signac (1863-1935) utiliza pigmentos y colores puros. El puerto de Saint-Tropez, Mujer ante el espejo. El simbolismo y la reacción antinaturalista El simbolismo mantiene los supuestos estéticos del academicismo neoclásico, pero rompe con su significado. Los simbolistas

Gustave Moreau (1826-1898) es un gran dibujante y de gran virtuosismo técnico. La aparición, El rapto de Europa, Orfeo, Edipo. Odilon Redon (1840-1916) representa lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. El sueño, El nacimiento de Venus, Las flores del mal. Pierre Puvis Chavannes (1824-1898) utiliza tintas planas, subordinadas a un buen dibujo. Bosque sagrado, Musas inspiradoras. La escultura Destacan Aristide Maillol (1861-1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista: La noche. Adolf von Hildebrand : Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso: Cabeza de niño, EmileAntoine Bourdelle: Hércules arquero. El individualismo posimpresionista Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte. Las individualidades

Paul Cézanne (1839-1906) utiliza para definir sus figuras las formas puras: el cono, el cilindro, las esferas, etc. Los jugadores de naipes, Grandes bañistas, Naturaleza muerta con melocotones. 3

Paul Gauguin (1848-1906) redescubre la geometría y los colores planos. Se traslada a vivir primero a Pont-Aven y luego a Tahití. Para él el arte es abstracto por definición. La bella Angele, Los senos de las flores rojas, El Cristo amarillo.

Vicent van Gogh (1853-1890), sus obras se caracterizan por la explosión cromática, el trazado sensual de la pincelada gruesa y larga, los colores muy luminosos, pero también muy tétricos. Autorretrato, Vaso con girasoles, Los comedores de patatas, La silla de Vicent, Los girasoles.

Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), son característicos sus arabescos y las tintas planas. El baño, Jane Abril con guantes, El

salón de la calle de los molinos.

La escuela de Pont-Aven y los nabís Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. Sus obras se caracterizan por el uso libre del color. El color se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo, técnica que consiste en encerrar los colores planos por gruesas líneas negras. El resultado es una obra altamente decorativa.

Emile Bernard: Bretones bailando en la pradera, Charles Laval: Autorretrato, Jacob Isaac Meyer Haan: Bretonas tejiendo cáñamo, Paul Serusier: Naturaleza muerta con escalera. Los nabís son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores. Intentaron que el impresionismo se acercase al simbolismo. Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados. Decoraron teatros, portadas de libros, revistas, trabajando por encargo. Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard, Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles verdes. La ostentación decorativa modernista El modernismo no se ocupó de la pintura más que en su dimensión de escenas decorativa que complementa a la arquitectura. Trabaja, fundamentalmente, la vidriera y el papel pintado, así como el cartel para espectáculos. 4

Se caracteriza por el color, la fantasía y la riqueza, con un toque snob y hortera. El cartel es el otro gran motivo modernista. Sirve para anunciar los espectáculos, de propaganda política e ideológica y de anuncio de productos industriales.

Gustav Klimt es el más representativo: El beso, Judith. Alfons Mucha: Medea, Ramón Casas: etiqueta de Anís el mono, Santiago Rusiñol: Jardín de Aranjuez, Joaquin Sunyer: Paisaje de Mallorca. La escultura Sí destaca, en cambio, el diseño de joyas y muebles y las porcelanas, en las que sobresalen Lambert Escalé: Busto, y Pierre Roche. El siglo XX: Las vanguardias históricas El hito que inicia la revolución del arte es la exposición universal de 1900 en París. La gente va a ver las máquinas que están expuestas como si fuesen estatuas. Dos nuevas técnicas están vinculadas al arte: la fotografía y el cine. Y dos son los motores del nuevo concepto del arte: lo lúdico y la agresividad autodestructiva. El fauvismo y la rebeldía del color El fovismo nace en París en el Salón de Otoño de 1905, donde un grupo de pintores exponen sus cuadro rabiantes de color. Los fauvistas

Henri Matisse (1869-1959), sus temas preferidos son el amor y el lujo, odaliscas y desnudos femeninos. La blusa rumana, Odalisca con pandereta, Retrato de la raya verde. Maurice Vlaminck (1876-1958) utiliza colores puros aplicados con gruesas pinceladas. Retrato de Derain, El puente de Chatou

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André Derain (1880-1954), sus cuadros presentan pinceladas gruesas y cortas. Las riberas del Sena, El puente de Westminster . El expresionismo El expresionismo pretende conmover, para lo que utiliza la figura y el trazo violento.

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Las individualidades

Edvard Munch (1863-1944) en sus cuadros reflejan melancolía y simbolismo, entristeciéndolos con colores apagados y sombríos, logrando un ambiente fúnebre. El grito, Baile de la vida, La muchacha moribunda, Vampiro.

James Ensor (1860-1949) presenta cuadros más alegres pero deformes. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.

Georges Rouault (1871-1958). Encierra los colores con gruesas líneas negras a la manera cloisonista. Crucifixión, El divino rostro, El viejo rey.

Amadeo Modigliani (1884-1920), sus obras son de gran simplicidad, con las formas y las líneas estilizadas y los colores puros. Desnudo acostado.

Óscar Kokoschka (1886-1980), más por los gestos y la postura de sus figuras en los cuadros que por su técnica. La novia del viento, Puerto de Marsella. Las escuelas

Die Briucke (El Puente) es la escuela más destacada del expresionismo alemán. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo. Les impacta mucho la primera guerra mundial, de la que ejercen como cronistas. Ernst Ludwig Kirchner: Mujer del busto desnudo con sombrero, Erich Heckel : Mujer dormida, Emil Nolde: Bailarinas de las velas. Der Blaue Reiter (El Caballero Azul): su importancia reside, más que como grupo, en que sus componentes evolucionan rápidamente hacia otras formas, expresionistas y abstractas. Vasily Kandinsky: El caballero azul, Paul Klee: Frutas con fondo azul. La escultura El expresionismo escultórico posee una honda fuerza emocional y un profundo sentido social. Ernest Barlach: Hombre en el cepo. El cubismo El cubismo es el movimiento más transcendental de todas las vanguardias históricas. A partir del cubismo el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente. Hará un replanteamiento de la obra

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de arte, de lo que son las formas, la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. En el cubismo se distingue, tres etapas, el cubismo cezaniano, el analítico y el sintético. Tras la época clásica aparecen tres escuelas: la Sección Áurea, el orfismo y el purismo. Los cubistas

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del

cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Las señoritas de Aviñón, marca el comienzo del cubismo. Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Las meninas y El Guernica.

Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo. Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, El portugués, Ceret: los tejados. Juan Gris (1887-1927), su cubismo es sintético y coloreado. Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo. Sección Áurea: Marcel Duchamp; Retrato de jugadores de ajedrez, Frenand Leger; Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque. Orfismo: Robert Delaunay; Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia; Procesión en Sevilla. Purismo: Amédée Ozenfant; Naturaleza muerta, Vida. La escultura Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.

Alexandre Archipenko: Torso negro, Cabeza. Constantino Brancuçi: La columna sin fin, Julio González: Mujer peinando sus cabellos, y Pablo Gargallo: El profeta, Bailarina. El futurismo El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, en 1910 a través del Manifiesto futurista. Se busca el escándalo. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad.

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Los futuristas

Umberto Boccioni (1882-1916) intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre.

Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Idolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía. Giacomo Balla (1871-1957) investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón. Los escultores En las esculturas futuristas se intentará representar el movimiento. Umberto Boccioni: Síntesis del dinamismo humano, Vládimir Tatlin: monumento para la III Internacional. Las pinturas naíf y metafísica La pintura naíf se presenta como fruto de la intuición personal, suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas del campo o lugares salvajes, de ahí su ingenuidad. La pintura metafísica, por el contrario, es la representación estudiada del mundo onírico. Su carácter estático la enfrenta con el futurismo. Los pintores

Henri Rousseau: La encantadora de serpientes, La gitana dormida, Camile Bombois: El atleta foráneo. Giorgio Chirico, sus obras se caracterizan por la geometría arquitectónica, los volúmenes sencillos, y los climas oníricos. Sus obras desprenden soledad, potenciada con las figuras de maniquíes y estatuas: Héctor y Andrómaca. Dadá Este movimiento es más internacional. Más que una estética es una actitud ante el arte. El azar es uno de los motores de inspiración del arte dadá: el ready-made. Este concepto será transcendental en el arte moderno. Protagoniza numerosas actividades escandalosas. El centro del arte comienza a desplazarse primero a Londres y luego a Nueva York. 8

Los dadaístas

Marcel Duchamp (1887-1968) crea el ready-made. LHOOQ, La casada desnudada por sus célibes, La fuente urinario, El secador de botellas, Rueda de bicicleta. Hans Arp (1887-1966) no posee la agresividad de sus compañeros

pero sí más humor. Llamas cantantes, Bosque, Flor-martillo, Contracentauro.

Francis Picabia (1897-1953) fue el pintor más desconcertante de la época. Los centímetros, Plumas, El ojo cacodilato, Máquinas, Girad veloces. El surrealismo Se considera a André Breton como el creador del movimiento surrealista. La obra nace del automatismo puro, del dictado del pensamiento subconsciente con exclusión de todo control ejercido por la razón, al margen de cualquier preocupación moral o estética. Lo erótico está permanentemente presente. Los surrealistas

Salvador Dalí (1904-1989), sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación y de su prodigioso virtuosismo para dibujar. Canibalismo otoñal, La persistencia de la memoria, La última cena.

Joan Miró (1893-1983) es el máximo representante del surrealismo abstracto. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. Mano agarrando a un pájaro, La estatua, Mujeres y pájaro al claro de luna, Noche y día (mural para la UNESCO).

Max Ernst (1891-1976). Utiliza la técnica del frottage. Katharina ondulada, La primera palabra límpida, Napoleón en el desierto, Tentación de san Antonio. René Magritte (1898-1967) provoca el choque emotivo del color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles y, en contrasentido. Noche de Pisa, Tiempo pasado, El demonio encantado, El Siglo de las Luces. André Masson (1896-1987) analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

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La abstracción pura La abstracción pura, o no figurativa, es el culmen ideal del arte. Toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea, con el concepto y la belleza.

Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación. El rayonismo El rayonismo es en realidad el último estadio del futurismo. Sin embargo, difícilmente se observa en él figura alguna. Mijaíl Larionov: Rayonismo rojo, y Natalia Goncharova: La electricidad, Bosque verde. El suprematismo

Kasimir Malévich es el inventor del suprematismo, que se caracteriza por las figuras simples y los colores planos. Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pintura suprematista. El neoplasticismo

Piet Mondrian máximo representante del grupo De Stijl (El Estilo). Su estética se conoce con el nombre de neoplasticismo o constructivismo. Sus obras se caracterizan por las formas

ortogonales, las líneas gruesas y los colores planos. Composición nº1, nº3, nº5. Theo van Doesburg: Composición XII.

El expresionismo abstracto El cuadro se convierte en una masa informe de color y líneas. Paul Jackson Pollock: Ojos en la cabeza, Catedral, Georges Mathieu: Capetos por todas partes. El informalismo En el informalismo se pone de relieve la expresividad de los materiales, sin necesidad de figuración. Ántoni Tapies: Pintura abstracta, Cornelis van Beverloo: Juego del sol en las olas. El op-art y el arte cinético El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. 10

Op-art: Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Briget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia. Arte cinético es la escultura del movimiento, los móviles: Laszlo Moholy-Nagy: Moduladores del espacio, Man Ray: Objeto de construcción, Alexánder Rodchenko: Construcciones colgantes, Marta Boto: Rotaciones cinéticas, y Alexander Calder: Móvil estable. Escultura abstracta La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.

Georges Vantongerloo: Relación de volúmenes, Antón Pévsner: Proyección en el espacio, Construcción cinética, Naum Gabó: Cabeza de mujer.

http://club.telepolis.com/pastranec/rt63.htm

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