MADRID MEDINACELI SORIA

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

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XIV Feria DEARTE Madrid 23- 26 abril 2015 Soria 8 -26 mayo 2015 Medinaceli 9-26 mayo 215 LASEDE-COAM Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid

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Antonio Pardo Capilla Presidente de la Escma. Diputación de Soria

DEARTE un signo dinamizador

Como Presidente de la Diputación Provincial de Soria quiero felicitar y agradecer a la Fundación DEARTE la iniciativa de celebrar anualmente su Feria DEARTE en la localidad de Medinaceli. Hace ya varios años que la Fundación se ha puesto a la cabeza del movimiento impulsado por artistas y galeristas para convertir la villa ducal en el epicentro del arte contemporáneo de la provincia de Soria. Con esta iniciativa Soria se inscribe entre la vanguardia artística de España. Me produce especial satisfacción conocer el acuerdo de DEARTE y el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, COAM, para colaborar en la celebración en su sede de la XIV feria DEARTE. Y, todavía más, que sea un reconocido arquitecto el autor del espacio expositivo de la feria en el arquitecto Carlos Arroyo y su equipo. Cuanto más prestigio adquiera DEARTE mejor para Soria ya que la feria se traladara en mayo a nuestra provincia. Medinaceli, en la encrucijada entre las dos Castillas y Aragón, ha convertido a la villa, durante siglos, en un enclave fundamental de la historia española. El corredor del río Jalón ha sido lugar de paso para todas las culturas hispanas desde los cazadores paleolíticos, los pueblos celtibéricos, la conquista romana, la frontera musulmana y los avances cristianos, hasta su consolidación como solar de una de las casas nobiliarias más importantes de nuestro país: el Ducado de Medinaceli. Todos ellos han dejado en su suelo un rico patrimonio que hace indispensable una visita pormenorizada a la villa y su comarca.

Esta tradición cultural llamó poderosamente la atención de numerosos artistas, creando un magnífico ambiente cultural que el Ayuntamiento ha sabido canalizar en varios proyectos que permitirán la conservación de su legado y la utilización de su patrimonio como motor de desarrollo del municipio, convirtiendo a los visitantes en viajeros del tiempo para recordar las hazañas de Almanzor, el Cid o del Beato Julián de San Agustín. Pero la villa no sólo vive de su excepcional pasado, la colaboración entre el Ayuntamiento y la Fundación DEARTE ha permitido la recuperación de uno de los elementos determinantes de su patrimonio al acometer la restauración del Palacio Ducal, para convertirlo en sede de numerosos eventos culturales organizados por la Fundación que han llenado la Plaza Mayor de Medinaceli de exposiciones, conciertos y encuentros de artistas. La simbiosis de tradición y vanguardia que se ha producido en Medinaceli, convierte a la villa ducal en el mejor marco posible para la realización de esta Feria de Arte Contemporáneo. El pasado cultural de la localidasd servirá de excepcional escenario para presentar al público las nuevas tendencias del arte internacional. Es mi deseo personal y de la Institución que me honro en presidir, que la Feria DEARTE 2015 se convierta en un éxito más de la Fundación DEARTE y del Ayuntamiento de Medinaceli en su esfuerzo por difundir y promocionar la creación artística del más alto nivel.

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Carlos Martínez Mínguez Alcalde de Soria

El Arte pasa por Madrid y llega a Soria

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Por tercer año consecutivo el arte contemporaneo salta de Madrid a Soria de la mano de la Fundación DEARTE y el Ayuntamiento de Soria. En esta ocasión, desde LASEDE del Colegio de Arquitectos de Madrid, COAM salta al palacio de la Audiencia para simultáneamente recalar en Medinaceli. Una estrecha colaboración entre el Ayuntamiento de Soria, la Fundación DEARTE y Medinaceli DEARTE permite unir a Soria a los grandes circuitos del arte contemporáneo. No en vano Feria DEARTE, tras la célebre ARCO, es la feria más veterana de todas las que se celebran en Madrid. Gracias a esta colaboración, la Ciudad de Soria ha incluido dentro de su calendario de eventos una cita más, la Feria DEARTE, a la que no podíamos renunciar por su proyección más allá de nuestras fronteras y en consecuencia con la apuesta clara y decidida que el Ayuntamiento de Soria realiza por la Cultura en todas sus expresiones. Soria, a través del espacio municipal del Centro Cultural Palacio de la Audiencia, seguirá siendo subsede de la Feria DEARTE de Medinaceli en su decimotercera edición, y con ello compartirá las sinergias que genera, incrementadas además de por la consolidación de esta relación, por la inclusión de una tercera sede en Madrid que completa la oferta de este evento artístico con su presencia en la capital de España.

Así, y con el permiso de la Fundación DEARTE, la Feria se convierte en algo nuestro, de los sorianos y sorianas, uno más de nuestros valores y atractivos, que cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Soria y del resto de instituciones que se han querido sumar a este proyecto, con la seguridad de que la inversión en cultura nos garantiza un futuro más libre e igualitario para todos y todas. Los pilares que se plantaron en las pasadas ediciónes están construyendo un sólido edificio en el que el Arte, como máximo exponente del desarrollo de una sociedad, pero también como motor y dinamizador económico, ocupa el espacio principal. En esta línea, el Ayuntamiento refuerza su compromiso con el Festival EnClave de Agua, el Otoño Musical Soriano, el Certamen Internacional de Cortos Ciudad de Soria y todas aquellas citas culturales que promovidas desde el Consistorio se han asentado en nuestra Ciudad. A quienes aprovechen esta cita para visitar nuestra tierra, les invito a empaparse del pausado ritmo de nuestra ciudad, a descubrir nuestros tesoros escondidos, las joyas que atesoramos y que permanecen ocultas al gran público, a degustar nuestra gastronomía, a regresar para conocer la belleza de Soria en las cuatro estaciones, con una petición: que al regresar a sus lugares de origen, hablen de nuestras bondades y se conviertan en embajadores de Soria.

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Felipe Utrilla Dupré Alcalde de Medinaceli

Medinaceli, clásica y moderna

Medinaceli, desde su origen es un enclave estratégico y crisol de culturas. Celtíberos, romanos, árabes y cristianos, durante los largos siglos de nuestra historia, han dejado su huella en esta Villa. Desde al año 2008 nuestra ciudad se ha incorporado a la modernidad organizando actos culturales diversos. Desde que a finales del pasado Siglo XX, en colaboración con la Junta de Castilla y León y la Fundación Casa Ducal de Medinaceli, se consolidó el Palacio Ducal y se rehabilitó su hermoso patio renacentista- obra del gran arquitecto Juan Gómez de Mora-, pensé que nuestra Villa podría volver a tener el prestigio que tuvo convirtiéndose en epicentro del arte contemporáneo. Hemos apostado por hacer de Medinaceli una ciudad estratégica en el campo de la Cultura. Tenemos Historia y Patrimonio. Podemos apoyarnos en este poderoso pasado para proyectarnos hacia el futuro. Somos la puerta de entrada a Soria por el este de la provincia. Estamos en la ruta Madrid-Aragón-Cataluña- Soria y la Rioja. Tenemos atractivos suficientes para que los viajeros hagan pie a tierra en Medinaceli: Villa histórica, paisaje, gastronomía y un dinámico centro cultural situado en el Palacio Ducal, en la excepcional Plaza Mayor.

Mediante un acuerdo del Ayuntamiento con la Fundación DEARTE, esta institución, desde el verano de 2005, ha organizado el el Palacio Ducal multitud de actividades artísticas, culturales y sociales. Exposiciones de arte actual, conciertos y eventos sociales se han sucedido sin tregua. Pero no se trata de mirar lo hecho, sino lo que nos queda por hacer. Esta feria, la XIV Feria DEARTE, que vino de Madrid, arraiga en Medinaceli y se extiende hasta el Palacio de la Audiencia de Soria para regresar a Madrid, en LASEDE del Colegio de Arquitectos de Madrid. Medinaceli, inserta en la meseta soriana, se abre al futuro como ciudad de las artes en sus diversas manifestaciones de pintura, música, poesía… Cito la Feria DEARTE y el Festival Ópera Medinaceli como eventos más destacables. Y no hay que olvidar la rica gastronomía soriana y la riqueza de los paisajes que han glosado poetas como Machado, Gerardo Diego o Becquer. Animo a mis vecinos y al lector amante de la historia y de la cultura a visitar la feria en cada una de sus tres sedes convencido de que disfrutaran y quedara en su memoria su paso por Medinaceli y Soria.

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Agustín Medina Presidente de honor de la Fundación DEARTE

Arte en libertad

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No hay constancia de que los seres humanos que dibujaron escenas de caza en las cuevas de Altamira y otros muchos santuarios del arte rupestre, lo hicieran por encargo de nadie. Sin embargo, desde que contamos con referencias históricas fiables, sabemos con certeza que detrás de cada obra de arte casi siempre ha habido un patrocinador más o menos interesado. Los faraones egipcios llenaban de arte sus tumbas, esperando disfrutar de él en la otra vida ,que para ellos era la realmente importante. También los gobernantes de la antigua Grecia y los emperadores romanos financiaban a los artistas que erigían estatuas conmemorativas de sus éxitos guerreros, de sus personas, o de los mosaicos y frescos que decoraban sus casas. Más tarde fue la Iglesia quien pagó las obras de Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Caravaggio o El Greco, en favor de la difusión de sus dogmas de fe y sus creencias. También los reyes financiaron a pintores como Velázquez o Goya, y los aristócratas y magnates de todo el mundo, se hicieron retratar o decoraron sus casas, con la obra de genios universales como Rembrandt, Tintoretto o Vermeer.

Sólo a partir del siglo XX se puede empezar a hablar de un arte en libertad. Una libertad de la que disfrutaron artistas tan grandes como Gauguin o Van Gogh, genios sin mecenas detrás que pagaron por su libertad un alto precio, muriendo en la ruina y sin reconocimiento para sus personas y sus obras. Hoy día el arte se reconoce y se valora más que nunca. Desde las pinturas rupestres de Altamira, hasta las obras de más rabiosa actualidad, pasando por Picasso, Renoir, Cezanne y Kandinski, o todos los demás artistas que están enriqueciendo con su arte el siglo XXI. En la Feria DEARTE 2015, usted tiene una vez más una cita emocionante con esos artistas de hoy, nuestros contemporáneos, que elaboran un arte en libertad, un arte puro que sólo está al servicio del talento de cada artista. No deje la oportunidad de disfrutar del arte como hicieron los Emperadores, los Papas, los Reyes y todos los poderosos del mundo. Ahora usted se puede permitir el lujo de disfrutar el arte como ellos. Porque en DEARTE va a encontrarse con un arte en libertad, y además asequible económica e intelectualmente para todos.

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Miguel Tugores Director de la Feria DEARTE

Mercado arte y pensamiento

La XIV Feria DEARTE alumbra una nueva época. Si nuestro lema es Arte para vivir, y se refiere al arte que uno desea disfrutar en su hogar, es obvio que el arte considerado parte de las bellas artes, pintura y escultura principalmente, no abarca el conjunto de bellezas que reúne la vivienda de las personas sensibles. Es por eso que hemos incorporado la sección de Arte y Moda algunas de cuyas exquisiteces muestra la feria. Y, puesto que la vida se percibe y se disfruta por los cinco sentidos, incorporamos también el resultado de un Concurso de Vinos de Autor donde el arte del enólogo, como si de un pintor se tratara y del artista plástico que enriquece la presentación de la botella, se juntan para ofrecernos su creación. Otra novedad que enriquece esta XIV edición de Feria DEARTE es el diseño espacial de la feria. Fruto de un concurso de arquitectura organizado en feliz colaboración entre DARTE y el Colegio de Arquitectos de Madrid, COAM, cuyo ganador es el prestigioso estudio de arquitectura de Carlos Arroyo. Se trata de una propuesta sencilla y original que une a la conocida disposición de tabiques que soportan los cuadros, mobiliario que, como reza nuestro lema de Arte para vivir, para convivir, anticipan el mundo hogareño que acogerá las obras expuestas destinadas al coleccionista que las disfrutará.

Cerca de un centenar de artistas tendrán la oportunidad de mostrar su arte en la ciudad que mayor y mejor mercado del arte ofrece a los creadores en nuestro pais. Madrid es, sin duda, la capital del arte contemporáneo de España. El pensamiento de grandes figuras acompañara al visitante con la intención de que sus ojos y su entendimiento sean estimulados durante el recorrido por las estudiadas y bien definidas áreas de exposición. El arte es necesario para vivir, Óscar Wilde. El arte sirve para verse el alma, George Bernard Shaw. Es una mentira que nos acerca a la verdad, Picasso. La arquitectura es una música congelada, Arthur Schopenhauer. Crear es tan difícil como ser libre, Elsa Triolet. El arte es inútil, pero el hombre es incapaz de prescindir de lo inútil, Eugene Ionesco.

Una nueva edición que ha sido posible gracias a los artistas y a la colaboración eficaz y desinteresada de muchas personas y entidades cuya lista figura en estas páginas y a las que expreso mi más sentido agradecimiento.

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Premio Una Vida DEARTE 2015

José Luis Fajardo

IV V VI VII VIII IX X XI XII XIII

Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria

DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE

Amadeo Gabino Enrique Brinkmann Josep Guinovoart Antonio Lorenzo Martín Chirino Agustín Ibarrola Elena Asins Isabel Muñoz Jordi Teixidor Rafael Canogar

Premio Una Vida DEARTE

José Luis Fajardo AL FINAL DE LA BATALLA

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Mi taller, antes tengo que decir que llevó más de treinta años obsesionado en “la pintura”, y que pretendo explicarme la vida con puntos y colores; materiales diversos y planos; con sombras y luces: lo que no deja de ser una mentecatez ó una metodología inútil de adolescente. Retomando el texto, mi taller ha sido el campo de las batallas, un lugar testigo de dudas, desaciertos y alguna satisfacción vanidosa. Hoy que la memoria me desasiste he firmado el armisticio, es decir: LA PAZ. José Luis Fajardo, abril 2015

S / T. 160x130 cm Técnica Mixta

S / T. 160x130 cm Técnica Mixta

S / T. 160x130 cm Técnica Mixta

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Premio Un Futuro DEARTE 2015 Concedido a un artista menor de 35 años

Javier de la Rosa Alarcón

IV V VI VII VIII IX XI XII XIII

Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria Feria

DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE DEARTE

Jesús Curiá SOÑAB Jolanta Studzinska Torregar Marcos Juncal Toni Font Blanca del Río Vanessa Gallardo Mirai Kobayashi

Premio Un Futuro DEARTE

Javier de la Rosa Alarcón -

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Escultor nacido en Madrid en 1984, licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense, acabó la carrera en 2007 y enseguida fue seleccionado en diferentes becas como la de la Fundación Rodriguez Acosta en Granada o la de la Fundación Antonio Gala en Córdoba, donde el artista trabajó en diferentes proyectos. Diversos accésit y menciones de honor en varios concursos y exposiciones internacionales van conformando su currículo. Actualmente, el autor continúa desarrollando su obra en su estudio de Madrid. La obra de Javier es natural. Su trabajo dentro de la figuración muy actual por la ejecución y por lo que transmite. La utilizaciónn de personajes tradicionales representados en atmósferas y momentos idílicos usando nuevas tecnologías o la representación de la adaptación de los animales a un medio heredado como consecuencia de la actividad humana, tantas veces destructiva, dan a su obra un contrapunto persuasivo y expresan su concepto sobre la globalización del mundo remarcando que, sea cual sea nuestro futuro en el devenir de los acontecimientos, algo en la naturaleza será capaz de sobrevivir a la humanidad y a su huella. Javier presenta en esta feria piezas que forman parte de su nuevo proyecto, inédito hasta este momento, en el que el artista continúa trabajando con la idea de cómo la naturaleza se amolda a lo que la civilización le deja. Javier de la Rosa Alarcón, abril 2015

M-30. 170x40x70 cm Bronce, hierro y poliester

Zapanidos. 70x30x30 cm Bronce

Flower’s War. 66x20x33 cm Bronce

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Fundación DEARTE y Feria DEARTE

Palacio Ducal de Medinaceli | T 975 326 498 Plaza Mayor 4 Medinaceli (Soria) [email protected] Calle San Lorenzo 15 Madrid | 913 198 089 [email protected] | www.dearte.info

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La Fundación DEARTE Contemporáneo es una entidad sin ánimo de lucro, que nace en el año 2005 con el fin de apoyar y promocionar el arte contemporáneo español, impulsando todas aquellas actuaciones que dan cabida a las manifestaciones artísticas. Feria DEARTE cumple con los objetivos de apoyo y promoción, mediante su organización durante 14 años consecutivos en Madrid y en Medinaceli y junto con la concesión de dos importantes premios, una Vida DEARTE y un Futuro DEARTE, en los que se premia toda una trayectoria dedicada al arte y a un joven artista con proyección de futuro.

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La creación hace cinco años de Medinaceli DEARTE, Centro de Arte Contemporáneo, ubicado en el Palacio Ducal de Medinaceli, significa un hito en la divulgación del arte actual en un contexto histórico como es la villa de Medinaceli y el Palacio renacentista erigido por el Ducado de Medinaceli. Un acuerdo de colaboración entre el Ayuntamiento de Medinaceli y la Fundación DEARTE ha permitido organizar, desde el año 2008, más de 120 exposiciones, más de 60 conciertos y, en verano, el Festival Opera Medinaceli.

Patio renacentista

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Carlos Arroyo Arquitectos

Carlos Arroyo Arquitectos es una oficina de arquitectura y urbanismo con sede en Madrid y ámbito internacional, con obras y proyectos en España, Francia, Bélgica, Argentina, Colombia y Ruanda.

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Su equipo multidisciplinar realiza proyectos de diversa naturaleza, con especial énfasis en la innovación y el desarrollo sostenible; innovación en todas las escalas, desde el detalle constructivo hasta la gestión del paisaje, desarrollando nuevos tipos de edificio público, o investigando nuevas formas de vivienda. La sostenibilidad es un motor esencial de su trabajo, descrito por la crítica como “exuberancia sostenible”.

PRIMER PREMIO DEL CONCURSO DE IDEAS PARA EL DISEÑO DE LA XIV EDICION DE LA Feria DEARTE Contemporáneo. Lema de la feria: Arte para vivir. Se ha valorado la simplicidad en planta y facilidad constructiva. El claro planteamiento de las diversas zonas y el acertado uso de la deslumbrante luz natural del edificio. Un proyecto de Carlos Arroyo Arquitectos Equipo: Carlos Arroyo, Vanessa Cerezo, Alexander Krol y David Jiménez Iniesta. La planta alta de LaSede del COAM es una galería acristalada, bañada en luz y con magníficas vistas de los tejados de Madrid. La superficie expositiva de la propuesta es un sencillo panel pintado de color negro mate para que la luz natural destaque al máximo las obras de la feria. Los paneles se disponen en bahías sucesivas, de manera que la espina central se estabilice con los laterales y estos con unas piezas singulares colocadas en los extremos.

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La feria se recorre por el perímetro del edificio, junto a la luz y las vistas, desde donde se va accediendo a cada bahía expositiva que queda marcada por uno de los elementos singulares. De esta manera las zonas de exposición se abren a la luz natural, aunque siempre evitando la luz directa. Las piezas singulares pueden ser de tres tipos, armarios y muebles de segunda mano y casetas de madera. Todos ellos pintados con la misma pintura negro mate que los paneles, quedando integrados con la superficie expositiva, pero marcando un ritmo a lo largo del recorrido de la exposición. Las siluetas de los muebles y las dimensiones de los paneles establecen una escala doméstica, que refuerza el lema de la feria: Arte para Vivir. Para el visionado de determinadas obras y otros usos, las casetas crean espacios tranquilos dentro del recorrido. Una de estas casetas contiene un espacio específico para niños. Las alfombras de césped artificial introducen el exterior en el interior, dando continuidad a la terraza que rodea la sala. Se ha reservado un espacio cerrado junto a la entrada principal, la zona de catering y los aseos para disponer de una barra. En la terraza cubierta se dispondrá del espacio para la segunda barra.

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Centro Cultural Palacio de la Audiencia Plaza mayor s/n Soria | T 975 324 114 [email protected] | www.ayto-soria.org

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El Palacio de la Audiencia es el corazón cultural de la Ciudad de Soria. Originalmente, el Palacio fue levantado en 1769 a costa de la Ciudad y de su Tierra, para albergar el Ayuntamiento de Soria y la antigua cárcel. El edificio también se uso como Audiencia o juzgado en épocas posteriores.

Consistorio soriano, y un gran espacio escénico con capacidad para 550 personas, el Auditorio Odón Alonso, que alberga la mayor parte de las representaciones musicales de la Ciudad, cuyo cenit anual es el Festival Otoño Musical Soriano.

Es de estilo neoclásico, posee un espacioso pórtico sustentado por enormes pilastras que sostiene el piso principal con un balcón corrido. Remata el conjunto con un gran reloj metálico de forja que sostiene una campana, que aún hoy, marca las horas y la vida de la Ciudad.

Además, diversas salas auxiliares permiten la celebración de todo tipo de actividades, como charlas, presentaciones, proyecciones documentales, etc.

En la actualidad, y tras un tiempo en desuso y una posterior reforma integral, alberga el Centro Cultural Palacio de la Audiencia, espacio que cuenta con dos salas expositivas con muestras permanentes a cargo del

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Este es el edificio al que Antonio Machado se refiere en uno de sus poemas más conocidos: ¡Soria fría! La campana de la Audiencia da la una. Soria, ciudad castellana ¡tan bella! ¡Bajo la luna!

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Artistas

Organiza Fundación DEARTE T 913 084 635 | 975 326 498 [email protected] | www.dearte.info

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Humberto Abad González

Las artes no sirven a la idea, sino a la vida; son funciones como los sueños, no guías éticas de los hombres, sino que sirven a las necesidades muy distintas de tipo biológico.

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Con este sentido, en mi trabajo, no trato de explicar nuestro tiempo ni mejorarlo, ni adoctrinarlo, sino que busco, manifestar nuestro dolor y nuestros sueños, abrir el mundo de las vivencias. Esta actividad me permite cabalgar sobre las cosas que van pasando y representar, congelando esas imágenes, para poseer esa apreciación, para así luchar con la memoria. Observo la realidad y luego me permito con la fantasía trabajar con ella. Responder de mi entorno y dejar constancia de su reacción y mezclo con mi realidad interior para hacer de la imaginación algo tangible, visible legible o compartible. Mi labor consiste en explorar la mente, liberar la imaginación y traducir en símbolos los temores y mis deseos más profundos. Al airear estos deseos, lo hago con madera. Es el material que me encuentro más cómodo, le pasa como a la creatividad, ni la controlas ni la conquistas, por eso para mi es una aventura y un aliciente de investigación. La madera se comporta como una madre, su calor me da confianza para incubar los proyectos y motivaciones. Ella es maleable para entender mis razones, su olor tiene ese carácter entrañable que te hace respirar emociones y su textura te hace guiar por el camino de las pretensiones. Mi trabajo es un intento de encender el espíritu para volver a cruzar al hombre con la naturaleza, para no dejar que nuestra ajetreada vida laboral nos deshumanice del todo.

Hombre complejo . 60x37x28 cm Madera de Nogal

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A todos los chaqueteros. 90x45x45 cm Perchas comerciales

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Ángeles Bazan

La materia en estado puro, sometida al paso del teimpo y a los caprichos de la naturaleza.

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La simbiosis entre la evolución natural y la transformación artística es el eje de la obra de Ángeles Bazán, quien somete los materiales, los mezcla, los combina...para representar una realidad desconcertante. Su obra es la expresión de una metáfora de la vida, en sus múltiples vertientes. Una reflexión sobre la deriva de los valores esenciales.

El yacente. 80x42 cm Mixta / tabla

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Sin título. 112x80 cm Mixta / tabla

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Aurora Bravo

Aurora Bravo, siendo paradigma de la honestidad con su propia obra, ostenta la posibilidad de poder elegir a su propio antojo cualquier tema, técnica, material o soporte, ganando pues importancia.

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El trazo, el gesto, la pincelada, la textura, el colorido, la composición materia y sobre todo, la magistral mezcla que forman el indiscutible componente emocional, haciendo partícipe al espectador de una melancolía callada, llena de misterio, sumergiéndonos en una calma teñida de sensibilidad, fuerza y sabiduría. Ahora en DEARTE, Aurora nos vuelve a sorprender aun más, con este giro hacia lo más profundo de la artista..para con un estallido de luz, color y texturas..crea un estilo único ...tras su larga trayectoria creativa. Que nos esta calando muy fuerte, creando escuela... Mario Nicolás. (Director de GAL-ART)

Las huellas del tiempo. 100x89 cm Mixta / tela

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Tauromáquia. 50x50 cm Mixta / tela

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Carles Bros -

Impresiones de la china -

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Mi experiéncia en China y concretamente en la ciudad de Pekín ha sido culpidora. La grandeza de esta ciudad de 18 millones de habitantes, la diversidad de contrastes, el espiritu de trabajo de su población, la economía emergente y la presencia de empresas de todo el mundo, hacen que uno se quede sorprendido ante un potencial económico real y que no sabemos donde puede llegar. Delante de esta grandeza palpable, quise introducirme a la cultura milenaria de China, degustar su gastronomía, vivir sus ceremónias del té y conocer sus lugares más emblemáticos de su capital, como la Ciudad Prohibida, la monumental muralla china, la intimidad de sus templos de diferentes dinastías, las tumbas d’emperadores, o las montañas sagradas del norte de Pekin. Pero lo que mas me ha emocionado de esta ciudad es la vertiente humana de los hutong, barrios situados a pie de los nuevos rascacielos, donde la vida sigue siendo como antaño, senzilla, donde las condiciones de vida siguen practicamente inalterables , conservando sus tradiciones. Suburvios rodeados de tiendas, coches de lujo y edificios de diseño, de una arquitectura importada de todo el mundo al limite de lo imposible, como la nueva opera o las instalaciones olimpicas como el emblemático estadio “El Nido”. Los hutong son reductos en peligro de desaparecer delante del imparable avance hacia la modernidad y és precisamente lo que me ha impulsado a dedicarles mis dibujos desde mi primer viaje a Pekín el febrero del 2010. Dibujos sobre papel, pinceles y tinta china comprados in situ, dibujos creados de manera visceral, de izquierda a derecha, imprevisibles, gestuales. Dibujos que insinuan personas, bicicletas y tricíclos creados con el pincel, que a partir de la observación y el sentimiento, se mueve al azar e intituivamente esquiba sobre la celulosa obstaculos invisibles que al final seran el blanco del papel y los trazos grises y negros quedaran reflejados como las ruedas y los pasos de los

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humanos que transitan por las estrechas calles de los centenarios hutong. Así pués, esta exposición tiene como objetivo homenajear la vertiente mas humana y sencilla de las ciudades chinas, una comunión de olores, sentimientos y sensaciones surgidas en los mercados de productos o animáles exóticos, a las tiendas de artesanos, anticuários, pequeños restaurantes en lugares tradicionales y auténticos que todavia resisten o a los parques donde la gente se agrupa para cantar, bailar, hacer gimnasia o tai-chi. En este tercer viaje del mes de enero he comprobado que Pekin ha cambiado con más coches de gama alta y menos bicicletas. Más empresarios y mas rascacielos. Hasta cuando aguantará esta ciudad, la eufória de crecimiento y consumo? En Pekín, por hechos históricos recientes, el mundo del arte contemporáneo se situa en barrios del exterior de la ciudad. Las grandes galerias estan en la periféria y sus clientes son los chinos con gran poder adquisitivo. Los gestores culturales y galeristas han dado paso al arte contemporáneo occidental en cuentagotas. En China no han entrado artistas geniales como Picasso o Miró, ni el excéntrico Dalí. La mayoria de arte contemporáneo es local y sigue siendo fiel a la caligrafía china y a los típicos paisajes paradisíacos. También es notable el arte abstracto chino inspirado en el expresionismo abstracto europeo de la posguerra o l’action painting de la escuela de Nueva York. Me siento satisfecho de haber llevado mi exposición al Beijing Art Museum, un antiguo templo de la dinastia ming, en el centro de Pekín, un hecho insólito para un artista occidental. Y ahora es un placer hacer esta exposición en nuestro pais, para dejar constáncia de la actividad, del bullicio de la gente, de la vida urbana de los hutong de la China a través de mi obra hasta ahora desconocida basada en el collage y la tinta china, “Impresiones de la China”.

Peces rojos. 120x120 cm Tinta China y collage

Beijing. 90x73 cm Tinta China y collage

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Marta Carballo

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Haciendo uso de nuevas herramientas, la artista profundiza en su imaginario, girando en torno a esos lugares limítrofes, estrechos e invisibles, donde ocurren los giros entre las dualidades eternas de lo artificial y lo natural, lo interior y lo superficial, lo pleno y lo vacío, la cordura y la oscuridad. Su obra ha ido despegándose de la pared, adquiriendo volumen, vida tridimensional, saliendo a la calle, mezclándose con la gente, provocando reacciones, y enriqueciéndose con ellas. Los GNG (“Gente no Gente”) aparecen como instantáneas congeladas de la apariencia humana, de su imagen oscura, abandonada por la carencia de su adentro. Esta visión triste y aparentemente desesperanzada de esos interiores deshabitados, se muestra sin embargo inmortalizada en una parte del trabajo fotográfico, como tránsito hacia otro lugar, otro estado, positivando la imagen dolorosa del vacío entendido como realidad estática y mostrando su ciclo de retorno a la Naturaleza. El trabajo escultórico inicial fue dando forma desde sus inicios a un juego de interacción que derivó en salidas del taller para experimentar con las posibilidades expresivas que todo ello proporcionaba. De esas “excursiones”, quedan imágenes que, dentro del campo de la denuncia y de la poesía visual, están llenas de matices. La preocupación y el dolor expresados por el alejamiento de la naturaleza de la vida tal y como la vivimos en nuestro contexto, se une a la innata necesidad de ahondar, del incesante movimiento que supone cambio.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Gente no Gente. Grupo escultórico

Disociaciones. 80x120 cm Fotografía / dibond

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Ulpiano Carrasco

El artista se mostraba profesionalmente por primera vez en Cataluña, en el año 1988 y me arriesgué –siempre me ha gustado hacerlo- a recomendar intensamente su obra. Después volví a acompañarlo en diversas ocasiones, y ahora, como es natural, insisto nuevamente.

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La crisis nos rodea a nivel mundial, y creemos poder vencerla defendiéndonos de sus síntomas, cuando realmente esta afecta a nuestras propias estructuras. Vemos el entorno, pero ignoramos que la verdadera enfermedad social se encuentra instalada en el núcleo, que sufre verdaderamente porque ha perdido el sentido de la creación y de la existencia, y no sabe ver la constante regeneración que, por fortuna, realiza la Naturaleza y que, también por suerte, capta Ulpiano Carrasco en sus cuadros, que van más allá de las cualidades que le han procurado el favor de los amantes del dinamismo en el color. Sus paisajes y sus dominios plásticos son el mágico fluido magmático de un volcán que explota sobre a tierra de su Cuenca natal y se proyecta para destruir la superficialidad del que decae y permite la germinación de una nueva era. Es necesario que miremos los cuadros que nos presenta Ulpiano Carrasco con voluntad de recuperación colectiva, viendo en su color el impulso necesario para superar las limitaciones del momento presente. Su pintura es un verdadero grito que nace del dolor pero que nos anima a reencontrarnos de nuevo como personas que creen en un futuro que va más allá de los inventos y de la tecnología, ya que su objetivo es el espíritu que persigue incardinándose en los verdaderos motivos de la existencia de la vida. JOSEP MARÍA CADENA Crítico de arte

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Hotel Fullerton - Singapur. 120x120 cm Óleo / lienzo

Anochecer en Nueva York. 120x120 cm Óleo / lienzo

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Diego Carreño

Diego Carreño de Vicente (Madrid,1971), arquitecto y fotógrafo, la fotografía se reveló hace tiempo como herramienta inseparable de la formación y el ejercicio profesional.

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En ambas disciplinas -fotografía y arquitectura-, la manera de percibir la luz, la perspectiva, las formas geométricas o las texturas son las herramientas con las que podemos configurar espacios y visiones que enriquezcan nuestra experiencia vital. Somos, porque somos en una historia y en un entorno a los que se referencian los sentidos. Nuestro yo más íntimo reconstruye nuestra percepción y la ensambla una y otra vez dotándola de significados... es lo que posibilita que la sola vibración del aire la podamos llegar a sentir como música... este mecanismo nos permite crecer y madurar, pasando de la evidencia y certeza más inmediata a la cada vez mayor superposición de planos que posibilitan lecturas de paisajes cada vez más abiertos.

S / T. 125x70 cm Digital / aluminio

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 70x70 cm Digital / aluminio

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Ramón Cerezo -

El viaje del cubo por fuego, aire, agua y tierra Las imágenes narran el viaje del cubo a través del tiempo desde su nacimiento en la fragua hasta su muerte en la tierra.

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El viaje consta de 4 etapas, la fragua donde se forja el cubo a fuego, el aire donde se inspira, el agua donde recorre ríos y mares luchando contra las adversidades y finalmente perece en la arena.

Gravitación. 20x20x20 cm Madera policromada y metacrilato

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Gravitaciones - instalación cubos. 70x60x50 cm Madera policromada y metacrilato

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Pilar Cocero

Pilar Cocero (Madrid, 1949). Su formación artística se inicia en 1960 en la escuela de Motelar de Madrid.

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Se especializa en el arte del esmalte en la madrileña Escuela de la Moncloa, a raíz de esto llegará a la presidencia de la Asociación española de esmaltístas madrileños. A finales de la década de los 90, Pilar Cocero da una vuelta de tuerca en su investigación plástica utilizando otros soportes como tela, aluminio cobre o madera. Seguramente, su estancia en Los Estados Unidos la llevó a ampliar el tamaño de sus piezas, fenómeno frecuente en los artistas europeos tocados siempre por el “síndrome de Nueva York”.

Aborto. 145x114 cm Acrílico-Óleo / tela

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Incertidumbre. 100x120 cm Acrílico-Óleo / lienzo

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Imeldo Delgado Franquis

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La de Imeldo es una técnica única y personal. Los materiales que utiliza son colores a la cera sobre papel de grandes dimensiones; su trabajo está basado en el detalle que exige la figura y la geometría. En su temática hace una reflexión sobre la humanidad a través del tiempo, en cómo se ha ido adaptando o reaccionando ante tanta modernidad. Sus últimos trabajos se refieren a los códigos BD, ya sea como motivo principal de la obra o como fusión entre la figura y el mismo. Natural de Santa Cruz de Tenerife (Islas Canarias). Estudios de dibujo artístico en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Santa Cruz de Tenerife, con el profesor D.Álvaro Fariña, iniciándolos en el año 1.958. Dibujo y pintura en el Instituto Parramón de Barcelona, finalizando los mismos el año en el año 1.969, con la calificación de sobresaliente. Estudios de música en el Conservatorio Profesional de Música y Declamación de Santa Cruz de Tenerife.

David. 90x90 cm Óleo / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Código BD con César Augusto. 119x96 cm Óleo / lienzo

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Beatriz Diaz Horcajo

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Beatriz Díaz Horcajo, Madrid 1966. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, compagina su trayectoria artística con su función docente. A partir de su trabajo incansable, la observación atenta del mundo que le rodea y la armonía de sus composiciones, busca transmitir sensaciones, intenta captar los gestos y la expresión de los rostros, el movimiento de las figuras, aportar siempre un toque de humor, incluso a veces rozando el absurdo. En su obra han variado a lo largo de los años la paleta de colores, los temas, las técnicas, los soportes... Actualmente se dedica sobre todo al collage, al que incorpora junto al papel, textiles y cargas, pero sigue y seguirá investigando constantemente con nuevos materiales para evolucionar, para seguir aprendiendo y enseñando, para que la ilusión con la que muestra su visión del mundo, regale a quien la contempla un segundo de emoción, una sonrisa, un instante de calma, alegría o felicidad. Su pasión por el arte y la vida marcan el objetivo por el que no deja de luchar cada día: Emocionar desde la sencillez. M.L. Morcillo Mestre, directora de Espacio Creativo de Villanueva

Madre Teresa. 140x140 cm Mixta / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Madrid. 195x195 cm Collage

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Javier Diez

La investigación estética de Javier Díez se basa en la realización de múltiples variaciones del tema elegido alejándose, progresivamente, de las formas de las que parte y recorriendo caminos por los que antes no había transitado.

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En este caso concreto se trata de un nuevo acercamiento a la pintura española por excelencia, de la que todos nos sentimos herederos, como es la obra de Velázquez, en su época italiana, en obras como son La túnica José, La fragua de Vulcano,etc, de la que nos presenta alguno de sus múltiples trabajos. Desde el respeto y la señalada admiración que profesa por esa obra, se introduce en un mundo, que refleja en su pintura, de cuerpos humanos, en grupos que viven intensamente su instante vital. Javier Díez reconoce, analiza, interpreta, investiga en distintas direcciones ubicando los elementos en los lugares precisos, buscando las relaciones íntimas entre los elementos, eliminando los ruidos innecesarios de la escena hasta formar un lugar para el desarrollo de sus personajes. De forma en que, su propuesta estética, funde su pensamiento ordenado y riguroso, contrastando con los modelos que analiza, para crear su propia obra; consiguiendo imágenes de gran fuerza visual que nos acerca a la armonía cromática que está presente en toda su obra.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Sombras en la fragua de Vulcano. 50x70 cm Acrílico / lienzo

Formas en la Túnica de José. 50x80 cm Acrílico / lienzo

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Federico Eguia -

Siento predilección por la materia y el tacto -

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Siento predilección por la materia y el tacto, pudiéndose apreciar esto en todas mis obras ya que juego con los soportes que son capaces de provocar diferentes texturas y sensaciones. El empleo de la materia e incluso su ruptura caracterizan perfectamente mi obra. Y a pesar de que forma parte de un experiencia personal, está inspirada en la pintura que realizaban tanto Tápies como Lucio Muñoz. La conjugación de la palabra o de la literatura con el arte conceptual es un elemento clave en mi obra. Juego con la palabra para que se integre en la obra formando parte de ella, los versos de Vicente Aleixandre, Luis Cernuda o incluso propios. Tal y como muestro en mis obras soy amante de la poesía ya que forma parte de mi vida y los poemas que elijo siempre están dotados de cierto significado personal.

Cándida Blanco. 50x35 cm Técnica Mixta

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Huellas. 50x35 cm Técnica Mixta

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Carmen Espìnosa Soto -

Alejarme de la soledad para encontrar el camino en mis manos -

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Nace en Tomelloso (Ciudad Real), pueblo de grandes maestros. Se inicia primero en pintura, y por ser persona inquieta, en cuanto a todo lo que le rodea, decide trabajar el barro, material en el que encuentra una libertad desbordante para su imaginación y creatividad, que es viva y permanente. Actualmente, su trabajo se centra en moldear arcilla refractaria combinándola con elementos de acero inox y cortén. Del proceso resultante se crean piezas sólidas, elegantes y cuya sencillez acaricia la vista.

Fuente de Energia. 70x45x15 cm Acero corten acero inox.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Energia. 36x32x7 cm Ceramica Refractaria acero inox.

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Juan Luis Estévez -

Otro (Herrero) fabulador Juan Luis Estévez (Madrid, 1960). Forjar y dibujar son artes próximas; sólo el volumen los separa”. Puesto que, al cabo, forjar es dibujar formas en el hierro con el golpe del martillo, para después delinear el espacio.

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Trabajo constante de Estévez en el mundo de la escultura, como señalábamos también tiempo atrás refiriendo las “joyas terribles” realizadas por este artista tentador de formas surgido de los estudios tradicionales de escultura y del bullicio de los multicolores años ochenta en Madrid.

Mucho del trabajo de este, nuestro viajero en el espacio, tiene por objeto la citada meditación sobre la creación, desde un punto de vista contemporáneo mas sin abandonar, jamás, el legado de la escultura del siglo veinte que parecía proseguir la estela misteriosa de los viejos forjadores del espacio, heredando la tradición casi sacral -de hierro y herreros- en la historia de las civilizaciones. ALFONSO DE LA TORRE Textos del catálogo ROJO CEREZA

Acero forjado 19. 19.5x48.5x24 cm Barra de acero

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Acero forjado 3. 40x62x25 cm Barra de acero

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Ángel Fuster

“No busco el color simbólico ni el imitativo. Busco el color por sí mismo, solamente sujeto a las relaciones de armonía propias de cada cuadro.

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Esto crea una tensión, un frágil equilibrio entre las formas figurativas sugeridas y las que impone el diseño bidimensional de la composición. Y al final el cuadro será una superficie plana cubierta con colores para despertar una sensación en el espectador”.

S / T. 92x73 cm Óleo / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 100x81 cm Óleo / lienzo

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Menchu García

El arte para mi es la válvula de escape a las emociones más profundas.

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Desde niña tuve la necesidad de expresarme creando. Al crear una nueva obra rompo mis cadenas interiores, mis miedos. Abro la puerta de mi imaginación y extiendo las alas a la inspiración. Reflexiones no es un juego al azar, mi trabajo es un continuo esfuerzo por vencer todos los obstáculos que van surgiendo. En esta colección medito sobre los problemas personales, los de pareja y familia y la necesidad de la espiritualidad. Llevo treinta años trabajando el barro y otros materiales. Me apasiona experimentar constantemente introduciendo: cristal, hierro, creando mis propios engobes y esmaltes, combinado las atmosferas del horno de cocción, usando distintas técnicas para cada pieza. En mis últimos trabajos mediante texturas pretendo que cada pieza tenga su propia piel. Escultura es algo más que arte, es la huella del alma del artista que lo hace.

Reflexiones Barro. 54x45 cm Hierro cristal

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Reflexiones. 40x50 cm Barro y hierro

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Nisa Goiburu

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Nisa Goiburu, (Ordizia, Guipuzcoa). El proceso creativo de Nisa Goiburu se enmarca en la Antropología estética como método etnográfico de investigación estética y de la homonización representada actualmente en todas las culturas. Pone de manifiesto el valor de los procesos artísticos, tanto en la investigación como en su transferencia. Creadora y pensadora, nos plantea a través de su trabajo una mirada distinta al arte. Una mirada poética, una mirada de integración del hombre en la naturaleza. Cada una de sus obras es un espacio completo de trabajo, con comienzo y fin, que a la vez se integra como parte de una secuencia mayor con conclusiones mas extensas, formando parte del bloque completo que es el proyecto. El proceso investigativo de Nisa le va llevando a diversificar los medios, al tiempo que va integrando nuevos lenguajes en sus obras. Estos nuevos lenguajes se van extendiendo desde el cuadro hacia la escultura, la instalación, la poesía, la performance y de ahí la colaboración con otros lenguajes mas allá de lo visual-plástico para entrar en la expresión musical y corporal. Su arte es polifacético, a la vez que ecléctico, “esa creatividad que la inspira le ha permitido romper amarras con lo que tenía ya aprendido, adentrándose en ese mar de fondo que es el verdadero arte”... En estos momentos, a través de las imágenes de las mujeres que representa, muestra a la mujer en las formas mas características y poéticas de su naturaleza, ademas, adentrándose en la introspección mas profunda de su memoria.

Mana la vida. 130x97 cm Mixta / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Las pisadas sutiles. 80x80 cm Mixta / lienzo

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Federíco Gómez

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No es mi intención, porque no es posible, es obvio, devolver la vida a unos seres que ya la han perdido; pero si lo es abrir un pequeño paréntesis en el tiempo y prolongar algo más su permanencia entre nosotros, con el único fin de abrir una pequeña reflexión sobre su existencia – necesaria y vital siempre – junto a la especie humana. La mayor parte de los árboles que forman esta exposición han sido talados sin aparente justificación salvo la subjetividad de algún humano, tan solo tres de ellos, han perecido por agentes naturales. Algunos ya han cumplido con creces su proceso reproductivo, y nos han aportado lo que han podido, sombra, flores, frutos….oxígeno; pero aún así, todos han dejado de existir como árboles a una temprana edad –si consideramos la longevidad que pudieran haber llegado a alcanzar- . Me gustaría, que la observación de estas piezas no quedara solamente en la contemplación de un objeto sino que se dirigiera hacia una comprensión más íntima de estos seres; en algunos casos, el título puede ayudar, y en otros, la propia esencia de la pieza espero que pueda conducir a dicho fin.

Entrando en el bosque. 210x80x70 cm Chopo negro

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Perla del bosque. 220x60x70 cm Nogal

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Carles Guitart

El espacio es geometría, o, al menos, podríamos describir un espacio mediante una lírica geométrica.

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La poesía que aporta el color, el contraste tonal, la yuxtaposición de colores fríos y cálidos, puede llegar a esbozar una descripción de un lugar, o quizás, tan sólo el resumen de un momento, el recuerdo de un recuerdo imaginario. Si reescribiéramos las definiciones de las formas geométricas, se podría llegar a admitir como geometría incluso formas de contornos imperfectos, formas que potencian la esencia de la geometría mediante el elogio de su imperfección, de la irregularidad que delimita áreas y hace aparecer espacios autónomos, pero conectados, y dependientes.

Llums. 100x100 cm Mixta / tela

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Din A4. 100x100 cm Mixta / tela

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Viet Ha Tran -

El lago de loto Vietnamita de origen y con residencia en Madrid, Viet Ha Tran es autodidacta. Su obra se ha publicado en más de 50 publicaciones en varios países como tales Vogue Italia, Vietnam News, Photography MasterClass Magazine, Visual Artistry Magazine, entre muchas otras.

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Posee una marcada influencia del romanticismo. Sus instantáneas son tomadas con un minucioso detallismo, extracción del sentimiento e intimidad feminina, la realidad de los sueños, pura poesía fotográfica. Sus fotos pinturas capturan un momento efímero, de las emociones femininas fluyendo por el río del tiempo. Como la realidad juega al escondite con la fantasía, es un reflejo de los volátiles estados grabados en el permanente cambio. Quedando semifinalista en los premios de fotografía española Canson Infinity 2013, consiguió el galardón ese mismo año a la categoría de Menciones Especiales en el International Photography Awards. En 2014 su trabajo continuó el sentido ascendente consiguiendo ser fotógrafa de “Talents Shooting”, promovida por Vogue Italia, y ser expuesta de forma digital en la prestigiosa Galería Saatchi de Londres. Este mismo año también participó en la Brighton Photo Biennial, uno de los mayores festivales fotográficos del Reino Unido. Actualmente, es artista representada por dos galerías de arte de Paris. Estas fotos son parte de la serie “El Lago de Loto”, ganadora de la Mención de Honor en el International Photography Awards 2013, Los Angeles, EEUU. La serie representa la belleza divina y el coraje de las mujeres asiáticas que luchan por mantener el puro corazón a pesar de las mareas e obstáculos de la vida. La flor de loto, además de ser el símbolo de unos países asiáticos dónde el budismo es la religión nacional, significa pureza espiritual. El el simbolismo budista, el significado más importante de la flor de loto es la pureza del cuerpo y del alma. El agua lodosa que acoge la planta está asociada con el apego y los deseos carnales, y la flor inmaculada que florece en el agua en busca de la luz es la promesa de pureza y elevación espiritual. El lago de loto II. 90x60 cm Fotografía

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

El lago de loto I. 46x68 cm Fotografía

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Carlos Iglesias

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Yo digo: respiran. Las aristas vivas, el óxido, las curvas trazadas entablan una relación con el aire. Éste entra, circula, llena el vacío cercado por el hierro, se apoya en él, obliga al vigoroso metal a hablar de sí mismo con cierta levedad. Quizás no haya impostación tal como reflexionar a propósito de un valor absoluto, del espacio, mediante una muestra de él acotada y ordenada arbitrariamente. Y sin embargo yo digo: éstas son unas geometrías orgánicas, contienen esas batallas de fuerzas contrapuestas que alientan el devenir, reflejan los oxímorons y contradicciones que generan la verdadera armonía. Contienen a Heráclito. La vida. Son estructuras estáticas capaces de mentir, de que persigamos con la vista líneas que, al mismo tiempo, podrían encontrarse y cerrarse, o perderse en el infinito, de insinuar un movimiento que no llegará. Yo digo: sus esculturas saben lo que han de contar porque respiran. Alejandro Narden, 2014

Moái. 207x40x35 cm Hierro oxidado

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 90x68x40 cm Hierro oxidado

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Mirai Kobayashi

Mirai Kobayashi (Japón, 1978). Reside en Madrid desde los dos años desarrollando una temprana afición por el mundo del arte y en concreto por la pintura: “Desde que tengo uso de razón estoy en este mundo, y no he conocido otra praxis que no sea esta”

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Mi obra hasta ahora ha pasado por varias etapas, pero siempre había tenido un objetivo, que era aunar la composición oriental y la occidental, la expresión tiene que ver con mi ser ya que soy bilingüe y estoy inmerso entre esas dos culturas, de la parte occidental clásica cogí la estructura, que también se puede ver en las líneas o vectores que componen el espacio, por la parte oriental he incluido la coreografía típica de la tinta china en la escritura caligráfica Japonesa y los diferentes recursos como la simplicidad y usar el espacio en blanco como parte de la composición. Mi día a día también se manifiesta en la obra incluyendo en ella números, motivos científicos como el ADN muecas al café que uso como ritual para pintar mi cuaderno en donde las pequeñas figuras que posteriormente ocurren en la obra son creadas. También uso los panes (finos papeles de metal) como recurso para el acercamiento a Japón y como concepto de color absoluto (ya que un metal pulido refleja mayor parte de la luz de forma unidireccional. Creí y sigo creyendo que el informalismo materico o en el ámbito abstracto le faltaba la representación de la sensación de uno de los tres mayores estados de la naturaleza, el líquido, ya que los artistas matericos occidentales si se centraban en el sólido, arena, piedra, madera, tierra, que son materiales muy vinculados a España y representado por los artistas de aquí, en la parte oriental si existía el líquido que con ello se ha pensado desde los ancestros, pero le faltaba la estructura, es ahí donde pensé que podía hacer algo original aunando estas dos disciplinas por que poseo la capacidad gracias a mi condición de entender las dos de un punto de vista más integrado.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 100x80 cm Mixta / tabla

S / T. 122x122 cm Mixta / tabla

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Arturo Martín Burgos

Licenciado en Bellas Artes en 1980 en Madrid. Ha recibido clases de, entre otros, los artistas Darío Villalba, Manolo Valdés y Dis Berlín. Ha realizado numerosas exposiciones en España y en el extranjero, recibiendo múltiples premios y menciones.

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La música es una parte esencial de su vida tanto en su faceta de intérprete como en el ámbito de la creación pictórica en el que compositores como Messiaen, Webern, Bartok o Mompó, entre otros, han sido muchas veces origen y fuente de sus trabajos. El resultado es un “espacio sonoro” con una profunda perspectiva que arranca la emoción de las piezas, espacio que Martín Burgos también traduce en su trabajo como escenógrafo donde su obra adquiere una rotunda materialidad. Presenta en esta muestra la serie basada en el OPUS 26 de Max Bruch.

Opus 26 Max Bruch. 65x50 cm Mixta / papel

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Opus 26 Max Bruch. 81x100 cm Mixta / lienzo

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Francisco Martín Villarrubia

Trabajo en el campo del arte abstracto y en el límite donde se encuentran la geometría y las formas orgánicas. Utilizo diversos materiales y soportes.

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Francisco Martin Villarrubia, ingeniero por la Universidad Politécnica de Madrid. Y máster en Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense. Expone regularmente desde 1983 en exposiciones individuales y colectivas.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Singularidad 1/9. 156x156 cm Mixta / tabla

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Susana Martín Villarrubia

Susana Martin Villarrubia, Arquitecta, diseñadora y artista plástica multidisciplinar.

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Su trayectoria profesional se desarrolla principalmente en España, Estados Unidos e Italia. Sus trabajos se enmarcan en diferentes campos creativos: Arquitectura, diseño, arte digital, fotografía, pintura y escultura. Diferentes premios y reconocimientos internacionales y nacionales en diseño, diseño textil, pintura, fotografía y obra digital. Diversas exposiciones en España, USA, Italia y Alemania.

S / T. 90x30 cm Mallas elásticas sobre diversos soportes

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 35x70 cm Mallas elásticas sobre diversos soportes

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Martmina

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“Transparencia y ligereza… gasa, organdí o muselina… un soplo de polvo, como alguien los quiso denominar una vez…tutús.Los recuerdos y las sensaciones habitan en nuestro interior como velos transparentes que el paso del tiempo se encarga de hacer caer sobre nuestra alma “Martmina. Las obras que presenta Martmina están realizadas en técnica mixta sobre tabla, profundizando en el mundo de las sensaciones y los anhelos del ser humano. Libélulas, mariposas, insectos que siempre proliferan en sus obras como símbolos de libertad, de belleza, de transformación interior, de amor por la vida… Un homenaje a la Naturaleza, un canto a la vida y a lo trascendente que habita en el interior de las cosas. “La obra de Martmina está elaborada bajo el prisma de un sentido artístico totalmente contemporáneo, exquisito y sensible… Para la concepción de esta serie la artista utiliza en el dibujo y en el color, un rico y lírico simbolismo, convirtiendo su contenido en una sublime reminiscencia, que incita a reflexionar en un cosmos plagado de interioridades y de misterios…. En sus obras la sensibilidad fluye como agua de un manantial. Una conciencia sensitiva de la naturaleza es la base de su arte, para invitarnos a detenernos en el tiempo, en las prisas y gozar en silencio de la tranquilidad tras el tumulto”. Marta Teixidó Crítica de arte S / T. 100x81 cm Mixta / tabla

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 100x81 cm Mixta / tabla

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Rafael Morera

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Rafael Morera ( Cheles, Badajoz, 1956). El planteamiento expresivo que propone el artista extremeño viene marcado desde temprana edad, por su afición por el mundo del arte y más concretamente por la pintura, por una búsqueda constante de su definición estética personal que desarrolla fruto de una larga conversación con la imagen y el tratamiento de diferentes formas de representación. En su obra se aprecia una continua investigación, que busca la realización a través de experiencias intuitivas y pasionales, dando lugar a composiciones sorprendentes, sin que haya referencias concretas a la realidad, pero que muestran universos nuevos y prodigiosos, en donde la pintura se expresa por si misma sin necesidad de argumentación alguna. Su proceso creativo, propone una manipulación técnica de los materiales a los que somete a múltiples transformaciones, en donde existe una paradójica mezcla de libertad vital y control racional. Este escenario da lugar a la creación de una rica paleta de sutiles degradados, y una etérea delicadeza de las formas que descubren nuevas variaciones cromáticas, texturales y compositivas. Todo surge de la necesidad de crear una obra que refleje un mundo personal, donde se muestren experiencias vitales que sirvan para profundizar en el propio conocimiento y que trascienda fuera de los propios límites, mostrando una expresividad estética que sea capaz de emocionar al espectador.

Pintura 243. 104x80 cm Acrílico / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Pintura 269. 104x80 cm Acrílico / lienzo

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J. Morgan -

Un alfabeto particular -

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Utilizando un elemento que se encuentra al alcance de todos realiza toda una serie de variaciones que guardan, de alguna forma, no el experimento, pero sí la búsqueda. Desde su lógica de artista para Morgan se trataba de encontrar una serie con un elemento común, y compartido, un elemento conocido, para luego ocultarlo y de nuevo para volver a descubrirlo. De la A la Z, y de uno a otro signo, el alfabeto representa un grupo o sistema de elementos cerrado en si mismo, y con una coherencia abierta y de posibilidades infinitas. Y si en lo literario dichas posibilidades se prestan a la combinación infinita, al significado y al juego, un pintor con ideas como es Morgan se encarga de mostrar que su desnuda estética permite y sugiere a su vez un juego visual múltiple, y que a la vez parece simple pero lo suficientemente atractivo, atrayente e interesante. Margarita Iglesias (febrero 2009)

Sin título. 40x40 cm Acrílico / lienzo y tabla

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

W. Obra gráfica. 110x140 cm Serigrafía. 1/5 / papel arte

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Teresa Muñoz García

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Las obras que aquí presento son planetas, pero no planetas que están flotando en el universo, son mis planetas, ellos están flotando en mi imaginación y representados en la realidad de una tela plana, a la que añado mis tres dimensiones, para dejar constancia de la ficción de la representación, del espacio y del tiempo. Una representa el agua”H20”, la luz, el agua y la vida. La otra es la tierra “El Aleph”, que tiene como base la recreación de uno de los cuentos de José Luis Borges, releyendo uno de ellos, mi imaginación forjo una imagen que era un punto brillante, que emanaba del fondo oscuro de una caverna, un punto de luz mágico y simbólico, un enlace entre la tierra y el universo, donde la magia se transforma en luz y fantasía.

H20. 80x80 cm Mixta / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

El Aleph. 80x80 cm Mixta / lienzo

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Ignacio Ormaechea

Estas esculturas surgen de dibujos de formas geométricas trasladados a aluminio, metal que ha sido trabajado hasta ser convertido en un soporte tan delicado como una piel de luz, que acoge y refleja profundidades, espacios, luz y color.

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Son obras que parten de planos plegados de metal enfrentados de diversas formas hasta crear volúmenes abiertos y perspectivas visuales gracias a las líneas, el color y la luz. Estas obras son el resultado de las relaciones entre el volumen y la estructura de sencillas composiciones cuyas formas, espacios, volumen y luminosidad son sublimados por la materialidad del aluminio. El color de algunas esculturas es utilizado para destacar el volumen interno y externo de la pieza, su luz, su fragilidad, su entidad…

Sin título. 125x75x32 cm Aluminio y esmalte

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Sin título. 96x57x19 cm Aluminio y esmalte

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Cesar Orrico

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César Orrico, nace en Logroño en 1984. En 2007 se licencia en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid con Mención Honorífica por el Premio Nacional de Licenciatura. En 2008 finaliza sus estudios en el Master Oficial de Posgrado en Arte, Creación e Investigación por la Universidad Complutense de Madrid. Entre sus premios y becas destacan: Mención Honorífica en el V Premio de Escultura Ciudad de Badajoz y la Beca Residencia para Jóvenes Creadores, Fundación Antonio Gala. Además, ha sido varias veces Becario Honorífico por la Universidad Complutense de Madrid. Obtuvo el primer Premio de la Facultad de Bellas Artes en la Beca de Ayllón (Segovia). También difrutó la Beca Iniciación a la Investigación con el proyecto: Nuevos Planteamientos de materiales industriales. Materiales definitivos y directos en el lenguajes expresivo de las Bellas Artes por la UCM. Ha participado en Proyectos multidisciplinares como el realizado entre las facultades de Biología y de Bellas Artes de la UCM en la realización del monumento Doble hélice del ADN, que se presentó posteriormente en la V Semana de la Ciencia. Y en el proyecto de investigación de la reproducción de un esqueleto de ballena con materiales no contaminantes en el Parque Biológico de Faunia de Madrid. Ha expuesto en ciudades nacionales e internacionales como Gerona, Irún, Madrid, Pamplona, Córdoba, Vigo, Marbella o Brujas (Bélgica), Sao Paulo (Brasil), Lamay (Perú) y Reykjavik (Islandia) entre otras. Su obra forma parte de varias colecciones privadas.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Edith. 180x40x40 cm Piedra artificial, hierro y madera

Hikari. 173x40x40 cm Piedra artificial, bronce, hierro y madera

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Fernando Palacios -

Floto lo que veo -

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En lo concerniente a la obra de Fernando Palacios cabe atribuirle desde ciertos presupuestos teóricos hasta el intercambio de conjeturas, suposiciones y sospechas. Lo que, por el contrario, no corresponde es negar las cualidades intrínsecas de lo que llega a la mirada como una aleación cromática y rugosa, fluida y escarpada a la vez, acrisolada y acendrada, que son paisajes que no nacen en la significación sino que atajan a través del proceso del significado. El hacer visivo ya es por si mismo la noción y no la causa. Concebir desde esas percepciones, en que la materia es transfiguración y aura de la tierra aireada por el transcurso de un tiempo omnipresente, requiere una aptitud transmutadota, un don creativo cuya intuición descansa en la pigmentación serena y contemplativa de una quietud que espera el instante de una nebulosa perenne. “La memoria del hombre se puebla de fantasmas, el silencio presagia la lividez hiriente, descarnada, del grito, y ya no queda espacio donde vagar los sueños, dejados dulcemente al margen de las cosas” (Idefonso M. Gil) Gregorio Vigil-Escalera Miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte AECA Dispersión Material. 100x100 cm Mixta / tabla

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Mundos Esféricos. 100x100 cm Mixta / tabla

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José Antonio Palacios

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José Palacios es un artista moderno que ha sabido nutrirse del arte que mantiene sus cualidades estéticas por encima de las modas. Sus coloristas composiciones pictóricas representan escenas con un trasfondo escénico clásico , haciendo convivir cómodamente sus peculiares figuras con algunas dosis de abstracción y efecto cuasi-estroboscópico en ocasiones que les confieren gran dinamismo. “ Para mi, el cuerpo humano es mi mayor fuente de inspiración, en el veo arquitectura y naturaleza “ Comenta José Palacios en su céntrico estudio de Madrid. La efusividad que distingue la obra de Palacios y su interacción con la figura y el espacio que enmarcan sus escenas, nos muestra que es un infatigable viajero por la anatomía de las cosas y, sobre todo, por la de la figura humana, a la cual despedaza, cuartea, deforma y fusiona de manera inteligente y creativa en un sinfín de posibilidades. Sus obras defienden a menudo lo cotidiano dando un toque mistérico a cada episodio. Ante sus lienzos, el espectador no puede menos que maravillarse con la ejecución pulcra a la hora de diseñar los espacios, los fragmentos de electrizante colorido y su armoniosa desenvoltura. Contemplando sus obras siempre nos envuelve la euforia que desprenden sin dejar margen para la indiferencia.

Tina. 95x125 cm Acrílico / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Maja. 120x165 cm Acrílico / lienzo

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PASTRON#7 -

Presenta Durán Arte y Subastas -

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PASTRON#7 comenzó bailando break en 1984, es escritor de graffiti, realizador, profesor y fotógrafo. Es autor de la primera Tesis Doctoral sobre hip hop. Ha trabajado en cine en el departamento de arte. Es autor de varios libros y ensayos sobre la cultura hip hop y conferenciante habitual en jornadas culturales. Imparte también talleres relacionados con el hip hop a jóvenes. Practica el graffiti original, inspirado en el Nueva York de los 70 y 80, pero llevándolo a su propio estilo. La tipografía y la limpieza en el trazo es su obsesión.

S / T. 150x80x40 cm Graffiti / mueble

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 160x80x50 cm Graffiti / mueble

S / T. 160x45x70 cm Graffiti / mueble

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Jesús Peña Castrillo

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Jesús Peña Castrillo, (Ampudia, Palencia) y afincado en Boadilla del Monte. Nos presenta una obra cargada de simbolismo. Casi nada es lo que parece. Una manera distinta de observar la realidad, donde a veces, imágenes y objetos cotidianos cobran vida para semejar lo que no son y nos transportan a otras realidades. El artista utiliza un formato cuadrado, poco habitual y atrevido, por la complejidad que conlleva, a veces, conseguir un buen equilibrio en la composición. Victoria de Samotracia: Siempre alada. Ahora también calzada. Así protege sus ligeros pies cuando por tierra se desplaza. Venus de Milo: Serena y tranquila. Pero… con tal fuerza, que podría arrancarse por bulerías.

Venus de Milo. 90x90 cm Fotografía

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Victoria de Samotracia. 90x90 cm Fotografía

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Puell

“Siempre inmersos en la búsqueda del origen del último resplandor procedente del fondo cósmico, nos olvidamos de la conexión del universo con lo divino y de la chispa de luz perpetua que brilla en nuestro interior.

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Expandiéndose desde la fuente primordial, la luz envuelve en sutiles velos todo lo creado, danzando de forma misteriosa por el espacio-tiempo.” Con amor PUELL

Mitoconria Universal. 189x189 cm Mixta / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Alumbramiento. 189x189 cm Mixta / lienzo

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Javier Rego

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Javier Rego, (Madrid, 1994). Persona de sensibilidad e interés en todo lo relacionado con el arte, comienza su andadura artística de forma autodidacta a través de la fotografía. Esta disciplina la viene desarrollando desde muy joven, perfeccionando todas sus técnicas y vertientes. Sin jamás haber abandonado esta manifestación artística, la alterna posteriormente “COLLAGE MATÉRICO Y ACENTUADO” en el que se pueden apreciar influencias “ NEODADAÍSTAS” y “DEL ARTE POVERA”, así como de los grandes maestros Antoni Tápies, Antonio Pérez y Kurt Schwitter, de los que el artista se declara fuertemente deudor. El camino seguido por Rego y su manifiesto eclecticismo no podía desembocar, sino en la búsqueda de la tridimensionalidad, expresada a través de la escultura –disciplina en la que Rego brilla con luz propiaAl conseguir crear un diálogo entre los materiales que la conforman, logrando que la cualidad orgánica inherente en la madera sea transmitida sin estridencias ni sobresaltos a los metales que la abrazan, rodean y en ocasiones rebosan de su interior. El resultado de su esfuerzo creador y el reflejo de su mundo interior, le ha llevado a realizar varias exposiciones obtener diversos premios y a realizar sus primeras obras públicas.

El leñador. 22X25X13 cm Aluminio / madera

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Ángeles y Demonios. 140X84X20 cm Aluminio

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Astrid Reichel

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Astrid Reichel, (Hannover, 1961) viene desarrollando una pintura libre, muy personal y de alto valor expresivo. Aunque su arte parte de una sólida base académica, de la precisión del diseño gráfico y el dibujo, en sus inicios su pintura pronto dio un giro de 180 grados. Su inquietud por explorar nuevas formas de expresión la llevan a un plano de búsqueda y experimentación con la materia. La materia definirá su estilo, identificará una obra que se mueve entre el expresionismo abstracto y el informalismo, llevando el juego materíco por distintos causes sorprendiendo al espectador por sus diferentes resultados. Su trabajo puede pasar de las sobrias formas de relieves naturales o ricas texturas realizados con pigmentos, arenas, tierras, papel y otros materiales que forman capas con superposiciones incrustadas sobre la madera o el lienzo, a la mancha y el juego de líneas de impactantes y enérgicos colores, trazados con rápidas intervenciones de acrílico sobre el papel aplicado con un rakel o escurridor. La esencia de su obra reside en dar rienda suelta a la creación espontánea, sin la idea premeditada del objeto concebido. Su proceso, siempre dinámico y directo para permitir que los sentimientos se conviertan en forma y color. Astrid afirma “Quiero crear un polo contrario a una sociedad cada vez más intelectualizada, un contrapeso a nuestra vida actual dominada sobre todo por nuestro raciocinio y devolverle un papel importante a los sentimientos y a la intuición.” Astrid Reichel Licenciada en Diseño Gráfico por la Escuela Superior de Bellas Artes en Braunschweig/ Alemania, actualmente vive y trabaja en Potsdam, Alemania.

In den Himmel (Hacía el cielo). 42x29,7 cm Acrílico / papel

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Wellenbrecher (Rompeolas). 21x29,7 cm Acrílico / papel

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Helena Revuelta

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Sus tanteos en búsqueda de las técnicas imprescindibles en algunos talleres, una más reglada formación en la Escuela de Artes y Oficios de la calle de la Palma en Madrid y unas primeras aproximaciones, idealizadoras y arrebatadas, a la obra de pintores tan distantes entre sí como Van Gogh o Francis Bacon, serían los antecedentes de la figuración de naturaleza inquietantemente surreal que va a calificar la pintura de Helena Revuelta, en la que los significados sugeridos u ocultos tendrán tanta importancia como el deleite o la intranquilidad visual con que alerta la mirada del espectador. De “proyecciones de una realidad sobresaltada y de subversión de la racionalidad” la calificó algún crítico, tal recoge la monografía “Lo que ayer era verdad hoy es desilusión” que Antonio Leyva dedicara al estudio de su obra. La trayectoria de esta joven pintora, con no muchas pero ya prometedoras y significativas apariciones públicas (Madrid, Miami, Nueva York…) confirma la singularidad de su lenguaje, radicalmente ajeno a los purismos estéticos en vigencia y a las normativas que hacen homogéneo y repetitivo gran parte del arte de nuestra contemporaneidad. Su experiencia estética personal, en la que contradicción y vehemencia se alían para poner al descubierto las herméticas y tantas veces inaccesibles oscuridades en las que se refugian las conturbaciones que singularizan los sentimientos, está sólidamente engarzada a un impreciso pero muy decisivo y elocuente aliento poético en pugna con la prepotencia mediática y tecnológica. Estas vacilantes categorías mentales, que se traducen en la invención de un lenguaje no contaminado por adherencia cultural alguna, determinan la naturaleza enigmática de la obra de Helena Revuelta y la consideración de metamorfoseada refracción de la realidad interna y del entorno envolvente en que se sustenta. Antonio Leyva De las Asociaciones Españoles e Internacional de Críticos de Arte

S/T. 160x80 cm Óleo / tela

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Perfecciones inconscientes VIII. 146x114 cm Óleo / tela

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Leticia Reyero -

Quaerere o la constante búsqueda Leticia Reyero (Madrid, 1983). Escultora licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2008). Máster en Arte, Creación e Investigación por la Universidad Complutense de Madrid (2009).

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“Entiendo el arte como una forma de expresión y comunicación imprescindible para la existencia, por eso el arte es dar forma al pensamiento abstracto. Así como es un medio de aprendizaje y conocimiento de la vida, en constante búsqueda. Cada obra por tanto, representa un concepto, una inquietud personal que surge en el interior y debe ser manifestada a través de la obra, para estar en consonancia con uno mismo.

Formamos parte de este mundo y de esta sociedad, vivimos aquí y ahora. Por ello, lo humano y todo lo relacionado con el ser, la existencia, las emociones, la sociedad y los sentimientos…es decir, la humanidad, lo que somos; son los temas trabajados. Centrado en torno al concepto de vacío y de la búsqueda que hace el individuo para encontrar su posición y lugar en la realidad que le rodea. Así desde un análisis del exterior, comprendemos los procesos que nos van configurando y que debemos tratar en nuestro interior, en una constante búsqueda del ser y de la vida a través de la experiencia”.

Healing II. Lágrima suspendida. 55x38x15 cm Cerámica y cuero

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Entities. 180x60x170 cm Escayola policromada lacada

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SFHIR -

Presenta Durán Arte y Subastas Hace 15 años que declaro la guerra a muros grises y paredes inhóspitas. Juego a colorear el mundo con mis manos, a dar luz a rincones sombríos y belleza al cemento.

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Nunca quise jaulas ni barrotes, ni encarcelar el arte y privarlo de todos. Para verlo no hace falta entrada ni una guía que explique la obra. Porque el arte tiene que ser libre y llegar a todos los rincones. Respirar con la gente a su paso, no pudrirse en palacios de oro. Porque sueño que la calle es arte más allá de oscuras ratoneras, y mi spray un elixir de esperma que engendra vida en paredes enfermas.

S / T. 150x80x40 cm Graffiti / mueble

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

S / T. 150x80x40 cm Graffiti / mueble

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Pablo Tardáguila

El pingüino, especialmente el emperador, ha sido tema recurrente para la realización de libros, películas, documentales y canciones, que si bien forman parte de nuestro entretenimiento, muestran al mismo tiempo la difícil tarea de supervivencia de esta especie.

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Para sobrevivir en el ambiente glacial del continente Antártico ha experimentado diversas adaptaciones que le permiten contrarrestar la pérdida de calor. El cuerpo de estas aves está adaptado para regular su temperatura, es capaz de mantener su cuerpo a una temperatura constante sin modificar su metabolismo con temperaturas ambiente comprendidas entre -10 y 20°C.

Pero entre las fascinantes cualidades de este ave endémica de la Antártida no encontramos ninguna característica que la pueda ayudar a sobrevivir a una, cada vez menos, hipotética destrucción de su habitad por efecto del calentamiento global. Estudios recientes indican que el pingüino emperador podría ser llevado al borde de extinción hacia el año 2100 debido al cambio climático global. Puedo imaginarme como el padre pingüino le explica a su cría que son los últimos de su especie.

Pingüino Emperador. 64x50x28 cm Mármol negro y alabastro policromado (talla directa)

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Cria de Pingüino Emperador. 36x29x23 cm Mármol negro y alabastro (talla directa)

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Valsan

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Una única impresión de los reflejos de luz sobre el lienzo provocados en nuestra retina, nos guían hacia un espacio indeterminado de figuras multiformes, sin límites ni fronteras, desplegando sobre su permanente fondo blanco la facultad de crear lo que nuestra ilimitada imaginación nos proponga. DE LA COLECCIÓN 2015 “UN COLOR, INFINITAS FORMAS”.

Fusión. 116x89 cm Óleo / lienzo

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Anudados. 89x116 cm Óleo / lienzo

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Francisco J. Vaz

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Francisco J. Vaz desarrolla su actividad artística y profesionalen Badajoz, ciudad en la quenació y en la que se formó a nivel artístico entre 1972 y 1980,pasando por los talleres dedibujo, pinturay esculturade la Escuela de Artes y Oficios. Allí entró en contacto con el pintor y escultor Guillermo Silveira, que tanta influencia habría de tener en su desarrollo posterior. Tras algunas exposiciones colectivas y su primera muestra individual, en 1984, dejó en un segundo plano la pintura para dedicarse a la literatura, siendo fruto de esta decisión cinco novelas y numerosos libros de relatos. Aunque nunca del todo abandonada, hace unos añosretornó con fuerzaa la senda de las artes plásticas, participando desde entonces en varias exposiciones a nivel local (en 2011, 2014 y 2015). Con una obra eclécticamente asentada en la figuración y en unapropiacionismo declarado, y basada en la combinación de técnicas, los seres que pueblan sus obras “se manifiestan en suasombrosa no-expresión con una apreciacióndesviada de una realidad que, más allá de espantar, invita al espectador a participar de ella… (de modo que)el artistautiliza un enfoque existencialista para alternar entre el ser, el estar y la libertad quetrasciende desde su propia conciencia, para dirigirse hacia el mundo, hacia el público, y almismo tiempo encontrarse a sí mismo en sus obras”1. 1

(D. Arenas, AECA)as

Grupo familiar con la Duquesa Fea y la Montaña Santa Victoria. 53x38 cm Mixta / papel

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Grupo familiar con desnudo y cuadro de IlBronzino. 56x76 cm Mixta / papel

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Vicente Verdú

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Vicente Verdú declara que lo más parecido a pintar cuadros es escribir poemas. El poema, como el cuadro, se escriben a través de un callado diálogo entre la mente del autor y la emoción ante las palabras que emergen o, en la pintura, mediante el color y el trazo que se plasman. Durante este proceso, en parte inconsciente, al cuadro hay que dejarlo hablar y atender el estado de ánimo que va adquiriendo. Podría pensarse, con simpleza, que es el ánimo del artista quien conduce la obra pero es tan falso como petulante atribuirse la entera dirección de lo que pasa. Pasa lo que pasa porque el lienzo va pronunciándose con una autoridad propia y en colaboración con el estímulo que se le inculca. De ahí la gran experiencia que se siente al observar que un lienzo, aparentemente inanimado antes, cobra vida y, por si fuera poco, adquiere su particular y decisivo punto de vista. Vicente Verdú. Elche (Alicante, 1942), hasta hace unos quince años es reconocido, sobre todo, como escritor y periodista. Ha obtenido los premios más importantes tanto en una como en otra actividad. Anagrama, Espasa de Ensayo, Temas de Hoy para sus libros, y el Miguel Delibes, el Julio Camba o el González Ruano por sus artículos. Ha publicado una treintena de libros entre ensayo y narrativa y con la pintura ha realizado una docena de exposiciones en varias ciudades de España y una decena en Madrid. Igualmente, ha celebrado exposiciones en Ginebra, Cremona, Mónaco, Niza Bruselas, Insbruck, Hong Konk o Pekín. La buena crítica recibida ha avivado su dedicación pictórica que, de otra parte, practicó desde muy joven.

Azul. 116x90 cm Acrílico / tela

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Silla. 114x146 cm Acrílico / tela

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Esther Villar Calvo

Esther Villar Calvo, Pintora soriana residente en Barcelona. Sus cuadros, en técnica mixta, se inspiran en los ocres de Castilla y los azules del Mediterráneo.

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Sus obras de abstracciones y armonías insospechadas asemejan torbellinos orgánicos que bailan bajo cielos encaprichados, o quizás son vientos musicales que sublevan almas en floración… posiblemente marinas, todo es factible en sus creaciones.” “El color; los colores; fuertes, duros y cálidos, sentidos, naciendo de un mundo que sólo puede reproducir quien los tiene dentro o los ha interiorizado hondamente. Los paisajes (sobre todo los vinculados a momentos del día), muy logrados.” Avelino Hernández. Escritor

Fuerza Marina. 120x83 cm Mixta / tela

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Islas Medas. 100x100 cm Mixta / tela

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Paca Zaballos -

El espacio recorrido Propuesta-Concepto y percepción del espacio. Serie iniciada en el año 2010 que continua a través del tiempo su desarrollo e investigación hasta la actualidad.

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El Espacio Recorrido forma parte de una Serie de obras “esculturas y grabados” que representan recorridos en el espacio, sus estructuras se desarrollan variando la dirección aleatoriamente, se retuercen o se despliegan, buscan la luz y se sirven de su sombra. Las obras sugieren variadas posibles posiciones en el espacio, derivadas igualmente de los apoyos diferentes sobre el plano horizontal y/o vertical. Conforman diferentes visiones del espacio según las posibilidades desde las que se visualicen, apreciándose las variaciones en el espacio recorrido. Van y vienen, suben, se retuercen y varían su recorrido, se pliegan y se extienden. Estructuras planas que se pliegan en busca de direcciones estables, acomodándose al plano que las soporta tanto horizontal como vertical.

En la serie de obra gráfica, “Composiciones modulares” mantienen el mismo concepto que el desarrollado en la escultura. Comprende obras seriadas, formadas por módulos que forman composiciones únicas o variables, permitiendo diversos montajes, “serie ordenada” o “serie descolocada”. A su vez pueden realizarse su montaje como módulos unidos o espaciados. Las obras de grabado están realizadas sobre planchas de metacrilato y trabajadas con cloroformo como mordiente, y estampadas en papel Creysse.

El espacio se convierte en el contenedor y partícipe a la vez, el espacio atrapa a la obra. La obra se cobija en el espacio que la contiene, en una conjunción única. El espacio es el hábitat por el que circula la pieza escultórica, al igual que nosotros recorremos el espacio por el que habitamos, si nuestro cuerpo dejase una estela visible, ese espacio recorrido se convertiría en un enjambre de líneas que han recorrido y habitado dicho espacio. Las Piezas escultóricas sobre pared van sujetas con metacrilato y pasadores, las independientes van sobre soportes verticales u horizontales en el suelo. Piezas construidas en latón, cobre o acero.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Aceroinox-IX. 37x30x40 cm Lámina acero

Tr-aceroinox-III-color. 44x41x37 cm Lámina acero

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Espacios Especiales

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José Manuel Alonso -

Moda DEARTE Una mirada al futuro y un anclaje a la artesanía y a las emociones.

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Grandes artistas y jóvenes promesas cuya creatividad e innovación se descubren ante la admiración de la belleza de sus obras. Una delicia para el público y los amantes de la moda. Sin duda, “La moda hay vivirla y sentirla como un ARTE”. José Manuel Alonso Diseñador de Moda. Fundador de Alonsize

Artistas Moda DEARTE Bell&Howellery 1 AlpARTgata 2 Pepa Tocados 3 Cashela Spain 4 Alma de Cartón 5 Gabrielle Bcn Desing 6 Caridad León 7 Mundo Sona 8 Mar Cano Sombrerería y Tocados 9 MissBijoux 10

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

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Vinos DEARTE -

Vinos de Autor -

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Feria DEARTE presenta una colección de vinos de autor seleccionados mediante un concurso comisariado por la firma Clap & Wine. El objetivo del concurso, dentro de la categoría de calidad, es el reconocimiento al trabajo de elaboración del vino a través de su artista, el enólogo, asimilando el vino como su obra de arte, así como dentro de la categoría de imagen, el reconocimiento a la marca de vino y al diseño de la Etiqueta o Línea de envase, valorándose su realización por artistas plásticos. La cata de valoración organoléptica de los vinos tuvo lugar en Burgos el pasado 1 de Abril de 2015 a través de un panel de catadores profesionales siendo el Director Técnico del Concurso José Ramón Carlón y cuyo panel estuvo formado por los siguientes miembros: Pablo Ramos Navarro. Sumiller. Restaurante Azofra. José Cuevas Palacios. Sumiller. Tree Café. Mª Jesús Esteban Isas. Enóloga. Comercial Rudrón. Iñaki Ubierna Bilbao. Maître Restaurante La Galería. Diego González Barbolla. Sumiller. Restaurante El Huerto de Roque. Pilar Cruces Ibáñez. Sumiller. Directora Hotel Villa de Aranda. Javier Mayoral Santamaría. Sumiller. Restaurante Rincón de España César Arranz Hernandez. Enólogo. Bodega 3 Ases. Albanely Rosso Méndez. Sumiller. Restaurante Ojeda. Fernando Mayoral Santamaría. Sumiller. Restaurante Rincón de España. Jennifer Jaramillo Bajaña. Sumiller. Restaurante 24 de la Paloma. Clap and Wine, es una empresa de promoción internacional de productos gourmet con amplia experiencia en la organización de concursos de vinos y eventos a nivel mundial, habiendo sido la empresa designada para la organización del Concurso Internacional de Calidad e Imagen de Vinos de Autor y Vinos Singulares dentro de la XIV Feria Internacional DEARTE, Madrid, 2015, siendo dicho concurso el primer Concurso de éstas características.

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Clap and Wine son un referente a nivel internacional promocionando los vinos y gastronomía española siempre en armonía de obras arte, música, etc. para profesionales, medios de comunicación y publico final habiendo organizado multitud de eventos en Canadá, Estados Unidos, Perú, Republica Dominicana, Panamá, Guinea Ecuatorial, Holanda, Bélgica, Suiza, Austria, Liechtenstein, China, Japón, y un largo etcétera.

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Artistas de Dionís Bennassar

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La galería Dionís Bennassar, concebida como la casa de un coleccionista donde disfrutar de multitud de obras de diversos estilos y tendencias del arte actual, también alberga presentaciones, eventos, tertulias y charlas dedicadas a actividades muy diversas, pero íntimamente ligadas al arte y la cultura, como la literatura, la música o la gastronomía. Un lugar para los encuentros, un lugar donde reunirse para disfrutar de la amistad y crecer en el intercambio de las ideas. Durante aproximadamente veinticuatro años, la galería ha dado a conocer a muchos jóvenes artistas que -partiendo de la calidad y la creatividad de la obra, como indispensable criterio selectivo, se afianza en una línea mediterránea y abstracta de concepción abierta con gusto por la materia, las calidades suaves y el grafismo como contraste y complemento-, comparten espacio y protagonismo con artistas de reconocido prestigio nacional e internacional. Un lugar donde se hermanan arte y vida con la alegría de vivir. Donde cada amante del arte encuentra la obra que querrá disfrutar en su hogar. Calle San Lorenzo 15 Madrid | T 913 198 089 [email protected] | www.dearte.info

Artistas de Dionís Bennassar Mompó Muñoz, Lucio Barón Monir March, Joan Badri Pingarrón, Carolina Murillo, Adelaida Planas, Andrés Kobayashi, Mirai

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

Exposiciones recientes De izquierda a derecha

Martmina J. Morgan Mirai Kobayashi Catalina Ruiz Molla Garbade Guzpeña Aurelio Monge Luz H. Arkal Josep Francés

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Exposiciones recientes

Organización

Miquel Tugores Director

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Yolanda Olivares Coordinadora General Javier Manso Adjunto a la Direccion Lourdes Alonso Coordinadora Medinaceli DEARTE Cesar Casquero Serviconex Jaime Perez-Solero Pagina web Carlos A. Garcia Responsable Desarrollo Tecnológico Comité asesor Pilar Cocero Judith Cuba Consuelo Durán Carmen Garcia Gallardo Jose Manuel Gomez Alonso Jorge Morgan

Fundación DEARTE Contemporáneo Palacio Ducal de Meadinaceli T 975 326 498 | 91 308 46 35 [email protected] | www.dearte.info

Índice

Textos Institucionales

Antonio Pardo Capilla. Presidente del la Excma. Diputación de Soria ................................................................................................................................ Carlos Martínez Mínguez. Alcalde de Soria ..................................................................................................................................................................................... Felipe Utrilla Dupré. Alcalde de Medinaceli ........................................................................................................................................................................................ Agustín Medina. Presidente de honor de la Fundación DEARTE ............................................................................................................................................. Miguel Tugores. Director de la Feria DEARTE ....................................................................................................................................................................................

5 6 7 8 9

Premios

José Luis Fajardo. Premio Una Vida DEARTE ................................................................................................................................................................................... Javier de la Rosa Alarcón. Premio Un Futuro DEARTE ..............................................................................................................................................................

Fundación DEARTE Carlos Arroyo Arquitectos

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18

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Artistas

Abad González, Humberto



Bazan, Ángeles



Bravo, Aurora

Bros, Carles

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28

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30

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32

Carballo, Marta

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Carrasco, Ulpino

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34

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Carreño, Diego

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38

Cerezo, Ramón

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40

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42

Cocero, Pilar

Delgado Franquis, Imeldo



Diaz Horajo, Beatriz

Diez, Javier

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44

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46

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48

Eguia, Federico

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Espinosa Soto, Carmen

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52

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54

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56

Estévez, Juan Luis Fuster, Ángel

García, Menchu Goiburu, Nisa

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Gómez, Federico

Ha Tran, Viet

60 62

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64

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Iglesias, Carlos

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Kobayashi, Mirai

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Martín Burgos, Arturo



Martín Villarrubia, Francisco



Martín Villarrubia, Susana

Martmina

58

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Guitart, Carles

50

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68 70 72

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74

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76

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78

Morera, Rafael

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80

Morgan, J.

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Muñoz García, Teresa

84

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86

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88

Ormaechea, Ignacio Orrico, Cesar

Palacios, Fernando

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Palacios, José Antonio PASTRON#7

92

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94

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Reichel, Astrid

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Revuelta, Helena Reyerol, Leticia SFHIR

Valsan

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Tardáguila, Pablo

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112

Vaz, Francisco J. Verdú, vicente

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Rego, Javier

90

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Peña Castillo, Jesús

Puell

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114

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Villar Calvo, Esther

Zaballos, Paca

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Espacios Especiales

Moda DEARTE

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Vinos DEARTE

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Artistas de Dionís Bennassar

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Medios de Comunicación

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Colaboradores

Este libro se terminó de imprimir el día 24 de abril de 2015, en Madrid por JJPRO

MADRID MEDINACELI SORIA

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015

XIV Feria de Arte Contemporáneo 2015