Pintura y Composición – Edad Media y Renacimiento

1. PINTURA en la EDAD MEDIA

Período de la Historia INICIO •

Año 476 con la caída del Imperio Romano de Occidente.

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Año 1492 con el Descubrimiento de América. Año 1453 con la caída del Imperio Bizantino o Imperio Romano de Oriente (con centro en Constantinopla; hoy Istambul), la Invención de la Imprenta y el fin de la Guerra de los Cien Años entre Francia e Inglaterra.

FIN

Estilos pictóricos fundamentales

ALTA EDAD MEDIA
Pintura Bizantina Se desarrolla principalmente en los países del Mediterráneo Oriental, lo que hoy es Turquía y sus alrededores (región del Bizancio). Este evolucionó a partir del arte paleocristiano, definiendo el arte cristiano oriental. Se desarrolla a través de dos vehículos principales: los mosaicos (en paredes y cúpulas) y los íconos (en tablas, cuyo lugar en las iglesias ortodoxas era el Iconostasio; pared que separa a los fieles del altar). La mayor parte de la producción ha desaparecido como consecuencia de varias oleadas de destrucciones ya sea por Iconoclasias internas (destrucciones deliberadas de los íconos religiosos de la propia cultura por motivos religiosos/políticos), las sucesivas invasiones islámicas y por las Cruzadas (campañas militares impulsadas por el papado con el objetivo principal de restablecer el control cristiano sobre Tierra Santa).

BAJA EDAD MEDIA
Pintura Románica Surgió casi de forma paulatina y simultánea en España, Francia, Italia y Alemania.

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Pintura y Composición – Edad Media y Renacimiento

Primer gran estilo claramente cristiano y surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual que inspiró la construcción de un gran número de Iglesias y edificios religiosos. Hay un desarrollo notable en la decoración pictórica, subordinada a este tipo de construcciones. Temática: exclusivamente religiosa (teocentrismo) con función claramente didáctica dado el analfabetismo generalizado en la mayor parte de la población y con contenidos alegóricos y/o simbólicos para una minoría formada por la élite monacal y el alto clero. La expresión artística era el camino por el cual se elevaban y conectaban con la realidad divina. Muchos de los motivos religiosos tienen un significado simbólico aunque algunas escenas muestran empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.

Arquitectura dentro de la obra: está dominada principalmente por el horror vacui: la necesidad de llenar los espacios vacíos, tanto en las páginas de los manuscritos como en los muros de las Iglesias. Se agolpan las figuras en primer plano de forma horizontal o vertical, sin buscar efectos de profundidad.

Personajes / objetos en la pintura: mayormente religiosos. Rigidez de las figuras. Inexpresividad de los rostros. Rasgos faciales idénticos para todos los personajes. Mirada asombrada (de influencia bizantina). Cuerpos de los personajes de forma simplificada y simétrica. Pliegues del ropaje poco real y rígida. Simbolismo en los objetos: representación de objetos con un significado más profundo que el objeto en sí mismo: Libro: universo, símbolo del mundo Llave: abre las puertas hacia la vida eterna Formas de representación de Dios Padre: Aureola de Dios Todopoderoso o Pantocrátor: figura de Dios con la mano diestra levantada para impartir la bendición y teniendo en la izquierda las Sagradas Escrituras. En ocasiones de representa solo el busto y otras veces la figura completa sentada en el trono sosteniendo en sus rodillas a Cristo hijo. Ubicación: tallado en el exterior de las Iglesias o bien pintado en la bóveda de las ábsides de las Iglesias.  Forma antropomorfa de Dios Padre: anciano venerable y solemne, barbado y de largos cabellos.  La Mano Protectora: es una representación más abstracta. Suele aparecer en acto de bendecir o avisar con los dedos índice y mayor extendidos, rodeada por un gran limbo entre nubes, de gran tamaño y situada por encima del resto de las escenas representadas. • • • 

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 Cristo en la Cruz: glorioso triunfador de la muerte y salvador de la humanidad. El cuerpo reposa (no cuelga) sobre la cruz con estructura simétrica y cuerpo vertical sin distorsión alguna, salvo una ligera flexión en las rodillas. La anatomía es esquemática donde se resaltan los pectorales y costillas y su cuerpo parcialmente tapado por un lienzo anudado a la cintura que le llega hasta las rodillas.  Crismón: anagrama de Cristo formado por las letras “rho” y “xi” que son las dos iniciales del nombre en griego. Suele ir acompañadas de las letras “alfa” y “omega”.  Cordero de Dios portando una cruz que sujeta una de sus patas delanteras. • Mandorla o almendra mística: marco o aureola en forma oval o de almendra en donde se insertan personajes sagrados (Jesús, Virgen María, santos por ejemplo) con figura una tanto mórbida, que revelan el simbolismo para los seres humanos de pasar del mundo terrenal al celestial. • Letras Alfa y Omega: principio y fin de todas las cosas. • Ángeles: lo invisible, lo sobrenatural. Con cabellos largos y bien peinados, rostros suaves y agradables y de grandes alas. • Demonios: maldad. Son figuras grotescas, deformes y feroces, con ánimo de espantar al observador. • Serpiente: energía y fuerza, representación del mal y del pecado. • Alas: espiritualidad, pensamiento e imaginación. • Alma: representados por pequeñas cabezas de niños.

Paleta cromática y pigmentos: formas delimitadas por trazos rígidos con contornos de líneas negras. Colores planos, puros y brillantes (mucho uso del dorado simbolizando la eternidad), como una reacción a la oscuridad tanto de la arquitectura como del ambiente vital. No al uso de la sombra. Falta de calidez naturalista y humanizadora como en el arte de la Antigüedad o en la pintura gótica.

Perspectiva: escenarios convencionales sin sombras ni profundidad, con poca o ninguna representación del paisaje y sin perspectiva lineal: sin forma y disposición como aparecen los elementos a la vista; sin ilusión tridimensional. Lo que si aparece es la perspectiva jerárquica que es aquella en la cual las figuras representadas se disponen por tamaños según su importancia; en este caso, por rango teológico o social. No se considera la ubicación de las figuras en el espacio.

Técnica principales: pinturas murales al fresco, tablas al temple (usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales combinado con colorantes naturales), pintura sobre tapices (Ej.: “Tapiz de Bayeux”), vidrieras en las que el artista trabajaba directamente con la luz y sus efectos en el espacio arquitectónico.

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Las ábsides (parte de la Iglesia situada en la cabecera con planta semicircular) en Iglesias y Capillas, usaban pinturas divididas en tres (trípticos) representando en cada uno de los planos: 1) el Cielo, 2) la Tierra con escenas de la vida cotidiana en el campo/ciudad o animales y 3) la Iglesia, con los apóstoles y la Virgen como personajes principales. Estos motivos también eran representados en los tablones de madera como trípticos.


Pintura Gótica Surge en Italia y Francia y luego se extiende por el resto de Europa. La pintura gótica, aparece casi 30 años después del comienzo de la escultura y arquitectura gótica. Es el comienzo de un estilo más sombrío, oscuro y emotivo que en la Pintura Románica. Se distinguen dos tipos: 1. Gótico Internacional: se desarrolla en la mayor parte de Europa. Valoriza lo anecdótico, las figuras se estilizan y existe un predominio de las líneas curvas en pliegues y posturas corporales. Introducción de detalles naturalistas. Empleo de una técnica minuciosa y detallista. Arte más elitista y refinado. 2. Estilo flamenco: surge en Flandes (una de las tres regiones de Bélgica), paralelamente al renacimiento italiano.

Artistas influyentes de la época: Gótico Internacional: el Giotto, Cimabue, Duccio, Simone Martini, Lorenzetti, los pintores de la corte de Borgoña y de Berry. Flamenco: Hubert y Jan Van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, el Bosco.

Temática: En general, se corresponde con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas: -

Recuperación de la filosofía de Aristóteles Humanismo de San Francisco de Asís

Se tendió a la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo).

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Se aproxima un poco más a la imitación de la naturaleza, incluyendo la representación de paisajes, lo que, no obstante, sigue siendo poco usual. A su vez, empieza a surgir la pintura profana; es decir, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos. L a mayor parte de las obras son encargos privados por la aristocracia y/o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano/mundano. Al ser obras por encargo, era común también que en ella apareciese el “donante” (aquel que encarga la obra) como un personaje más. Es así como se empieza a desarrollar un nuevo género: el retrato.

Arquitectura dentro de la obra: se busca representar el espacio correctamente tratando de hacer más realista el paisaje, introduciendo de a poco la tridimensionalidad (el Giotto).

Personajes / objetos en la pintura: en el estilo gótico italiano, predominó la representación humana con figuras menos rígidas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Las correctas proporciones y un sentido de volumen revelan mayor naturalismo.

Paleta cromática y pigmentos: predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. En el estilo gótico lineal (estilo Internacional) se destaca el uso de la línea remarcando los dibujos. Colores predominantes son el azul oscuro y el rojo rubí brillante. Estilo flamenco: innovación en la técnica de pintura al óleo (el aceite es el aglutinante con el pigmento de color), lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo.

Perspectiva: en el estilo gótico italiano, se sentía fascinación por la perspectiva y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales.

Técnicas principales: pintura mural o frescos en Iglesias, vidrieras con grandes vitrales de colores, pinturas sobre tablas de madera (dípticos, trípticos y polípticos) y trabajos en miniatura.

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2. PINTURA en el RENACIMIENTO Período de la Historia INICIO: Fines del 1400 (Siglo XV) en Italia. Fin de la Edad Media. FIN: Fines del 1500 (Siglo XVI). Inicio del Barroco.

Estilos pictóricos fundamentales
El Humanismo: cambia la concepción medieval del hombre. El hombre vuelve a ser el centro de todas las cosas, apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas sus manifestaciones, sobre todo en la cultura y en el arte, ya que el nuevo hombre necesita un nuevo lenguaje a su medida.
El Racionalismo: la realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo sus obras. Artistas influyentes de la época: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarotti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli.

Características fundamentales •

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La desaparición del anonimato artístico: “el artista” aparece como consecuencia del protagonismo del hombre en esta época. Se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los artistas en lugar de en las obras de arte. Existe también una mayor valoración de la actividad artística, donde dejará de ser un oficio para convertirse en una ciencia y en un arte. La figura del “mecenas”: son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en ocasiones los mantienen. Son miembros de familias acaudaladas sensibilizados con el arte (los Médici, Uficci, Rucellai, Pitti o Strozzi, en Italia o los Mendoza en España) y solían ser coleccionistas de obras de arte, proporcionando así gran número de encargos. La figura del “crítico” y del “biógrafo”: son teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas y presentes.

Temática •

El hombre es el centro del Universo, la medida de todas las cosas y el “nuevo Dios”: antropocentrismo.

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Se vuelven a los estudios de la cultura clásica: Grecia antigua y romana (conceptos de mitología e historia por ejemplo). Por eso se la llama “Renacimiento”; es el renacer de estas ideas. Existe una contemplación libre de la naturaleza (distinta a la mentalidad de la Edad Media: más rígida y dogmática). Estudios teóricos en las matemáticas, la astronomía y la biología. Y el estudio de los prototipos clásicos. Se fomentó la arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento directo de las obras de la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del grabado. Todo esto alimenta de forma teórica la temática y ejecución pictórica. Descubrimiento y estudio de la naturaleza que se hace patente en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía humana. De todas formas, se trata de un naturalismo idealizado, en el cual se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa, no apareciendo imperfecciones ni deformidades. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa intensamente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. Todo esto hace que la temática principal se base en la religión, la mitología, la alegoría y el retrato.

Arquitectura dentro de la obra: “La visión unitaria”. Se busca belleza no sólo en las proporciones, sino también en el sentido unitario de la obra. La obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su conjunto, debe ofrecerse unida. En la pintura, el cuadro presenta una composición unida, predominando la perspectiva central. Lo representado se ajusta a un esquema geométrico (Ejemplo: “La última cena” de Leonardo Da Vinci). Aparición de las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía. Junto con la idealización de la naturaleza debemos mencionar también la obsesión renacentista por el orden, la proporción y la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio. Existe una búsqueda permanente de la divina proporción. La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus proporciones, sus medidas. El arte, la arquitectura, la escultura y la pintura, logran encontrar la medida del hombre, establece proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible.

Personajes/objetos dentro de la pintura: la figura humana y la naturaleza es la principal representación pictórica ya sea religiosa o pagana. Se introducen de forma paulatina, los desnudos en las figuras.

Paleta cromática y pigmentos: Leonardo Da Vinci, aportó muchas innovaciones en este sentido como la técnica del sfumato o claroscuro: una delicada gradación de la luz que le da a sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear el espacio. 7

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Los artistas florentinos se centran en el disegno (la composición y la línea) mientras que los venecianos se centran en el color, evidenciando una pintura refinada, menos intelectual y más vital, y muy decorativa. Colores pigmentos utilizados por pintores del Renacimiento: - ROJO: rojo cinabrio (bermellón natural, muy tóxico), rejalgar o rojo-amarillento (extractado del arsénico), rojo Venecia. - AZUL: ultramar (muy costoso, extractado del lapislázuli), ultramar cenizo, azurita (azul de color verde, similar a la malaquita), Egipto azul (útil para usar sobre diferentes tipos de superficies). - PÚRPURA: Índigo (extracto de la planta Indigofera y rubia). - VERDE: cardenillo (azul-verde vibrante), tierra verde, verde malaquita (verde brillante). - AMARILLO: gambogia (amarillo brillante y transparente), massicot (óxido de plomo), amarillo de Nápoles, limón oropimente (parecido al tono del oro, venenoso), amarillo de plomo (muy popular). - MARRÓN: obtenidos a partir de pigmentos de arcilla: siena (ocre marrón-amarillento), umber (marrón oscuro amarillento). - BLANCO: cerusa (con consistencia pesada), masstone (tonos más cálidos), yeso y tiza. - NEGROS: negro de humo: negro marfil producido por la quema de huesos de marfil, negro lámpara producido a partir del hollín de las lámparas de aceite y negro viña procedente de uvas carbonizadas.

Perspectiva: es el objeto de estudio y reflexión principal para muchos artistas. Se desarrolla de forma profunda el concepto de perspectiva lineal (el ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas; bidimensional).

Técnicas principales: pintura, grabado, murales, dibujos, bocetos, pinturas en acuarelas y óleos.

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FUENTES

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