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PROYECTO: La orquesta. El maestro de música busca diseñar la educación musical desde la epistemología, desde el valor cultural y social. Además, desarrolla el conocimiento de los contenidos curriculares y pedagógicos en torno a los procesos de enseñanza-aprendizaje; incide en el buscar, obtener, procesar y comunicar información transformándola en conocimiento y conocer las características de los estudiantes. La teoría del conocimiento, como fundamento y método es la base sobre la que se construyen el resto de competencias, e incluye, además del saber disciplinario de la asignatura, el saber didáctico, y el cómo enseñar e investigar. Siguiendo bajo este contexto, cabe preguntarse al hilo de lo expresado, ¿cuánta música hay que saber para garantizar una buena base de conocimientos para la docencia de la música en secundaria? En realidad esta pregunta no tiene demasiado sentido, pero la hacemos porque alguna vez hemos oído que, para enseñar secundaria, no es necesario saber demasiada música. Aquellos que piensan eso comenten un gran error, a no ser que tengan una percepción distorsionada del contexto educativo, o simplemente no se hayan leído el currículo. Para este proyecto me enfocare sobre que es una orquesta. La orquesta. La palabra orquesta procede del griego y significa "lugar para danzar". Esto nos retrotrae alrededor del siglo V a. de C. cuando las representaciones se efectuaban en teatros al aire libre (anfiteatros). Al frente del área principal de actuación había un espacio para los cantantes, danzarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta. Hoy en día, orquesta se refiere a un grupo numeroso de músicos tocando juntos, el número exacto depende del tipo de música. La historia de la orquesta en tanto que conjunto de instrumentistas se remonta al principio del siglo xvi. Aunque en realidad este grupo "organizado" realmente tomó forma a principios del siglo XVIII. Antes de esto, los conjuntos eran muy variables, una colección de intérpretes al azar, a menudo formados por los músicos disponibles en la localidad. En nuestros días distinguimos: Las orquestas de cuerda, que están compuestas de 11 y 20 violines, violas, violonchelos y contrabajos. Las orquestas sinfónicas, compuestas por numerosos instrumentos de viento en madera y en metal, instrumentos de percusión y un grupo de cuerda. Las bandas de música, compuestas de instrumentos de viento en metal, saxofones e instrumentos de percusión y con frecuencia un contrabajo. Las orquestas de armonía, compuestas de los citados instrumentos por grupos de tres, más instrumentos de madera, sobre todo clarinetes, Las orquestas de cámara, compuestas de instrumentos de cuerda, aumentadas por algunos instrumentos de viento madera y metal.

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Las orquestas de uso especial, cuya composición es variable: orquesta de jazz, de salón, de mandolinas, de balalaicas, etc. Hasta 1750 aproximadamente, las orquestas estaban compuestas, sobre todo, de instrumentos de cuerda, de madera (flautas, oboes, fagots), de trompas, trompetas, dos timbales y un bajo continuo (clavecín con viola da gamba o violonchelo). La Escuela de Mannheim incorporó el clarinete a la orquesta y desapareció el clavecín. El creador de la orquesta bajo la forma en que la conocemos actualmente fue Haydn: cuerda. 2 flautas, oboes y (o) clarinetes, fagots, trompas trompetas, 2 o 3 trombones y 2 timbales. Beethoven dio un papel más importante a los instrumentos de viento en metal y a los timbales. El creciente individualismo del romanticismo, la búsqueda de una descripción realista en la música de programa y en el drama musical, impusieron numerosos nuevos instrumentos a la orquesta clásica (sobre todo, entre los instrumentos de viento en metal y los de percusión, apareciendo igualmente el arpa). Uno. Dos. Tres. Cuatro. Cinco. Seis. Siete. Ocho. Nueve. Diez.

Punto de partida. Formación de equipos colaborativos. Definición del reto final. Organización y planeación. Búsqueda y recopilación de información. Análisis y síntesis. Taller o producción. Presentación del proyecto. Respuesta colectiva a la pregunta inicial. Evaluación. Autoevaluación, hetereoevaluación y coevaluación.

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Uno. Punto de partida. Se dice que la mejor forma de aprender música es interpretándola, Algunos de los beneficios de enseñar música a los pequeños son: Les enseña a expresarse libremente. Incita a la mejora y a un completo desarrollo intelectual del joven. Mejora sus habilidades de comunicación con otras personas. Desarrolla las capacidades de memoria, concentración y atención del niño. Mejora la habilidad en el estudio de otras materias como la lectura, matemáticas y los nuevos idiomas. Mejora su coordinación. Requiere constancia, un gran esfuerzo y persistencia, valores esenciales en la educación de los niños. Por ello, hay que buscar estrategias que hacen que la música sea tanto instructiva como divertida de aprender.

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Dos. Formación de equipos colaborativos. Las dinámicas de grupo son un instrumento de liberación que posibilita un intercambio de experiencias y sentimientos. Conlleva un acercamiento entre personas lo que permite conocer mejor al resto, superar trabas emocionales y sociales e integrarse a las realidades de otros. Implica también, un desarrollo de habilidades de expresión y transmisión de ideas y opiniones, lo que repercute en las capacidades comunicativas de los alumnos. El encuentro que se da en las dinámicas grupales, favorece el diálogo y la generación de climas de confianza y aceptación, lo que hace que sea una buena instancia para tratar temas difíciles, como problemas sociales, éticos, morales, ideológicos o valóricos. Finalmente ayuda a la formación de una escucha crítica, de sentimientos de empatía, de argumentación, de aceptación de otras realidades y de respeto a la diversidad en los alumnos. Existen varios tipos de dinámicas grupales, dependiendo de los objetivos que se pretendan conseguir. También hay que considerar diversas variables antes de organizarlas, por ejemplo, edad de los participantes, número, espacio, conocimiento entre ellos. Entre los tipos de dinámicas de grupo que se pueden realizar se encuentran: A) Dinámicas de formación de grupos: Permite formar grupos de acuerdo a criterios previamente definidos. También sirven para, de manera amena y lúdica, formar grupos al azar y así crear confianza. B) Dinámicas de estudio y trabajo: Facilitan un intercambio de ideas y el análisis de ciertos contenidos. Fomentan la argumentación, la síntesis, las conclusiones y la toma de decisiones. C) Dinámicas de animación: Tienen por objetivo crear ambientes lúdicos y de buen ánimo con el fin de alejar a los participantes del estrés, del cansancio y de la rutina. Pueden adaptarse con el fin de incentivar desafíos que requieran cooperación o adaptación a situaciones diversas. Es necesario volver a recalcar que las dinámicas grupales pueden ser importantes herramientas de aprendizaje que instan a un proceso más abierto, democrático e interesante, tanto para los alumnos como para los profesores. TRANSVERSALIDAD La materia objeto de estudio es la base para el desarrollo de contenidos incluidos relativos al resto de asignaturas obligatorias del módulo incluido el Practicum. Es necesaria para poder interrelacionar el adquirir conocimientos respecto de los contenidos de esta etapa educativa, con su valor cultural, histórico social y educativo, puesto que todo proceso de innovación e investigación debe de ubicarse en el contexto en el que se va a llevar a cabo su labor. Además es imprescindible a la hora de realizar un diseño aplicado al aula y comprobar los resultados en el proceso de enseñanza aprendizaje de los estudiantes de Educación

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Secundaria. También el saber manejar las nuevas tecnologías la relacionan con Tics aplicadas a la música, todo ello, con el fin de desarrollar programas de innovación y verificar los resultados conseguidos mediante una investigación rigurosa y transmitir los resultados al resto de la comunidad educativa. Cuatro. Organización y planeación. Nos damos cuenta de la disparidad de nociones o falta de nociones, de la disparidad de experiencias vividas o falta de experiencias. Aunque casi todos han asistido a un concierto didáctico en cursos anteriores, junto a quienes dicen que han oído tocar a una orquesta en directo hay quien dice que sólo la ha visto en TV y otros nunca. Algunos recuerdan haber oído tocar a una banda en las fiestas del barrio. Siempre escribimos en formato individual y en formato cartel el resultado de nuestra investigación Cada uno deja constancia por escrito de lo que sabe sobre un tema a principio de curso. Viendo las aportaciones de los otros nos damos cuenta de que sabemos más de lo que en principio hemos sido capaces de expresar por nosotros mismos (“eso yo también lo sabía”) y descubrimos cosas nuevas. Se aplica una nueva y curiosa ley de vasos comunicantes, los niveles tienden a igualarse, pero por aproximación de todos al que más tiene. Se va confeccionando una lista de “cosas” que sabemos: - Tocan en las fiestas. - Tocan instrumentos. - Son muchos músicos que tocan juntos. - Tocan rock. - No, tocan música de amor. - Cantan. - No. Sólo tocan violines y así. - Y trompetas - Y guitarras eléctricas. - Salen al escenario a tocar. La lista de elementos “conocidos” es muy amplia y abarca diversos campos. Nos corresponde a los profesores ayudar a ordenar y clarificar conceptos, formulando preguntas, haciendo sugerencias, evidenciando contradicciones. Las aportaciones espontáneas de los alumnos, cuando se crea un clima de interés por la investigación, son de una riqueza sin límites. De entrada no hay aportaciones malas y buenas, acertadas o equivocadas. Aportaciones contradictorias sirven para redoblar el interés por el tema. “Tocan guitarras eléctricas”- “No tocan guitarras eléctricas”, nos lleva directamente a la pregunta ¿hay varios tipos de orquestas? Algunas aportaciones son más conceptuales, otras más afectivas y otras apuntan a un pensamiento divergente y asociaciones libres que abren un campo de posibilidades enorme a la fantasía, el juego imaginativo y la expresión artística. Nos puede ayudar

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a ordenar nuestras ideas generar una tabla con preguntas tales como ¿Quiénes son? ¿Qué hacen? ¿Cómo? ¿Dónde? ¿Por qué? ¿Para qué? ¿Con qué medios?... Las preguntas siempre favorecen la expresión de hipótesis. Pero no sólo dejaremos constancia por escrito de nuestras ideas previas sobre el tema o haremos un trabajo de estructuración lógica que nos sirve para organizar nuestro pensamiento, también plasmaremos gráficamente lo que sabemos con diversos medios plásticos y “jugaremos” a representar gestual y corporalmente las diferentes ideas que han ido apareciendo. La expresión plástica y la expresión dramática se abren paso por sí solas a pesar de haber elegido un tema con apariencia exclusivamente musical. INTERCAMBIO DE IDEAS El hecho de habernos marcado como objetivo del grupo y del curso la formación de una orquesta aviva nuestro interés por conocer a fondo y clarificar al máximo los conceptos. Surgen de esta manera gran cantidad de “cosas” que necesitamos saber: - ¿Qué tipos de orquestas hay? - ¿Qué se necesita para formar una orquesta? - ¿Qué instrumentos tocan? - ¿Todas tocan el mismo tipo de música? - ¿Con qué instrumentos va a contar nuestra orquesta? - ¿Cómo vamos a aprender a tocarlos? - ¿Cómo se forman las orquestas? ( Cinco. Búsqueda y recopilación de información. La primera exigencia es la de trabajar en equipo. Sería deseable que los alumnos de este curso tengan una clara y plenamente asumido el proyecto del grupo y que fuera también su proyecto. Paralelamente con los profesores estudian el tema del proyecto y con afán investigador se hacen expertos, en este caso, sobre todo lo referente a las orquestas. Ejemplo: a. Instrumentos de la orquesta. b. Evolución de la orquesta. c. Agrupaciones musicales variadas. d. Relación orquesta / coro, orquesta/solista. e. Orquestas de otras culturas. f. Orquesta y baile. g. Música en la pintura. h. Música en teatro/ ópera. El objeto de este estudio no es ni saber más que los alumnos ni adelantarse a sus propuestas ni ahorrarles el trabajo que ellos deban hacer, sino tan sólo acompañarles más eficazmente. Podríamos decir que el primer objetivo del grupo de profesores es

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aprender a trabajar en equipo o reforzar este aprendizaje si ya saben hacerlo y unido a éste el segundo objetivo es lograr la cohesión del grupo de clase como un verdadero equipo, sin dejar a nadie fuera. Ningún profesor tiene por qué ser, ni va a serlo aunque se lo proponga, experto en todas las materias y lenguajes artísticos que van a incidir y se van a utilizar en el desarrollo del proyecto pero pueden buscar la colaboración puntual o continuada de expertos en la universidad u otras instituciones, músicos, actores, artistas plásticos, bailarines de quien seamos capaces de seducir con el proyecto. El equipo de profesores debe planificar las propuestas y diseñar las actividades que completen las planteadas por el grupo y cubran el espectro de necesidades para que el grupo pueda llevar el proyecto adelante. Tarea de los alumnos, pero también de los profesores, es la búsqueda y preparación del material. Hay otras muchas tareas, como la organización de tiempos, espacios, conciliación del trabajo colectivo con el trabajo de pequeño grupo e individual, que exigirán la atención constante, flexible y consensuada del equipo de profesores. Pero hay una que es permanente: REFLEXIONAR, antes y después de cada intervención con el grupo. Una vez que hemos elegido un proyecto las actividades que realicemos tienen que ir encaminadas a cubrir las necesidades y alcanzar los objetivos que nos hemos marcado no arbitrariamente sino derivados del propio proyecto. Esto es lo que puede dar coherencia y significado a la actividad del grupo y lo que puede llevar a cada alumno y al conjunto del grupo a adquirir compromisos serios con el trabajo y con su propio aprendizaje. Muchas actividades surgirán por tanto del deseo de saber y sentirse capaces de lograr el objetivo del proyecto, conocer cómo se forma una orquesta. La necesidad de conocer los instrumentos que suenan en las orquestas nos llevará a visionar diversos tipos de orquestas. Internet ofrece un material inapreciable del que pueden surgir cantidad de aclaraciones… y multitud de preguntas. Las actividades de percepción y expresión artística, al igual que en otras materias y aprendizajes es conveniente repetirlas para facilitar al alumno abordarlas con diferente grado de libertad u orientación. Es la diferencia entre abrir los ojos para ver qué encontramos y abrir los ojos para encontrar lo que buscamos. Ambas estrategias son útiles y necesarias. Viendo las fotografías y conversando sobre ellas descubriremos gran cantidad de aspectos nuevos: Los diferentes tipos de orquestas, los espacios de actuación, su número variable, la diferencia de instrumentos, su distinta agrupación, su acompañamiento o no de voces y coro, su vestimenta, la figura del director o directora, la colocación de los instrumentos en la orquesta sinfónica, su forma, tamaño y nombre, la manera de tocarlos.

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Las orquestas son tan diferentes como la música que ejecutan, desde la de ópera y música clásica hasta las de jazz moderno y las bandas sonoras de películas. Una orquesta es una forma de arte antigua que comenzó con pequeños grupos de músicos hace más de 2.000 años y evolucionó hasta formar una compañía de hasta 100 ejecutantes. Los tres diferentes tipos de orquestas - sinfónicos, de cámara y de cuerdas, exponen a los públicos de todo el mundo nuevas experiencias culturales y musicales cada año. Las principales serían: Orquesta Sinfónica Una orquesta sinfónica está compuesta por un grupo de 50 a 100 músicos. Consta de instrumentos de cuerda, de viento, de madera y de percusión. El tamaño promedio de una orquesta completa es de unos 80 músicos. Una orquesta completa puede contar con nueve instrumentos de madera, 10 de viento, 12 de percusión y de 50 a 60 instrumentos de cuerda. Es bastante común que una ciudad tenga más de una orquesta. Nueva York tienen una sinfónica y una filarmónica, que tienen la misma estructura pero diferentes nombres para distinguirlas. Las sinfónicas tocan varios tipos de música, desde clásica hasta bandas sonoras de películas hasta jazz. Siempre cuentan con un director.

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Orquesta de cámara Una orquesta de cámara es una versión en pequeño de una sinfónica y tiene menos de 50 músicos. El nombre significa que la orquesta es lo suficientemente pequeña como para entrar en una habitación de cámara o en una casa privada o en un salón público. Usa un ejecutante por partitura musical, a diferencia de los dos a tres músicos tocando la misma partitura en una orquesta sinfónica. Una excepción es la cantidad de instrumentos de cuerda, que generalmente es la misma en las dos orquestas El tipo de música que se ejecuta es idéntica a la de la orquesta sinfónica. También tiene un director. Orquesta de cuerdas La orquesta más pequeña es la orquesta de cuerdas, que está compuesta únicamente por instrumentos de cuerda como el violín, la viola y el violoncelo. El tamaño de esta orquesta promedia los ocho instrumentos, aunque puede legar a ser de 12 a 18 con el agregado de más violines. El repertorio de una orquesta de cuerdas consiste en composiciones musicales especiales escritas exclusivamente para instrumentos de cuerdas, en su mayoría de estilo clásico o barroco. Una orquesta de cuerdas no requiere un director gracias a su tamaño pequeño. Seis. Análisis y síntesis. La construcción de instrumentos es una actividad que pone en juego diferentes habilidades de búsqueda, selección, exploración sonora, manipulación, decoración… Son razones pedagógicas de peso que justifican la actividad, pero hay una razón además de todas ellas: “que necesitamos los instrumentos para nuestra orquesta”. Trabajaremos el movimiento, el reconocimiento de fondo y formas, la estilización de formas y, con el correspondiente archivo de sonidos, la discriminación tímbrica y la identificación de instrumentos. Otra forma no menos lúdica e interesante es recortarlos y pintarlos con papel y pinturas fluorescentes y hacer un espectáculo de luz negra. Muchos pequeños proyectos como éste pueden englobar distintas actividades artísticas. Pero no es nuestra pretensión lograr una confluencia forzada de los distintos lenguajes artísticos. La cohesión se la da el proyecto global. Y las necesidades que el proyecto nos plantee será lo que motive muchas actividades conjuntas o no de música o danza, plástica y visual, teatral o poética. CREATIVIDAD Una colección de instrumentos étnicos, folklóricos o caseros nos ayudará a tomar ideas para nuestras producciones y de paso realizaremos una sesión de fotografías en la que los alumnos alternativamente posen y disparen fotos con una cámara automática.

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En la presentación de imágenes de orquesta hay también algunos dibujos con siluetas de músicos. Nosotros también haremos nuestras siluetas y las representaremos con sombras, con ayuda de un foco y una sábana.

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Siete. Taller o producción. Divididos en grupos podemos hacer maquetas de una orquesta o de lo que puede ser la nuestra, con diferentes materiales, como serían el papel, la cartulina, el cartón, los objetos o pasta de modelar, la plastilina y la arcilla.

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Nuestra exposición se enriquecerá con las ideas que cientos de artistas han plasmado sobre la música en sus cuadros, de los más figurativos a los más abstractos.

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Ocho. Presentación del proyecto. Es el momento de trabajar los caracteres. ¿Cómo es cada personaje? ¿Cuáles son sus gustos, sus manías, sus miedos, su forma de hablar, de moverse, de vestir? Estamos dentro del juego dramático. Cuanto más “juguemos” este juego, mayor seguridad en sí mismos adquirirán nuestros alumnos, sin la cual, como dice “ningún niño puede ponerse en situación de hacer-creer”. No hay, pues, ninguna prisa por “montar” una obra. Para Vygotsky, ya recordaba que “la ley básica del arte creador infantil consiste en que su valor no reside en el resultado, en el producto de la obra creadora, sino en el proceso mismo”. Evidentemente, el producto de la obra creadora también forma parte, y no menor, del proceso. Por eso creo que en Educación Artística es fundamental que los procesos culminen en una MUESTRA, llámese EXPOSICIÓN, CONCIERTO, REPRESENTACIÓN ESCÉNICA o cualquier otra fórmula mixta. Tampoco la cuestión de la “originalidad” debería ser motivo de discusión. Más importante que si la historia es una creación individual, colectiva o la adaptación y “apropiación” de una obra literaria considero que es si el grupo la entiende y asume como propia. Para ello hay que reflexionar y jugar a descubrir o crear espacios, tensiones, contrastes, ritmo, diálogos, señuelos, sorpresas, metáforas, chistes, movimiento, gestos, que den viveza y estructura a la obra. Hacer esto en grupo, profesores y alumnos juntos, con las aportaciones prácticas de todos, es siempre garantía de algo realmente original. ¿Y la música de nuestra orquesta? Una orquesta debe tener sus vivencias, su historia, su imagen gráfica, sus instrumentos, pero sobre todo una orquesta debe sonar. Todas las actividades musicales cobran una nueva dimensión, tanto las orientadas al “dominio” como a la “imitación o expresión” o al “juego imaginativo” en la terminología de SWANWICK. Para que nuestra orquesta suene debemos afinar nuestro oído, adquirir una destreza manipulativa, buscar el carácter adecuado para que exprese lo que queremos y entender la música que vamos a tocar. Normalmente las orquestas tocan la música escrita por otros. A veces tocan las composiciones hechas por el Director. Nuestra orquesta además debe atreverse a componer su música. Al igual que nos aventuramos con alumnos de Primaria y secundaria, con motivación y pautas suficientes, en la investigación gráfica o en la invención de historias, podemos aventurarnos en la investigación sonora y en la composición musical en todas las edades. COLABORACION Buscaremos siempre con los alumnos ver claro qué pretendemos conseguir con cada actividad. Es la única forma de llegar a una verdadera implicación y tener un criterio también claro de autoevaluación. Después reflexionaremos sobre lo que hemos hecho y anotaremos las experiencias del proceso, es decir las dificultades, los hallazgos y las sensaciones. Inventando historias para nuestra orquesta quizás nos demos cuenta que la orquesta es una metáfora de la vida. La música junta sonidos, la pintura junta

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colores, el teatro junta personajes, el juego, la danza junta cuerpos. La vida junta personas. Nueve. Respuesta colectiva a la pregunta inicial. La música, esa mezcla de sonidos y silencios que se fusionan armónicamente para formar distintas melodías, es sin dudas, para muchos, significado de alegría y felicidad. Y vamos por más; no solo que es placentera, sino que también contribuye a desarrollar y potenciar muchos aspectos del ser humano. Están demostrados los resultados benéficos que otorga la música; desde mejoras en la concentración, en las formas de expresión, hasta aumentar el nivel memorial y de sensibilidad. Por ello, el inculcar a las personas, desde los primeros años, la música, contribuye directamente a una mejor educación. Actualmente, desde los establecimientos educativos, muy pocos, o ya casi ninguno, son los que ponen en tela de juicio la importancia de la enseñanza de música. Los estudios sobre el tema revelan la necesidad de contar con ella en el currículo para una adecuada formación. Desde los primeros años es que se debe enseñar y transmitir música. Desde el hogar también es preciso que se transmita este mensaje a los niños, y se los motive a cantar o escuchar música. Hay algunos padres que todavía consideran que esta materia no es importante en la educación. Ello no es así, pero sin perjuicio de estas creencias, es menester que no le transmita ese pensar a los alumnos. Diez. Evaluación. Autoevaluación, hetereoevaluación y coevaluación. Autoevaluación Calidad de la formulación fundamentación del proyecto.

Coevaluación

Hetereoevaluación

y

Precisión y claridad de los objetivos principales. Definición del enfoque alcance del trabajo

y

del

Manejo del estado del conocimiento y la tecnología en la temática del proyecto. Metodología relación a proyecto.

de trabajo con los objetivos del

Relevancia de la información a medir recopilar, sistematizar o analizar.

La evaluación en este tipo de proyectos está, como dice HERNÁNDEZ, interrelacionada con la planificación y con la acción. No se da al margen del propio proyecto y cada etapa o trabajo que se realiza va acompañado de la reflexión y toma Profr. Angel Rivas Trujano

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de medidas para encauzar la acción. Para GARDNER, dedica el capítulo X de sus Inteligencias Múltiples a la evaluación. En él la define como “obtención de información acerca de las habilidades y potenciales de los individuos, con el objetivo dual de proporcionar una respuesta útil a los individuos evaluados y unos datos también útiles a la comunidad que les rodea”. Según esto, reducir la evaluación a unas pruebas formales es olvidar su verdadero significado y desperdiciar su valor. Normalmente es más fácil descubrir los fallos de las personas que sus cualidades. Quiero decir que es más fácil examinar que evaluar en serio, pero también es más inexacto, más injusto y menos útil para el alumno. Un proyecto como el que presentamos tiene un carácter tan interactivo que la evaluación entendida como descubrimiento y potenciación de capacidades está presente constantemente en todas las fases del mismo. En el currículo oculto de los profesores que optan por un trabajo tan participativo como éste con sus alumnos siempre hay unos objetivos, digamos, más importantes que los específicos de cualquier área o materia, tales como: Acostumbrarse a pensar sobre las cosas que hacemos o hemos hecho, su “porqué” y su “para qué”. Aprender a relacionar unas cosas con otras, a hacer conexiones. Aprender a razonar lo que decimos. Aprender a pensar y expresar cómo me siento. Aprender a pensar cómo se sienten los otros. Aprender a trabajar para conseguir un objetivo aunque sea difícil. Aprender a descifrar el significado de las metáforas. Aprender a expresar dónde encuentro un problema. Llegar a descubrir el gusto por solucionar problemas. Aprender a colaborar con el grupo para conseguir el objetivo marcado. Aprender a responsabilizarse de un trabajo y responder de él ante el grupo. APRENDIZAJE SIGNIFICATIVO  Conocer los contenidos curriculares de las materias de Música, así como el cuerpo de conocimientos didácticos en torno a los procesos de enseñanza y aprendizaje de las mismas.  Planificar, desarrollar y evaluar el proceso de enseñanza y aprendizaje potenciando la adquisición de las competencias propias de Música, atendiendo al nivel y formación previa de los estudiantes así como la orientación de los mismos.  Buscar, obtener, procesar y comunicar información (oral, impresa, audiovisual, digital o multimedia), transformarla en conocimiento y saber aplicarla en los procesos de enseñanza y aprendizaje de las materias de Música.  Diseñar y desarrollar espacios de aprendizaje con especial atención a la equidad, la educación emocional y en valores, la igualdad de derechos y

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oportunidades entre hombres y mujeres, la formación ciudadana y el respeto de los derechos humanos que faciliten la vida en sociedad, la toma de decisiones y la construcción de un futuro sostenible.  Diseñar y realizar actividades formales y no formales que contribuyan a hacer del centro un lugar de participación y cultura en el entorno donde esté ubicado; conocer las funciones de tutoría y de orientación de los estudiantes; incentivar la investigación e innovación de los procesos de enseñanza y aprendizaje.  Fomentar el espíritu crítico, reflexivo y emprendedor.  Fomentar y garantizar el respeto a los Derechos Humanos y a los principios de accesibilidad universal, igualdad, no discriminación y los valores democráticos y de la cultura de la paz. Enlaces relacionados:

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