ESKERRAK - AGRADECIMIENTOS - THANKS TO AMERICAN CINEMATHEQUE/ Chris Desjardins ANOLIS ENTERTAINMENT/ Ivo Scheloske ARM AND EYE FILMS/ Sam Walker ARSÉNICO PRODUCCIONES/ Nahikari Ipiña Gonzalo Artaza AUTOUR DE MINUIT PRODUCTIONS/ Clementina B. BARTON FILMS/ José Antonio Fernández, Sergio Rodríguez, Luis Santamaría BRITISH FILM INSTITUTE/ Bryony Dixon CJ ENTERTAINMENT/ Kini Senong-Eun Kim CANAL+ IMAGE FRANCE/ Dominique Brunet, Nathalie Calmé CANAL+ IMAGE UK/ John Herron CINEMA SERVICE/ Sandy Kang CINEMATECA PORTUGUESA/ Neva Cerantola, Filipe Jacinto, Alexandre Oliveira CINEMATEKET SVENSKA FILMINSTITUTET/ Jon Wengström COOPER FILMS/ Eduard Ferrer Loris Curci DeAPLANETA/ María Adell, Marién Piniés, Joe Lyons, Sonia Uría DEVIANT FILM/ Tim Peternel DIBULITOON STUDIO ENTROPIE FILMS/ Nicolas Leclerc, Emmanuelle Lepers, Laila Tahhar EUROPACORP/ Julien Hossein, Julien Petit FAUSTO PRODUCCIONES/ Mercedes Alonso FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN/ Arantza Giga, Mª Eugenia Macháin, Mikel Olaciregui, Ana Redondo FILMOTECA VASCA/ Peio Aldazábal, Mª Carmen Ausán FOX/ Montse Gil, Miguel Lustau, Samuel Suárez FUNY BALLOONS/ Peter Danner GRINDHOUSE PICTURES AB/ Christian Hallman David Grieco Claus Groten

KILLER TOMATO ENTERTAINMENT/ Sandi Morris KIMUAK LAZZENEC TOUT COURT/ Nathalie Pison LES FILMS SEVILLE PICTURES/ Ariane Giroux-Dallaire MALLERICH FILMS MANGA FILMS/ Xavier Catafal, Mireya Vera MASTER CLUSTER/ José Antonio Bonet MOTION PICTURE CORPORATION OF AMERICA/ Sigrid Ann Davison, Francisco González Jonse Muñoz NOTRO FILMS/ Adolfo Blanco PAKIDERMO FILMS/ Patricio Serna PLYMPTOONS/ John Holderried, Bill Plympton POTENS PLASTIANIMATION/ Pablo Llorens PRODUCCIÓN PATO PROFISSIONAL/ Paula Diogo PULP VIDEO/ Lorenzo von Lorch SADE/ Leopoldo Arsuaga, Coro Odriozola SILVER NITRATE/ Jim Busfield SINCRO/ David Berraondo SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA DE CATALUNYA/ Pepa Cordero, Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro SPLEEN PRODUCTIONS/ Cédric Derlyn STUDIO CANAL IMAGE/ Dominique Brunet STUDIO FIOM BILDER/ Sonja Waldraff SUBTITULA’M Daniel Suter Begoña del Teso THE JAPAN FOUNDATION/ Yuko Murata, Asari Nakashima TREPHINE PRODUCTIONS/ Norma Cornwell TOEI COMPANY/ Tadayuki Okubo, Kotaro Onuma Tony Timpone UNIFRANCE/ Ainhoa Jauregui, Séraphina Pinaud-Coxe

HAMMER FILM PRODUCTIONS/ Louise Thompson HOLLYWOOD CLASSICS/ Mandy Rosencrown HYPNOSIS FILM/ Anna Kurczynski

WIEDEMANN & BERG FILMPRODUKTION/ Susanne Hildebrand Mike Williamson

IB CINEMA/ Ignacio Benedeti, Xosé Zapata ICAA/ Medardo Amor, Manuel Pérez Estremera, Pilar Torre INDIESTORY INC./ Gina Kang IRUSOIN/ Iñaki Gómez

Koldo Zuazua

Organización: Donostia Kultura. Antigua Biblioteca Municipal. Plaza de la Constitución, 1. 20003 San Sebastián. España. Tel.: +34 943 48 11 57 / 97 - Fax: +34 943 43 06 21 e-mail: [email protected] Coordinación: Lucía Olaciregui, José Luis Rebordinos Comité de Selección: David Miranda, Txemari Muñoz, Lucía Olaciregui, Carlos J. Plaza, José Luis Rebordinos Departamento Invitados: Alfonso López Departamento Prensa: Carlos J. Plaza Departamento Producción: Marina Ruiz Textos catálogo ciclos: Carlos J. Plaza Textos catálogo largos: Begoña del Teso Textos catálogo cortos: Carlos J. Plaza Traducciones euskera e inglés: Bitez Logos Diseño, tratamiento de imágenes y arte final: Ytantos Impresión: Gráficas Orvy

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Aurkezpena Fantasiazko eta Beldurrezko Zinemaren Astea hamabosgarren ediziora iritsi da. Aurreko edizioetan bezala, pelikulak Antzoki Zaharrean (lehiaketaren egoitza), Príncipe 2 aretoan eta Kursaaleko Auditorioan proiektatuko dira. Programazioak sail desberdinak ditu. Batetik, film luzeen sail ofizialak 15 pelikula biltzen ditu, eta horietatik 14 lehian arituko dira Publikoaren Saria lortzeko, 6.000 eurokoa. Bestetik, film laburren sail ofizialean bildutako pelikulak ere lehian arituko dira (bi sari emango dira film labur onenarentzat: Publikoaren Saria eta Nazioarteko Epaimahaiaren Saria), guztira 18 lan izanik, txikiak bezain handiak eta anitzak, eta Astearen apustu handienetako bat zalantzarik gabe. Aurten Espainiako film laburrei eskainitako lehiaketa bat ere egongo da, DAMAk emango duen 3.000 euroko sariarekin. Edizio honetako atzera begirakoa Hammer Films ekoizpen etxeari eskaini zaio. Aurreko edizioetan bezala beste sail bat egongo da, generoko pelikula klasikoak kopia bikainetan berreskuratuta proiektatuko dituena. Eta txikienentzat, Kutxaren babesari esker, bi proiekzio berezi: P3K Pinocho 3000 eta Supertramps. Pelikulen proiekzioez gain bestelako jarduerak ere izango dira, esaterako kaleko antzerkia, erakusketak, VIII. Fanzine Topaketa... eta askoz ere gehiago.

Presentación La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián llega a su decimoquinta edición. Como en ediciones anteriores, se proyectarán películas en el Teatro Principal (sede del certamen), en el Cine Príncipe 2 y en el Auditorio del Centro Kursaal. La programación tiene diversas secciones. Por un lado, la Sección oficial de largometrajes reúne 15 películas, de las que 14 compiten por el Premio del Público, dotado con 6.000 euros. La Sección oficial de cortometrajes, también de carácter competitivo (se entregarán dos premios al mejor cortometraje: el Premio del público y el Premio del jurado internacional), ofrece una variada muestra de 18 pequeñas grandes obras que son, sin duda, una de las grandes apuestas de la Semana. Este año, además, habrá una competición dedicada a los cortos españoles, con un premio de 3.000 euros ofrecido por DAMA. La retrospectiva de esta edición está dedicada al cine de la productora Hammer Films. Como en anteriores ediciones, habrá una sección dedicada a recuperar películas clásicas del género en espléndidas copias. Y para los más pequeños, gracias al patrocinio de Kutxa, dos proyecciones especiales: P3K Pinocho 3000 y Supertramps. Además de las proyecciones cinematográficas habrá otras actividades como teatro de calle, exposiciones, el VIII Encuentro de Fanzines... y mucho más.

Introduction The Horror and Fantasy Film Festival of San Sebastián is about to celebrate its fifteenth birthday. As in previous editions, the films will be shown at the Teatro Principal (festival headquarters), Cine Príncipe (screen 2), and the Kursaal Auditorium. The festival is organised in different sections. 15 feature films will make up this year’s Official Section, 14 of which will compete for the Audience Award and 6,000 euros in prize money. There will also be an Official Section for Short Films in competition (two prizes for short films will be awarded: the Audience Award and the International Jury Award). This section will include 18 short masterpieces, unquestionably the jewels in the festival’s crown. This year will also feature a competition for short Spanish films, with 3,000 euros in prize money awarded by DAMA. The retrospective this year is dedicated to the production company Hammer Films. Much the same as in previous editions, there will be a section dedicated to recovering splendid copies of old genre classics. And for the younger crowd, Kutxa is sponsoring two special screenings: P3K Pinocho 3000 and Supertramps. In addition to movies, other activities are connected to the event including street theatre, exhibitions, the 8th annual gathering of Fanzines... and much, much more.

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EPAIMAHAI OFIZIALA - JURA D ROBERTO CURTI Roberto Curti huts egin zuen esperimentu zientifiko baten emaitza biziduna da. 1971n Parman jaioa, hiru urte zituenetik milaka pelikula ikusarazten zizkioten; Hollywoodeko mendebaldeko eta abenturazko pelikula zaharretatik hasi eta Z klaseko gialli italiarretaraino, 8 ordu inguru egunero. Urteak aurrera joan ahala, horrek bitan banatu zion nortasuna, nabarmen gainera: egunez, Roberto zuzenbideko ikasle soila zen; gauez, berriz, bere eskuetara iristen ziren pelikula ilunenak, eroenak eta gaiztoenak ikusten zituen. Baina egun batean mundua abokatu txar bat gabe moldatu litekeela erabaki zuen, baina askoz ere leku hobea izan litekeela beste zine-kritikari txar batekin. Horregatik, Nocturno-ren ohiko kolaboratzaile bihurtu zen, generoko zineman diharduen Italiako aldizkari garrantzitsuenean, eta Mereghetti film hiztegirako informazioa biltzen ere aritu zen. Mario Bava eta Dario Argentori buruzko ingelesezko liburukietan izan zen kolaboratzaile, baita Espainiako Nosferatu eta Quatermass aldizkarietan ere. 2003. urtean, bere lehenengo liburua argitaratu zuten, Sex and Violence, mundu guztiko zinema izugarriari buruzko azterketa sakona, Tommaso La Selvarekin batera idatzia. Orain, polizi zinema italiarrari buruzko liburu batean ari da lanean. Hauek gustatzen zaizkio: berenjenak, John Dickson Carren liburuak, Cristina emazte biziki maitea. Ez zaizkio gustatzen: azenarioak, intsektuak, politiko ergelak. Roberto Curti es el resultado viviente de un experimento científico fallido. Nacido en Parma en 1971, desde los tres años le hicieron ver miles y miles de películas; desde las antiguas películas del oeste y de aventuras de Hollywood hasta los gialli italianos de clase Z, unas 8 horas al día. Con el paso de los años, esto produjo un drástico desdoblamiento de su personalidad: durante el día, Roberto era un austero estudiante de derecho. Por las noches, veía las películas más oscuras, dementes y depravadas que caían en sus manos, hasta que un día decidió que el mundo podía prescindir de un mal abogado pero sería un lugar infinitamente mejor con otro mal crítico de cine. Por ello, se convirtió en un colaborador habitual de Nocturno, la revista italiana más importante dedicada al cine de género, y en recopilador de información para el diccionario de películas Mereghetti. Colaboró en los tomos en inglés sobre Mario Bava y Dario Argento, y con las revistas españolas Nosferatu y Quatermass. En 2003 se publicó su primer libro, Sex and Violence, un profundo examen del cine extremo en todo el mundo, escrito con Tommaso La Selva. En la actualidad trabaja en un libro sobre el cine policiaco italiano. Le gustan las berenjenas, los libros de John Dickson Carr y su adorada esposa Cristina. No le gustan las zanahorias, los insectos ni los políticos idiotas. Roberto Curti is the living result of a scientific experiment gone wrong. Born in Parma in 1971, since the age of three he was exposed to thousands and thousands of films, from old Hollywood westerns and swashbucklers to Italian Z-grade gialli, about 8 hours a day. As years passed by, this led to a dramatic split in personality: an austhere law student by day, Roberto spent nights watching the most obscure, demented and depraved flicks he could get his hands on, until one day he decided the world could do without a bad lawyer, but it would be an infinitely better place with one more bad film critic instead. Thus, he became a regular contributor to Nocturno, the most important Italian magazine dedicated to genre cinema, as well as a compiler for the Mereghetti dictionary of films. He contributed to English volumes on Mario Bava and Dario Argento and to the Spanish magazines Nosferatu and Quatermass. In 2003 his first book, Sex and Violence, an in-depth examination of extreme cinema all over the world co-written with Tommaso La Selva, came out. He is currently working on a book on Italian crime-cop movies. Likes: eggplants, John Dickson Carr books, his beloved wife Cristina. Dislikes: carrots, insects, idiot politicians.

CHRISTIAN GUINOT 1968an Drakula, príncipe de las tinieblas pelikularen proiekzio bat ikustera joan zenetik zaletu zen fantasiazko zinemara. 1971 eta 1981 urte bitartean, kontabilitateko eta psikologiako ikasketak egin zituen. Aldi berean: ClermontFerrandeko (bertan sortu zen 1979an Clermont-Ferrandeko Film Laburren Zinemaldia) Unibertsitateko Zirkulu Zinematografikoaren kidea eta proiekzio-emailea Clermont-Ferrandeko zinema-areto desberdinetan. Sauve Qui Peut le Court Métrage elkarteko kidea da (Clermont-Ferrandeko Film Laburren Zinemaldia antolatzen duena) 1981ean sortu zenetik. 1984az geroztik, ordezkari nagusia, zehazki nazioarteko lehiaketa gainbegiratzeaz arduratuz. Nazioarteko hautaketa batzordeko kidea da 1985az geroztik. Atzera begirako desberdinak programatu ditu, esate baterako 1997an fantasiazko film laburrei eskainitakoa. 1982an Avant que tout s’éteigne film laburra zuzendu zuen, 1982. Orain François Truffauti buruzko dokumental bat prestatzen ari da. Aficionado al cine fantástico desde que asistió a una proyección de Drácula, príncipe de las tinieblas, en 1968. De 1971 a 1981 cursó estudios de contabilidad y psicología. Al mismo tiempo fue miembro del Círculo Cinematográfico Universitario de Clermont-Ferrand (donde nació el Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, en 1979) y también proyeccionista en varios cines de Clermont-Ferrand. Miembro de la asociación Sauve Qui Peut le Court Métrage (que organiza el Festival de Cortometraje de Clermont-Ferrand) desde su creación en 1981), desde 1984 es delegado general, concretamente encargado de la supervisión del certamen internacional; y desde 1985, miembro del comité de selección internacional. Ha programado varias retrospectivas, como la dedicada al cortometraje fantástico en 1997. En 1982 dirigió el cortometraje Avant que tout s’éteigne, y actualmente prepara un documental sobre François Truffaut. Guinot has been a fan of fantasy films ever since he saw Dracula: Prince of Darkness in 1968. He studied accounting and psychology from 1971 to 1981. He is also a member of the University Cinema Circle of Clermont-Ferrand (the birthplace of the Clermont-Ferrand Short Film Festival in 1979) and projectionist for a number of cinemas in ClermontFerrand. Member of Sauve Qui Peut le Court Métrage (organiser of the Clermont-Ferrand Short Film Festival) since its foundation in 1981. Since 1984 he has been the general representative specifically in charge of supervising the international competition. He has been a member of the international selection committee since 1985, and has programmed several retrospectives, including one dedicated to short fantasy films in 1997. In 1982 he directed the short Avant que tout s’éteigne. Guinot is currently preparing a documentary on François Truffaut.

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A DO OFICIAL- OFFICIAL JURY MIREIA LLUCH Oso txikia nintzenean eraman ninduten Errauskineren bertsio txekoslovakiar bat (Walt Disneyrena ez!!!) ikustera, pertsonaia errealak zituen eta erabat maitemindu nintzen printze urdinaz. Hura izan zen zinemarekin izan nuen lehenengo harremana. Geroago, Hitchcock, Rohmer, Truffaut eta abar iritsi ziren, Alphaville aretoetara eta Filmotekara sarritan joaten hasi nintzen arte. Hiriburuan bizitzeak dituen abantailak! Askoz ere geroago dokumentalen generoa ezagutu nuen eta, printze urdinarekin gertatu zitzaidan bezala, dokumentalista handietaz ea noizbait maitemintzen naizen saiatzen ari naiz orain. Besteentzako filmaketetan eta zinemaldi desberdinetan urte batzuk lanean eman ondoren, honezkero esan dezaket La pelota vasca koproduzitu dudala eta nire lehenengo dokumentala filmatu dudala, zeren eta Hay motivo, 2’45" besterik irauten ez duen arren… nonbaitetik hasi beharra dago! Con pocos años me llevaron a ver una versión checoslovaca de la Cenicienta con personajes reales (¡¡¡no la de Walt Disney!!!) y quedé enamorada del príncipe azul. Éste fue mi primer contacto con el cine. Más tarde llegaron Hitchcock, Rohmer, Truffaut, etc. hasta que me hice asidua de los Alphaville y la Filmoteca. ¡Ventajas de vivir en la capital! Mucho más tarde descubrí el documental y aquí estoy intentando dejarme enamorar por los grandes documentalistas, como hice con el príncipe azul. Después de unos años trabajando en rodajes para otros y en diversos festivales de cine, hoy ya puedo decir que he coproducido La pelota vasca y que he rodado mi primer documental, porque Hay motivo, aunque sólo dure 2’45"… ¡por algo se empieza! At an early age I was taken to see a Czech version of Cinderella with real people (not the Walt Disney version!!!) and fell in love with Prince Charming. That was my first contact with cinema. Later came Hitchcock, Rohmer, Truffaut, etc., followed by becoming an Alphaville groupie and a regular at the Filmoteca – the advantages to living in the capital! Several years later I discovered documentaries and here I am trying to let myself fall in love with great documentary makers like I did with Prince Charming. After working for a few years on other people’s films and with a number of film festivals, I can now say that I’ve co-produced La pelota vasca and that I’ve made my first documentary, Hay motivo. It’s may be only 2’45" long, but you’ve got to start somewhere!

ROBERTO CUETO Roberto Cueto Madrilen jaio zen. Txikitandik, apaizen eskola batean ikasten ari zela, kontzientzia-objektore egin zen: jolas orduetan ez zuen ikaskideekin futbolean jolasean ibili nahi. Gizarteratzeko programei esker lan egin ahal izan du, adibidez Nosferatu aldizkarian edo Calle 13 kanalean. Bere lagun frikiei zenbait gauzatxo idatziz aurkitu dio bere bizitzari zentzua: liburuak eta artikuluak, Drakula, Frankenstein, Japoniako zinema eta Koreakoa, soinu-bandak, giallo eta bizitzari zentzua ematen dioten gauzatxo horiek guztiak. Gainera Infernaliana zuzendu du, herrialdeko liburu-denda nagusienetan saldoen sekzioan arrakasta handia duen beldurrezko literatur bilduma. Aurten beteko da bere bizitzako ametsetako bat (bestea Steve McQueen izatea zen, nekez bete ahal izango da, ordea): Beldurrezko Astearen epaimahaikide izatea. Azkenean ulertu du futbolera jolasean ibili nahi ez izatea ez zela hain erabaki txarra izan azken finean. Roberto Cueto nació en Madrid. Ya de niño, estudiando en colegio de curas, se hizo objetor de conciencia: se negó a jugar al fútbol con sus compañeros de clase en los recreos. Ha podido trabajar gracias a programas de reinserción social como la revista Nosferatu o el canal Calle 13. Ha encontrado sentido a su vida escribiendo cosillas para sus amigos friquis: libros y artículos sobre Drácula, Frankenstein, cine japonés y coreano, bandas sonoras, giallo y todas esas cosas por las que la vida merece la pena. También ha dirigido Infernaliana, una colección de literatura de terror que tiene gran éxito en la sección de saldos de las más importantes librerías del país. Este año se cumple uno de los sueños de su vida (el otro era ser Steve McQueen, pero ése es raro que se realice): formar parte del jurado de la Semana de Terror. Por fin ha entendido que negarse a jugar al fútbol no fue tan mala decisión después de todo. Roberto Cueto was born in Madrid. When he was a boy studying at a Catholic school, he became a conscientious objector, refusing to play football with his classmates at recess. He could continue working thanks to social integration programmes such as the magazine Nosferatu and channel Calle 13. He has found new meaning to life writing bits and pieces for his kinky friends: books and articles on Dracula, Frankenstein, Japanese and Korean cinema, soundtracks, giallo and all those things that make life worth living. He directed Infernaliana, a collection of terror literature which has been very successful in the bargain section of some of the country’s leading bookshops. This year one of his lifelong dreams is about to come true (the other one was to be Steve McQueen, a feat rarely accomplished): to form part of the jury for the Horror and Fantasy Film Festival. He has finally come to understand that refusing to play football was not such a bad idea after all.

BELÉN MARTÍNEZ Gara egunkariko zutabegilea naiz, oso menderakaitza eta feminista (vade retro!). Generoari eta berdintasunari buruzko ikerlanetan eta prestakuntzan dihardut -orain, Gara egunkariak “genero politikan aditua” izendatu nau. Eusko Jaurlaritzaren Hezkuntza Sailak argitaratu dituen bi libururen egilea naiz beste egile batekin batera, instituzio desberdinekin lankidetzan aritzen naiz emakumeen kontrako biolentziari buruzko gaietan aholku ematen. Hedabide alternatibo desberdinekin kolaboratzen dut, “desobeditzaile zibila” naiz eta izugarri gustatzen zaizkit Tina Aumont, Christina Ricci eta Nacho Vidal. Soy columnista del diario Gara, muy rebelde y feminista (¡vade retro!). Soy investigadora y formadora sobre género e igualdad -ahora, el diario Gara me ha puesto “especialista en políticas de género”-. Soy coautora de dos libros publicados por el Departamento de Educación del Gobierno Vasco y colaboro con diferentes instituciones asesorando en cuestiones relacionadas con la violencia contra las mujeres. Colaboro con distintos medios de comunicación alternativos, soy “desobediente civil” y me encantan Tina Aumont, Christina Ricci y Nacho Vidal. I’m a columnist for the newspaper Gara, very rebellious and a feminist (just an old-fashioned kind of girl!). I research and teach gender and equality issues – Gara has just made me a “specialist in gender policy”. I’m co-author of two books published by the Basque Department of Education, and collaborate with different government agencies providing advice in matters of violence against women. I work with the alternative media, am “civilly disobedient” and adore Tina Aumont, Christina Ricci and Nacho Vidal.

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Atomik Circus

Film luzeen sail ofiziala Sección oficial de largometrajes Official feature film selection

(INAUGURAZIOA-INAUGURACIÓN-OPENING NIGHT)

Francia, 2004 Dirección: Thierry y Didier Poiraud. Producción: Nicolas Leclercq, Emmanuelle Lepers (Entropie Films). Guión: Thierry Poiraud, Didier Poiraud, Jean-Philippe Dugand, Vincent Tavier, Marie Garel-Weiss. Fotografía: Philippe Le Sourd. Música: The Little Rabbits. Montaje: Mario Battistel. Intérpretes: Vanessa Paradis, Jason Flemyng, Azkenean lortu dute. Poiraud anaiak, galaxiarteko eta dimentsioarteko izakiak, Mastercard, Airbus edo Reebok bezalako hain bezero egoskorrak limurtzeko eta izugarri garestiak diren publizitate kanpainak filmatzeko beren ideia makarroi-martetarrak saltzeko gai izan dira, eta Aliens with 2000 Assholes, Metal Spike edo Ideal film laburretan sumatzen zen film luzea egin dute azkenean. Mad Movies aldizkariak berak nabari zaion dentsitate estralurtar eta koagulatzailea interpretatzea lortu ez duen film luzea. Tavernier-Thompsonen Cup de Torchon edo Graham Greeneren obrak zinemara egokitu izan dituzten lanak gogorarazi ditzakeen paisaia batean, eta asko jasan behar izan duten Vanessa Paradisen eta Benoît Poelvoorderen, alegia C’est arrivé près de chez vous-eko tipoaren lankidetzarekin, Poiraud anaiek bola sideral izardun antzeko batzuk eraso egitera bultzatu dituzte, uhin-mugimenduzko zintak iletzat eta kristoren gosea dutenak. Giza haragi gosea, jakina.

Benoît Poelvoorde, Jean-Pierre Marielle, Venantino Venantini. Duración aproximada: 90 minutos. Contacto: Entropie Films Tf: 33 1 40 09 41 41 [email protected]

Lo han conseguido. Los hermanos Poiraud, criaturas intergalácticas e interdimensionales capaces de engatusar a clientes tan duros de roer como Mastercard, Airbus o Reebok y venderles sus ideas macarro-marcianas para rodar carísimas campañas de publicidad, han filmado el largometraje que se veía venir en sus cortos Aliens with 2000 Assholes, Metal Spike o Ideal. Un largometraje que ni siquiera una revista como Mad Movies ha logrado interpretar en toda su densidad extraterritorial y coagulante. En un paisaje que lo mismo podría recordar el Coup de Torchon de TavernierThompson o cualquier adaptación al cine de las obras de Graham Greene, con la sufrida colaboración de la Paradis y el tipo de C’est arrivé près de chez vous, Benoît Poelvoorde, los Poiraud lanzan al ataque a una especie de bolas siderales, estrelladas, con cintas ondulantes como cabellera y un hambre de mil pares. Hambre de carne humana, claro. They did it. The intergalactic interdimensional Poiraud brothers, who somehow manage to sweettalk hardball customers like Mastercard, Airbus and Reebok into buying their perverted Martian ideas and allowing them to create exorbitantly expensive advertising campaigns, have made the feature film we saw coming in their short films Aliens with 2000 Assholes, Metal Spike and Ideal. Not even the magazine Mad Movies was able to interpret this film in all of its extraterritorial and coagulating density. In an atmosphere just as easily reminiscent of Tavernier-Thompson’s Coup de Torchon as of any film adaptation of Graham Greene’s writings, and with the long-suffering collaboration of Vanessa Paradis and Benoît Poelvoorde, the guy from C'est arrivé près de chez vous, the Poiraud brothers launch an attack by star-shaped creatures from another dimension with flowing hair-like ribbons and one hell of an appetite. Their favourite dish? Human flesh, of course.

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Film luzeen sail ofiziala Sección oficial de largometrajes Official feature film selection

Alien versus Predator (BUKAERA-CLAUSURA-CLOSING CEREMONY) (LEHIAKETATIK KANPO-FUERA DE CONCURSO-OUT COMPETITION)

Gran Bretaña-Canadá-AlemaniaRepública Checa, 2004 Dirección: Paul W. S. Anderson. Producción: John Davis, Gordon Carroll, David Giler, Walter Hill (Davis Entertainment / Lonlink Productions / Impact Pictures / Stillking Films / Kut Films / Babelsberg Film / Brandywine Productions). Guión: Paul W. S. Anderson. Fotografía: David Johnson. Música: Harald Kloser. Montaje: Alexander Berner. Intérpretes: Sanaa Lathan, Raoul Bova, Lance Henriksen, Ewen Bremner, Colin Salmon. Duración aproximada: 90 minutos. Contacto: Hispano Fox Tf: 91 343 46 40

Frankizia kontua da hau. Frankizia zinematografikoena. A frankizia Alien da. B frankizia, Predator. Edo alderantziz, zeuek aukeratu. Lehena, dakizuenez, gure garrasiak inork ere entzungo ez dituen lekuan bizi zen munstro hura da, gure teniente kuttunenarekin elkar hartze makurra izan zuen hura. Ez, O’Neill ez, Ripley baizik. Bigarrena estralurtar gerlariarena egiten duena da, junglan kamuflatzen den hori (benetakoan alegia, hirikoan edo kristalezkoan) eta bertan eta harantzago izugarrizko kalteak eragiten dituena. Orain elkartu egin dituzte Jason eta Kruegerrekin egin zuten bezala eta, ohi denez, gizakiok erdi-erdian utzi gaituzte haientzako janari, dibertimendu edo dena delakoa izateko. Pragan dago filmatuta, bonbazia handian, eta gure fantasia guztiekin jolas egiten du eta Antartidako izotzetan murgilarazten gaitu (La cosa dagoen lekuan, benetako Frankensteinek amaitzen duen lekuan) antzinako piramide bat eta, inguruan, gerran dabiltzan estralurtarren bi arraza daudela ikusteko… Ez du axola nork irabazten duen: galtzaileak geu gara. Esto va de franquicias. De franquicias cinematográficas. La franquicia A es Alien. La franquicia B, Predator. O viceversa, como gustéis. El primero, lo sabéis, es aquel monstruo que habitaba allá donde nadie escucha nuestros gritos y acabó en extraño contubernio con nuestra teniente favorita. No, la O’Neill no, Ripley. El segundo va de guerrero extraterrestre que se camufla en la jungla (en la de verdad, la urbana o la de cristal) y causa estragos en ella y más allá. Ahora los han juntado como hicieron con Jason y Krueger y, como de costumbre, nos han dejado a los humanos en medio para que les sirvamos de comida, diversión o lo que se tercie. Rodada a lo grande en Praga, juega con todas nuestras fantasías y nos zambulle en los hielos de la Antártida (donde La cosa, donde termina el verdadero Frankenstein) para descubrir una antigua pirámide y alrededor, dos razas de extraterrestres en guerra… Gane quien gane... nosotros perdemos. This is about franchises… cinematographic franchises. Franchise A is Alien. Franchise B, Predator. Or vice versa, whichever way you like it. As you all know, the first one was the monster that lived where no one could hear our cries and ended up involved in a strange conspiracy with our favourite lieutenant. No, not O’Neill … Ripley. The second one was an extraterrestrial warrior who camouflaged itself in the jungle (the real jungle, the urban or the crystal ones) and caused havoc both there and beyond. Well, now they’ve joined forces just like Jason and Krueger, and as usual we humans have been plopped in the middle as fodder, entertainment or whatever else happens to cross their minds. Filmed in all its glory in Prague, the movie plays on our fantasies and lands us in the icy Antarctic (the same place as The Thing, where the real Frankenstein ended up), where our explorers stumble on an ancient pyramid and two alien races at war. No matter who wins, we lose.

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Calvaire

Film luzeen sail ofiziala Sección oficial de largometrajes Official feature film selection

Bélgica-Francia-Luxemburgo, 2004 Dirección: Fabrice du Welz. Producción: Michaël Gentile, Eddy Géradon-Luyckx, Vincent Tavier (The Film / La Parti / Tarantula). Guión: Fabrice du Welz, Romain Protat. Fotografía: Benoît Debie. Música: Vincent Cahay. Montaje: Sabine Hubeaux. Intérpretes: Laurent Lucas, Jackie Berroyer, Philippe Nahon, Jean-Luc Couchard, Brigitte Lahaie. Marka onduz, Astean den guztiak hausten baitu marka, ez dago ezer itzulinguruan Calvaire-ren antzekorik. Paralelo 45aren mailaren azpitik eta gainetik kokatutako fantasiazko zinemaldietan desiratua eta lehiatua. Cannesko Errealizadoreen Hamabostaldian detektatu zuten. Eta bertan, aldi berean eta bereizi gabe astindu, infernuetako aldareetara goratu, iraindu, txalotu, erreklamatu eta laidoztatu zuten. Pelikulari buruz esan izan da ia-ia La matanza de Texas bezalakoa dela, rollo txar horren, giro hanpatu horien, zorna darien ideia horien galbahetik pasatuta, Europakoa eta, batik bat, Belgikakoa den zine ilunari hain garesti ateratzen zaizkion ideia horiena. Istorioa? Tarteka erabateko beltzean filmatua, on the road abeslari batena, gizon bakarti baten etxean babesa aurkitu beharrean izango dena…

Duración aproximada: 94 minutos. Contacto: Funny Balloons Tf: 33 1 40 13 05 84 [email protected]

Mejorando lo presente, pues todo lo presente en La Semana es de campeonato, no hay en varias millas a la redonda nada parecido a Calvaire, deseada y disputada por los festivales fantásticos situados por debajo y por encima del Paralelo 45. Sus responsables la detectaron en la Quincena de los Realizadores de Cannes, lugar donde fue simultánea e indistintamente zarandeada, elevada a los altares diabólicos, escupida, vitoreada, reclamada y denostada. Se ha dicho de ella que es casi casi como La matanza de Texas pasada por el filtro de ese mal rollo, de esos ambientes tumefactos, de esas ideas supurantes, tan caras al cine oscuro europeo y, mayormente, al belga. ¿La historia? Rodada a ratos en negros absolutos, la de un cantante on the road que ha de buscar refugio en la casa de un hombre solitario… Every film in the Horror and Fantasy Film Festival is first-rate. But, believe me, there is nothing for miles around like Calvaire, sought after and disputed by fantasy festivals both above and below the 45th Parallel. It was discovered by the people in charge of the Directors’ Fortnight at Cannes, where it was equally and simultaneously bashed, raised to the highest diabolic altars, spit upon, cheered and reviled. It was even likened to The Texas Chain Saw Massacre filtered through the gloom, muck and stagnation so dear to European – and particularly Belgian – cinema. The story? The movie, filmed at times in total darkness, is about an itinerant singer who is forced to take refuge in the house of a strange little man in the forest.

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Dead birds

Estados Unidos, 2004 Dirección: Alex Turner. Producción: Ash Shah, David Hillary, Timothy Peternel (Deviant Films). Guión: Simon Barrett. Fotografía: Steve Yedlin. Música: Peter Lopez. Montaje: Brian Anton. Intérpretes: Henry Thomas, Patrick Fugit, Nicki Aycox, Michael Shannon, Muse Watson. Duración aproximada: 91 minutos. Contacto: Timothy Peternel [email protected]

Ez baitiegu kasurik egiten gure arbasoen atso-ipuin zaharrei, eta horrelako kontuak gertatzen dira gero. Atsotitz anglosaxoi batek ere halaxe dio: “Etxean den txoriak etxean den heriotza adierazten du”. Eta, hala ere, kasurik ez. Eta horrela sasi artera sartzea besterik ez dugu lortzen, eta Alex Turner zuzendariari eta bere taldeari mundu erdiko fantasiazko zinemaldien arduradunen bihotzetan eta adimenetan eldarnioak eragiten dituen pelikula bat filmatzeko aukera paregabea eta odoltsua ematea. Henry Thomasek antzeztua (bai, bera, E.T.ko mutila -dagoeneko hazia-) baita beste jende berezi batek ere, Dead Birds pelikulak Amerikako Gerra Zibilari uko egin zietenek errespetuagatik Hegoaldean kanpatzen zuten garaietan sartzen gaitu, etxe ilun batean. Bertan, nola ez ba, urrez leporaino betetako gaizkile batzuk ez dira bertan bizi diren bakarrak izango ezta bertan hilko diren lehenak ere. Si es que no hacemos caso a las viejas consejas de nuestros antepasados y pasa lo que pasa. Si ya lo dice un refrán anglosajón: “Un pájaro en la casa significa una muerte en la casa”. Pero no, claro. Ni caso. Y así, lo único que conseguimos es meternos en líos. Y darle al director Alex Turner y a su equipo una oportunidad de oro y sangre para filmar una película que provoca delirios en los corazones y las mentes de los responsables de los festivales fantásticos de medio mundo. Interpretada por Henry Thomas (sí, él, el niño -ya crecido- de E.T.) y por otra gente muy singular, Dead Birds nos encierra, en los tiempos en que los renegados de la Guerra Civil americana campaban por sus respetos en el Sur, en una mansión fúnebre donde, faltaría más, ese grupo de facinerosos ahítos de oro no son los únicos habitantes ni serán los primeros en morir. We pay no attention to the advice of our elders, and see what happens? As the old Anglo-Saxon saying goes, “a bird in the house means a death in the house”. Yeah, right, nah, no way, forget it. But we end up getting ourselves in trouble, and give director Alex Turner and his team a golden – not to mention bloody – opportunity to make a film that provokes delirium in the hearts and minds of the people in charge of fantasy film festivals around the world. Starring Henry Thomas (yes, the boy from E.T. – now grown up) and a very unique cast of others, Dead Birds is set in the times when renegades from the American Civil War roamed the South. A couple of slimy confederate bank robbers hole up in a grimy-looking mansion, where they find they’re not the only ones living there… and won’t be the first ones to die.

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Evilenko

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Italia, 2004 Dirección: David Grieco. Producción: Mario Cotone (Pacific Pictures). Guión: David Grieco. Fotografía: Fabio Zamarion. Música: Angelo Badalamenti. Intérpretes: Malcolm McDowell, Marton Csokas, Ronald Pickup, Frances Barber, John Benfield. Duración aproximada: 112 minutos. Contacto: Pacific Pictures Tf: 39 06 32 20 200 El comunista que comía niños izenburua duen nobelan oinarritutako pelikulak ezin du pelikula txarra izan. Malcolm McDowellek La naranja mecánica-ko mutil ankerra bera zela eta beste inor ez gogorarazten digun pelikulak, bere oraingo existentzia ezin hobeki antzezten duen pelikulak ezin du pelikula txarra izan. Angelo Badalamentik konposatutako soinu-bandarekin eta Dolores O’Riordanek, The Cranberries talde buruak abestutako “Angels Go to Heaven” gai nagusiarekin pelikulak ezin du, ez, pelikula txarra izan. Italiako Alderdi Komunistaren sortzailearen bilobak zuzendutako pelikulak, nahitaez, pelikula ona izan behar du. Haurrak hipnotizatu, hil eta irensten dituen gizon bati, aldi berean Sobietar Errepublika Sozialista Batuen suntsipenaren lekuko eta eragile izandakoari buruzko pelikulak pelikula bikaina izan behar du. Halaxe da Evilenko. Oso pelikula bikaina. Maltzurra. Goi-mailako politika hilgarria.

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Una película basada en una novela titulada El comunista que comía niños no puede ser una mala película. Una película en la que Malcolm McDowell nos recuerda que fue él y no otro el muchacho feroz de La naranja mecánica y borda el papel de esta su existencia actual no puede ser una mala película. Una película con su banda sonora compuesta por Angelo Badalamenti y su tema central, “Angels Go to Heaven”, interpretado por Dolores O’Riordan, líder que fuera de The Cranberries, no puede ser una mala película. Una película dirigida por el nieto del fundador del Partido Comunista italiano debe ser, a la fuerza, una buena película. Una película sobre un hipnotizador, asesino y devorador de niños, testigo y actor al mismo tiempo del derrumbe de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas ha de ser una gran película. Evilenko lo es. Grandísima. Maligna. Alta política mortal. Any film based on a novel called The Communist Who Ate children cannot possibly be bad. A film in which Malcolm McDowell reminds us that it was, he and no one else, who played the savage boy in A Clock Work Orange and who does a magnificent job in this new role cannot be bad. A film whose musical score is written by Angelo Badalamenti and whose theme song is “Angels Go to Heaven”, sung by Dolores O’Riordan, former lead singer of The Cranberries, cannot be bad. A film directed by the grandson of the founder of the Italian Communist Party can’t be anything but good. A film about a hypnotizer, murderer and child devourer, and both witness and active participant in the fall of the Union of Soviet Socialist Republics has to be great. Evilenko is. It is fabulous and evil – high-rolling, lethal politics at its best.

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Hair High

Estados Unidos, 2004 Dirección: Bill Plympton. Producción: Bill Plympton. Coproducción: Martha Plympton. Animación: Bill Plympton. Música: Maureen McElheron, Hank Bones, Link Wray, Hasil Adkins. Montaje: Rob Hall. Voces: Dermot Mulroney, Sarah Silverman, Eric Gilliland, Beverly D’Angelo, Keith Carradine. Duración aproximada: 78 minutos. Contacto: Bill Plympton Tf: 1 212 675 60 21 [email protected]

Bai, bera da, berriro ere. Bill berriro ere. Plympton berriro ere. Mutant Aliens eta I Married a Strange Person-en gure animazio-egile goraipatua, errepublikarren konbentzioetan erakusteko egokiak ez diren marrazkidun pelikula horiena, planeta erdiko jendearen sentikortasuna eta gibeltxoak, giltzurruna eta meningeak mintzeko gai diren horiena. Bill lehengoetara itzuli da eta ipuin gotiko hau eskaintzen digu, Al este del Edén eta Carrie arteko nahaste zoragarria, hain famatuak ez izan arren benetan handiputzak diren beste batzuez aparte, esate baterako Sé lo que hicisteis el último verano. Ezinezko orrazkerak daramatzaten neskekin, James Deani hain itxura ederra ematen zioten jaka haietakoak eta Erregeari bakarrik ondo geratzen zitzaizkion tupe haietakoak harro erakusten dituzten mutilekin, Hair High-ek barrukiak (eta zerbait gehiago) ateratzen dizkio irakasle bati. Baina Heriotzetik harantzago doan maitasunezko eta mendekuzko istorio maltzurra da baita ere. Oh, es él, de nuevo él. De nuevo Bill. De nuevo Plympton. Nuestro adorado animador de Mutant Aliens y I Married a Strange Person, esas películas dibujadas no aptas para ser exhibidas en las convenciones republicanas, capaces de herir la sensibilidad, los higadillos, el riñón y las meninges de medio planeta. Bill ha vuelto a las andadas y nos ofrece un cuento gótico, mezcla macanuda de Al este del Edén y Carrie, aparte de otros títulos menos legendarios pero fachendosos a morir tal que Sé lo que hicisteis el último verano. Con chicas de peinados imposibles, muchachos que lucen aquellas cazadoras que le quedaban tan bien a James Dean y tupés de aquellos que sólo le quedaban bien a El Rey, Hair High le saca los menudillos (y algo más) a un profesor pero no deja de ser una marrullera historia de amor y venganza más allá del Más Allá. Oh, it’s him. Bill again. Plympton again. Our beloved animator from Mutant Aliens and I Married a Strange Person, animated flicks not suitable for Republican conventions, films that offend the sensibilities, livers, kidneys and guts of viewers half-way around the planet. Bill has gone back to his old ways, serving us up with a gothic tale, a fantastic combination of East of Eden and Carrie, with a few other less legendary yet equally shameless titles tossed in like I Know What You Did Last Summer. Girls with impossible hairdos and men wearing those leather jackets that looked so good on James Dean and pompadours that only the King of Rock n’Roll could get away with. High Hair might pluck the gizzards (and more) from a teacher or two but it’s actually a crafty story of love and revenge beyond the great Beyond.

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Llamada perdida

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One Missed Call Japón, 2003 Dirección: Takashi Miike. Producción: Naoki Sato, Yoichi Arishige, Fumio Inoue (Kadokawa-Daiei Pictures). Guión: Miwako Daira. Fotografía: Hideo Yamamoto. Música: Koji Endo. Montaje: Yasushi Shimamura. Intérpretes: Kou Shibasaki, Shinichi Tsutsumi, Kazue Fukiishi, Renji Ishibashi, Atsushi Ida. Duración aproximada: 112 minutos. Ondo ezagutzen dugu. Gutako bat da. Lasterketako autoen mekanikari izan nahi zuen mutil hura, baina azkenean, norbaitek hitzez hitz esana, “zinemako perbertsiozko pieza harrigarrien” zuzendari bilakatu dena, esate baterako benetan sinesgaitzak eta zoragarriak diren Ichi the Killer eta La felicidad de los Katakuris pelikulena. Oraingo honetan istorio izugarria kontatzen digu: jendeak dei galdu bat jasotzen du mugikorretik eta dei hori ikertzean, zeure mugikorretik egin dela eta deia jaso ondorengo hiru egun beranduago egin dela jakingo duzu, eta hitz egiten duena zeu zarela. Bueno, hitz egin baino, beldurrez eta izu-ikaraz ulu egiten duzu. The Ring-en antzera hasten da eta bere berezko estiloaz jarraitzen du. Formalki maltzurrak diren neskez bete-bete dago eta zorabio izugarria da.

Contacto: Notro Films DeAPlaneta Tf: 93 492 88 73

Le conocemos bien. Es uno de los nuestros. Aquel chico que quería ser mecánico de coches de carreras y acabó siendo director de, palabras textuales de alguien, “increíbles piezas de perversión cinematográfica” tal que las muy inverosímiles y soberbias Ichi the Killer y La felicidad de los Katakuris. Esta vez nos ofrece una horripilante historia en la que la gente recibe en su móvil una llamada perdida que, al ser investigada, resulta haber sido hecha no sólo desde tu propio móvil sino tres días después de haberla recibido y, además, quien habla eres tú mismo. Bueno no, hablar, no, aúllas de miedo y espanto. Comienza a la manera de The Ring, continúa a la suya propia propísima, está infestada de muchachas formalmente perversas y es un alucine espantoso. We know him well. He’s one of us. The guy who wanted to be a race car mechanic and ended up being director, in one person’s words, of “incredible pieces of cinematographic perversion” such as the improbable and superb Ichi the Killer and The Happiness of the Katakuris. This time he offers us a hair-raising story in which a woman receives a mysterious message from her own mobile phone dated three days into the future. Worse yet, it’s her own voice talking on the message. Well, not exactly talking, more like screaming bloody murder. The beginning of the movie borrows from The Ring and continues in the director’s own very personal style, amazingly gruesome and infested with some seriously perverse females.

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La peau blanche

Canadá, 2004 Dirección: Daniel Roby. Producción: Daniel Roby (Zone Film). Guión: Daniel Roby, Joël Champetier. Fotografía: Eric Cayla. Música: Martin Lord. Montaje: Yvann Thibodeau, François Bégin. Intérpretes: Marc Paquet, Marianne Farley, Frédéric Pierre, Jessica Malka, Jou Jou Turenne. Duración aproximada: 89 minutos. Contacto: Séville Pictures Tf: 514 841 19 10 [email protected]

Ez, Kanadako pelikula honetako neska protagonistak ez dira banpiroak. Sukuboak dira. Zertan bereizten diren? Oso sinplea da, banpiro izakia bere biktimaren odolaz bakarrik elikatzen da eta, dagokionaren liluraldietatik harantz, ez du haragizko harremanik izaten berarekin. Sukuboa deabru bat da, Luzbelen legioko kidea, emakume itxuraren azpian gizonezkoekin haragizko merkataritzaren bila aritzen dena, haien sexua eta adimena xurgatzeko eta haien bizi-jariakin guztiez elikatzeko, semena barne, jakina. Lerro hauek balio dezatela film ausart honen eta aldi berean oso klasikoa den honen hitzaurre gisa. Beste hainbat film gogoraraziko dizkigu, deabruen bakardadea erakutsiko digu eta teoria harrigarria bezain joria aditzera eman nahi izango digu: banpiroek eta sukuboek nahiago dute jende beltzen odolaz elikatu, Gizakia Afrikan sortu zelako eta beltzak gizaki guztion artetik gizaki osoenak direlako. No, las chicas que protagonizan esta película canadiense no son vampiras. Son súcubos. ¿La diferencia? Sencillamente, la criatura vampírica se nutre únicamente de la sangre de su víctima y, más allá de las ensoñaciones de cada quien, no tiene intercurso carnal con ella. El súcubo es un demonio, un miembro de la legión de Luzbel que, bajo apariencia de mujer, busca el comercio carnal con los hombres, les sorbe sexo y seso y se alimenta de todos sus fluidos vitales, incluido, lógicamente, el semen. Sirvan estas líneas como pórtico a un film valiente y al mismo tiempo muy clásico, que recuerda a otros tantos, muestra la soledad de los demonios y lanza una teoría sorprendente y riquísima: vampiros y súcubos prefieren alimentarse de gente negra porque el Hombre surgió en África y porque los negros son los seres humanos más completamente humanos de entre todos los humanos. No, the women in this Canadian flick are not vampires, they’re succubuses. So, what’s the difference, you might ask? It’s simple: vampires feed only on the blood of their victims, and contrary to their victims’ wildest dreams, do not engage in sexual intercourse with them. Succubuses, however, are female demons, members of the legion of Luzbel. Under the guise of real live women, they seek carnal commerce with men. They suck dry both brain and brawn, feeding on all vital bodily fluids, including semen, of course. May these lines serve as the introduction to a daring and at the same time classic film with echoes of so many that came before. It speaks to the loneliness of vampires and puts forward a surprising and delicious theory: vampires and succubuses would rather feed on black men because Homo sapiens came from Africa and because black men are the most completely human of all human beings.

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Saw

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Estados Unidos, 2004 Dirección: James Wan. Producción: Mark Burg, Gregg Hoffman, Oren Koules (Evolution Entertainment / Saw Productions). Guión: Leigh Whannell. Fotografía: David A. Armstrong. Música: Charlie Clouser, Danny Lohner. Montaje: Kevin Greutert. Intérpretes: Cary Elwes, Danny Glover, Monica Potter, Ken Leung, Keigh Whannell. Duración aproximada: Hiltzailea, serieko hiltzaile fina, jeinu perfektua, jaun hilgarrien artean -Hannibal Lecter, Jack errai-ateratzailea edo Bostongo itotzailea aipatzearren- parerik ez duena, ondo pasatzen ari da. Poeren El barril de amontillado kontakizunaren izurra izurtuz, Sanitateko ikuskatzailea pasatu ez den komun batean abandonatzen ditu bere bi biktimak, tutu herdoildu batzuei lotuta eta hirugarren pertsona edo pertsonaia bat lagun dutela, buruan duen zauri bortitza dela eta odolez blai utzi duen zoru gainean etzanda. Eskumuturrak lotuta dituzte eta horietako batek ere ez daki zer egiten ari den hor, nola iritsi zen, nork ekarri zuen, nortzuk diren berarekin daudenak eta nola demontre aterako den ataka gaizto horretatik. Hiltzaile finak pista batzuk utzi dizkie ondo pasa dezaten, izutu daitezen eta ordua iritsi bitartean beren buruak moztu ditzaten. Zein eroso eta mamitsu. Pantailan, beste hainbaten artean, beste bi izar hilgarri: Elwes eta Glover.

100 minutos. Contacto: DeAPlaneta Tf: 93 492 88 73

El asesino, fino asesino en serie, genio perfecto, par entre pares de caballeros letales tal que Hannibal Lecter, Jack el Destripador o el Estrangulador de Boston, se divierte. Rizando el rizo del relato El barril de amontillado de Poe, abandona a dos de sus víctimas en un cuarto de baño no inspeccionado por Sanidad, atadas a una oxidada tubería y en compañía de una tercera persona o personaje, alguien que yace en un charco de su propia sangre con una salvaje herida en la cabeza. Ninguno de los dos esposados sabe qué hace ahí, cómo llegó, quién le trajo, quiénes son sus compañeros y cómo diablos va a salir de ésta. El fino asesino les ha dejado una serie de pistas para que se diviertan, horroricen y mutilen mientras les llega su hora. Así de cómodo y sabroso. En pantalla, entre otros tantos, dos estrellas también letales: Elwes y Glover. The murderer is a sophisticated serial killer, a perfect genius, right up there with such lethal gentlemen as Hannibal Lecter, Jack the Ripper and the Boston Strangler. The guy knows how to have a good time. Taking Poe’s tale The Cask of Amontillado one step further, he leaves two of his victims chained to a rusty pipe in a gruesome public toilet that hasn’t exactly passed health inspection, in the company of a third person who lies in a pool of blood with a nasty gash in his head. Neither of the two men knows why he’s been abducted, how he got where he is, who brought him, who the other guys are or how the hell he’s going to get out. The sophisticated serial killer has left them a series of clues so they can have some horrific and rather mutilating fun as their final hour draws near. It’s that easy and tantalising. On the screen, among others, are two lethal stars: Elwes and Glover.

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Spider Forest

Corea del Sur, 2004 Dirección: Song Il-gon. Producción: Kim Tae-hyun, Kim Dae-hyun (Oak Films). Guión: Song Il-gon. Fotografía: Kim Chul-ju. Música: Yoon Min-hwa. Montaje: Choi Jae-geun. Intérpretes: Kam Woo-sung, Seo Eun-ah, Kang Kyeong-heon, Jang Hyeon-seong, Son Byung-ho. Duración aproximada: 118 minutos. Contacto: CJ Entertainment Tf: 82 2 21 12 65 59 [email protected]

Donostiako Nazioarteko Zinemaldi gorenaren lehiaketarako Sail Ofizialean programatu zuten, oso pelikula ederra delako ez ezik ikusle patxadazaleak, ekialdeko zinemak aspaldi honetan bereganatu duen adimen, espiritu, kamera eta gidoi askatasuna oraindik ezagutzen ez duten ikusle horiek mugiarazteko asmo on-onak bultzatuta ere. Spider Forest, erabatekoa, harrigarria, Bizitzaren eta Heriotzaren atalasearen inguruko kiribil malenkoniatsua da, eta ederra da oso, liluragarria, erakargarria. Eta bost zentzumenak erne izateko eskatzen dio ikusleari, eta seigarrena neurtuta eta azti, eta fantasiaren legenda berri bat eskaintzen digu gainera: hil zirenen eta gogoratzen ez ditugun haien espirituak armiarma bihurtzen dira eta baso krudel batean bizi dira, norbaitek gogora ekartzen ez dituen arte irtengo ez diren basoan. Fue programada en la Sección Oficial a concurso del supremo Festival Internacional de Cine de San Sebastián no sólo porque es celuloide sublime sino con la santísima intención de descolocar a los espectadores comodones, ignorantes aún de la libertad de mente, espíritu, cámara y guión ejercida desde hace décadas por el cine oriental. Spider Forest, absoluto, increíble bucle melancólico alrededor de los umbrales de la Vida y la Muerte, es de una belleza subyugante y arrebatadora, exige de su público tener los cinco sentidos puestos a punto y el sexto absolutamente aquilatado y en guardia, y nos proporciona una nueva leyenda de la fantasía: los espíritus de aquellos que murieron sin ser recordados se convierten en arañas y habitan en un bosque cruel del que no saldrán hasta que alguien piense en ellos. This movie was included in the Official Section of the San Sebastian International Film Festival because it is clearly a sublime piece of celluloid. But it was also included in the programme to shake up some of the lazier moviegoers who were still unaware of the free mind, spirit, camera and scriptwriting that has been prevalent in oriental filmmaking for decades. Spider Forest, an absolutely incredible melancholic journey across the thresholds of Life and Death, is captivatingly and breathtaking beautiful. It calls on the audience to fine tune all five senses and get their sixth sense ready for the kill. It provides us with a brand new type of fantastical legend: the spirits of those who die unremembered turn into spiders and live in a cruel forest from which they will never escape until someone thinks about them.

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Stephen King's Riding the Bullet

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Estados Unidos-Alemania, 2004 Dirección: Mick Garris. Producción: Mick Garris, Brad Krevoy, Frank Huebner, David Lancaster, Joel T. Smith (Motion Picture Corporation of America, Apollo Media). Guión: Mick Garris. Fotografía: Robert C. New. Música: Nicholas Pike. Montaje: Marshall Harvey. Intérpretes: Jonathan Jackson, David Arquette, Erika Christensen, Barbara Hershey, Cliff Robertson. Duración aproximada: Astera aratz datorkigun pelikula baten munduko erabateko estreinaldia. Milaka galaxietako internautek irrikatutako pelikula hau Beldurraren Jaun eta Jabeak interneten esekita utzi zuen kontakizun batean oinarrituta dago. Gaia? Erabateko Edipo konplexua duen mutiko bat errepidera irten da amak bihotzeko bat izan duelako eta bere ohe ondoan zaintzen egon nahi duelako. Ama Barbara Hershey da, Scorseseren Kristoren azkeneko tentaldia. Beraz, Edipo inguruko gaia logikoa da. Zuzendariak Critters 2 egin zuen, baina mundu guztiak merezi du beste aukera bat. Amatxoz maiteminduta dagoen mutikoa Vietnameko garaietan bizi da, belar goxoaren eta Plastic Ono Band taldearen kontzertuen garaietan. Burutik pasatu ez bazaizue, badaezpada ere, USAko estatu arteko errepideetatik autostopez egindako bidaia horretan oso jende arraroarekin topo egingo du eta, batik bat, gaueko bere mamutxo eta beldurrekin.

92 minutos. Contacto: Motion Picture Corporation of America Tf: 1 310 319 95 00 [email protected]

Estreno mundialísimo de una película que llega virgen e inmaculada a la Semana. Deseada por los internautas de mil galaxias, se basa en un relato que el Amo del Terror dejó colgado en internet. ¿El asunto? Un chaval con totalísimo complejo de Edipo se lanza a la carretera porque su mamá ha sufrido un infarto y él quiere guardar las cuatro esquinitas de su cama. La madre no es otra que Barbara Hershey, la última tentación del Cristo de Scorsese, con lo que la cuestión edípica resulta lógica. El director fue responsable de Critters 2, pero todo el mundo merece una segunda oportunidad. El muchacho enamorado de su mami vive en los tiempos de Vietnam, la hierba rica y los conciertos de la Plastic Ono Band. Por si no os lo imaginabais, en ese viaje a dedo por las interestatales de los USA se cruzará con gente rarísima y, sobre todo, con sus propios fantasmitas y terrores nocturnos. World premier of a movie about to make its absolute, immaculate and virginal debut at the Horror and Fantasy Film Festival. Sought after by web surfers from a thousand galaxies, it is based on an ebook novella written by the King of Terror himself. The plot? A young man with a serious Oedipus complex takes to the road because his mummy has had a heart attack and he absolutely must make it to her bedside before it’s too late. Mum is none other than Barbara Hershey, the last temptation of Scorsese’s Christ, which makes the Oedipus thing pretty logical. The director was responsible for Critters 2, but everyone deserves a second chance. The guy in love with his mummy lives in the midst of Vietnam, good pot and the Plastic Ono Band. And in case you hadn’t imagined, in his hitchhiking odyssey across the US interstates our hero meets up with some weird folks, including his own ghosts and nightmares that have plagued him since childhood.

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Tears of Kali

Alemania, 2004 Dirección: Andreas Marschall. Producción: Olivera Becker, Heiner Thimm (Cut and Run Prod.). Guión: Andreas Marschall. Fotografía: Heiko Merten, Michael M. Schuff, Michael Cholewa. Música: John Panama, India Bharti. Montaje: Andreas Marschall. Intérpretes: Peter Martell, Mathieu Carrière, Adrian Topol, Magdalena Fernandez-Ritter, Anja Gebel. Duración aproximada: 110 minutos. Contacto: Anolis Entertainment Tf: 49 6021 63 24 88 [email protected]

Oso gutiziatua den Méliès zilarrezko saria jaso zuen pelikula Luxenburgon, Tears of Kali, ilunabarreko zonan bizi dela ziurtatzen duena. Filmak 70eko hamarkadara eraman eta ekartzen gaitu, India barruko niaren bila zebilen mendebaldar ugariren gunea zenean eta substantzia haluzinogeno zoragarriekin ez ezik bukaera nerbioso, sentsorial, linfatiko, espiritual eta gorputzekoekin esperimentatzen zutenean. Hiru pasartetan kontatzen zaigu, Indiako mitologiaren iluntasunean bizi diren jainkosen eta espirituen eraginpean eta izenpean, Kali, Devi, Shakti izugarria bera. Andreas Marschallen pelikulak mamu ikaragarriak askatzen ditu, skinhead-ena egiten diharduten mutikoak larrutzen ditu eta gure atzetik dabil inork gorde ezin ditzakeen sekretuak bizi direneko eroetxe bateko korridore eta eskaileretatik. Hori guztia bere bobinetatik rollo txarraren, bibrazio txarren, nahiera eta noraezean dabiltzan deabruen kirats atsegingarria susmatzen dugun bitartean. Ganadora en Luxemburgo del muy ambicionado premio Méliès de plata que certifica que una película habita en la zona crepuscular, Tears of Kali nos lleva y nos trae a y de los años 70 cuando la India era La Meca para tanto occidental en busca de su yo interior y se experimentaba no sólo con divinas sustancias alucinógenas sino con todas nuestras terminaciones nerviosas, sensoriales, linfáticas, espirituales y corporales. Narrada en tres episodios, bajo el influjo y la advocación de las diosas y espíritus que pueblan la oscuridad de la mitología hindú, la propia y terrible Kali, Devi, Shakti, la película de Andreas Marschall desata fantasmas espantosos, desolla muchachos que juegan a skinheads y nos persigue por los pasillos y las escaleras de un sanatorio mental habitado por secretos que nadie puede guardar. Todo ello mientras de sus bobinas se desprende un delicioso tufo a mal rollo, a malas vibraciones, a demonios que vagan sueltos. Winner in Luxembourg of the coveted Silver Méliès award certifying the film’s consecrated place in the twilight zone, Tears of Kali takes viewers in to and out of the 1970s, when India was the mecca for so many westerners in search of their inner self and when people experimented with divine hallucinogenic substances and the limits to our nerves, our senses, our bodies, spirits and lymph nodes. Brought to us by Andreas Marschall, the film is told in three episodes under the influence and avocation of the gods and spirits that lurk in the shadows of Hindu mythology – Kali, Devi and Shakti themselves. The movie unleashes fearsome ghosts, flays young men playing skinhead and leads us down the halls and stairways of an insane asylum inhabited by secrets that no one can keep. And all the while the reels turn round and round deliciously reeking of disaster, bad vibrations and demons on the loose.

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Tempus Fugit

Film luzeen sail ofiziala Sección oficial de largometrajes Official feature film selection

España, 2003 Dirección: Enric Folch. Producción: Paco Poch (Mallerich Films). Guión: Enric Folch, Albert Espinosa. Fotografía: Andreu Rebés. Música: Àlex Martínez. Montaje: Ferrán Roig. Intérpretes: Xavi Mira, Neus Asensi, William Miller, Xavier Bertrán, Irene Montalà. Duración aproximada: 90 minutos. Contacto: Mallerich Films Gogoratzen al zara Koemanek Wembleyn sartu zuen golaz? Puyalez Urrutiri “t’estimo” esanez? Ba al duzu Zuviríaren ospearen berri? Kontatu al dizue inoiz Bakerorena Kaiserslauternen kontra? Ikusi al zenuen Basileakoa? Ez dakizu/ez duzu erantzuten? Orduan ez zara culé, ez zara Barçakoa. Ez dio inporta. Berdin gozatuko duzu pelikula honekin. Telebistarako egina dago Super 16 mm.n eta Europako bazter guztietako zinemaldietatik pasatu dute jende askoren txaloen artean (Montecarlo eta Suediako fantasiazko sariak). Enric Folchek zuzendu du, bere film labur ugari Astean aurkeztu izan dituen lagunak. La Barcelonetan filmatuta dago, eta al dente antzeztu dute jende jator honek: la Neusek, Neus Asensik, el Xavik, Xavi Mirak, eta gainerakoek. Tempus Fugit-ek mundua berehala amaitzear dagoela abisatzen digu. Madrilen kontra Barçak Nou Camp-en... 0-10!!! galdu baino lehentxeago edo geroxeago…

Tf: 93 203 30 25 [email protected]

¿Recuerdas el gol de Koeman en Wembley? ¿A Puyal diciéndole a Urruti “t’estimo”? ¿Sabes de la gloria de Zuviría? ¿Te han contado lo de Bakero contra el Kaiserslautern? ¿Viviste lo de Basilea? ¿No sabes/no contestas? Entonces es que no eres culé, no eres del Barça. No importa. Disfrutarás igual de esta película realizada para televisión en Super 16 mm. y paseada en loor de multitudes por los festivales de todita Europa (premios de buena plata fantástica en Montecarlo y Suecia). Dirigida por Enric Folch, un amigo que ha presentado muchos de sus cortos en La Semana, rodada en La Barceloneta, interpretada al dente por gente tan maja como la Neus, la Neus Asensi, el Xavi, el Xavi Mira, y los demás, Tempus Fugit nos avisa de que el mundo se acaba en ya. Un poco antes o un poco después de que el Barça pierda en el Nou Camp ante el Madrid por ¡¡¡0-10!!!… Remember the goal Koeman scored at Wembley? Or when Puyal told “t’estimo” to Urruti? Do you know about the glory of Zuviría? Has anyone told you about Bakero versus Kaiserslautern? Did you see what happened in Basel? No answer/not applicable? Then obviously you’re not a Barcelona football club fan. No big deal, you’ll like this movie anyway. Tempus Fugit was made for television in super 16mm and praised by the masses in festivals all over Europe (reaping important prizes at fantasy fests in Montecarlo and Sweden). Director Enric Folch, a friend of the Horror and Fantasy Film Festival who has previously presented several of his shorts, chose La Barceloneta to shoot the film and such nice people as Neus, Neus Asensi, Xavi, Xavi Mira, et al as actors. Tempus Fugit warns us that the world is coming to an end now – a little before or a little after Barça loses at Nou Camp to Madrid by… 0-10!!!

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I tre volti del terrore

Italia, 2004 Dirección: Sergio Stivaletti. Producción: Lorenzo von Lorch, Sergio Stivaletti (Password / Apocalypse). Guión: Sergio Stivaletti, Antonio Tentori. Fotografía: Fabrizio Bracci. Música: Maurizio Abeni. Montaje: Maria Cristina Marra, Letizia Caudullo. Intérpretes: John Phillip Law, Riccardo Serventi Longhi, Elisabetta Rocchetti, Ambre Even, Andrea Bruschi. Duración aproximada: 90 minutos. Contacto: Password Tf: 39 06 78 40 500 [email protected]

Komentariorik egin gabe baina pista modura: gerta dakigukeen txarrenetik onena (edo bestela galdetu Los otros-eko Kidmani) hauxe da, hilda egotea eta hilda gaudela ez jakitea. Bueno, guk gureari helduko diogu. Eta oraingo honetan gure kontua pelikula hau da, izen dotoreak dituzten -Apocalypse Sas eta Passworld Srl- bi etxek ekoiztua, eta Italiako efektu berezi mekanikoetan, eskuz egindakoetan eta digitaletan aditua den batek zuzendua, Sergio Stivalettik alegia, Argento, Bava, Corman eta Terry Gilliamen maisulanetako kolaboratzaile harrigarriak. I tre volti del terrore hau regista gisa, zuzendari gisa egin duen bere bigarren pelikula da, dituen plazeretatik agerikoenetako bat baita izu-ikararen estilo zaharraz baliatuz filmak zuzentzea. John Phillip Law fatidikoak, fatalistak eta mefistofelikoak gidatutako pelikula hau hitzaurre batean, hiru kapitulutan eta epilogo batean kontatzen zaigu, eta profanatutako hilobiak, likantropoak, nahas-mahas klinikoetan sartuta dauden neskak, larruazalik gabeko aurpegiak eta betiko harriduraren beste gozamen batzuk erakusten dizkigu. Sin comentarios pero como pista: lo mejor peor que le puede pasar a uno (y si no pregúntenselo a la Kidman de Los otros) es estar muerto y no saberlo. Bien, nosotros a lo nuestro. Y lo nuestro es esta película producida por dos casas de exquisito nombre, Apocalypse Sas y Passworld Srl, y dirigida por un sabio de los efectos especiales mecánicos, artesanos y digitales de Italia. Sergio Stivaletti, colaborador inaudito en las obras maestras de Argento, Bava, Corman y Terry Gilliam. Esta I tre volti del terrore es su segunda película como regista, como director, porque dirigir filmes al viejo estilo del espanto es uno de sus placeres menos ocultos. Conducida por un fatídico, fatalista y mefistofélico John Phillip Law, narrada en un prólogo, tres capítulos y un epílogo, en esta película hay tumbas profanadas, licántropos, chicas guapas metidas en líos clínicos, rostros sin piel y otras delicias del pasmo eterno. No comment. Just a little hint: in a worst case scenario, the best thing that can happen to you is to be dead and not know it (just ask Kidman in The Others). OK, back to the business at hand – the business of a movie produced by two brilliant production companies, Apocalypse Sas and Passworld Srl, and directed by Italy’s genius of mechanical, digital and home-grown special effects, Sergio Stivaletti, collaborator without rival in the work of Argento, Bava, Corman and Terry Gilliam. Directing in the old horror style is one of his less concealed pleasures, and this his second movie as regista or director. I tre volti del terrore stars the fateful, fatalistic and Mephistophelic John Phillip Law, is narrated in a prologue, three chapters and an epilogue, and offers us desecrated tombs, lycanthropes, beautiful women in clinical trouble, faces without skin and other frightfully eternal delights.

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Zebraman

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Japón, 2003 Dirección: Takashi Miike. Producción: Makoto Okada, Tsuguo Hattori, Kumi Fukuchi, Shigeyuki Endo (Toei Company). Guión: Kankuro Kudoh. Fotografía: Kaz Tanaka. Música: Koji Endo. Montaje: Taiji Shimamura. Intérpretes: Show Aikawa, Kyoka Suzuki, Atsuro Watabe, Kumiko Aso, Akira Emoto. Duración aproximada: 115 minutos. Contacto: Toei Company Bai, pelikula hau ere Takashi Miikek egina da. Gogoan izan bost pelikula inguru egin ohi dituela urtean, pantaila handirako, telebistarako nahiz bideorako. Takashik aitortu duenez gogor eta azkar lan egitea atsegin du baina guztiok dakigu benetan estajanovistak diren zinemagileen markak hautsi nahi dituela, esate baterako Roger Cormanenak edo Jesús Francorenak. Zebraman Zebraman da, hondo zuriaren gaineko arraiatxo beltzez jantzitako super-heroia. Edo hondo zuriaren gaineko orbantxo beltzez jantzitakoa. Telebistako super-heroi horietako bat. Super-arratoia edo antzeko zerbait. Kable guztiak bistan dituela hegan egiten duen super-heroia, eta (goi)behera etor ez dadila. Zibilez jantzita super-heroia institutuko maisu gizajo bat da baina, uniformez jantzita, CIA bera atzetik duen mamu eta estralurtar hiltzaile bat ostikatu eta ia akabatzen duena… Hori da guztia, adiskideok.

Tf: 81 3 35 35 76 21 [email protected]

Sí, esta película también la firma Takashi Miike. Recordad que suele rodar unos cinco filmes al año, bien sea para la pantalla grande, la tele o el vídeo. Takashi confiesa que le gusta trabajar duro y rápido, pero todos sabemos que quiere batir las marcas que aún poseen cineastas realmente estajanovistas tal que Roger Corman o Jesús Franco. Zebraman es Zebraman, un superhéroe vestido a rayitas negras sobre fondo blanco. O a manchitas negras sobre fondo blanco. Un superhéroe de los de la tele. Un superhéroe como Superratón o así. Un superhéroe que vuela con todos los cables a la vista, y que no (de)caiga. Un superhéroe que de civil es un pobre profe de instituto pero que, uniformado, patea y casi liquida a un asesino fantasma y alienígena cuyos pasos son seguidos por la misma CIA… Eso es todo, amigos. Yep, Takashi Miike is also responsible for this one. Keep in mind that he generally churns out some five pictures a year either for the big screen, TV or video. Takashi says that he likes working hard and fast but we all know that what he really wants is to beat the records still held by megadirectors Roger Corman and Jesús Franco. Zebraman is Zebraman, a superhero dressed in little black and white stripes, or little black spots on a white background. A superhero like the ones you see on TV. A superhero like SuperMouse or one of those guys. The kind of superhero who is a mild-mannered school teacher when he wears his normal clothes but when he dons his zebra suit, comes out fighting, almost liquidating a diabolical alien whose steps are being closely followed by none other than the CIA… That’s all, folks!

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La chanson du pharmacien (ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Suiza, 2003 Dirección: Daniel Suter. Producción: Daniel Suter, Studio G.D.S. Guión: Daniel Suter. Música: Félix Leclerc. Montaje: François Jaquenod. Duración aproximada: 2 minutos. Contacto: Daniel Suter Tf: 22 7 31 49 22 [email protected]

Botikaria hil dute. Nork hil ote du botikaria? Bularrean laban bat zulatuta duela agertu da. Barra-barra odola dariola. Botikaren atzealdeko ohiko gela goxoan hil dute. Herriaren beste aldean emakume gazte bat beste laban batekin moztu da. Batzuetan gauzak ez dira diruditen bezala. Itxurek engainatu egiten gaituzte batzuetan eta errugabea dena errudun bihur daiteke. Hortik pasatzen den norbait izan daiteke. Kasualitatez hortik pasa izan dena eta kasualitatez odola zeriola baita ere. Baina, jakina, animazioaren munduan krimenak beste modu batera konpontzen dira eta marrazkiek ez dute ez odol-talderik ezta ADNrik ere, eta askoz ere lan errazagoa da polizientzat eta ez dute El abogado ikusten, eta berdin zaie gainera. El farmacéutico ha sido asesinado. ¿Quién habrá asesinado al farmacéutico? Aparece con un cuchillo clavado en el pecho. La sangre mana abundantemente. Ha sido asesinado en la clásica y entrañable rebotica. En otra parte del pueblo una mujer joven se corta con otro cuchillo. A veces las cosas no son lo que parecen. Las apariencias pueden engañar y convertir en culpable a alguien inocente. Puede ser alguien que pase por allí. Alguien que casualmente pasaba por allí y que casualmente también sangraba. Pero claro, en el mundo de la animación los crímenes se solucionan de forma diferente y los dibujos no tienen grupo sanguíneo ni ADN y los policías lo tienen más fácil y no ven El abogado, y además les da igual. The pharmacist has been murdered. Who could have murdered the pharmacist? He’s found with a knife in his chest. There’s blood everywhere. He’s been killed in the typical charming chemist’s back shop. In another part of the village a young woman cuts herself with another knife. Things aren’t always what they seem to be. Appearances can be deceiving and can lead to the guilty finger being pointed at the wrong person. Maybe at someone who was just be passing by; someone who just happened to be there and who just happened to be bleeding too. But of course, crimes are solved differently in the animation world and drawings have neither blood group nor ADN, things are simpler for the cops, they don’t watch Colombo, and anyway they don’t give a monkey’s.

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Cuando nadie nos mira

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(LEHIAKETATIK KANPO-FUERA DE CONCURSO-OUT COMPETITION)

España, 2004 Dirección: Pau Atienza. Producción: Mercedes Alonso, Ramón Vidal (Fausto Producciones). Guión: Pau Atienza. Fotografía: Bernat Bosch. Música: Joan Saura. Montaje: Manuel G. Frasquiel. Intérpretes: María Valverde, Nieve de Medina, Agnés Mateus, Cecilia Tirado, David Fernández. Duración aproximada: 13 minutos. Contacto: Drogazaletasunari eta etorkizunari buruzko istorioa. Hotz jokatzen duen gizarte aseptikoa eta bigarren mailako efektu harrigarriak dituen droga, ama-alabaren arteko harreman zaila, sakrifizioa eta galera, gaua eta ikusezintasuna. Pau Atienzak zuzendu du lan hau, Astearen aurreko edizioan Canal+ “Proyecto Corto” saria irabazi zuena eta Donostian estreinatuko dena. La flaqueza del bolchevique-n María Valverde ezagutaraztea, duela gutxi Fuera del cuerpo-n ikusi izan duguna, baita Nieve de Medina ere, Fernando León de Aranoaren Los lunes al sol pelikularen emakumezko protagonista. Biak ama-alaba gisa agertzen zaizkigu aurrez aurre film labur harrigarri honetan, Fausto Producciones etxeak ekoiztutakoan, Fausto 5.0. ere ekoiztu duenak.

Fausto Producciones Tf: 93 302 62 00 [email protected]

Una historia de adicciones y de futuro, una gélida y aséptica sociedad y una droga con sorprendentes efectos secundarios, la difícil relación entre una madre y una hija, sacrificio y pérdida, noche e invisibilidad. Pau Atienza dirige este trabajo ganador del Premio Canal+ “Proyecto Corto” en la pasada edición de la Semana y que se estrena en San Sebastián. La revelación de La flaqueza del bolchevique, María Valverde, vista recientemente en Fuera del cuerpo, y Nieve de Medina, protagonista femenina de la película de Fernando León de Aranoa Los lunes al sol, se enfrentan como madre e hija en este sorprendente corto producido por Fausto Producciones, responsable de Fausto 5.0. A tale of addictions and the future, an icy, germ-free society and a drug with surprising side effects, the difficult relationship between a mother and her daughter, sacrifice and loss, the night and invisibility. Pau Atienza directs this winning work of the Canal+ “Short Project” Award at last year’s Festival and premiered at San Sebastian. The revelation of La flaqueza del bolchevique (The Weakness of the Bolshevik), María Valverde, recently seen in Fuera del cuerpo, and Nieve de Medina, leading lady of Fernando León de Aranoa’s Los lunes al sol (Mondays in the Sun), play against one another as mother and daughter in this surprising short produced by the Fausto Producciones of Fausto 5.0.

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La dernière minute (ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Francia, 2004 Dirección: Nicolas Salis. Producción: Laurence Farenc (Lazennec Tout Court / Forêt Bleue). Guión: Nicolas Salis. Fotografía: Nicolas Salis. Música: Vincent Lendower. Montaje: Nicolas Salis. Voz: Jean Rochefort. Duración aproximada: 11 minutos. Contacto: Unifrance Tf: 33 1 47 53 27 25 [email protected] Cannesko Zinemaldiaren Sail Ofizialean aurten aurkeztutako La dernière minute. Denborari buruz hausnartzen duen film laburra da, bizitzako pelikularen pertsonaia nagusietako bati buruz, alegia. Izan ere, film honetan aurkezten den munduan denbora da guztia kontrolatzen duena, eta bertan puntualtasuna da bizitzaren ardatza, gizakien existentzia zuzentzen duen funtsezko balorea, ordu erreala markatzen duen eta guztiek obeditu behar dioten erlojuak menperatutako gizartean. Bi biki agertzen dira, egoera horri aurka eginez, ordea. Nicolas Salisek Jean Rochefort aktore frantsesaren off ahotsaren laguntza izan du bere laugarren film labur honetan. Presentado este año en la Sección Oficial del Festival de Cannes, La dernière minute es un cortometraje que reflexiona sobre el Tiempo, uno de los personajes principales de la película de la vida, protagonista de un film que presenta un mundo donde el tiempo lo controla todo, donde la puntualidad es el eje de la vida, es el valor supremo que rige la existencia de los seres humanos, una sociedad dominada por un reloj que marca la hora real y al que todos deben obedecer. La resistencia está representada por dos gemelos, uno siempre tarde y el otro siempre pronto, que se rebelan contra el estado de las cosas. Nicolas Salis cuenta en su cuarto cortometraje con la colaboración de la voz en off del actor francés Jean Rochefort. Presented as part of this year’s Official Selection at Cannes, La denière minute is a short film reflecting on Time, one of the main characters in the film about life, the star of a film presenting a world in which time controls everything, in which punctuality is the hub of life, the supreme value governing the existence of two beings, a society dominated by a watch marking real time and which everyone has to obey. Resistance comes in the shape of two twins, one always late and the other always early, who rebel against the situation. French actor Jean Rochefort collaborates on the voice over of this fourth short by Nicolas Salis.

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El enigma del Chico Croqueta

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(DAMA LEHIAKETA-COMPETICIÓN DAMA-DAMA COMPETITION)

España, 2004 Dirección: Pablo Llorens. Producción: Pablo Llorens (Potens Plastianimation). Guión: Pablo Llorens, Gonzalo Miralles, Pancho Monleón. Animación: Pablo Llorens. Música: Ramón Giner. Voces: Enric Puig, Rosa López, Boris Sanz, José García, Edu Borja. Duración aproximada: 30 minutos. Contacto: Potens Plastianimation Pablo Llorens animatzaile valentziarra berriro izango da gurekin Astean, lehendik bere lan gehiena proiektatu izan baita bertan. Oraingo honetan kroketa itxura duten estralurtarren, Lurraz kanpoko diktadoreen eta planetarteko maitasunen istorio batekin datorkigu. Protagonista Álex García da, casting baten ondoren Mutil Kroketa izatera iritsi dena, Hot Crunch kroketen irudia, eta egun batetik bestera iragarkien, pelikulen eta bihotzeko aldizkarietako azalen protagonista bihurtu dena, mundu guztiak maite duen izarra izateraino. Hala eta guztiz ere, oso azkar igo dena era berean jaisten da, eta azkar asko galdu ohi da bere arrastoa. Kroketen eta estralurtarren istorio hau Espainiako plastilinaren erregeak zuzendu du, dagoeneko klasiko bihurtutako animazio nazionaleko filmen egileak, horien artean bi Gastropotens, Caracol, col, col edo Juego de niños pelikulenak.

Tf: 96 340 94 66 [email protected]

El animador valenciano Pablo Llorens vuelve a la Semana, en la que se ha proyectado gran parte de su obra, con esta historia de alienígenas con forma de croqueta, dictadores extraterrestres y amores interplanetarios que protagoniza Álex García, joven que tras un casting pasa a ser el Chico Croqueta, imagen de las croquetas Hot Crunch, y de la noche a la mañana protagoniza anuncios, películas y portadas de la prensa del corazón y se convierte en una estrella querida por todo el mundo. Sin embargo, lo que sube muy rápido baja de la misma forma, y en poco tiempo su rastro desaparece. Historia de croquetas y extraterrestres dirigida por el rey de la plastilina española, responsable de títulos ya clásicos de la animación nacional como los dos Gastropotens, Caracol, col, col o Juego de niños. Valencian animator Pablo Llorens is back once again at the Festival in which we have screened most of his works with this tale of croquette-shaped aliens, extraterrestrial dictators and interplanetary loves starring Álex García, the young boy who attends a casting to become “Chico Croqueta”, image of the Hot Crunch croquette, and whom overnight starts appearing in commercials, movies and on the front pages of women’s magazines, becoming everyone’s favourite star. But things that go up at such a speed tend to come back down at the same rate, and he soon disappears. The tale of croquettes and extraterrestrials directed by the king of Spanish plasticine, who has already produced national animation classics like the two Gastropotens, Caracol, col, col or Juego de niños.

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The Final Solution (Intolerance III)

Alemania-Gran Bretaña, 2004 Dirección: Phil Mulloy. Producción: Thomas MeyerHermann (Studio Film Bilder / Spectre Films). Guión: Phil Mulloy. Animación: Ralf Bohde, Anna Kalus, Hendrik Niefeld, Derek Roczen. Música: Peter Brewis. Montaje: Phil Mulloy, Ralf Bohde. Duración aproximada: 24 minutos. Contacto: Studio Film Bilder Tf: 49 711 48 10 27 [email protected]

Amaitu da Phil Mulloyren planetarteko odisea. Intolerance-ren hirugarren emanaldia, 2000an hasitakoa, aurrekoak ere Astean proiektatutakoak izanik. Animazio-egile britainiarrak hemendik bi mila urtera kokatu du ekintza. Lurreko borroka-ontziak Zog planetaren bila dabiltza oraindik. Tripulaziokoak ez datoz bat, ordea: batzuen ustez Zog existitzen da benetan; beste batzuen ustez, berriz, asmazio bat besterik ez da. Oraingo animazioan den izen handienetako batek bere lan berria aurkeztuko digu, garai latzetan sortzen den maitasunezko istorioa. Elvis izarra bera ere agertzen da, Mulloyk bere pertsonaiak erretratatzeko erabili ohi duen trazu beltz eta bihurri bereziaz marraztuta. La odisea interplanetaria de Phil Mulloy llega a su fin. Tercera entrega de Intolerance, iniciada en 2000 y cuyas anteriores partes también se proyectaron en la Semana. El animador británico sitúa la acción dentro de dos mil años. Las naves de combate de la Tierra continúan buscando el planeta Zog. La tripulación está dividida: unos creen que Zog realmente existe; otros, que no es más que una invención. Uno de los grandes nombres de la animación contemporánea presenta su nuevo trabajo, una historia de amor en tiempos difíciles que cuenta con la aparición estelar de un Elvis dibujado con el inconfundible y característico trazo negro y siniestro con que Mulloy retrata a sus personajes. Phil Mulloy’s interplanetary odyssey is at its end. This is the third instalment of Intolerance, started in 2000, the earlier parts of which were already screened at the Festival. The British animator sets the action two thousand years hence. Earth’s fighting spaceships continue to search for the planet Zog. The crew is divided: some of them are convinced that Zog really exists; others, that it’s nothing but a lie. One of the big names in contemporary animation presents his new work, a love story set in difficult times including the star appearance of an Elvis drawn with the unmistakable and characteristic sinister black lines used by Mulloy to portray his characters.

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Fishes

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Estados Unidos, 2003 Dirección: Mirek Nisenbaum. Producción: Studio Mobile. Guión: Sabina Hahn, Mirek Nisenbaum, Polina Nisenbaum. Animación: Sabina Hahn. Música: Iron Lung, Vovik. Montaje: Polina Nisenbaum. Duración aproximada: 2 minutos. Contacto: Autour de Minuit Productions Tf: 33 1 40 47 97 75 [email protected] Leonardok eta Katek Titanic ontzian bizitako historia lehen inoiz kontatu ez zaigun ikuspegitik: arrainen ikuspegitik, alegia. Itsasoaren hondoa da urperatutako transatlantiko famatuari buruzko James Cameronen pelikulan Céline Dionek abesten zuen gai nagusiaren bertsio alaia akordeoi batek inprobisatzen duen eszenatokia. Arrainek atsegin handia hartu dute baladaren doinua entzutean eta abesten hasten dira hainbat objektu gainera erortzen ari zaizkien bitartean, zalantzarik gabe ontzi handi batetik eroritako gauzak izanik. Bi minutu nahikoa izan ditu Mirek Nisembaumek inoiz jakin ez genuena, Cameronek urperatze ezagun horren historiatik kendu zigun parte hura kontatzeko, eta itsasoaren hondoan, han bai, Céline Dion gustatzen zaiela egiaztatzeko. La historia del Titanic de Leonardo y Kate contada desde un punto de vista nunca abordado antes: el de los peces. El fondo del mar es el escenario en el que un acordeón improvisa una alegre versión del tema principal de la película de James Cameron sobre el hundimiento del famoso trasatlántico que interpretaba Céline Dion. Los peces acogen con entusiasmo las notas de la balada y comienzan a cantarla al tiempo que diversos objetos caen sobre ellos, provenientes sin duda de un barco grande. Dos minutos le resultan suficientes a Mirek Nisembaum para contar lo que nunca supimos, aquella parte que Cameron nos escamoteó de la historia de este célebre hundimiento, y para comprobar que en el fondo del mar sí que les gusta Céline Dion. The story of Leonardo and Kate’s Titanic told from a point of view never seen before: that of the fish. The bottom of the sea is the setting in which an accordion improvises a cheerful version of the theme to James Cameron’s movie on the sinking of the famous transatlantic liner sung by Céline Dion. The fish enthusiastically listen to the sound of the ballad, starting to sing along while a variety of objects fall around them, very likely coming from a big boat. Two minutes are enough for Mirek Nisembaum to tell us what we never knew, the part that Cameron omitted from the tale of the famous sinking, and to show us that Céline Dion is a great favourite with the bottom of the sea.

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Guard Dog

Estados Unidos, 2004 Dirección: Bill Plympton. Producción: Bill Plympton. Animación: Bill Plympton. Música: Maureen McElheron, Hank Bones. Montaje: Biljana Labovic. Duración aproximada: 5 minutos. Contacto: Bill Plympton Tf: 1 212 675 60 21 [email protected]

Bill Plympton Donostiara itzuli da film labur hau eta bere azken film luzea, Hair High, aurkeztera. Astean ohikoa dugun Oregoneko zuzendari hau zakurren barruko mundura hurbildu da oraingo honetan, berezkoa duen garraztasunaz, dagokion umore-sen (beltza) handiaz eta inoiz gelditzen ez den trazuaz. Zergatik egiten diote zaunka mugitzen den guztiari? Zer gertatzen zaie? Zergatik erreakzionatzen dute horrela txoritxo baten edo kalterik egiten ez duen katagorri baten aurrean? Zergatik daude beti zelatan, inguruan gertatzen den guztiarekin beti erne, marmarka etengabe? Lan hau ikusi ondoren ikusleek zergatik den jakingo dute eta itxuren atzetik ezkutuan zerbait egon daitekeela konturatuko dira, baita Central Parkeko zuhaitzetatik saltoka ibili ohi den lagunarteko marraskari horietakoa batek bihotz txiki psikopata izan dezakeela ere. Bill Plympton vuelve a San Sebastián para presentar este corto y también su último largometraje, Hair High. Todo un clásico de la Semana, el director de Oregón, con la acidez que le caracteriza, su gran sentido del humor (negro) y su trazo siempre en movimiento se acerca en esta ocasión al mundo interior de los perros. ¿Por qué ladran a todo lo que se mueve? ¿Qué les pasa? ¿Por qué reaccionan así ante un pajarito o una inofensiva ardilla? ¿Por qué están siempre en guardia, alerta a todo lo que les rodea, gruñendo sin cesar? Después de ver este trabajo los espectadores averiguarán por qué, y se darán cuenta de que las apariencias engañan y de que incluso un amistoso roedor que salta por los árboles de Central Park puede tener su corazoncito psicópata. Bill Plympton’s back in San Sebastián to present this short along with his latest feature, Hair High. A real classic at the Festival, this director from Oregon employs his typical acidity and great sense of (black) humour along with his ever-moving lines on this occasion giving us a very close look at the world of dogs. Why do they bark at everything that moves? What’s wrong with them? Why do they act the way they do when they see a little bird or an inoffensive squirrel? Why are they always on guard, alert to everything happening around them, growling constantly? After watching this work the audience will know the answers, realising that you can’t trust appearances and that even a friendly rodent skipping through the trees in Central park can have its own little psychopathic heart.

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Hollywood

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(ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Suecia-Dinamarca, 2004 Dirección: Antonio Tublén. Producción: Christian Hallman, Alexander Brondsted (Röde Orm Film / Film I Skane / Grindhouse Pictures). Guión: Antonio Tublén. Fotografía: Linus Eklund. Música: Antonio Tublén, Thomas Fransson. Intérpretes: Regina Lund, Fredrik Gunnarson. Duración aproximada: 12 minutos. Contacto: Grindhouse Pictures Zerbitzari bat Hollywoodeko izar handia izatearekin ametsetan dabil. Hori da nagusia eta bezeroak jasan behar izaten dituen eguneroko jardunean, janariz betetako platerekin atzera eta aurrera ibiltze horretan jarraitzeko adore ematen dion gauza bakarra. Fase anitz dituen Regina Lundek -poeta, aktoresa, abeslaria eta performer baita- antzezten du bere bizitzako une jakin batean ametsak errealitate bihurtu ote daitezkeen edo beti amets izaten jarraituko ote duten bere buruari galdetzen dion emakume hori. Eta duda hori argitzea erabakitzen du. Antonio Tublén, videoclip-en zuzendaria, muntatzailea eta soinu-banden konpositorea da maitagarrien eta arratoien ipuin honen arduradun nagusia, bizitzaz aldatu nahi duten pertsonei gomendatzeko modukoa (edo ez).

Tf: 46 40 10 78 05 [email protected]

Una camarera sueña con convertirse en una gran estrella de Hollywood. Es lo único que la sostiene en su día a día de aguantar a su jefe y a los clientes, en su trabajo rutinario y poco excitante de transportar platos cargados de comida. La polifacética Regina Lund, poetisa, actriz, cantante y performer, interpreta a esta mujer que en un momento de su vida se plantea si los sueños se pueden convertir en realidad o si seguirán siendo sueños para siempre. Decide averiguarlo. Antonio Tublén, director de videoclips, montador y compositor de bandas sonoras, es el principal responsable de este cuento de hadas y ratones, recomendable (o no) para personas que quieran cambiar de vida. A waitress dreams of becoming a big Hollywood star. It’s the only thing that keeps her going and helps her to put up with her boss and customers in her routine, unexciting job of to-ing and fro-ing with food-loaded plates. The multi-talented Regina Lund, poet, actress, singer and performer, plays this woman who suddenly wonders if dreams can come true or if they just stop at being dreams. She decides to find out. Antonio Tublén, director of music videos, editor and composer of soundtracks, is the main name behind this tale of fairies and mice recommendable (or not) for those who want to change their lives.

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Home Sweet Home

Corea del Sur, 2004 Dirección: Um Hye-jung. Producción: Christian Hallman, Alexander Brondsted (Korean National University of Arts). Guión: Shin Su-won, Um Hye-jung. Fotografía: Nam Jong-gi. Música: Jho Sung-woo. Montaje: Ahn Gwang-seob. Intérpretes: Myeong Gye-nam, Park Nam-hee, Jeong Bo-hoon, Han Bo-bae. Duración aproximada: 17 minutos. Contacto: Indiestory Tf: 82 2 743 60 51 [email protected]

Um Hye-jungek, lan kezkagarri honen zuzendariak dioenez, pelikula filmatzean zuen asmoa bizitzaren eta heriotzaren arteko mugan kokatzea zen, bizidunak hildakoengandik bereizten dituen lerroaren marjinetan, alegia. Ama, aita eta Ji-soo telebista aurrean daudela, Ji-hye, senideetatik txikiena joaten den haurtzaindegiak su hartu duela ikusi dute, eta haurra biktimen artean dagoela. Une horretan ate joka ari da norbait. Ji-hye da. Asaldatzailea, mugakoa, erabat ekialdekoa, arraroa eta sugestiorako ahalmen handikoa, Home Sweet Home filmak, aurten Puchon eta Bruselako fantasiazko zinemaldietan parte hartu duenak, interpretazio anitzak dituen istorioa planteatu du, inolako zalantzarik gabe axolagabe utziko ez gaituena eta Hego Koreako zinemak bizi duen momentu ona berresten duena. Um Hye-jung, director de este inquietante trabajo, sostiene que su objetivo al rodarlo era situarse en la frontera entre la vida y la muerte, en los márgenes de la línea que separa a los vivos de los muertos. Mamá, papá y Ji-soo ven en televisión que un incendio ha destruido la guardería donde estudia Ji-hye, la pequeña de la familia, y que ella está entre las víctimas. En ese momento llaman a la puerta. Es Ji-hye. Perturbador, fronterizo, decididamente oriental, extraño y con un gran poder de sugestión, Home Sweet Home, que ha competido este año en los festivales fantásticos de Puchon y Bruselas, plantea una historia con múltiples y muy diversas lecturas que sin duda no dejará indiferente a nadie y que confirma el buen momento del cine de género surcoreano. Um Hye-jung, director of this disturbing work, maintains that his objective on filming it was to place himself on the border between life and death, on the edges of the line separating the living from the dead. Mummy, Daddy and Ji-soo see on television that a fire has destroyed the kindergarten to which they send the smallest member of the family and one of its victims, Ji-hye. Just then someone knocks at the door. It’s Ji-hye. Unsettling, borderline, decidedly oriental, strange and with a strong power of suggestion, Home Sweet Home, which has this year participated in the Puchon and Brussels fantasy film festivals, looks at a story with a variety of very different interpretations which will definitely leave no-one indifferent and confirms the excellent health of South Korean genre films.

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La main

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(ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Francia, 2004 Dirección: Cédric Derlyn. Producción: Spleen Productions. Guión: Cédric Derlyn. Fotografía: Antoine Gueugneau. Música: Séverin Favriau. Montaje: Cédric Derlyn. Intérpretes: Benoît Roques, Philippe Beun Garbe. Duración aproximada: 4 minutos. Contacto: Spleen Productions [email protected] Gazte bat prest dago maiteminduta dagoen emakumeari ezkontzeko eskatzeko. Lore zuriak eta eraztun bat erosi dizkio. Halako kasuetan ohikoa denez (fikzioaren eremuan behintzat, bizitza errealean horrelako gauzak ez direla gertatzen pentsatzen baitugu). Urduri dago. Neskaren argazkia begiratzen aritu da. Duen trajerik onena jantzi du. Etxetik irten da eta herria zeharkatu du egun lainotsu batean, neskaren aitarekin elkartzeko eta eskatzera etorri zaion hori eskatzeko. Ezkontzeko, alegia. Honaino halako kasuetan izan ohi denez. Zuri-beltzeko film laburra, beltza zuria baino, hitzik behar ez duen filma, eta zuzendariak, jakina, ez daki metaforez. Un joven se dispone a pedir la mano de la mujer de la que está enamorado. Le ha comprado flores blancas y un anillo. Lo habitual en estos casos (al menos en el territorio de la ficción, ya que uno piensa que estas cosas en la vida real no suceden). Está nervioso. Mira la foto de la muchacha. Se ha puesto su mejor traje. Sale de casa y atraviesa el pueblo en un día gris para encontrarse con el padre de ella y pedirle aquello que ha venido a pedirle. La mano. Hasta aquí lo habitual en estos casos. Cortometraje en un blanco y negro más negro que blanco, que no necesita de la palabra y cuyo director evidentemente no entiende de metáforas. A young boy is about to ask for the hand of the woman he loves. He has bought her white flowers and a ring. It’s the usual thing in cases of this kind (at least in the field of fiction, given that you tend to think that these things don’t happen in real life). He’s nervous. He looks at the girl’s photograph. He’s wearing his best suit. He leaves the house and crosses the town on a grey day to meet her father and ask him what he’s come to ask. For her hand. This far it’s still the usual thing in cases of this kind. A short film in black and white that’s more black than white, that needs no words and the director of which obviously doesn’t mess around with metaphors.

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Mating Call

México, 2004 Dirección: Patricio Serna. Producción: Patricio Serna (Pakidermo Films). Guión: Patricio Serna. Fotografía: Cary Fukunaga. Montaje: Patricio Serna. Intérpretes: Patricio Serna, Angela Ward. Duración aproximada: 3 minutos. Contacto: Pakidermo Films Tf: 52 81 83 03 10 30 [email protected]

Mundu guztia dabil zerbaiten bila. Askok, ia gehienek, ez dakite zer, baina horregatik ez diote bilatzeari uzten, ordea. Hori besterik ez baita bizitza, zeren bila gabiltzan jakin gabe bilatzen aritzen garen denbora tartea. Europa osoko zinemaldietan ibilia den film labur hau New Yorken garatzen da, eta bertan elkarren bila ibili ondoren, elkartu eta banantzen diren bi pertsonaia dira protagonistak. Patricio Sernak, nazioarteko egile bokazioa duen zinegileak, Bailén 58 zuzendu zuen aurretik, Bartzelonan filmatutako pizzen eta haragi zatien plano bakarreko komedia, baita Tromba d’oro ere, Chet Bakerren omenez Mexikon filmatua. Orain 24 ordutan bukatutako -hala dio bere azpitituluak- film labur honekin datorkigu. Ahhhhh! Todo el mundo busca algo. Muchos y muchas, casi todos y todas, no saben qué, pero no por ello dejan de buscar. La vida no es sino un periodo de tiempo en el que se buscan cosas que no se sabe que se buscan. Nueva York es el escenario donde se desarrolla este corto de amplia carrera festivalera por toda Europa protagonizado por dos personas que se buscan, se encuentran y se desencuentran. Patricio Serna, cineasta con vocación de autor internacional, director con anterioridad de Bailén 58, comedia en un único plano de pizzas y carne troceada rodada en Barcelona, y Tromba d’oro, homenaje a Chet Baker rodado en México, es el responsable de este corto acabado en 24 horas, según reza su subtítulo. ¡Ahhhhh! Everyone looks for something. Most people, most men and women, don’t know what they’re looking for, but don’t stop because of it. Life isn’t just a period of time in which to those who don’t know what they’re looking for go about looking for things. New York is the setting for this short film which has travelled round most of the festivals in Europe starring two people who look for each other, meet and separate. Patricio Serna, a filmmaker with the vocation of international author, previous director of Bailén 58, a comedy filmed in a single shot of pizzas and sliced meat turned in Barcelona, and Tromba d’oro, homage to Chet Baker filmed in Mexico, is responsible for this short film finished in 24-hours, as proclaimed by its subtitle. Ahhhhh!

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The Silvergleam Whistle

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Estados Unidos, 2004 Dirección: Mike Williamson. Producción: Terry Dougas, Michael Feifer (Nickel Eye Pictures). Guión: Mike Williamson. Fotografía: Riggs Murdock. Música: Richard Band. Montaje: Mike Williamson. Intérpretes: Patty McCormack, Tierra Lee, Deborah Flora, Trevor Robertson. Duración aproximada: 25 minutos. Contacto: AEBn barrena ziztu bizian dabilen trena, gainean erortzen zaion tximista, bidaiari guztiak elektrokutatzen dituena, berrogei urte gehiago bere ibilbideari jarraitzen diona, trenera igotzen diren bidaiari berriak, sekula eta beti bidaiatzen jarraitzen dutenak, Orson Wellesen Dulcinea, Patty McCormack arduradun den ostatu misteriotsua, gau ilunaren erdian lotarako leku baten bila dabilen familia, trena basoetan barrena gelditu gabe dabilela, dagoeneko ez baititu ibiltzeko errailak behar, bidaiatzea da garrantzizkoena, ez dago inora iritsi beharrik, tren-makinak etengabe jarraitu besterik ez. Mike Williamson da kutsu klasikoa duen film labur honen zuzendaria, eteten ez den madarikazioari buruzkoa, itzulerarik eta amaierarik gabeko bidaiari buruzkoa, bizidunei eta hildakoei buruzkoa, trenez bidaiatzeak duen alde onari buruzkoa.

Nickel Eye Pictures Tf: 1 818 681 71 70 [email protected]

Un tren que viaja a toda velocidad por las profundidades de los USA, un rayo que cae sobre él y electrocuta a todos los pasajeros, el tren que sigue su trayecto durante cuarenta años más, nuevos viajeros que suben y viajan y siguen viajando por los siglos de los siglos, una misteriosa posada regentada por la Dulcinea de Orson Welles, Patty McCormack, una familia que busca un sitio para dormir en mitad de la noche oscura, el tren que rueda y rueda por los bosques ya no necesita raíles por los que circular, lo importante es viajar, no hay que llegar a ninguna parte, sólo dejar que la locomotora siga y siga. Mike Williamson dirige este cortometraje de aliento clásico sobre una maldición que no cesa, sobre un viaje sin retorno y sin fin, sobre los vivos y los muertos, sobre las ventajas de viajar en tren. A train that thunders through the depths of the USA, a flash of lightning that hits it and electrocutes all of its passengers, despite which it continues on its way for another forty years, new passengers that get on and travel and continue to travel through the century of centuries, a mysterious inn run by Orson Welles’ Dulcinea, Patty McCormack, a family looking for somewhere to stay in the dead of a dark night, the train trundling and trundling through the forests, not needing tracks to travel on, the important thing is to travel, there’s no destination, just allowing the train to continue and continue. Mike Williamson directs this short film of classic cut on an unending curse, an endless voyage of no return, about the living and the dead, about the advantages of travelling by train.

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El soñador (ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION) (DAMA LEHIAKETA-COMPETICIÓN DAMA-DAMA COMPETITION)

España, 2004 Dirección: Oskar Santos. Producción: Carmen Rico (Himenóptero). Guión: Javier S. Donate, Oskar Santos. Fotografía: Josu Incháustegui. Música: Fernando Velázquez. Montaje: Marta Salas. Intérpretes: José Ángel Egido, Dritan Biba. Duración aproximada: 14 minutos. Contacto: Kimuak Tf: 943 48 15 38 [email protected]

Gizakiak amets egin behar du bizi ahal izateko. Ametsek gure existentziari aurre egiten laguntzen digute, espiritua goratzea lortzen dute, bizitzari zentzua ematen laguntzen digute eta gure bizitzak garatzeko ezinbestekoak diren une zoriontsuak ematen dizkigute. Torre filmaren errealizadorea, Nescafé etxeak berrogeita hamar urte bete dituenean bost film labur ekoizteko proiektuaren barruan Alejandro Amenábarrek babestuta, dotoreziaz eta fintasun handiz eta José Ángel Egido aktorearen lankidetza ordainezinarekin zuzendu du ametsaren apologia hau, bizitzeko modu bat den aldetik. Filmak XIX. mendearen bukaerako Diego de Robledo gaztearen historia kontatzen digu, emaztea goiz galdu ondoren munduari tristeziaz aurre egiten dion gaztearena. Tristezia hori bere beste bizitzan bakarrik saihestu ahal izaten du, bere ametsen sakon-sakonenean. El ser humano necesita soñar para poder vivir. Los sueños nos ayudan a afrontar nuestra existencia, consiguen elevar el espíritu, contribuyen a dar sentido a la vida y conceden momentos de felicidad imprescindibles para el desarrollo de nuestras vidas. El realizador de Torre, apadrinado por Alejandro Amenábar dentro del proyecto de Nescafé de producir cinco cortometrajes con motivo de su quincuagésimo aniversario, dirige con elegancia y mucha suavidad y con la inestimable colaboración del actor José Ángel Egido esta apología del sueño como forma de vida, que cuenta la historia de Diego de Robledo, un joven de finales del siglo XIX que tras perder prematuramente a su esposa se enfrenta al mundo con una tristeza que sólo consigue evitar en su otra vida, esa que habita en lo más profundo de sus sueños. Human beings need dreams to survive. Dreams help us to handle our existence, succeed in raising the spirits, contribute to making sense of life and concede moments of happiness essential to the development of our lives. The director of Torre, backed by Amenábar as part of the Nescafe project of producing five shorts in celebration of its fiftieth anniversary, directs with elegance and great gentleness, with the priceless collaboration of actor José Ángel Egido, this apology of a dream in the shape of life telling the tale of Diego de Robledo, a youngster in the late 19th century who, having lost his wife at an early age, faces the world with a sadness from which he can only escape in his other life, the one existing in the depth of his dreams.

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Tea Break

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(ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Gran Bretaña, 2004 Dirección: Sam Walker. Producción: Sam Walker (Arm and Eye Films). Guión: Sam Walker. Fotografía: Richard Stuart. Música: Tim Reeves, Sam Walker. Montaje: Lou MacGregor. Intérpretes: Jeremy McNeill. Duración aproximada: 6 minutos. Contacto: Arm and Eye Films Tf: 44 785 50 60 559 [email protected] Eguerdiko atsedenaldia sakratua da. Lanean auskalo zenbat denbora aritu ondoren eta beste hainbeste denbora falta denean, atseden hartzeko tarte labur hori, sandwich hotzak eta te beroa hartzeko, egunkari hutsalak irakurtzeko eta zigarrotxoa erretzeko tarte hori noiz iritsiko zain egoten gara eta eskertu egiten dugu iristen denean. Zer lan egiten dugun alde batera utzita (eta eskolan egonda ere). Astearen zuzendari gogokoenetako batek, Sam Walkerrek, hirugarren aldiz segidan azaldu du burua Donostian (eta aldi honetan literalki gainera) odolez eta egunerokotasunez blai dagoen lan honekin. Duck Children filmarekin arrakasta lortu eta gero eta joan den urteko Pool Shark proiekzioaren ondoren, britainiarrak harrituta eta txundituta utziko gaitu berriro eszenatoki nahasiak eta kaltegarriak sortzeko, bere istorioei inor axolagabe uzten ez duen umore sen eta surrealismo ukitu hori emateko berezkoa duen erraztasun horrek eraginda. La hora del almuerzo es sagrada. Después de un tiempo eterno de trabajo y a falta de otro tanto, esos minutos de descanso, de sándwiches fríos y té caliente, de periódico intrascendente y cigarrito, se espera y se agradece cuando llega. Independientemente del trabajo que uno realice (y también si se está en la escuela). Uno de los directores favoritos de la Semana, Sam Walker, asoma la cabeza por tercer año consecutivo en San Sebastián (y en esta ocasión de forma literal) con este trabajo bañado en sangre y día a día. Después de triunfar con Duck Children y de la proyección el pasado año de Pool Shark, el británico vuelve a sorprender y a desconcertar con esa facilidad suya para crear escenarios turbadores y malsanos, para dotar a sus historias de un sentido del humor y de un surrealismo que no dejan indiferentes a nadie. The tea break is sacred. After an interminable period of work and before continuing with yet another stretch, these minutes of rest, of cold sandwiches and hot tea, of the unimportant newspaper and cigarette, is awaited and a pleasure when it arrives. Independently of your job (or even if you’re at school). One of the Festival’s favourite directors, Sam Walker, pops up his head in San Sebastián for the third year in a row (and on this occasion literally) with this work bathed in blood and routine. Having triumphed with Duck Children and after last year’s screening of Pool Shark, this British director once again surprises and unsettles with his particular talent for creating disturbing, unhealthy settings, for giving his stories a sense of humour and surrealism leaving no-one indifferent.

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Der Templer (ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Alemania, 2002 Dirección: Sebastian y Florian Henckel von Donnersmarck. Producción: Quirin Berg, Max Wiedemann (Wiedemann & Berg Filmproduktion). Guión: Sebastian Henckel von Donnersmarck. Fotografía: Hagen Bogdanksi. Música: Nikolaus Schapfl. Montaje: Marco Pav D’Auria, Olivia Retzer. Intérpretes: Walter Sittler, Erika Marozsan, Michael Habeck, Gilbert von Sohlern. Duración aproximada: 15 minutos. Contacto: Wiedemann & Berg Filmproduktion Tf: 49 89 51 51 88 35 [email protected]

1204. urtean gurutzatu bat etxera itzultzen da itxaropena galduta. Ezin izan dute Jerusalem konkistatu, armada kristauak elkarren artean ari dira borrokan eta etsi-etsian bere lurretara bueltatzea erabaki du, nekeak jota eta desengainatuta. Tarteka gertatzen denez, basoaren erdian emakume misteriotsu batekin topo egitean aldatu egiten da bere ikusmoldea, bizitzan jarria zuen fedea itzultzen baitio elkartze horrek. Henckel von Donnersmarck anaiek urtebeteko diferentziaz Kolonian jaioak eta elkarrekin batera zenbait film laburren egile, erlijioak eta ustekeriak gizakien eguneroko bizitzan erabat sustraituta zeudelarik gerrak eta heriotzak eragiten zituzten garaian murgiltzen den istorio hau kontatzen digute. Baina hori lehen gertatzen zen… En el año 1204 un cruzado regresa desilusionado a casa. No han podido conquistar Jerusalén, los ejércitos cristianos pelean entre sí y ha decidido volver a sus tierras, cansado y decepcionado. Como a veces sucede, su encuentro con una misteriosa mujer en mitad de los bosques cambia su perspectiva de las cosas y le devuelve la fe en la vida. Los hermanos Henckel von Donnersmarck, nacidos en Colonia con un año de diferencia y autores en comunidad de diversos cortometrajes, cuentan esta historia que hunde sus raíces en una época en que las religiones y las supersticiones estaban muy presentes en la vida diaria de los seres humanos y provocaban guerras y muertes. Pero eso era antes… In 1204 a crusade returns home, disillusioned. It has been unable to conquer Jerusalem, the Christian armies are fighting against one another and they’ve decided to come home, tired and disappointed. As sometimes happens, their meeting with a mysterious woman in the forest changes their view of things and puts faith back into their lives. The Henckel von Donnersmarck brothers, born in Cologne a year apart from one another and joint authors of various shorts, tell this tale burying its roots in a time when religions and superstitions were extremely present in the everyday life of human beings, causing war and death. But that was before...

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Thining the Herd

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(ZILARREZKO MÉLIÈS LEHIAKETA-COMPETICIÓN MÉLIÈS DE PLATASILVER MÉLIÈS COMPETITION)

Francia, 2004 Dirección: Rie Rasmussen. Producción: Europa Corp. Guión: Rie Rasmussen. Fotografía: Pierre Morel. Música: Léone Larussso. Montaje: Yann Hervé. Intérpretes: Rie Rasmussen, Travis Marchall. Duración aproximada: 11 minutos. Contacto: Europa Corp Tf: 33 1 53 83 03 03 [email protected]

Mito bihurtu nahian dabilen hiltzaile bat eta bere hurrengo biktima izateko aukeratu duen emakume gazte albino bat azken honen etxeko saloian daude. Kriminala jende ahula, zaharrak, haurrak eta elbarrituak hiltzen espezializatu da, oso gaiztoa izan nahi duelako: besteek munstro bat balitz bezala gogoan izatea nahi du, famatua izatea (urte batzuk hona badakigu famak prezio bat duela), batzuek bere beldur izatea eta beste batzuek mirestea eta bere izenarekin kamixetak egitea. Rie Rasmussen daniarra da aurten Cannesen parte hartu duen bere lehenengo film labur honen protagonista eta zuzendaria, eta bertan alde ilunera hurbildu da bere buruari hauxe galdetzeko: Gaizkiak zergatik erakartzen ote du jendea hainbeste? Zein izan daiteke gazte batek serieko hiltzaile izatea erabakitzearen arrazoia jendearen onespena lortzeko? Un asesino que trata de convertirse en leyenda y una joven albina a la que ha elegido como su próxima víctima se encuentran en el salón de la casa de ella. El criminal ha iniciado una carrera en la que se ha especializado en matar gente débil, ancianos, niños y discapacitados, porque quiere ser muy malo: desea ser recordado como un monstruo, ser famoso (ya sabemos desde hace unos cuantos años que la fama cuesta), que unos le teman y otros le admiren y se hagan camisetas con su nombre. La danesa Rie Rasmussen protagoniza y dirige su primer corto, que compitió este año en Cannes, en el que se acerca al lado oscuro para preguntarse por qué a la gente le atrae tanto el mal, por qué un joven puede elegir el camino del asesinato en serie para buscar reconocimiento público. A murderer endeavouring to become a legend and a young albino girl he’s chosen as his next victim meet in her living room. The criminal has started a career in which he specializes in killing weak people, old folk, children and the handicapped, because he wants to be really bad: he wants to be remembered as a monster, to be famous (we’ve known for a number of years that being famous isn’t easy), he wants some folk to fear him and others to admire him and for t-shirts to be made with his name on them. Dane Rie Rasmussen stars in and directs her first short film, which competed at Cannes this year, and in which she takes a look at the dark side, asking herself why people are so attracted by evil, how a youngster can choose to become a serial murderer simply to achieve public recognition.

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Alemania, 2003 Dirección: Anna Kuczynski y Wolf Mocikat. Producción: Stephan Schwarz (Hypnosis Film). Guión: Anna Kuczynski y Wolf Mocikat. Fotografía: Markus Ziegler. Música: Apocalyptica. Montaje: Patrick McGinley. Intérpretes: Thomas Darchinger, Philipp Brammer, Sebastian Edtbauer, Veronika Reichard. Duración aproximada: 20 minutos. Contacto: Hypnosis Film Tf: 49 89 64 98 11 38 [email protected]

Inolako zalantzarik gabe, itsaspeko bateko giro klaustrofobikoa eta itogarria leku hobezina da beldurrezko istorio bat girotzeko. Etengabeko itxialdi sentsazioa, ontziaren kroskoa ur azaletik hain urruti dagoela jakiteagatik areagotua, argi naturalik ez izatea eta asteak eta hilabeteak pertsona talde bat elkarrekin bizi behar izatea, mamuak, agerraldiak eta beldurra sorrarazten dituen mikroklima egokia eratzeko osagaiak dira. 1942ko apirilean itsaspeko aleman bat Atlantikoko uretan dabil miaketa lanean, beste hainbat alditan bezala. Bidaia ez da beste edozein bezalakoa izango, ordea. Itsasgizonek beren azkeneko bidaia ez ote den susmoa dute. Beldur dira ontziak jasotako madarikazio bat ez ote den eta itzuli ezin izango direlakoan daude. Lan neurritsua eta bikaina, Wolfgang Petersenek El submarino pelikularako erabili zuen set berean filmatua. La atmósfera claustrofóbica y agobiante de un submarino es sin duda un lugar perfecto para ambientar una historia de terror. La permanente sensación de encierro, incrementada por el hecho de saber que decenas de metros separan su casco de la superficie del mar, la ausencia de luz natural y la convivencia diaria durante semanas y meses de un grupo de personas son elementos que crean un microclima propicio para los fantasmas, las apariciones, el miedo. En abril de 1942 un submarino alemán se encuentra en las aguas del Atlántico en misión de reconocimiento, como tantas otras veces. Pero el viaje no es como cualquier otro. Los marineros creen que ésta será su última travesía, que una maldición ha caído sobre la nave y que no regresarán. Sobrio, intenso e impecable trabajo rodado en el mismo set que utilizó Wolfgang Petersen para El submarino. The claustrophobic and stifling atmosphere of a submarine is doubtless the perfect setting for a horror story. The permanent feeling of being enclosed, increased by the knowledge that tens of metres separate the vessel from the surface of the sea, the absence of natural light and daily coexistence for weeks and months of a group of people are elements creating a microclimate perfect for ghosts, apparitions, fear. In April 1942, a German submarine is in the Atlantic on a reconnaissance mission like so many others. But the voyage is not like the others. The sailors believe that this will be their last crossing, that a curse has fallen upon the vessel and that they’ll not make it home. Sober, intense and impeccable work filmed on the same set as the one used by Wolfgang Petersen for The Boat.

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Las viandas

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(DAMA LEHIAKETA-COMPETICIÓN DAMA-DAMA COMPETITION)

España, 2004 Dirección: José Antonio Bonet. Producción: Pedro Palacios (Master Cluster). Guión: José Antonio Bonet. Fotografía: Alfonso Postigo. Música: Nacho Cabello. Montaje: Adoración G. Elipe. Intérpretes: Roberto Álvarez, José María Pou, Miguel del Arco, José Ramón Pardo, Sara Illán. Duración aproximada: 20 minutos. Contacto: Master Cluster Tf: 646 24 07 49 José Antonio Bonetek (sari ugari jaso dituen Clases de ruso film laburraren arduradunak, Luis Tosar izanik protagonista) zuzendutako istorio hau garatzen den lekua elurrez inguratuta dagoen jatetxe bat da. Film hau ikustean berehala etorriko zaizkigu burura Ferreriren La grande bouffe edo El festín de Babette pelikulak, janarien gehiegikeriak eta orgia gastronomikoak, gabonetako famili ospakizunak eta Los Picapiedras-en txuletoiak. Gainera, bada gogoratuko denik Atrapado en el tiempo pelikulaz eta denborak egiten dituen kiribilez. Roberto Álvarezi, bezeroari, beti damutuko zaio etxetzar horretan zerbait jatera sartu izana. Ez du imajinatu ere egingo itzulerarik gabeko amets gaiztoko mundu batera iritsi berri dela, non sukaldariek ez duten ezetza erantzuntzat onartzen.

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Un restaurante en mitad de la nieve es el escenario donde se desarrolla esta historia dirigida por José Antonio Bonet (responsable del premiadísimo cortometraje Clases de ruso, protagonizado por Luis Tosar), que inmediatamente hace pensar en títulos como La grande bouffe de Ferreri o El festín de Babette, en películas sobre excesos alimenticios y orgías gastronómicas, en comidas familiares navideñas y chuletones de los Picapiedra. Algunos recordarán también Atrapado en el tiempo y los bucles temporales. Roberto Álvarez, el cliente, se arrepentirá siempre de haber entrado en ese caserón para comer algo. No se imagina que acaba de acceder a un mundo de pesadilla sin retorno donde los cocineros no admiten un no por respuesta. A restaurant surrounded by snow serves as the setting for this tale directed by José Antonio Bonet (responsible for the multi-award winning Clases de ruso, starring Luis Tosar), immediately conjuring up images from titles like Ferreri’s Blow-Out or Babette’s Feast, movies about stuffing one’s face and orgying on food and drink, of family meals at Christmastime and the carpet-sized steaks munched by the Flintstones. Some will also recall Groundhog Day and time loops. Roberto Álvarez, the customer, will forever regret having entered the big house for a bite to eat, never for a moment imagining that he’d just entered a nightmare world of no return where the chefs won’t take no for an answer.

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Ward 13

Australia, 2003 Dirección: Peter Cornwell. Producción: Peter Cornwell (Trephine Productions). Guión: Peter Cornwell. Animación: Peter Cornwell. Fotografía: Glenn Watson. Música: Christopher Gordon. Montaje: Adrian Barac. Duración aproximada: 14 minutos. Contacto: Trephine Productions Tf: 61 2 42 32 25 83 [email protected]

Zer gertatzen da ospitaleetan bisitan etorritako jendeak alde egiten duenean? Medikuek nola tratatzen dituzte benetan pazienteak? Peter Cornwell australiarrak horixe galdetzen dio bere buruari errealizadore gisa lan egin duen bere lehenengo film labur honetan, telebistan eta publizitatean lan desberdinak egiten hamabost urte eman ondoren, animazioaren munduan espezializatuak. Ward 13 abenturazko film laburra da, arnas hartzeko ere tarterik uzten ez duena. Ospitaleko korridoreak jazarraldi sinestezinen eta nekez gerta daitezkeen borroken (marrazki bizidunen munduan izan ezik) eszenatoki bihurtzen dira. Eta erritmo frenetikoaz gertatzen dira elkarren segidan, Ben, ospitaleratuta dagoen protagonista, zentrotik irteten saiatzen ari den bitartean eta mediku eta erizain maltzurrek eragozten dioten bitartean. ¿Qué sucede en los hospitales cuando las visitas se marchan? ¿Cómo tratan realmente los médicos a los pacientes? El australiano Peter Cornwell se plantea estas preguntas en su primer cortometraje como realizador, después de quince años de trabajo en diversas actividades en la televisión y la publicidad, especializado en el terreno de la animación. Ward 13 es un corto de aventuras que no deja lugar para el respiro. Los pasillos del hospital se convierten en el escenario de persecuciones inverosímiles y peleas improbables (salvo en el mundo de los dibujos) que se suceden a un ritmo frenético, mientras Ben, el hospitalizado protagonista, trata de salir del centro y los malvados médicos y enfermeros intentan evitarlo. What happens in hospitals when the visitors leave? How do the doctors really treat the patients? The Australian Peter Cornwell asks himself these questions in his first short as a director, following fifteen years in various positions for TV and advertising, specializing in the animation field. Ward 13 is a short adventure film that doesn’t give you time to take breath. The hospital corridors become the setting for incredible persecutions and unlikely fights (except in the world of cartoons) taking place at frenetic rhythm while Ben, the hospitalized star of the story, tries to escape from the centre and the evil doctors and nurses do what they can to prevent him from doing so.

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EPAIMAHAI DAMA - JURADO DAMA - DAMA JURY

CARLOS MOLINERO Nik Calimerorekin sentitu nuen lehen aldiz beldur izugarria. Izaki beltz eta zital hark ikaraz negar eragiten zidan. Hortik aurrera gorantz joan zen gauza, mugarik gabeko masokismora eta oso gau txarrak pasatzera iritsi arte Las tres caras del miedo edo El misterio de Salem’s Lot-ekin. Nire lehenengo film laburra beldurrezkoa izan zen eta espero dut laster nik haurtzaroan pasatutakoa bezain beldur handia eragingo duen istorioa asmatu ahal izatea. A mí el terror escalofriante me llegó con Calimero. Una criatura negra y ominosa que me hacía llorar de espanto. A partir de ese punto la cosa fue para arriba, llegando a niveles de masoquismo infinito y a pasar noches toledanas con Las tres caras del miedo o El misterio de Salem’s Lot. Mi primer cortometraje fue de terror, y espero que muy pronto pueda inventar una historia que dé tanto miedo como el que yo pasé en mi infancia. Horror in the chilling sense came to me with Calimero, a dark and ominous creature that scared me to tears. From then on, the thing went forward, reaching heightened levels of masochism and sleepless nights watching The Three Faces of Fear and Salem’s Lot. My first short was a horror film, and I hope to be able to invent a story that instils as much fear as I felt as a child.

CLARA PÉREZ ESCRIVÁ Ohi denez telebistan lan egiten dut eta bertan sail desberdinetan parte hartu dut, prime time formatutik foiletoiraino. Zineman izan dudan esperientzia hauxe izan da, Pídele cuentas al rey eta Salvajes film luzeak. Bi esperientziak onak izan dira eta sari batzuk lortu zituzten, besteren artean Goya saria 2002ko Gidoi Egokitu Onenari azkena aipatutako filmagatik. Aspalditik interesatzen zait generoa. Pertsona beldurtia izan naiz betidanik. Eta baliteke terapia askoren ondoren nire irtenbide bakarra beldur zale bihurtzea izatea. Habitualmente trabajo en televisión, donde he participado en diferentes series, desde el formato de prime time hasta el culebrón. Como experiencia en cine, los largometrajes Pídele cuentas al rey y Salvajes, dos buenas experiencias que recibieron algunos premios, entre ellos el Goya al Mejor Guión Adaptado de 2002 por la última. Mi interés por el género viene de lejos. He sido una persona miedosa desde siempre. Y tal vez la única salida después de mucha terapia es aficionarse al miedo. Nowadays, I usualy work for television, where I’ve worked on a number of series, from prime time shows to soap operas. My film experience includes Pídele cuentas al rey and Salvajes, two excellent and award-winning experiences, the latter of which took the 2002 Goya for the Best Adapted Screenplay. My interest in the genre goes way back. I’ve always been easily scared, and maybe the only way to get over it is fall in love with fear.

DAVID MUÑOZ 1968an jaio nintzen eta, beraz, Mazinger Z eta Vérticek argitaratzen zituen Marvelen tebeoen zuri-beltzeko edizioen artean hazi nintzen. Urte askotan itzulinguruka ibili nintzen nahita denbora galtzen, Arte Ederrak ikasten, Urich eta bere ondorengo U fanzineetan idazten, eta freelance kazetari gisa “ordaintzen” zuten hedabide batzuetan kolaboratzen, ez bainuen onartu nahi benetan egin nahi nuena nire istorioak idaztea zela besteenei buruz hitz egin beharrean eta, ahal izanez gero, fantasia/ beldurrezko generoko istorioak idaztea. Eta duela... zortzi urte (denbora zein azkar doan!) zoriak egokitu zidan Antonio Trashorras topatzea, ni baino freak-agoa oraindik, eta bion artean gure lehenengo gidoiak idazten hasteko behar adina adore biltzea lortu genuen. Eta beste zorioneko abagunea izan zen Guillermo del Toro zuzendari mexikarrak agertu zuen interesa gure istorioetako bat irakurtzean, lau urte geroago El espinazo del diablo film luzea egokitu zena. Harrez geroztik idazten jarraitu dugu, eta halako beste bolada bat sortzen zaigunean, edozein egunetan zuzendari gisa estreinatuko gara. Eta pentsa fantasiazko pelikula batekin hasten utziko baligute! Nací en 1968, o sea que me crié a base de Mazinger Z y de las ediciones en blanco y negro de Vértice de tebeos de la Marvel. Durante muchos años me dediqué a marear la perdiz, estudiando Bellas Artes, escribiendo en fanzines como Urich y su sucesor U, y colaborando en diversos medios “de pago” como periodista freelance, sin querer asumir que yo lo que quería hacer realmente era escribir mis propias historias en vez de hablar sobre las de otros y, si fuera posible, historias de género fantástico/terrorífico. Afortunadamente hace... ocho años ya (¡cómo pasa el tiempo!) se cruzó en mi camino Antonio Trashorras, que todavía era más freak que yo, y entre los dos conseguimos reunir el ánimo suficiente para empezar a escribir nuestros primeros guiones. Y más suerte fue todavía que el director mexicano Guillermo del Toro se interesara por una de nuestras historias y que cuatro años después acabara convertida en el largometraje El espinazo del diablo. Desde entonces hemos seguido escribiendo, y mediante otro golpe de suerte, cualquier día de estos debutaremos como directores. Y ya sería la leche que nos dejaran hacerlo con una película fantástica. I was born in 1968, meaning that I was raised on Mazinger Z and the black and white Marvel comics published by Vértice. I spent a long time running around in circles, studying Fine Arts, writing for fanzines like Urich and its offshoot U, and actually getting paid writing freelance reviews. I refused to accept the fact that what I really wanted to do was create my own stories, if possible in the fantasy-terror genre, instead of writing about other people’s stuff. Fortunately, some eight years ago now (has it really been that long!) I crossed paths with Antonio Trashorras, even more of a freak than I am, and between the two of us we managed to gather the strength to start doing our own scriptwriting. Fortunate shone even brighter on us the day that Mexican director Guillermo del Toro took interest in one of our stories, and four years later turned it into a feature film: El espinazo del diablo. Since then we’ve kept writing, and with another stroke of luck one of these days we’ll debut as directors. Wouldn’t it be something if it could be a fantasy flick!

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El ciclo

España, 2003 Dirección: Víctor García. Producción: Jordi Domingo (Quimelca). Guión: Víctor García. Fotografía: Bernat Bosch. Montaje: Jorge Macaya. Intérprete: Jacob Torres. Duración aproximada: 9 minutos. Contacto: Quimelca Tf: 670 09 90 84 [email protected]

Bizitza behin eta berriro errepikatzen diren zikloek osatzen dute, aldizka sortzen diren gertaerek, loratzen diren bitxiloreek, ugaltzen diren lehoiek, pasatzen diren trenek, elkarren segidan dauden geltokiek. Víctor García, efektu berezietan aditua, Fantastic Factory etxearen itzalpean Bartzelonan hazia, eta etxe horrekin lankidetzan aritua, esaterako Dagon edo Romasanta pelikuletan, orain film laburren zuzendaritza lanean estreinatu da mundu guztian zehar hogeita hamar zinemalditan baino gehiagotan parte hartu duen istorio honekin, joan den urtean Sitgesen aurkeztu eta gero. Materia bizidunari buruzko lana da, ez sortu ezta suntsitu ere egiten ez dena, transformatu baizik. Guztia bainu-ontzi batean hasten da, bizitza bezala, eskolan eta Érase una vez el hombre programan kontatzen zigutenez ura baita bizitzaren sorburua. La vida se compone de ciclos que se repiten, de acontecimientos que tienen lugar periódicamente, de margaritas que florecen, leones que se reproducen, trenes que pasan, estaciones que se suceden. Víctor García, especialista en efectos especiales criado en Barcelona a la sombra de la Fantastic Factory, con la que ha colaborado en títulos como Dagon o Romasanta, debuta en la dirección de cortometrajes con esta historia que ha participado en más de treinta festivales por todo el mundo tras su presentación el pasado año en Sitges. Un trabajo sobre materia viva que ni se crea ni se destruye sino sólo se transforma. Todo empieza en una bañera, como la vida, que según nos contaban en el colegio y en Érase una vez el hombre también se inició en el agua. Life is a series of repeating cycles, of periodical events, of flowering daisies, of reproducing lions, of passing trains, of seasons one after the other. Víctor García, a special effects expert brought up in Barcelona in the shade of the Fantastic Factory, with which he has collaborated on titles such as Dagon or Romasanta, makes his short film directorial debut with this story screened at more than thirty festivals all over the world following its presentation at Sitges last year. A work on living matter that neither creates nor destroys, but simply transforms. Everything starts in a bath, like life, which as we were told at school and in the C'était une fois l'homme educational TV programme, also started in water.

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La culpa del alpinista

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España, 2004 Dirección: Daniel Sánchez Arévalo. Producción: Koldo Zuazua, Mónica Blas, Estefanía Gollert. Guión: Julio Medem, Daniel Sánchez Arévalo. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Música: Pascal Gaigne. Montaje: Nacho Ruiz Capillas. Intérpretes: Roberto Enríquez, Carolina Peterson, Eva Pallarés, Alicia Medem. Duración aproximada: 14 minutos. Daniel Sánchez Arévalo film laburren zuzendaria da, adibidez Gol edo Exprés filmena, eta horiekin bi urtez segidan irabazi zuen Notodofilmfest.com lehiaketa. Orain, Julio Medemek babestuta, eta Nescafé etxeak 50 urte bete dituenean ekoiztu dituen film laburren proiektuaren barruan, errealizadoreak eta Medemek berak idatzitako istorio hau zuzendu du, hotzari beldur dion neska bati buruzkoa. Psikologo bat elurrak, izotzak, haizeak, hodeiek, egun lainotuek, kolore zuriak, hotzarekin zerikusia duen guztiak neskari eragiten dioten izu-ikararen sorburuak ikertzen saiatzen ari da. Duela gutxi Veneziako Zinemaldian parte hartu duen lan honen protagonista Roberto Enríquez da, eta neskaren adimenean eta iraganaldian barrena sartzen da edertasun handiko eta lilurarazteko moduko irudietan zehar.

Contacto: Koldo Zuazua Tf: 636 95 86 22 [email protected]

Daniel Sánchez Arévalo, director de cortometrajes como Gol o Exprés, con los que ganó dos años seguidos el concurso de Notodofilmfest.com, dirige, apadrinado por Julio Medem dentro del proyecto de cortometrajes producidos por Nescafé con motivo de su 50 aniversario, esta historia escrita por el realizador y el propio Medem sobre una niña que tiene miedo al frío. Un psicólogo trata de averiguar las raíces de su pavor a la nieve, al hielo, al viento, a las nubes, a los días nublados, al color blanco, a todo aquello relacionado con el frío. Roberto Enríquez protagoniza este trabajo que viaja al fondo de la mente de una niña y al pasado mediante unas imágenes de gran belleza y una gran capacidad de fascinación, que ha competido en el reciente Festival de Venecia. Daniel Sánchez Arévalo, director of short films like Gol or Exprés, with which he won the Notodofilmfest.com competition two years in a row, directs with the backing of Julio Medem as part of the short film project produced by Nescafe in celebration of its 50th anniversary this story written by the director and Medem himself about a girl who’s frightened of the cold. A psychologist tries to discover the origins of her terror of snow, ice, wind, clouds, cloudy days, the colour white, and everything related to the cold. Roberto Enríquez stars in this work travelling to the bottom of a little girl’s mind and into the past via extremely beautiful images and a tremendous talent for fascination, which competed at the recent Venice Festival.

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Dientes de leche

España, 2004 Dirección: Claus Groten. Producción: Claus Groten (Zenten Bernhard Groten). Guión: Claus Groten. Fotografía: Alberto Martínez. Música: Mikel Irazoki. Montaje: Enara Goikoetxea. Intérpretes: Víctor Groten, Ander Pedraza, Manu Etxarri, Álex Angulo, Ainhoa Aierbe. Duración aproximada: 10 minutos. Contacto: Zenten Bernhard Groten Tf: 943 61 21 02 [email protected] XX. mendean eta XXI.aren hasieran bizi garen gizarte honetan pixkanaka sortutako tolesgabetasun galerak eraginda haurrek askoz ere lehenago uzten diote haur izateari, umeak izan arren ez dute Pérez Sagutxoaren edo Errege Magoetan sinesten, The Killer Kids (film laburraren abesti ofiziala amaierako kredituetan abesten dute) bezalako musika taldeak sortzen dituzte eta gurasoei mendeku hartzen diete eroritako hortzak bitxi bihurtzen dituzten marraskariei, mendian behera opariz beteta jaisten diren ikazkinei eta elur-orein hegalariei buruz kontatu ohi dizkieten gezur guztiengatik. Hiru mutilek (horietako bat zuzendariaren beraren semea) ekintzara pasatzea erabaki dute, gurasoek kasu handirik egiten ez dietelako, egiten dituzten galderei erantzun baino egunkaria irakurtzea nahiago dutelako, eta ostiral gauetan parranda egitera joaten direnean umezain gazteekin uzten dituztelako nazkatuta. La pérdida de la inocencia que se ha producido paulatinamente en nuestra sociedad a lo largo del siglo XX y principios del XXI conlleva que los niños dejen de ser niños mucho antes, que desde muy pequeños no crean en el Ratoncito Pérez o en los Reyes Magos, formen grupos musicales como The Killer Kids (que cantan en los créditos finales la canción oficial del corto) y se venguen de sus padres por todas las mentiras que les cuentan sobre roedores que transforman los dientes caídos en joyas, carboneros que bajan de los montes cargados de regalos o renos voladores. Tres niños (uno de ellos el propio hijo del director) deciden pasar a la acción, cansados de que sus padres no les hagan mucho caso, prefieran leer el periódico antes que atender sus preguntas y salgan de juerga los viernes por la noche y les dejen con jóvenes canguros. The loss of innocence that has gradually taken place in our society during the 20th and early 21st Centuries means that kids stop being kids much earlier, that from a very early age they no longer believe in The Tooth Fairy or Santa Claus, forming groups like The Killer Kids (who sing the official song of this short film with the end credits) and taking vengeance on their parents for the lies they told them about rodents that turn fallen milk teeth into jewels, a fat man who makes presents with elves in the North Pole or flying reindeer. Three children (one of them the director’s own son) decide to take action, tired that their parents don’t pay much attention to them, preferring to read the paper rather than answer their questions, going out on Friday nights and leaving them with young babysitters.

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Ecosistema

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España, 2003 Dirección: Tinieblas González. Producción: Tinieblas Films. Guión: Tinieblas González. Fotografía: David Acereto. Música: Juan Belda. Montaje: María Lara. Intérpretes: Maite Pérez Danborenea, Javier García Morán, Maite Martínez, Teresa Ibáñez. Duración aproximada: 9 minutos. Contacto: Kimuak Tf: 943 48 15 38 Serengetin harrapariak eurek eta senideek bizirik iraun ahal izateko aritzen dira ehizan. Guztiak du izateko arrazoia. Bizitzaren zikloa aurrera doa, animaliek hil egiten dute jateko edo beren buruak defendatzeko, beren senari jarraitzen diote elikadura-katea gelditu ez dadin, bizitzak jarraitu ahal izateko beharrezko oreka mantentzearren gertatzen dira gauzak. Zer gertatzen da gizakiak sortutako gizartean? Horixe da Tinieblas Gonzálezek bere hirugarren film laburrean bere buruari galdetzen diona. Bere aurreko lanak, Por un infante difunto eta The Raven, Astearen aurreko edizioetan ikusi ahal izan genituen. Untxi bat, neska bat, bere gurasoak, armiarma bat, euli bat eta panpina bat dira hiriko ekosisteman barrena egindako bidaia honen protagonistak, non heriotza, Whistlerrek arteaz zioen bezala, gertatu egiten den.

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En el Serengeti los depredadores cazan para procurar su supervivencia y la de los suyos. Todo tiene su razón de ser. El ciclo de la vida sigue su curso, los animales matan para comer o para defenderse, siguen su instinto para que la cadena alimenticia no se detenga, las cosas suceden para que se mantenga el equilibrio necesario para que la vida continúe. ¿Qué pasa en la sociedad creada por el hombre? Ésta es la pregunta que se hace Tinieblas González en su tercer cortometraje, cuyos anteriores trabajos, Por un infante difunto y The Raven, pudieron verse en anteriores ediciones de la Semana. Un conejo, una niña, sus padres, una araña, una mosca y una muñeca protagonizan este viaje a un ecosistema urbano en el que la muerte, como decía Whistler del arte, sucede. In the Serengeti, predators hunt to obtain food for their own and their offspring’s survival. Everything has a reason to be. The life cycle follows its course, animals kill to eat or defend themselves, following their instinct so that the food chain doesn’t stop, things happen to maintain the necessary balance ensuring that life will continue. What happens in society created by man? That’s the question asked in his third short film by Tinieblas González, whose previous works, Por un infante difunto and The Raven were screened at our earlier Festivals. A rabbit, a little girl, her parents, a spider, a fly and a doll star in this voyage to an urban ecosystem in which death, as Whistler said of art, happens.

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I’ll See You in My Dreams

Portugal, 2003 Dirección: Miguel Ángel Vivas. Producción: Filipe Melo (O Pato Profissional Productions). Guión: Filipe Melo, Iván Vivas, Miguel Ángel Vivas. Fotografía: Pedro J. Márquez. Música: José Sánchez-Sanz, Iván Vivas. Montaje: José Tito. Intérpretes: Adelino Tavares, Sofia Aparicio, Sao José Correia, Manuel Joao Vieira, Joao Didelet. Duración aproximada: 20 minutos. Contacto: O Pato Profissional Productions Tf: 35 12 18 87 21 52 [email protected]

Bizi diren hildako portugesak dira hogei minutu irauten duen zonbien pelikula honetako protagonistak. Filmak omenaldia egiten dio zenbait egileren zinemari, esate baterako Lucio Fulci edo George A. Romerok egindakoari. Gauez hilobitik irteten diren izakiak, tabernatan babesa aurkitzen duten gizon-emakumeak, emakume baten erruagatik bihotza apurtuta izan arren beren buruei eta gainerakoei bizirik dirautela besterik gabe erakusteko modu bakartzat hildakoei egunero aurre egiten dieten ehiztari bakartiak. Miguel Ángel Vivasek, Tesoro edo El hombre del saco film laburren zuzendariak, Portugalen filmatu zuen generoko, abenturazko eta beldurrezko zineman kontzientziaz sartzen den pelikula hau, bere estreinaldia film luzeen arloan egin ondoren Reflejos thrillerrarekin. Muertos vivientes portugueses protagonizan esta película de zombis de veinte minutos que homenajea el cine de autores como Lucio Fulci o George A. Romero con una historia de seres que salen de la tumba por las noches, de hombres y mujeres que se refugian en los bares, de cazadores solitarios que se enfrentan a diario con los muertos como única forma de demostrarse a sí mismos y a los demás que siguen vivos, aunque tengan el corazón roto por culpa de una mujer. Miguel Ángel Vivas, director de cortos como Tesoro o El hombre del saco, rodó en Portugal este film que se inscribe a conciencia en el cine de género, aventuras y terror, tras debutar en el terreno del largometraje con el thriller Reflejos. Portuguese living dead star in this 20-minute movie about zombies paying homage to films by authors like Lucio Fulci or George A. Romero with a story of beings who come out of the grave by night, of men and women who take shelter in bars, of solitary hunters who confront the dead every day as the only way of demonstrating to themselves and others that they’re still alive, even though their hearts have been broken by a woman. Miguel Ángel Vivas, director of shorts like Tesoro or El hombre del saco, used Portugal as the setting for this film conscientiously forming part of genre, adventure and horror cinema, after his debut in the field of feature films with the thriller Reflejos.

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El juego de Caín

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España, 2004 Dirección: Ángel Alonso. Producción: Ricardo Ramón (Dibulitoon Studio). Guión: Oskar Tejedor. Duración aproximada: 10 minutos. Contacto: Dibulitoon Studio Tf: 943 63 35 56 [email protected]

Hiri suntsitu bateko kaleak, Bagdad, Sarajevo edo CNNk azken urteotan ikustera ohitu gaituen leku horietako edozein. Soldadu talde bat aurrera egiten ari da, armatuta, mozorroak aurpegian dituztela, aurkari ikusezinen kontra borrokan, inguruko eraikinetan ezkuturik baitaude gelditu gabe tiroka eta komandoko kide gehienak etengabe hiltzen. Irudi digital ikusgarriez beteta dagoen film labur hau Irungo Dibulitoon Studio etxeak ekoiztu du, azken urteotan euskal animazioaren zutabeak, Ametsen lapurra edo duela gutxiko Glup eta Supertramps filmak lehendik ekoiztu dituenak, azken hauek Irusoinekin batera. Las calles de una ciudad derruida, que podría ser Bagdad, Sarajevo o cualquier otra de las que la CNN nos ha acostumbrado a ver en los últimos años destruyéndose. Un grupo de soldados avanza, armado y con máscaras, luchando contra un enemigo invisible que, oculto en los edificios circundantes, no deja de disparar y de matar a la mayor parte de los miembros del comando. Espectaculares imágenes digitales pueblan el metraje de este cortometraje producido por la empresa irundarra Dibulitoon Studio, puntal de la animación vasca en los últimos años, responsable de títulos como El ladrón de sueños o las recientes Glup y Supertramps, estas últimas coproducidas por Irusoin. The streets of a torn city which could be Baghdad, Sarajevo or any of the others that the CNN has accustomed us to seeing destroyed in recent years. A group of soldiers advance, armed, with masks, fighting against an invisible enemy which, hiding in the surrounding buildings, continuously shoots and kills most of the members of the commando. Spectacular digital images populate this short film produced by the company from Irún, Dibulitoon Studio, pillar of Basque animation in recent years and responsible for titles like The Dream Robber or the recent Glup and Supertramps, the last two co-produced with Irusoin.

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Kinky Hoodoo Voodoo

España, 2004 Dirección: César Velasco Broca. Producción: César Velasco Broca, Borja Crespo (Arsénico P.C. / Hill Valley) Guión: César Velasco Broca. Fotografía: Arturo Briones Carcaré. Montaje: Javier Díaz Vega. Intérpretes: Rodrigo Fernández, María Pavón, Luis Alonso Lozano, Jesús Javier Lozano, Elier Ansgar Wilpert. Duración aproximada: 7 minutos. Contacto: Arsénico P.C. Tf: 670 61 15 28 [email protected]

Film labur hau Errioxatik datorkigu. Zuri-beltzeko irudiez betea, artegatu egingo gaitu baita kezka eragingo ere. Mutil bat da eskola umeen ohiko udaleku batean garatzen den istorioaren protagonista, nerabezarotik gertu dagoen mutila, lehen oso garatuta ez zituen kezka jakin batzuk bizi dituena. Urduritasuna sorrarazten duen beste planeta batzuetako jendea, lagunak egiteko asmo handirik gabe orain edo duela berrogeita hamar urte Lurrera etorriak, elikagai, metamorfosi edo bizitza nahiz heriotzaz betetako lore-begi zuriak, barrualdeko itsaso bihurtutako zingirak, udako soinuak. Nekez sailka daitekeen lan hau César Velascok zuzendu du eta Borja Crespo geldiezinak ekoiztu. Perturbador cortometraje riojano plagado de inquietantes imágenes en blanco y negro que protagoniza un niño en el clásico campamento escolar veraniego, un niño que se acerca a la adolescencia y en el que comienzan a manifestarse determinadas inquietudes antes poco desarrolladas. La presencia desasosegante de gentes de otros planetas que viajan o viajaron hace cincuenta años a la Tierra con intenciones poco amistosas, blancos capullos cargados de alimento o metamorfosis o vida o muerte, pantanos convertidos en mares interiores, los sonidos del verano, un trabajo difícil de clasificar dirigido por César Velasco y producido por el siempre en movimiento Borja Crespo. Disturbing short film from La Rioja plagued with unsettling black and white images featuring a boy at a classic summer camp, a kid on the edge of adolescence who starts developing interests that had gone unnoticed at an earlier age. The uneasy presence of people from other planets travelling to or who had already travelled the Earth fifty years ago with not particularly friendly intentions, white buds full of food or metamorphosis, or life or death, marshlands converted into inland seas, the sounds of summer, a work difficult to classify directed by César Velasco and produced by the constantly active Borja Crespo.

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Minotauromaquia: Pablo en el laberinto

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España, 2004 Dirección: Juan Pablo Etcheberry. Producción: Ignacio Benedeti. Animación: Juan Pablo Etcheberry. Música: Igor Stravinsky. Duración aproximada: 10 minutos. Contacto: Ignacio Benedeti Cinema Tf: 981 25 92 47 [email protected]

Pablo Ruiz Picassoren adimenean barrena egindako bidaia. Bere adimenean, labirinto antzeko bat bihurtuta, Minotauroak bere bortizkeria guztia eta odol egarria azaltzen du. Eta, bertan, Malagako pintoreak sortutako hainbat eta hainbat pertsonaia dabiltza. Avignoneko andereñoak, Guernicako biztanleak, arlekinak, ametsetatik irten diren izakiak, bakearen usoa, akrobatak eta irudimenezko animaliak Igor Stravinskyren musikak markatzen duen erritmoaz ernalarazi zituen gizonarekin gurutzatzen dira. Zuzendariaren 35 mm.ko lehenengo film laburra, animazio-lan tradizionala, plastilinazko aktoreak izanik protagonistak. XX. mendeko sortzaile gailenetako baten adimenean barrena egindako ibilbidea. Un viaje a la mente de Pablo Ruiz Picasso, convertida en una especie de laberinto donde el Minotauro despliega toda su crueldad y sus ansias de sangre y por donde circulan infinidad de personajes creados por el pintor malagueño. Las señoritas de Avignon, habitantes del Guernica, arlequines, criaturas que emergen de los sueños, la paloma de la paz, acróbatas y animales fantásticos se cruzan con el hombre que los engendró al ritmo que marca la música de Igor Stravinsky. Primer cortometraje en 35 mm de su director, un trabajo de animación tradicional protagonizada por actores de plastilina. Un trayecto por los pliegues del cerebro de uno de los creadores más importantes del siglo XX. A voyage into the mind of Pablo Ruiz Picasso, converted into a kind of labyrinth where the Minotaur displays its terrible cruelty and desire for blood and where we find a neverending stream of characters created by the artist from Malaga. “Les Demoiselles de Avignon”, inhabitants from his painting Guernica, harlequins, creatures emerging from dreams, the dove of peace, acrobats and fantastic animals cross paths with the man who engendered them to the beat marked by Igor Stravinsky’s music. Debut in 35 mm short films by its director, a traditional animation work starring plasticine actors. A wander through the folds in the brain of one of the 20th Century’s most important creators.

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El tren de la bruja

España, 2003 Dirección: Koldo Serra. Producción: Álvaro Alonso, Antonio Lobo (Jaleo Films). Guión: Nacho Vigalondo, Koldo Serra. Fotografía: Iñaki Mintegi. Música: Fernando Velázquez. Montaje: Marc Vigil. Intérpretes: Manolo Solo, Jon Ariño, Héctor Alterio, Nacho Marcos, Santiago Guibert. Duración aproximada: 17 minutos. Contacto: Kimuak Tf: 943 48 15 38 [email protected]

Diru truke, gizon batek beldur handiko momentuetan giza jokabidea aztertzeko aurrera eraman nahi duten esperimentu batean parte hartzea onartzen du. Ez du benetan uste bera egoera horretara eramatea lortuko dutenik: aulki batean esertzen da, ume baten antzera sorgin batengana hurbiltzen denean eskobakadaz beldurra eragingo ote dion ikusteko. Baina baliteke noraino iritsiko diren ez jakitea. Edo baliteke harian-harian egotea zer den ez jakitea. Koldo Serra bilbotarrak, duela urte batzuk Astean ohikoetako bat izanik errealizadore gisa (Amor de madre filmarekin, Gorka Vázquezekin batera zuzendua) edo ikusle, eta zuzendari gisa ere, adibidez Háchame! filmarekin, beldurraren sorburuetaraino murgiltzen da Héctor Alterio gailenaren ahotsaren laguntzaz Urrezko Méliès saria lortu duen lan honetan. Un hombre accede a participar a cambio de dinero en un experimento que trata de analizar la conducta humana en momentos de gran terror. En realidad no cree que consigan ponerle en dicha situación: se sienta en la silla como quien acude de pequeño a que una bruja trate de provocarle el miedo a base de escobazos. Pero quizá no sepa hasta dónde van a llegar. O quizá nunca le hayan puesto contra las cuerdas. El bilbaíno Koldo Serra, presencia habitual en la Semana desde hace unos años como realizador (con Amor de madre, codirigido por Gorka Vázquez) o como espectador, y responsable de títulos como Háchame!, bucea en las raíces del miedo con la ayuda de la voz del gran Héctor Alterio en este trabajo galardonado con el Méliès de Oro. A man agrees to participate in exchange for cash in an experiment analysing human behaviour in moments of great terror. In fact he doesn’t think they’ll succeed in putting him in such a situation: he sits in the seat like someone taken as a child to a witch to be frightened by shaking her broomstick at him. But maybe he doesn’t realize just how far they’re prepared to go. Or maybe he’s never been put against the ropes. Koldo Serra from Bilbao, a regular at the Festival for several years as a filmmaker (with Amor de madre, codirected by Gorka Vázquez) or as a member of the audience, and responsible for titles like Háchame!, delves into the roots of fear helped by the voice of the great Héctor Alterio in this winner of the Golden Méliès.

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El experimento del Dr. Quatermass

The Quatermass Xperiment Gran Bretaña, 1955 Dirección: Val Guest. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: Richard Landau, Val Guest. Fotografía: Walter Harvey. Música: James Bernard. Montaje: James Needs. Intérpretes: Brian Donlevy, Jack Warner, Margia Dean, Richard Wordsworth, David King Wood. Duración aproximada: 82 minutos. ... Edo Hammer etxeak fantasiazko zinemarekin topo egin zuen. Eta, jakina, Britainia Handiko ekoizpen etxeari buruzko ziklo honen hasierak honela izan behar du, ekoiztu zuen genero honetako lehenengo pelikula aurkeztuz. Bertan, Quatermass doktorea da protagonista, telebistatik etorria, eta pantaila handira eramandako bi sekuelatan ere, Quatermass II eta ¿Qué sucedió entonces?-en, protagonista izandakoa. Brian Donlevyk egiten du irakaslearen papera, espedizio espazial baten arduradun nagusiarena. Ontzia abiatu ziren hiru bidaiarietatik batekin bakarrik lurreratzen da bueltan. Mutatzen duen gizona da, eta topo egiten duen guztia suntsitzeko gain den izaki amorfo bihurtzen ari da, alien bat, Westminster abadian babestuko dena. Eta, han, abadian gertatzen da Hammer etxeak ekoiztutako zinemaren eszena entzutetsuenetako bat. ... O la Hammer se encuentra con el cine fantástico. El inicio de este ciclo sobre la productora británica no puede ser otro que éste, la primera película de género que produce, protagonizada por el doctor Quatermass, que, proveniente de la televisión, protagonizará dos secuelas para la gran pantalla, Quatermass II y ¿Qué sucedió entonces? Brian Donlevy interpreta al profesor, máximo responsable de una expedición espacial cuya nave aterriza de vuelta con sólo uno de los tres ocupantes que partieron, un hombre que muta y se está convirtiendo en un ser amorfo que acaba con todo lo que encuentra a su paso, un alien que acaba refugiándose en la abadía de Westminster, donde tendrá lugar una de las escenas más célebres del cine de la Hammer. ... Or Hammer discovers fantasy movies. We couldn’t have started this season on the said British production company with any other than this, its first film in the genre, starring Dr. Quatermass, who, coming from TV, played the leading part in two sequels for the big screen, Quatermass 2 and Quatermass and the Pit. Brian Donlevy embodies the professor at the head of a space mission landing back on the earth with only one of its three initial occupants, a mutant acquiring a formless shape that absorbs everything in its path, an alien that takes refuge in Westminster Abbey, setting for one of the most famous Hammer movie scenes.

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La maldición de Frankenstein

The Curse of Frankenstein Gran Bretaña, 1957 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster. Fotografía: Jack Asher. Música: James Bernard. Montaje: James Needs. Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Hazel Court, Valerie Gaunt, Noel Hood. Duración aproximada: 82 minutos.

Hammer etxea fantasiazko generoan behin betiko espezializatzera eraman zuen pelikula La maldición de Frankenstein da, beldurrezko zinemaren mito klasikoari buruz ekoizpen etxeak egindako lehenengo pelikula, Terence Fisher zuzendaria, Jimmy Sangster gidoigilea eta Peter Cushing eta Christopher Lee protagonistak bildu zituena. Aktoreetako bakoitzak hurrenez hurren Frankenstein doktorearen eta bere kreaturaren papera egiten dute, eta ordutik aurrera hainbat pelikulatan hezurmamitu dituzte. Mary Shelleyren nobelan oinarritua, pelikulak generoa ulertzeko modu berri baten hasiera adierazten du, baita Universal etxeak bi hamarkada lehenago beldurrezko genero modernoaren ikono bihurtu zituen pertsonaiak tratatzekoa ere. Kolorearen agerraldia esan nahi du, eta munstroarekiko zientzialariaren protagonismoa. Fisherren zuzendaritzapean paper hori egin zuen bost aldietatik lehenengoan Cushingek Frankenstein doktore findua, dotorea eta nahi handikoa hezurmamitzen du, Jainkoarekin parekatzeko eta bizitza sortzeko prest. La película que marca definitivamente la especialización de la Hammer en el género fantástico es La maldición de Frankenstein, primer film realizado por la productora inglesa sobre un mito clásico del cine de terror que reúne a Terence Fisher en la dirección, Jimmy Sangster en el guión y a Peter Cushing y Christopher Lee como sus protagonistas, interpretando a unos personajes, el doctor Frankenstein y su criatura, a los que darán vida en diversas películas a partir de entonces. Basado en la novela de Mary Shelley, el film supone el comienzo de una nueva forma de entender el género y de abordar los personajes que la Universal convirtió en iconos del terror moderno dos décadas antes, significa la aparición del color y el protagonismo del científico respecto al monstruo. Cushing encarna a un doctor Frankenstein elegante, refinado y ambicioso, dispuesto a igualarse con Dios y crear vida, en la primera de las cinco ocasiones en que lo interpretará a las órdenes de Fisher. One movie that very definitely establishes the Hammer studios’ particular liking for fantasy is The Curse of Frankenstein, first film released by the British production company on a classic horror film myth uniting Terence Fisher as director, Jimmy Sangster on script and starring Peter Cushing and Christopher Lee as Dr. Frankenstein and his creature, to whom they subsequently went on to give life in numerous films. Based on Mary Shelley’s book, the film marked a new way of understanding the genre and of dealing with people made into icons of modern horror by Universal two decades previously, meaning the appearance of colour and the prominence gained by the scientist vis-à-vis the monster. Cushing, in the first of the five times he embodied this part under Fisher’s orders, is an elegant, refined and ambitious Dr. Frankenstein with a penchant for comparing himself with God by creating life.

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Drácula

Dracula Gran Bretaña, 1958 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster. Fotografía: Jack Asher. Música: James Bernard. Montaje: Bill Lenny, James Needs. Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Melissa Stribling, Carol Marsh, Michael Gough Duración aproximada: 82 minutos.

Eta odola gorri bihurtu zen. Terence Fisherrek, Hammer etxeko maisuak, kolorez tindatu du konde legendarioak edaten duen odola. Lugosi eta Browningen zuri-beltza odolaren gorri bihurtuta, pasioaren gorri, heriotzaren gorri, desioaren gorri, bizitzaren gorri. Christopher Leek Drakula desorekatuagoa sortu du, sutsuagoa, biziagoa, hungariarrak sortutakoaren aldean (hala eta guztiz ere benetako Drakula bihurtu ez arren, Lugosiri gertatu ez bezala). Peter Cushing, beti bezala, Van Helsing da. Hemen bere lehenengo abenturan agertzen zaigu, Trantsilvaniako noblearekin izandako bere lehenengo borrokan, bere lehenengo garaipenean, ondoren beti suntsituta bukatu arren; itzuli egin baita kondea, ez baita hilko, pelikula gehiago egongo baitira, edo kondea ez bada haren semea, alaba… izango da. Y la sangre se hizo roja. Terence Fisher, el maestro de la Hammer, tiñe de color la sangre que bebe el legendario conde. El blanco y negro de Lugosi y Browning se convierte en rojo sangre, rojo pasión, rojo muerte, rojo deseo, rojo vida. Christopher Lee crea un Drácula más desequilibrado, más pasional, más visceral que el del húngaro (aunque pese a ello no se convirtiera en Drácula de verdad, como sí le sucedió a Lugosi). Peter Cushing, como siempre, es Van Helsing, aquí en su primera aventura, en su primer enfrentamiento con el noble transilvano, en su primera victoria que luego siempre es derrota, porque el conde vuelve, no muere, tiene que haber más películas, o si no es el conde será su hijo, su hija… And the blood turned red. Terence Fisher, Hammer’s master, injects colour into the blood drunk by the legendary count. Lugosi and Browning’s black and white become blood red, passion red, death red, desire red, life red. Christopher Lee creates a more unbalanced, more passionate, more visceral Dracula than the Hungarian (even though he doesn’t actually turn into a real Dracula, like Lugosi). Peter Cushing, as always, is Van Helsing, here in his first adventure, in his first confrontation with the noble Transylvanian, in his first victory which is finally always a defeat, because the count returns, he doesn’t die, there have to be more films, or if it’s not the count it’s his son, his daughter...

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La momia

The Mummy Gran Bretaña, 1959 Dirección: Terence Fisher. Producción: Michael Carreras (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster. Fotografía: Jack Asher. Música: Franz Reizenstein. Montaje: James Needs, Alfred Cox. Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Yvonne Fumeaux, Eddie Byrne, Felix Aylmer. Duración aproximada: 88 minutos. Ekoizpen etxe britainiarraren beste klasikoetako bat. Interpretazio berria. Kontuan hartzeko moduko pertsonaia beldurgarri berria. Antzinako Egipto. Ohiko taldea, Sangster, Asher, Fisher, Cushing eta Leek osatua. Universal etxearen saga berria, Hammerrek Karl Freunden pelikulatik ez ezik dagozkion sekueletatik abiatuta landutakoa. Momifikatutako apaiz bat berpiztuta. Printzesa bat, zeini lau mila urte geroago oraindik ere leialtasuna erakusten dion. Haren antza handia duen emakumea. Lee eta Cushing berriro ere aurrez aurre, aldi honetan ohikoak baino eragozpen handiagorekin, milaka urte mugitu gabe egon den izakiaren zurruntasun logikoari egiptologoaren herrentasuna gehitu behar baitzaio. Hammer etxearen beldurrezko zinema orduan eta beti gailendu izan duten osagai guztiak. Klasikoak, alegia. Otro de los clásicos de la productota británica. Una nueva relectura. Un nuevo personaje terrorífico a considerar. El antiguo Egipto. El equipo habitual, con Sangster, Asher, Fisher, Cushing y Lee. Una nueva saga de la Universal que la Hammer aborda partiendo no sólo de la película de Karl Freund sino también de sus secuelas. Un sacerdote momificado que vuelve a la vida. Una princesa a la que permanece fiel cuatro mil años después. Una mujer que guarda un gran parecido con ella. Lee y Cushing de nuevo enfrentados, en esta ocasión con más dificultades de las habituales, ya que al anquilosamiento lógico de una criatura que ha estado varios miles de años sin moverse se une la cojera del egiptólogo. Todos los elementos que hicieron y que hacen grande el cine de terror de la Hammer. Los clásicos. Another classic from the British production company. Another interpretation. Another terrifying character on the scene. Ancient Egypt. The usual squad: Sangster, Asher, Fisher, Cushing and Lee. A new saga from Universal taken on by Hammer based not only on Karl Freund’s movie but also on its sequels. A mummified priest who comes back to life. A princess to whom is still faithful four thousand years on. A woman who looks very like her. Lee and Cushing face each other once again, on this occasion with more problems than usual, given that the paralysis of a creature which hasn’t moved for thousands of years joins the Egyptologists limp. All of the ingredients that made and make Hammer’s fantastic horror movies so great. The classics.

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Las novias de Drácula

The Brides of Dracula Gran Bretaña, 1960 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster, Peter Bryan, Edward Percy. Fotografía: Jack Asher. Música: Malcolm Williamson. Montaje: James Needs, Alfred Cox. Intérpretes: Peter Cushing, Martita Hunt, Yvonne Monlaur, David Peel, Freda Jackson. Duración aproximada: 85 minutos. Drácula pelikula egin eta handik bi urtera, Hammer etxeak banpiroen pelikula berri bat ekoiztu zuen beste hark izan zuen arrakasta aprobetxatu nahian, baina Christopher Lee gabe, ordea, ez baitzuen konde hilezkor gisa sailkatuta geratu nahi eta, beraz, Drakula gabe, izenburuan eta film guztian zehar antzematen den oroitzapen gisa izan ezik. Hemen, beste banpiro bat da protagonista, Meinster baroia, ahula, ilehoria, gaixoti itxurakoa, amak lotuta duena krimenik egin ez dezan. Neska gazte frantses batek haren gazteluan igarotzen du gau bat eta bat-batean liluratuta geratuko da haren aurrean eta adierazten duen guztiaren aurrean, alegia gaua, sexua, plazerra, alde iluna. Van Helsing, banpiroak lepoan koska egin diona (ahaztezina da erasoa jaso ondoren Cushing-ek burdina gori-gori dagoela bere buruari aplikatzen dion eszena), errota baten hegalak gurutzea osatuz, okerreko bizitzarekin loturiko odol zaletasuna... Hori guztia ikusi ahal izango dugu Terence Fisherrek zuzendutako pelikula honetan. Dos años después de Drácula, la Hammer produce una nueva película de vampiros tratando de aprovechar el éxito de aquélla, pero sin Christopher Lee, que no quería encasillarse como el inmortal conde, y en realidad sin Drácula, salvo en el título y como recuerdo que sobrevuela todo el film. Aquí el protagonista es otro vampiro, el barón Meinster, endeble, rubio, de apariencia enfermiza, al que su madre mantiene atado para impedir sus crímenes. Una joven francesa pasa una velada en su castillo y queda inmediatamente atraída y fascinada por él y por lo que representa, la noche, el sexo, el placer, el lado oscuro. Van Helsing mordido en el cuello por el vampiro (inolvidable la escena en la que, tras recibir el ataque, Cushing se aplica un hierro al rojo vivo), las aspas de un molino formando una cruz, la afición por la sangre relacionada con la mala vida... en esta película dirigida por Terence Fisher. Two years after Dracula, Hammer produced another film about vampires in the attempt to cash in on the success of the former, but without Christopher Lee, who didn’t want to be pigeonholed as the immortal count, and hence without Dracula, except for the title and a memory hovering over the entire movie. Here the protagonist is another vampire, Baron Meinster, a frail, blond, sick-looking man kept tied up by his mother to prevent him from committing crimes. A young French girl spending the night at his castle falls for him and what he represents, the night, sex, pleasure, the dark side. Van Helsing bitten on the neck by the vampire (the unforgettable scene where Cushing burns himself with a red-hot iron after being bitten), the arms of a windmill in the shape of a cross, the liking for blood related to the bad life... all in this movie directed by Terence Fisher.

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The Curse of the Werewolf

Gran Bretaña, 1961 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: John Elder. Fotografía: Arthur Grant. Música: Benjamin Frankel. Montaje: James Needs, Alfred Cox. Intérpretes: Oliver Reed, Catherine Feller, Clifford Evans, Yvonne Romain, Anthony Dawson. Duración aproximada: 91 minutos.

Britainia Handiko ekoizpen etxeak Universal-en beldurrezko genero klasikoko mitoetako batera (El lobo humano sorrerako pelikulatik hainbatetan protagonista izandakoa) lehenengo aldiz eta behin bakarrik egindako hurbilketa. Terence Fisherrek Oliver Reed zuzentzen du Espainian galarazitako pelikula honetan. Hemen debekatu izanaren arrazoia hauxe izan zen, agintariei ez zitzaiela ondo iruditu istorioa gure herrian garatzea, hemen gizon-otsorik ez dagoelako (López Vázquez eta Julian Sandsen gogoz bestera). León, markes baten desioetara erori nahi ez izateagatik espetxera bidalitako dontzeila baten eta bortxatu duen eskale baten (animalia antzeko zerbait bihurtua hamar urtez giltzapetuta egon ondoren) semea, gainean daraman madarikazioaz jabetzen hasten da pixkanaka eta horren kontra borroka egiten ahalegintzen da maitasun bila. Primera y única aproximación de la productora británica a uno de los mitos del terror clásico de la Universal (donde protagonizó diversas películas desde la fundacional El lobo humano) que aún no había abordado. Terence Fisher dirige a Oliver Reed en este film prohibido en España debido a que a las autoridades no les pareció bien que la historia se desarrollara en nuestro país, ya que aquí no hay hombres lobo (pese a López Vázquez y a Julian Sands). León, hijo de una doncella enviada a prisión por no acceder a los deseos de un marqués, y de un mendigo (convertido en una especie de animal tras diez años de encierro) que la viola, toma conciencia paulatinamente de la maldición que arrastra y trata de luchar contra ella en busca del amor. First and only approach of the British production company to one of the classic horror myths by Universal (where the same creature starred in a number of movies following the initial Werewolf of London) that it still hadn’t tackled. Terence Fisher directs Oliver Reed in this film forbidden in Spain given the authorities’ annoyance that it was set in our country, where there are no werewolves (despite López Vázquez and Julian Sands). Leon, the offspring of a maid imprisoned for having rejected the advances of a Marquis, and of the tramp (converted into a sort of animal by ten years behind bars) who raped her, gradually realises the curse with which he is tainted, trying to defeat his terrible fate by searching for love.

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El sabor del miedo

Taste of Fear Gran Bretaña, 1961 Dirección: Seth Holt. Producción: Jimmy Sangster (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster. Fotografía: Douglas Slocombe. Música: Clifton Parker. Montaje: Eric Boyd-Perkins, James Needs. Intérpretes: Susan Strasberg, Ronald Lewis, Ann Todd, Christopher Lee, John Serret. Duración aproximada: 82 minutos.

Pelikula hau, jendea beldurrarazteko munstrorik behar ez duen hau, banpiroen, Frankenstein doktoreen eta gizon-otsoen artetik sortu da. Inolako zalantzarik gabe, kriminalak gizaki izan daitezke, funtsean diru bila dabiltzala gaiztakeriak egiten dituzten gizakiak. Ez dute ilargi betearen azpian jotako madarikazioak, ehunka urte dituzten kondeak edo zientzialari eroak izan beharrik. Ama-orde bat (beti funtzionatu du), txofer bat, mediku bat, Christopher Lee eta bere ohiko hazpegi kezkagarriak eta gurpil-aulkian dabilen neska gazte bat nahikoa dira suspensezko istorio hau zutik mantentzeko. Seth Holt palestinarrak zuzendu du Jimmy Sangsterren gidoian oinarrituta, eta bertako protagonista neska gazte paralitiko bat da, ero bihurtzen ari dela ematen duena, bere aitaren gorpua bazter guztietatik ikusten duelako. Dena den, komeni da bukaerara arte ikustea. Entre vampiros, doctores de Frankenstein y hombres lobo emerge esta película que no necesita de monstruos para asustar al público. Los criminales pueden ser perfectamente seres humanos que cometen sus fechorías en busca básicamente de dinero. No son necesarias maldiciones a la luz de la luna llena, condes de centenares de años de edad o científicos locos. Una madrastra (siempre han funcionado), un chófer, un médico con los rasgos siempre inquietantes de Christopher Lee y una joven en silla de ruedas son personajes suficientes para poner en pie esta historia de suspense dirigida por el palestino Seth Holt según un guión de Jimmy Sangster y protagonizada por una joven paralítica que parece estar volviéndose loca, ya que no deja de ver el cadáver de su padre por todas partes. En todo caso, conviene verla hasta el final. Needing no monsters to scare the audience, this film pops up its head somewhere between the vampires, Doctors Frankenstein and werewolves. The wrongdoers can be perfect human beings who basically commit their evil deeds for money. It doesn’t need curses in the light of the full moon, centuries-old counts or mad scientists. A stepmother (they’ve always worked), a chauffeur, a doctor with the ever-disturbing features of Christopher Lee and a young chair-bound girl, are enough in themselves to create this tale of suspense directed by the Palestinian Seth Holt, based on a script by Jimmy Sangster and starring a young girl suffering from paralysis who seems to be going mad as she sees her dead father’s corpse everywhere she looks. But no matter what the case, it’s well worth the watching right through to the end.

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El fantasma de la Ópera

The Phantom of the Opera Gran Bretaña, 1962 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Hinds (Hammer Film Productions). Guión: John Elder. Fotografía: Arthur Grant. Música: Edwin Astley. Montaje: Alfred Cox. Intérpretes: Herbert Lom, Heather Sears, Thorley Walters, Edward De Souza, Michael Gough. Duración aproximada: 84 minutos.

Beldurrezko literaturako klasikoen interpretazio berrien barruan, Hammer etxeak ezin zion Gaston Lerouxen nobelaren bertsioa egiteari utzi. Herbert Lomek antzezten du Operako mamuaren pertsonaia (kasu honetan Londreskoa), Rupert Julian eta Arthur Lubinen bertsioetan Lon Chaneyk eta Claude Rainsek hezurmamitutakoa. Fisherrek jatorrizko istorioari egindako ekarpen nagusia hauxe da, musikari askoz ere garrantzi handiagoa eman izana. Pelikularen protagonista itxuragabetuak hauxe besterik ez du nahi, musikaren munduan ospetsu bihurtzea; lapurtu dioten obra berreskuratu nahi du, baina batik bat bere protagonistaren interpretazioa perfektua izatea. Ez du, ez, gaztearenganako maitasun suak bultzatu, ezta mehatxuak ere. Musikak, bere obrarekiko maitasunak baizik. Opera, bere kreatura, bere bizitzan benetan garrantzitsua den gauza bakarra ahalik eta ondoen interpretatzeko bahitu du abeslaria. Dentro de su relectura de los clásicos de la literatura de terror, la Hammer no podía dejar de aportar su versión de la novela de Gaston Leroux. Herbert Lom interpreta al fantasma de la Ópera (en este caso de Londres) al que antes dieron vida Lon Chaney y Claude Rains en las versiones de Rupert Julian y Arthur Lubin. La principal aportación de Fisher a la historia original consiste en conceder mucha más importancia a la música. El desfigurado protagonista de la película sólo quiere obtener reconocimiento musical, quiere que la obra que le han robado vuelva a él, pero fundamentalmente desea que la interpretación de su protagonista sea perfecta. No le mueve la pasión amorosa por la joven, ni siquiera la venganza. Sólo la música, el amor por su obra. Rapta a la cantante con el único objetivo de que interprete lo mejor posible la ópera, su criatura, lo único realmente importante en su vida. Hammer just had to contribute its version of the novel by Gaston Leroux to its recreation of the horror literature classics. Herbert Lom plays the phantom of the Opera (in this case from London), brought to life by Lon Chaney and Claude Rains in the versions by Rupert Julian and Arthur Lubin. Fisher’s main contribution to the original tale consists of placing far more stress on the music. While the disfigured protagonist of the movie only strives to achieve musical recognition, wanting his stolen work returned, in fact what he really wants is that the heroine’s performance be perfect. He’s unmoved by the young girl’s amorous passion, and doesn’t even want vengeance. Only music, the love for his opus. He kidnaps the singer with the sole objective of her best possible rendition of the opera, his creation, the only thing that really matters in his life.

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La Gorgona

The Gorgon Gran Bretaña, 1964 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Nelson Keys (Hammer Film Productions). Guión: John Gilling. Fotografía: Michael Reed. Música: James Bernard. Montaje: Eric Boyd-Perkins, James Needs. Intérpretes: Peter Cushing, Christopher Lee, Richard Pasco, Barbara Shelley, Michael Goodliffe. Duración aproximada: 83 minutos.

Terence Fisher. Christopher Lee. Peter Cushing. Hammer etxeko beldurrezko zinemaren funtsezko hiru gizonek berriro topo egin dute sustrai klasikoko istorio honetan. Kontakizuna Medusa mito grekotik sortu da eta Britainia Handiko ekoizpen etxeak (bereziki Fisherrek) bere fabrika marka bihurtutako giro, pertsonaia eta beldur sen horretan sakontzen du. Herri txiki batean harri bihurtutako jendea agertzen hasten da, guztiek Medusa ikusi izan balute bezala. Pertsonaia mitologiko horren ileak suge bihurtu ziren eta madarikazio bat darama berekin, alegia begiratzen duten guztiak harri bihurtuta geratzen direla. Terence Fisher. Christopher Lee. Peter Cushing. Los tres nombres clave del cine de terror de la Hammer vuelven a encontrarse en esta historia de raíces clásicas que nace del mito griego de Medusa y que profundiza en las atmósferas, personajes, ambientes y sentido del terror que la productora británica (especialmente Fisher) convirtió en su marca de fábrica. En una pequeña localidad comienza a aparecer gente petrificada, como si hubieran visto todos a la Medusa, personaje mitológico cuyos cabellos fueron convertidos en serpientes y que arrastra la maldición de que todo aquel que la mira queda convertido en piedra. Terence Fisher. Christopher Lee. Peter Cushing. The three key names of Hammer horror films reunite in this tale of classic cut born from the Greek myth of Medussa, and which goes deeper into the atmospheres, characters, environments and sense of horror than the British production company (particularly Fisher) that was to become its brandname. Petrified people start turning up in a little village, as if they had all seen Medussa, the mythological character whose hair was made into snakes and who bears the curse that anyone looking at her will turn to stone.

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A merced del odio

The Nanny Gran Bretaña, 1965 Dirección: Seth Holt. Producción: Jimmy Sangster (Hammer Film Productions). Guión: Jimmy Sangster. Fotografía: Harry Waxman. Música: Richard Rodney Bennett. Montaje: James Needs, Tom Simpson. Intérpretes: Bette Davis, Wendy Craig, Jill Bennett, James Villiers, William Dix. Duración aproximada: 90 minutos. ¿Qué fue de Baby Jane? eta Canción de cuna para un cadáver pelikulei esker Robert Aldrichek hirurogeiko hamarkadako beldurrezko zinemari lotu ohi zaion irudi bihurtua, Bette Davisek nanny pertsonaia antzezten du hemen, pelikularen jatorrizko titulutik datorkion izena izanik. Ume eramangaitz bat zaintzeaz arduratzen da, oraindik argitzeko dagoen ezbehar baten ondorioz alaba galdu zuten senar-emaztearen semea, eta ezbehar horrek betiko akituta utzi du familia. Pelikula mutilaren eta zaindariaren arteko harremanean oinarritzen da eta, izan ere, elkarren artean etengabeko borroka zolia mantentzen dute film osoan zehar. Istorio honetan helduen mundu errealaren (?) eta haurren munduaren arteko gatazka sortzen da, eta ikusleak ez daki nori sinistu, alegia Bette Davisi, gaizto itxura duenari (beti izan du gaizto itxura), edo umeari, batzuetan bere hilketa demandatzen ahalegintzen ari dela ematen duenari. Convertida por Robert Aldrich gracias a ¿Qué fue de Baby Jane? y Canción de cuna para un cadáver en un rostro asociado al cine de terror de los sesenta, Bette Davis interpreta aquí a la nanny del título original de la película. Se encarga de cuidar al insoportable vástago de un matrimonio que perdió a su otra hija en un accidente todavía no demasiado aclarado, lo que ha producido en el seno de la familia una permanente sensación de abatimiento. El film se centra en la relación entre el niño y su niñera, que mantienen a lo largo de todo el metraje un continuo y sutil enfrentamiento. El mundo ¿real? de los adultos y el de los niños entran en conflicto en esta historia en la que el espectador no sabe a quién creer, si a una Bette Davis que obviamente parece mala (siempre lo parece) o a un niño que en ocasiones parece empeñado en demandar su propio asesinato. Converted by Robert Aldrich thanks to What Ever Happened to Baby Jane? and Hush... Hush, Sweet Charlotte into a face we associated with 60’s horror films; here Bette Davis plays the nanny referred to in the title. She cares for the obnoxious offspring of a couple who lose their other daughter in a somewhat mysterious accident, causing a permanent cloud to hang over the family. The film concentrates on the relationship between the child and his nanny, continuously and subtly confronted throughout its entire length. The real (?) world of adults and that of children confront one another in a story where the spectator doesn’t know who to believe, a Bette Davis who obviously seems evil (she always does) or a child apparently bent on making someone murder him.

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The Plague of the Zombies

Gran Bretaña, 1966 Dirección: John Gilling. Producción: Anthony Nelson Keys (Hammer Film Productions). Guión: Peter Bryan. Fotografía: Arthur Grant. Música: James Bernard. Montaje: Chris Barnes, James Needs. Intérpretes: André Morell, Diane Clare, Brook Williams, Jacqueline Pearce, John Carson. Duración aproximada: 87 minutos.

Ingalaterrako landazabaleko herri batean hilketa arraroak gertatzen ari dira azken hilabeteetan. Cornwall herrian nagusi da apatia eta gaixotasun sentsazioa. Azken itxaropena zientzialari batek hartu du bere gain, ezin baitu beste modu batera izan. Sir James Forbes da bera, eta bere ikasle izandako batek deituta herrira iristen da gertatzen ari dena jakin nahian. Haitin denbora gehiegi eman duen lur-jabe batekin topo egingo du bertan, hilobi hutsak, meategi batean lan egiten duten hildakoak (denuntzia sozialeko made in Hammer zinema?), arriskuan dagoen alaba ilehoria, hilkutxa txikiak panpina bat barruan dutela, danborrak eta mozorroak, odol gorria eta betiko su garbitzailea tartean direla. John Gilling da zuzendaria, ekoizpen etxe britainiarraren beste pelikula batzuen ardura hartu izan duena, adibidez The Reptile edo The Mummy’s Shroud-ena. En un pueblo de la campiña inglesa se están produciendo extrañas muertes en los últimos meses. Una sensación general de apatía y enfermedad se abate sobre el pueblo de Cornwall. La última esperanza descansa, como no podía ser de otra forma, sobre los hombros de un científico, Sir James Forbes, que, llamado por un antiguo alumno, se desplaza hasta allí para tratar de averiguar lo que sucede. Se encontrará con un terrateniente que ha pasado demasiado tiempo en Haití, con tumbas vacías, muertos que trabajan en una mina (¿cine de denuncia social made in Hammer?), una hija rubia en peligro, ataúdes pequeñitos con muñeco, tambores y máscaras, roja sangre y fuego siempre purificador. Dirige John Gilling, responsable de otros títulos de la productora británica como The Reptile o The Mummy’s Shroud. Strange deaths have been occurring over recent months in the English countryside. A general feeling of apathy and disease settles over the village of Cornwall. The last hope lies on whose shoulders but those of scientist Sir James Forbes, who responds to a call from a former student, travelling to the village in question to investigate the situation. There he meets a landowner who has spent too much time in Haiti, empty graves, dead folk working in a mine (perhaps a social denunciation of films made in Hammer?), a blonde daughter in danger, little doll-filled coffins, drums and masks, red blood and ever-purifying fire. It is directed by John Gilling, responsible for other titles produced by the British production company such as The Reptile or The Mummy’s Shroud.

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Hammer Films

The Devil Rides Out

Gran Bretaña, 1968 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Nelson Keys (Hammer Film Productions). Guión: Richard Matheson. Fotografía: Arthur Grant. Música: James Bernard. Montaje: Spencer Reeve, James Needs. Intérpretes: Christopher Lee, Charles Gray, Niké Arrighi, Leon Greene, Patrick Mower. Duración aproximada: 91 minutos.

Terence Fisher satanismoaren inguruko gaia lantzen du pelikula honetan, garai hartan arrakasta handia izan zuen okultismoan aditua den Dennis Wheatleyren nobelan oinarrituta. Gidoia Hammer etxeak Richard Matheson idazle iparramerikar handiari eskatutakoa da, beste askoren artean Soy leyenda edo El increíble hombre menguante obrak idatzi zituenari. Aristokratiko papera eginez, Christopher Leek aurre egiten die Gaizkiaren indarrei, Deabruaren jarraitzaile taldeari. Talde burua Charles Grayk maisutasunez antzeztutako Mocata kezkagarri eta arriskutsua da: begietan iluntasunaren ahalmena igartzen zaio, Maltzurraren begirada, alegia. Aztoratzailea, sinbologiaz, oilarrez eta ahuntzez, kleraz egindako zirkuluez eta eskari zaharrez (Leeren ahotan gure arimak salbatzeko direla ematen dutelarik), orgiez eta sakrifizioez betea, Ongiak Gaizkiaren kontra ekindako borroka da Hammer etxearen ohi ez bezalako pelikuletako bat den honen ardatza. Terence Fisher se acerca al tema del satanismo en esta película basada en una novela de Dennis Wheatley, especialista en ocultismo muy leído en la época. El guión lo encarga la Hammer al gran escritor norteamericano Richard Matheson, autor de, entre muchas otras, Soy leyenda o El increíble hombre menguante. Un aristocrático Christopher Lee se enfrenta a las fuerzas del Mal, a un grupo de seguidores del Diablo encabezado por el muy inquietante y peligroso Mocata, interpretado por Charles Gray de forma magistral: en sus ojos se adivina el poder de la oscuridad, la mirada del Maligno. Turbadora, cargada de simbología, de gallinas y cabras, círculos de tiza y antiguas invocaciones (que en boca de Lee parecen destinadas a salvar nuestras almas), orgías y sacrificios, este combate del Bien contra el Mal constituye uno de los títulos más insólitos de la Hammer. Terence Fisher takes a look at Satanism in this movie based on a novel by Dennis Wheatley, a specialist in occultism widely read at the time. The screenplay was commissioned by Hammer from the great North American writer Richard Matheson, author among many others of I Am Legend or The Incredible Shrinking Man. An aristocratic Christopher Lee challenges the forces of Evil, a group of Devil-followers headed by the highly disturbing and dangerous Mocata, masterly played by Charles Gray: his eyes reflect the power of the obscure, the look of Evil. Unsettling, packed with symbols, chickens and goats, chalk circles and ancient invocations (which, spoken by Lee, seem destined to save our souls), orgies and sacrifices, this struggle between Good and Evil is one of Hammer’s most unusual titles.

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Hammer Films

El cerebro de Frankenstein

Frankenstein Must Be Destroyed Gran Bretaña, 1969 Dirección: Terence Fisher. Producción: Anthony Nelson Keys (Hammer Film Productions). Guión: Bert Batt. Fotografía: Arthur Grant. Música: James Bernard. Montaje: Gordon Hales. Intérpretes: Peter Cushing, Simon Ward, Veronica Carlson, Freddie Jones, Thorley Walters. Duración aproximada: 97 minutos.

Terence Fisherrek Frankensteini eta bere esperimentuei buruz zuzendutako laugarren pelikula. Berriro ere, doktorearen papera egiten du Cushingek, aldi honetan bortitzago eta basatiago agertuz, eta inoiz baino eskrupulu gutxiagorekin beharbada. Zalantzarik gabe, klandestinitatea eta onespenik eza luzaroan jasan behar izateak eta bere helburuak lortzeko izan dituen hainbat zailtasunek bultzatu dute jendea hiltzeak eragiten dion plazer hutsagatik gorpuekin eta burmuinekin lanean jarraitzera. Bere esperimentuak bere krimenak baino gutxiago inporta zaizkiola esan genezake. Izan ere, krimen horiek zabaldu egiten dira pelikulan zehar Veronica Carlson bizitza profesional iragankorreko aktoresa bortxatzera iristeraino. Miresmen handia sorrarazi izan duen Fisherren eta Hammerren pelikula honetan, jatorrizko izenburuan Frankenstein suntsitzea eskatzen duen honetan, Frankensteinek bere arreta guztia jartzen du zientzialari gailen baten, Brandt doktorearen burmuina beste gorputz batera eramaten. Cuarta película dirigida por Terence Fisher sobre Frankenstein y sus experimentos. De nuevo Cushing interpreta al doctor, en esta ocasión quizá más violento, más salvaje y con menos escrúpulos que nunca. Sin duda los años de clandestinidad, incomprensión y fracasos y las múltiples dificultades para lograr sus objetivos lo han convertido en alguien que parece seguir con sus trabajos con cadáveres y cerebros sólo por el placer de conseguirlos mediante el asesinato. Se puede pensar que sus experimentos le importan menos que sus crímenes, que salpican el metraje de un film en el que llega a violar a la actriz de efímera vida profesional Veronica Carlson. Frankenstein centra sus esfuerzos en trasplantar el cerebro de un eminente científico, el doctor Brandt, en otro cuerpo, en una de las películas más admiradas de Fisher y de la Hammer, que en su título original pide que Frankenstein sea destruido. Fourth movie on Frankenstein and his experiments directed by Terence Fisher. Cushing once again in the part of the doctor, here perhaps more violent, wilder and with less scruples than ever. Doubtless his years in hiding, of being misunderstood and failures plus the several difficulties lying on the road to achieving his objectives have made him into someone who only seems to continue his work with corpses and bodies for the pleasure of obtaining them by murder. We may think that his experiments are less important to him than the crimes dotted throughout a movie in which he even rapes the actress of short-lived professional existence, Veronica Carlson. Frankenstein concentrates his efforts on transplanting into another body the brain of eminent Dr. Brant in one of the most admired Fisher/Hammer movies.

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Hammer Films

The Vampire Lovers

Gran Bretaña-Estados Unidos, 1970 Dirección: Roy Ward Baker. Producción: Harry Fine, Michael Style (Hammer Film Productions / American International Pictures). Guión: Tudor Gates, Harry Fine, Michael Style. Fotografía: Moray Grant. Música: Harry Robinson. Montaje: James Needs. Intérpretes: Ingrid Pitt, Pippa Steele, Madeline Smith, Peter Cushing, George Cole. Duración aproximada: Lord Byronek aristokratak, erromantikoak eta anbiguoak izateko exijitzen zuen bere pertsonaiengandik. Eta Carmillak, Joseph Sheridan Le Fanuren nobela homonimoaren protagonistak, bete egiten ditu baldintza horiek. Eta banpiroa da, gainera. Hirurogeita hamarreko hamarkadaren hasieran, Hammer Films etxeak trilogia bat sortu zuen idazle irlandarrak sortutako pertsonaian inspiratuta, The Vampire Lovers, Lust for a Vampire eta Drácula y las mellizas pelikulek osatua, non banpiroen istorioen ageriko erotismoa are eta nabarmenago eta esplizituago agertzen den. Sail honetako lehenengo pelikula Mircalla, Marcilla edo Carmilla Karnstein pertsonaian oinarritzen da, Ingrid Pitt aktoresak Ingalaterrako ekoizpen etxerako egindako bere lehenengo lanean. Emakume ederra eta liluragarria da, bere denbora Erdialdeko Europako nobleziako neskatila lañoak seduzitzen eta haien odola edaten ematen duena.

87 minutos.

Lord Byron exigía de sus personajes que fuesen aristócratas, románticos y ambiguos. Carmilla, protagonista de la homónima novela de Joseph Sheridan Le Fanu, cumple estas condiciones, Además, es vampira. Hammer Films realiza a comienzos de los años setenta una trilogía inspirada en el personaje creado por el escritor irlandés compuesta por The Vampire Lovers, Lust for a Vampire y Drácula y las mellizas, en las que el evidente erotismo de sus historias de vampiros se hace mucho más explícito. La primera película de la serie se centra en el personaje de Mircalla, Marcilla o Carmilla Karnstein, interpretada por Ingrid Pitt en su primer trabajo con la productora inglesa, una bella y fascinante mujer que pasa su tiempo seduciendo a ingenuas jovencitas de la nobleza centroeuropea y bebiéndose su sangre. Lord Byron demanded of his characters that they be aristocratic, romantic and ambiguous. Carmilla, heroine of Joseph Sheridan Le Fanu’s homonymous novel, meets these conditions. She’s also a vampire. In the early 70s, Hammer Films made a trilogy taking its inspiration from the character created by the Irish writer, comprising The Vampire Lovers, Lust for a Vampire and Twins of Evil, in which the obvious eroticism of his vampire tales becomes even more explicit. The first film in the series concentrates on the character of Mircalla, Marcilla or Carmilla Karnstein, played by Ingrid Pitt in her first work with the British production company, a beautiful, fascinating woman with a liking for seducing naïve young girls from central European nobility and drinking their blood.

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Hammer Films

Dr. Jekyll y su hermana Hyde

Dr. Jekyll and Sister Hyde Gran Bretaña, 1971 Dirección: Roy Ward Baker. Producción: Brian Clemens, Albert Fennel (Hammer Film Productions). Guión: Brian Clemens. Fotografía: Norman Warwick. Música: David Whitaker. Montaje: James Needs. Intérpretes: Ralph Bates, Martine Beswick, Gerald Sim, Lewis Fiander, Dorothy Alison. Duración aproximada: 91 minutos.

Hammer sail osoaren pelikula harrigarri eta berritzaileenetako bat da eta zalantzarik gabe Jekyll eta Hyde-ren nortasun bikoitzera egindako hurbilketa interesgarri eta zoragarrienetakoa, Hyde jauna Hyde andre bihurtzeko ideiari esker. Inolako zalantzarik gabe beldurrezko generoarekin lotu daiteke eta, izan ere Dr. Jekyll y su hermana Hyde pelikulak gainditu egiten du generoa eta endredozko komediari dagozkion egoerak planteatzen ditu, baita protagonistaren, Ralph Batesen aldizkako sexu aldaketek eragindako gaizkiulertu dibertigarriak ere, bere maitasun eta sexu egarriak ere gorabeherak izaten baititu edabea hartu eta Martine Beswick bihurtzen denean. Tarteka halako burugabekeria punturekin, umore sen handiarekin eta zuzendari gisa Roy Ward Bakerrek duen esperientzia luzearekin, ekoizpen etxe britainiarraren pelikula hau bere film onenetako bat dela esan daiteke inolako zalantzarik gabe. Una de las películas más sorprendentes e innovadoras de toda la serie Hammer y sin duda una de las aproximaciones más interesantes y fascinantes a la doble personalidad de Jekyll y Hyde, gracias a la idea de convertir al señor Hyde en la señora Hyde. Película sin duda adscribible al género de terror, Dr. Jekyll y su hermana Hyde lo trasciende y plantea situaciones de comedia de enredo, divertidos equívocos derivados de los cambios de sexo ocasionales del protagonista, Ralph Bates, cuyas apetencias amorosas y sexuales también se alteran tras tomar la pócima y convertirse en Martine Beswick. Con un puntito de delirio por momentos, gran sentido del humor y toda la experiencia como director de Roy Ward Baker, este film de la productora británica constituye sin duda uno de sus mejores títulos. One of the most surprising and groundbreaking movies in the entire Hammer series and undoubtedly one of the most interesting and fascinating approaches to the double personality of Jekyll and Hyde, thanks to the idea of changing Mr. Hyde into Mrs. Hyde. A film unquestionably belonging to the horror genre, Dr. Jekyll and Sister Hyde goes further to create farcical situations, amusing confusions resulting from the occasional sex changes of the protagonist, Ralph Bates, whose amorous and sexual tastes also change on drinking the potion turning him into Martine Beswick. With the occasional delirious touch, an enormous sense of humour and the long experience as a director of Roy Ward Baker, this film by the British production company is unquestionably one of its best films.

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Hammer Films

Frankenstein and the Monster from Hell Gran Bretaña, 1974 Dirección: Terence Fisher. Producción: Roy Skeggs (Hammer Film Productions). Guión: John Elder. Fotografía: Brian Probyn. Música: James Bernard. Montaje: James Needs. Intérpretes: Peter Cushing, Shane Briant, Madeline Smith, Dave Prowse, John Stratton. Duración aproximada: 99 minutos.

Frankenstein doktoreak bere ahaleginetan jarraitzen du. Universal eta Hammer etxeen hainbat eta hainbat pelikulatan etengabe huts egin arren, bere esperimentuek arrakastarik izan ez zutelako eta zuri-beltzeko eta koloretako hainbat eta hainbat zorigaitz eragin zutelako, Mary Shelleyk sortutako zientzialariak, hemen berriro ere Peter Cushingek antzeztutakoak, eskuak, begiak eta batik bat burmuinak -parte konplikatuena beti- mozten eta eransten dihardu oraindik ere bizitza sortu nahian. Aldi honetan bere ikerlanengatik sartu zuten eroetxeko mediku bihurtuta agertzen da. Han, mirespen handia dion zirujau baten eta emakume gazte aprendizaren lankidetzarekin, ez du inolako arazorik izango lehengaiak lortzeko, bere lanarekin jarraitu ahal izateko noski. Terence Fisherrek zuzendutako azkeneko pelikula da. El doctor Frankenstein sigue intentándolo. Pese a sus continuos fracasos en la gran cantidad de películas de la Universal y de la Hammer en que sus experimentos no tuvieron éxito y provocaron infinidad de desastres en blanco y negro y en color, el científico creado por Mary Shelley e interpretado aquí una vez más por Peter Cushing sigue cortando y pegando manos, ojos y sobre todo cerebros, siempre la parte más complicada, intentando crear vida. En esta ocasión se ha convertido en el médico del manicomio donde fue ingresado a causa de sus investigaciones. Allí, donde cuenta con la colaboración de un cirujano admirador suyo y una joven aprendiz, no tiene problemas a la hora de encontrar materia prima para proseguir con su trabajo. Última película dirigida por Terence Fisher. Dr. Frankenstein is still trying. Despite his continuously failures in the great number of films released by both Universal and Hammer, in which his experiments never worked, causing an endless stream of black/white and colour disasters, the scientist created by Mary Shelley and here played yet again by Peter Cushing, continues to cut and paste hands, eyes and above all brains, always the most complicated part, in his attempt to create life. On this occasion he has become the doctor of the madhouse to which he was admitted because of his research. Helped by an admiring surgeon and a young apprentice, the establishment is a perfect source of raw material with which to continue his work. The last film directed by Terence Fisher.

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Körkarlen

Berreskuratutako klasikoak Clásicos recuperados Recovered classics

Suecia, 1921 Dirección: Victor Sjöström. Producción: Charles Magnusson. Guión: Victor Sjöström. Fotografía: Julius Jaenzon. Intérpretes: Victor Sjöström, Hilda Borgström, Tore Svennberg, Astrid Holm, Concordia Selander. Duración aproximada: 89 minutos.

Hogeiko hamarkadaren hasieran fantasiazko zinemak benetako urrezko aroa ezagutu zuen Europako iparraldean. Espresionismo alemana aurreneko pausoak ematen ari zen bitartean, adibidez Las tres luces pelikularekin, Suedian Benjamin Christensenek eta Victor Sjöströmek Häxan / La brujería a través de los tiempos edo Körkarlen / La carreta fantasma pelikulak filmatu zituzten, eta Danimarkan Dreyerrek Páginas del libro de Satán aurkeztu zuen. Sjöström da pelikula honen zuzendaria eta protagonista, eta Nobel saria izandako Selma Lagerlöf suediarraren kontakizun batean oinarrituta dago, herrialde horretako idazle ospetsuena eta, besteren artean, El maravilloso viaje de Nils Holgersson a través de Suecia eta Jerusalén nobelen egilea izanik. Legendak dioenez urte bakoitzeko hiltzen den azkeneko gizona, bekatari izan bada, hildakoen arimak bilduz Lurra zeharkatzen duen gurdia gidatzeaz arduratuko da hurrengo hamabi hilabeteetan. Urtezahar gaua da. El cine fantástico conoce una verdadera edad de oro a comienzos de los años veinte en el norte de Europa. Al mismo tiempo que el expresionismo alemán da su primeros pasos con títulos como Las tres luces, en Suecia Benjamin Christensen y Victor Sjöström ruedan películas como Häxan / La brujería a través de los tiempos o Körkarlen / La carreta fantasma, y en Dinamarca Dreyer presenta Páginas del libro de Satán. Sjöström dirige y protagoniza este film basado en un relato de la premio Nobel sueca Selma Lagerlöf, la escritora más célebre del país, autora de, entre otras, las novelas El maravilloso viaje de Nils Holgersson a través de Suecia y Jerusalén. Cuenta la leyenda que el último hombre que muere cada año, si ha sido un pecador, se encargará durante los siguientes doce meses de conducir la carreta que viaja por la Tierra recogiendo las almas de los muertos. Es Nochevieja. Fantasy cinema was enjoying its real golden age in the Northern Europe of the early 20s. While German expressionism was taking its first steps with titles like Der Müde Tod / Destiny, in Sweden Benjamin Christensen and Victor Sjöström were shooting films like Häxan / Witchcraft Through the Ages or Körkarlen / The Phantom Cart and in Denmark Dreyer was presenting Blade af Satans Bog / Leaves from Satan’s Book. Sjöström directs and stars in this movie based on a tale by Swedish Nobel prize-winner Selma Lagerlöf, the country’s most famous writer and author of, among others, The Wonderful Adventures of Nils Holgersson and Jerusalem. It is based on the legend alleging that, if the last man to die each year has sinned, for the coming twelve months. he will have to drive the cart travelling round the world to collect the souls of the deads. It’s New Year’s Eve.

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Berreskuratutako klasikoak Clásicos recuperados Recovered classics

Jigoku

Japón, 1960 Dirección: Nobuo Nakagawa. Producción: Mitsugu Okura (Shintoho). Guión: Ichiro Miyagawa, Nobuo Nakagawa. Fotografía: Mamoru Morita. Música: Michiaki Watanabe. Montaje: Toshio Goto. Intérpretes: Shigeru Amachi, Fumiko Miyata, Torahiko Nakamura, Utako Mitsuya, Yoichi Numata. Duración aproximada: 100 minutos.

Pelikula berritzailea, harrigarria, bere garaiari aurrea hartzen diona, hirurogeiko hamarkadan Japoniako fantasiazko zinemak eman zituen film arraro eta nabarmenetakoa, eta estreinatu zenetik kultuko film bihurtua. Nobuo Nakagawaren lan famatuenetako bat da, Japoniako beldurrezko generoan zinemagile gailenetako batena, garai hartan egin zituen pelikulengatik bereziki gogoratzen zaiona. Jigoku (“Infernua”) da, hain zuzen ere, izenburuak aurreratzen diguna, arimaren infernuetara egindako jaitsiera, gizakia betidanik betetzen duen erru sentimendura, Gaizkiaren erdigunera egindako bidaia, deabruak bizi diren lurrera. Bertan, lakuak odolezkoak dira, eta gizon eta emakumeak beren bekatuengatik zigortzen dituzte. Oinazea eta sufrimendua nagusi den lekua, non imajina zirraragarriak ikusi ahal izango diren, Japoniako zinemaren historian ezohizko lan bihurtu dutenak. Película innovadora, sorprendente, adelantada a su tiempo, uno de los títulos más extraños y extravagantes del cine fantástico japonés de los años sesenta, film de culto desde el momento de su estreno y una de las obras más célebres de Nobuo Nakagawa, uno de los cineastas más importantes del género de terror en el país del sol naciente, especialmente recordado por sus películas de esta época. Jigoku (“Infierno”) es precisamente lo que su título avanza, un descenso a los infiernos del alma, al sentimiento de culpa que embarga al ser humano desde siempre, un viaje al centro del Mal, al territorio donde habitan los demonios, donde los lagos son de sangre y los hombres y mujeres son castigados por sus pecados, un escenario de dolor y sufrimiento donde tienen lugar impactantes imágenes que convierten esta obra en un título insólito dentro de la historia del cine nipón. This groundbreaking, surprising film ahead of its time, was one of the strangest and most extravagant Japanese fantasy movies of the 60s, a cult film from the moment it was released and one of the most famous works by Nobuo Nakagawa, one of the most important horror film-makers of his time. Jigoku (“Hell”) is an exact reflection of its title, the descent into the hell of the soul, the feeling of guilt that has always accompanied the human being, a voyage to the centre of Evil, to the land inhabited by demons, where lakes are filled with blood and men and women are punished for their sins, a setting of pain and suffering featuring shocking images converting this work into an unusual title in the history of Japanese film.

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Ultimátum a la Tierra

Berreskuratutako klasikoak Clásicos recuperados Recovered classics

The Day the Earh Stood Still Estados Unidos, 1951 Dirección: Robert Wise. Producción: Julian Blaustein (20th Century Fox). Guión: Edmund H. North. Fotografía: Leo Tover. Música: Bernard Herrmann. Montaje: William Reynolds. Intérpretes: Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Sam Jaffe, Billy Gray. Duración aproximada: 92 minutos.

50eko hamarkadako zientzia-fikziozko zinemaren klasiko handienetako bat. Robert Wise da kutsu bakezalea duen alegia honen zuzendaria, eta Klaatu da protagonista, robot bat, Gort, lagun duela Lurreratzen den estralurtarra, planeta urdineko herrialdeetako ordezkariei potentzia handiek hasia duten armamentu-karrerak guztiontzat adierazten duen arriskuaz ohartarazteko. Gerra bat amaitu berri da, eta nazioak beste bat prestatzen ari direla dirudi, arma sofistikatuagoak eta suntsitzaileagoak eraikiz. Argi dago zertaz abisatzen duen Klaatuk: eldarnio hori geldiarazten ez badute Lurra suntsituta geratuko da. Film famatu eta asmo oneko honek arma atomikoez, Gerra Hotzaz eta gizakiaren eroaldiez ohartarazi nahi digu. Uno de los grandes clásicos de la ciencia-ficción cinematográfica de los años 50. Robert Wise dirige esta fábula de aliento pacifista protagonizada por Klaatu, un extraterrestre que aterriza en la Tierra acompañado por un robot, Gort, para advertir a los representantes de los países del planeta azul del peligro que supone para todos la carrera armamentística que han iniciado las grandes potencias. Recién acabada una guerra, las naciones parecen prepararse para otra construyendo nuevas armas más sofisticadas y destructivas. La advertencia de Klaatu es clara: o se detiene este frenesí o la Tierra será destruida. Film legendario y bienintencionado que trata de llamar la atención sobre los peligros de las armas atómicas, la Guerra Fría y la locura del ser humano. One of the great science-fiction movie classics of the 50s, Robert Wise directs this fable of pacifist overtones starring Klaatu, an extraterrestrial being who reaps terror on Earth in the company of a robot, Gort, warning representatives of countries on the blue planet of the danger of the weapons race started by the great powers. With the war recently over, it looks like the different nations are getting ready for another one on building new, more sophisticated and destructive weapons. Klaatu’s warning is clear: either the frenzy stops or the Earth will disappear. A legendary, well-intentioned movie attempting to draw attention to the danger of atomic weapons, the Cold War and the madness of the human being.

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Berreskuratutako klasikoak Clásicos recuperados Recovered classics

Attack of the Killer Tomatoes!

Estados Unidos, 1978 Dirección: John De Bello. Producción: Steve Peace, John De Bello. Guión: Costa Dillon, Steve Peace, John De Bello. Fotografía: John K. Culley. Música: Gordon Goodwin, Paul Sundfor. Montaje: John De Bello. Intérpretes: David Miller, George Wilson, Sharon Taylor, J. Stephen Peace, Ernie Meyers. Duración aproximada: 90 minutos.

Aurrekontu urriko beldurrezko pelikula askotan tomate-saltsa erabili izan dute odolaren truke. Jariakin berezi horiek erosteko nahikoa diru ez zutenez, gorri koloreko elementu hori imitatzeko zinean erabili ohi direnak, eta ekoizlearen lehengusuren bati odola ateratzea batere ondo ikusita ez dagoenez eta delitu izan daitekeenez gainera, generoko zuzendari askok bereizi gabe hil dituzte tomateak pantaila odolez blai uzteko. Eta beharbada horrexegatik hartu nahi izan dute mendekua tomateek, eta horrexegatik ekin diote gizakiak ere bereizi gabe hiltzeari. Eta ez bakarrik pelikula honetan, filmak hiru sekuela izan baititu: Return of the Killer Tomatoes (George Clooney pantailan ikusi ahal izan genuen aurrenetako aldia), Killer Tomatoes Strike Back eta Killer Tomatoes Eat France En muchas películas de terror de bajo presupuesto se ha utilizado la salsa de tomate como sustitutivo de la sangre. Como no había dinero para comprar esos fluidos especiales que se utilizan en el cine para simular el rojo elemento y como sacarle la sangre a alguna prima del productor está mal visto e incluso puede constituir delito, muchos directores del género han recurrido al asesinato indiscriminado de tomates para inundar la pantalla de sangre. Quizá sea por ello que los tomates han decidido vengarse y se han lanzado al asesinato también indiscriminado de seres humanos. Y no sólo en esta película, ya que el film conoció tres secuelas: Return of the Killer Tomatoes (una de las primeras apariciones en pantalla de George Clooney), Killer Tomatoes Strike Back y Killer Tomatoes Eat France Heaps of shoestring horror movies have used tomato sauce instead of blood. Given that there was no money to buy the special fluids used in cinema to simulate the red stuff and that it’s frowned upon or could even be considered a crime to siphon blood off the producer’s cousin, many of the genre’s directors have taken recourse to the indiscriminate murder of tomatoes to flood the screen with gore. So maybe that’s why the tomatoes have decided to take their revenge by indiscriminately murdering human beings. And not only in this movie, given that it had three sequels: Return of the Killer Tomatoes (one of George Clooney’s first screen appearances), Killer Tomatoes Strike Back and Killer Tomatoes Eat France

82

Sexo fantastikoa Sexo fantástico Fantastic sex

Apocalipsis vampira

España, 2004 Dirección: Ángel Mora. Producción: Artistic P.C. Guión: Ángel Mora. Fotografía: Eduard Cujo. Música: Santi Cerni. Montaje: Ángel Mora. Intérpretes: Laura Brent, Jorge Fernández, Katryna Romanova, Califa, Héktor García. Duración aproximada: 60 minutos.

Duela hiru urte, Ángel Morak bere ikuspegi sexual berezia ekarri zigun Astera Jasonen mitoari buruz, Viernes 13 XXLn. Orain berriro datorkigu berari gehien gustatzen zaionarekin. Gezurretako odolez eta benetako semenez betetako pelikula, norekin txortan egiten duzun oso seguru egon behar duzula beti gogoraraziz, ez dadin gertatu kosk egin eta hor uzten zaituela ohorea zikinduta. Morak arrakasta handiz duela zortzi urte hasiera eman zion Vampiras sagaren hirugarren zintak ez gaitu axolagabe utziko. Beldurrez ikaratuta utziko gaitu, sexuarekin gozaraziko gaitu eta barre eragingo digu bere umore sen berezi horrekin. Hace tres años, Ángel Mora nos trajo a la Semana su particular visión sexual del mito de Jason en Viernes 13 XXL. Ahora vuelve con lo que más le gusta. Una película llena de sangre de mentiras y semen de verdad en la que nos recuerda que siempre hay que estar bien seguro de con quién pegas un polvo, no vaya a ser que te arree un mordisco y te deje con el honor y las vergüenzas mancillados. La tercera cinta de la saga Vampiras, que Mora inauguró con éxito hace ya ocho años, no nos dejará indiferentes. Nos hará temblar por el miedo, nos hará gozar por el sexo y nos hará reír por su peculiar sentido del humor. Three years ago, Ángel Mora brought the Festival his peculiar sexual view of Jason in Friday the 13th XXL. Now he’s back with what he likes most. A movie gushing with the blood of lies and real semen reminding us that you should always make sure that you know exactly who you’re fucking, just in case they take a bite at you, sullying your honour and nether regions in the doing. The third tape in the Vampiras saga, so successfully released eight years ago, won’t leave us indifferent. It’ll have us shaking in fear, drooling at the sex, and guffawing at its special brand of humour.

84

616 DF: El Diablo Español vs. Las Luchadoras del Este

Sexo fantastikoa Sexo fantástico Fantastic sex

España, 2004 Dirección: Sandra Uve. Producción: Salvador Diago (International Film Grup). Guión: Sandra Uve. Fotografía: Rob Rusel. Música: Strad. Montaje: Miu Q. Intérpretes: Ramón Guevara, Monika Sweetheart, Ian Scott, Jane Darling, Andrea Moranty. Duración aproximada: 70 minutos.

Bi mozorrotu, sexua egiteko ere begitartea erakusten ez dutenak, rock zaleak diren bi neska nabarmen eta emakume talde aseezin bat. El Santo-ren pelikula bat izan liteke, edo Mexikon egindako zinema ausartenarekin gozarazi gaituzten borrokalari horietako edozein, baina 616 DF: El Diablo Español vs. Las Luchadoras del Este film pornoa da. Eta on horietakoa gainera. Sandra Uveren irudimenaren fruitu, Espainiako X zinemaren zuzendaritzan aitzindari, kazetari, komiki marrazkilari, gidoilari eta askoz ere gauza gehiago den horrena. Izan ere, bere irudimen guztia eman du zinta dibertigarri, pop eta ero hau egiten, kolore eta ahalmen handiko sexuaz betea. Prest egon, super-heroiak bueltan baitatoz, eta larrua jotzen gainera. Dos enmascarados que no se quitan la careta ni para practicar el sexo, dos rockeras estrafalarias y una banda de mujeres insaciables. Podría ser una película de El Santo o cualquiera de esos luchadores que nos han hecho disfrutar con el cine más bizarro facturado en México, pero 616 DF: El Diablo Español vs. Las Luchadoras del Este es un porno. Y de los buenos. Fruto de la imaginación de Sandra Uve, pionera de la dirección de cine X en España, periodista, dibujante de cómics, guionista y muchas cosas más, que ha volcado toda su imaginación en una cinta divertida, pop, desmadrada, llena de colorines y potente de sexo. A prepararse bien, porque los superhéroes vuelven, y lo hacen follando. Two masked people who never uncover their faces – not even for sex, two outlandish female rock singers and an insatiable woman’s group. While smacking of movies about “El Santo” or any of the other wrestlers who have had us rubbing our hands in glee in cinema made in Mexico, 616 DF: El Diablo Español vs. Las Luchadoras del Este is pure porn. The good stuff. A product created in the mind of Sandra Uve, pioneer of Spanish X-movie directing, journalist, cartoonist, screenwriter and a lot, lot more, who’s packed her imagination into an entertaining, pop, over-the-top tape with wall-to-wall colour and grinding sex. You’d better be ready, because the superheroes are back – and they’re screwing all the way.

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P3K - Pinocho 3000

Haurrentzako zinema Sesión infantil Children screening

España-Francia-Canadá, 2004 Dirección: Daniel Robichaud. Producción: Julio Fernández (Filmax Animation / CinéGroupe / AnimaKids). Guión: Claude Scasso. Música: James Gelfand. Voces: Carlos Latre, Lucrecia. Duración aproximada: 88 minutos. Contacto: Filmax Tf: 93 336 85 55

Carlo Collodiren haur ipuin klasikoaren bertsioa da eta 3000. urtean garatzen da. Jakina, Pinotxo ez da dagoeneko zurezko panpina, robot bat baizik. Bere sortzailea (eta aita): Gepetto, zientzialari begitazioduna, bide onetik eraman nahian dabil. Bere ametsa: hezur-haragizko haur bihurtzea, noski. Animaziozko zinemaren ekoizpen ikusgarri honek berriro asmatu du Pinotxoren istorioa, oso urruti dagoen etorkizunean girotuz eta pertsonaia berriak barneratuz, esate baterako Spencer erdi pinguinoa erdi robota, Gepettoren eskuineko eskua eta Pinotxoren abenturetan lagun, edo Cyberina maitagarria, robot txikiaren ametsa betetzeko gai den pertsona (edo pertsonaia) bakarra. Versión del clásico cuento infantil de Carlo Collodi que se desarrolla en el año 3000. Obviamente, Pinocho ya no es un muñeco de madera sino un robot. Su creador (y padre): Gepetto, un científico visionario que trata de llevarle por el buen camino. Su sueño: convertirse en un niño de carne y hueso, claro. Espectacular producción animada que reinventa la historia de Pinocho ambientándola en un futuro muy lejano e incorporando a nuevos personajes, como el mitad pingüino mitad robot Spencer, mano derecha de Gepetto y acompañante de Pinocho en sus aventuras, o el hada Cyberina, única persona (o personaje) capaz de cumplir el sueño del pequeño robot. This version of the classic children’s story by Carlo Collodi takes place in the year 3000. Obviously, Pinocchio is not a puppet carved from wood, but rather a robot. Gepetto, his creator (and father), is a visionary scientist who tries to steer him down the right path. His dream, naturally, is to become a real live boy. This spectacular animated production reinvents the story of Pinocchio, setting it in the distant future and introducing a new cast of characters: Spencer, half-penguin, half-robot, Gepetto’s right-hand man and Pinocchio’s comrade in adventure, and a good fairy named Cyberina, the only person (or character) who can make the little robot’s dream come true.

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Haurrentzako zinema Sesión infantil Children screening

Supertramps

España, 2004 Dirección: Iñigo Berasategi y Jose Mari Goenaga. Producción: Dibulitoon Studio, Irusoin. Dirección de animación: Iñigo Berasategi. Guión: Jose Mari Goenaga, Joanes Urkixo. Música: Pascal Gaigne. Duración aproximada: 72 minutos. Contacto: Barton Films Tf: 94 42 40 559 [email protected] Zorte txarra ematearen plantak egiten dituen katu beltza, hortik probetxu ateratzeko, ekialdeko uso zaharra (Seulgo Joko Olinpikoetan jaurti zuten), hegan egiteko gauza ez dena, Karibeko labezomorroa, marakak joz arrakasta izan nahi duena, eta laborategiko arratoi errusiarra, horren ondoriozko arrastoak geratu zaizkiona. Horiek dira istorio honetako protagonisten talde heterogeneoa, gizarteko txiroak, hiriko kaleetan zehar ahal duten bezala bizirik irauten saiatzen direnak, erdeinatuak eta beldur zaienak, eta baztertuak, beste herrialderen batetik etorritakoak izanez gero batik bat. Glup ondoren, Gipuzkoako Irusoin eta Dibulitoon etxeak berriro aritu dira lankidetzan familia guztiari eskainitako pelikula honetan, 3Dko pertsonaiak eta maketa errealak nahasten dituen eta thriller erritmoan mugitzen den honetan. Un gato negro que finge dar mala suerte para obtener beneficios, una anciana paloma oriental (lanzada en los Juegos Olímpicos de Seúl) incapaz de volar, una cucaracha caribeña que quiere triunfar tocando las maracas y una rata de laboratorio rusa con secuelas conforman el heterogéneo grupo de protagonistas de esta historia, desheredados de la sociedad que tratan de sobrevivir como pueden por las calles de la ciudad, despreciados y temidos, especialmente marginados si provienen de otros países. Después de Glup las empresas guipuzcoanas Irusoin y Dibulitoon repiten colaboración en esta película para toda la familia que mezcla personajes en 3D y maquetas reales y que se mueve a ritmo de thriller. A black cat turning the pretence of bringing bad luck to his advantage, an ancient oriental pigeon (set free at the Olympic Games in Seoul) that can’t fly, a Caribbean cockroach trying to make a name for itself playing the maracas and a scarred Russian laboratory rat form a mixed pack of heroes, the outcast of society trying to get by as they can in the city streets, scorned and feared, even more rejected if they come from other countries. Following Glup, the companies from Gipuzkoa Irusoin and Dibulitoon collaborate once again on this family film mixing 3D characters with real models and thriller overtones.

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I. Komiki Jardunaldiak I Jornadas del Cómic Ist Comic-book encounters

Las mil y una sonrisas de Enrique Ventura ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

Enrique Ventura (Madril, 1946) egile handienetako bat da munduan diren umorezko historieta egileen artean. Maisulan batzuk egin ditu Miguel Ángel Nieto gidoilari ahaztezinarekin batera, adibidez Maremagnum, Sonrisas mitikoa edo Grouñidos en el desierto zoragarria. Esperimentazio lanean aritua da gainera, aurkikuntza plastikoak eta narratiboak bat eginez, betiere irudimen, argitasun, samurtasun eta kutsu poetiko handiko umorea erakutsiz. Marrazkilari eta ilustratzaile bikain honek komiki lehiaketa nagusiak irabazi izan ditu, eta bere jarduera joriaren erakusgarri ditugu animazioaren eta zinemaren munduan (El caballero del dragón-erako diseinuak) egin dituen lanak, eta nobelagile gisa edo, orain, eguneroko prentsan bere umorea argitara emanez. Aipatu beharra dago El jueves aldizkarirako kolaborazioekin jarraitzen duela baita ere.

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Enrique Ventura (Madrid, 1946) es uno de los nombres fundamentales de la historieta mundial de humor, autor, con el recordado guionista Miguel Ángel Nieto, de obras maestras como Maremagnum, la mítica Sonrisas o la inolvidable Grouñidos en el desierto, experimentando en la fusión de innovadores hallazgos plásticos y narrativos con el humor mas imaginativo, ingenioso y a la vez tierno y poético. Excelente dibujante e ilustrador, galardonado en los principales certámenes de cómic, da muestras de su polifacética carrera irrumpiendo también en el campo de la animación y en el del cine (diseños para El caballero del dragón), firmando como novelista o, actualmente, plasmando con éxito su humor en la prensa diaria mientras prosigue sus colaboraciones para la revista El jueves.

Enrique Ventura (Madrid, 1946) an essential name throughout the world of humorous comic strips, author, with remembered screenwriter Miguel Ángel Nieto, of masterpieces like Maremagnum, the mythical Sonrisas or the unforgettable Grouñidos en el desierto, experimenting in the mixture of groundbreaking plastic and narrative discoveries with the most imaginative, ingenious, tender and poetic humour. Excellent cartoonist and illustrator, award winner at the principal comic competitions, he also demonstrates the versatility of his career on breaking into the fields of animation and film (designs for El caballero del dragón-The Knight of the Dragon), signing as a novelist, or, currently, successfully printing his humour in the daily press while he continues to collaborate with the magazine El jueves.

Sergio Bleda: Pesadillas y ensoñaciones

I. Komiki Jardunaldiak I Jornadas del Cómic Ist Comic-book encounters

ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

Sergio Bleda (Albacete, 1974) laurogeita hamarreko hamarkadan sortu ziren historieta egile onenen artean dago publikoaren eta kritikaren iritziz. Fantasiazko eta beldurrezko unibertso arrakastatsuen diseinugile gisa nabarmentzeaz gain, ilustratzaile zoragarria, narratzaile trebea eta sortzaile joria da. Izan ere, istorio zorabiagarriak sortu ditu ikusmenarentzat erabat pizgarria den edertasun handiko eta kolore biziko erritmo zinematografikoaz. Bere obra kronologikoki eta sakontasunez aztertuko dugu erabat ezezagunak diren jatorrizko lan ugari ikusgai jarriz. Izan ere, Espainian lehen aldiz ikusi ahal izango ditugu. Era berean, sail berezi bat eskainiko diogu El baile del vampiro-ri, baita zinemarako egin dituen storyboard sorta bati ere.

Sergio Bleda (Albacete, 1974) está considerado por gran parte del público y crítica como uno de los mejores historietistas surgidos en la década de los noventa, destacando no solamente como diseñador de exitosos universos fantásticos y terroríficos sino también como un fascinante ilustrador, un hábil narrador y un fértil creador de vertiginosas historias, a las que imprime un ritmo cinematográfico de gran belleza, colorido y fuerza visual.

Sergio Bleda (Albacete, 1974) is considered by a large part of the public and critics as one of the best cartoonists to have made their appearance in the 90s, outstanding not only as a designer of successful fantasy and horror universes, but also as a fascinating illustrator, skilled narrator and fertile creator of vertiginous stories onto which he impresses an extremely beautiful and colourful cinematographic rhythm of great visual force.

Revisaremos cronológica y extensamente su obra a través de sus originales, muchos de ellos totalmente inéditos y expuestos por vez primera en España. Habrá asimismo un apartado especial dedicado a El baile del vampiro, así como una selección de los storyboards cinematográficos en los que ha trabajado.

We take an in-depth, chronological look at his work with often completely unpublished originals exhibited for the first time in Spain. There will also be a special section dedicated to El baile del vampiro, plus a selection of his film storyboards.

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I. Komiki Jardunaldiak I Jornadas del Cómic Ist Comic-book encounters

José Luis Macías: Ilustrando el futuro ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

José Luis Macías (Jaén, 1929) Espainiako zientzia-fikzioaren ilustratzaile famatuena eta eragin handikoena da. Berrogeita hamarreko hamarkadan eta hirurogeikoan bildumetarako egin zituen azalak goraipatu eta errebindikatu izan dituzte beti, adibidez Luchadores del espacio-rako, mugarik gabeko fantasia erakutsiz. Izan ere, gure herrialdean, generoaren ikonoetako bat da gaur egun. Pintore entzutetsu eta komiki marrazkilari zoragarri honek irudiz hornitu ditu hogei herrialdetan baino gehiagotan argitaratu dituzten idazle klasikoen eta haur literaturako lanak. Erakusketa honetan, Espainiako tebeo klasikoan egin duen ibilbide laburra bezain bikaina gogora ekarriko dugu, adibidez Zhar el justiciero, Gary Cooper edo Ayax el Griego komiki aipagarrietan.

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José Luis Macías (Jaén, 1929) es el ilustrador más famoso e influyente de la ciencia-ficción española, aplaudido y reivindicado por sus imaginativas portadas para colecciones como Luchadores del espacio en las décadas de los cincuenta y sesenta, dotadas de una fantasía ilimitada y pasando a formar parte de la iconografía del género en nuestro país. Además de reconocido pintor y admirable dibujante de cómics, ha ilustrado un sinfín de clásicos literarios y cuentos infantiles publicados en más de veinte países. En esta exposición recordaremos también su corta pero intensa trayectoria en el terreno del tebeo clásico español, con relevantes títulos como Zhar el justiciero, Gary Cooper o Ayax el Griego.

José Luis Macías (Jaén, 1929) is the most famous and influential illustrator of Spanish science-fiction, acclaimed and endorsed for his imaginative covers of collections like Luchadores del espacio in the fifties and sixties, endowed with unlimited fantasy, who later went on to form part of our country’s genre iconography. In addition to being a recognized artist and admirable cartoonist, he has illustrated a never-ending number of literary classics and children’s books published in over twenty countries. In this exhibition we will also remember his short but intense incursion into the field of classic Spanish comics, with important titles including Zhar el justiciero, Gary Cooper or Ayax el Griego.

Antología del cómic español de ciencia-ficción

I. Komiki Jardunaldiak I Jornadas del Cómic Ist Comic-book encounters

ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

Erakusketa zabal honetan Espainiako tebeoaren arloan zientzia-fikzioa eta fantasia islatu izan diren modua ezagutzeko aukera izango dugu pertsonaia mitikoak gogora ekarriz, adibidez Diego Valor, Galax el cosmonauta, Dani Futuro edo Súper López, baita sail adierazgarrienak ere dagozkien azal eta historieta famatuenen bidez. XIX. mendearen bukaerako auketatik hasi eta titulu berrietaraino, funtsezkoak diren argitalpenak ikusi ahal izango ditugu berriro, adibidez Chicos, 1984, Luchadores del espacio edo Cinco por infinito. Gainera, fantasiazko generoan umorea, emakumea, literatura eta erotismoa aditzera eman diren modua aztertuko dugu beste hainbat gairen artean. Baina, betiere, gure herrialdean genero honetan izan diren egile handiei sail bat eskainiz.

En esta amplia muestra conoceremos cómo se han plasmado la ciencia-ficción y la fantasía en el ámbito del tebeo español, recordando a míticos personajes como Diego Valor, Galax el cosmonauta, Dani Futuro o Súper López, y las series más representativas a través de sus portadas e historietas más relevantes.

This extensive exhibition will show us how science fiction and fantasy have taken shape in the Spanish comic, recalling mythical characters like Diego Valor, Galax the Cosmonaut, Dani Futuro or Súper López, and the most representative series via his most important covers and comic strips.

Desde las aucas de finales del siglo XIX hasta los títulos mas actuales, reviviremos publicaciones tan fundamentales como Chicos, 1984, Luchadores del espacio o Cinco por infinito, revisando cómo se han retratado en el Fantástico el humor, la mujer, la literatura o el erotismo entre otros muchos temas, sin olvidarnos de dedicar un apartado a los grandes autores del género en nuestro país.

From the late 19th Century Aucas until the most recent titles, we will relive publications as essential as Chicos, 1984, Luchadores del espacio or Cinco por infinito, revising the portrayal in fantasy of humour, women, literature or eroticism among many others, not forgetting to dedicate a section to our country’s great authors of the genre.

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Beste ekintzak Otras actividades Other activities

Gabe Bartalos ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

Gabe Bartalos estatubatuarra ia bi hamarkada daramatza makillajearen efektu berezietan lanean. Frank Henenlotterrekin aritu zen elkarlanean Frankenhooker-en eta Basket Case-ren bigarren eta hirugarren emanaldietan, baita La noche del duende (Leprechaun) eta dagozkion bost sekueletan ere. Gainera, Little Witches, Slaughter of the Innocents eta The Creeps pelikuletan lan egin du. Duela gutxi Matthew Barney artista eta zinegilearekin lanean aritu da The Cremaster Cycle multimedia proiektuan. 2002an estreinatu zen zuzendari gisa Skinned Deep film luzearekin.

El estadounidense Gabe Bartalos lleva casi dos décadas trabajando en el terreno de los efectos especiales de maquillaje. Colaboró con Frank Henenlotter en Frankenhooker y la segunda y tercera entregas de Basket Case y realizó efectos y esculturas para La noche del duende (Leprechaun) y sus cinco secuelas. También ha participado en títulos como Little Witches, Slaughter of the Innocents o The Creeps. Recientemente ha colaborado con el artista y cineasta Matthew Barney en el proyecto multimedia The Cremaster Cycle. En 2002 debuta en la dirección de largometrajes con Skinned Deep.

The North American Gabe Bartalos has been working for almost two decades in the field of special effects makeup. He worked with Frank Henenlotter on Frankenhooker and the second and third instalments of Basket Case, also making effects and sculptures for Leprechaun and its five sequels. He has moreover participated with the artist on titles like Little Witches, Slaughter of the Innocents or The Creeps. He recently collaborated with the artist and filmmaker Matthew Barney on the multimedia project The Cremaster Cycle. In 2002 he made his feature directorial debut with Skinned Deep.

Eskulturen, argazkien eta pelikuletako irudien bidez aztertuko dugu Gabe Bartalosen jarduna, azken urteotan Iparramerikako beldurrezko zinemaren irudi zirraragarri eta ahaztezinen sortzaile dela kontuan izanik.

Esculturas, fotografías e imágenes de las películas conforman este recorrido por la carrera de Gabe Bartalos, creador de algunas de las figuras más impactantes y recordadas del cine de terror norteamericano de los últimos años.

Sculptures, photographs and film images feature in this look at the career of Gabe Bartalos, creator of some of the most impressive and remembered figures of recent North American horror films.

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Antonio Graell: En la frontera ERAKUSKETA - EXPOSICIÓN - EXHIBITION

Antonio Graell (Madril, 1962) sadomasokismoaren munduan barrena sartu da argazki sorta honen bidez. Esperimentazio pertsonal gisa hasitakoa zuri-beltzeko argazki hauen erakusketa publiko bihurtu da erotismoaren alderdi hau errebindikatzeko, sexualitatearen osagai bat gehiago den aldetik, ordea. Elkar onartzea, gozamena eta bi sexuetatik bat ere nagusitzen ez dela aditzera ematen duten irudiak sail osoan zehar errepikatzen den konstantea direla esan daiteke.

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Antonio Graell (Madrid, 1962) se adentra en esta serie de fotografías en el mundo del sadomasoquismo. Lo que se inició como una experimentación personal se convierte con el paso del tiempo en una exposición pública de estas fotografías en blanco y negro que reivindican esta vertiente del erotismo, entendida como una parte más de la sexualidad, mediante unas imágenes en las que el mutuo consentimiento, el disfrute y la ausencia de preeminencia de ninguno de los dos sexos pueden considerarse como constantes que se repiten a lo largo de toda la serie.

Antonio Graell (Madrid, 1962) takes a look in these photographs at the world of sadomasochism. What started out as a personal experiment turned with the passing of time into a public exhibition of these black and white photographs advocating this manner of eroticism, understood as another form of sexuality, via a series of images in which mutual consent, enjoyment and the absence of superiority of either sex can be considered as constants repeated throughout the entire series.

Les tambeurs de feu Deabru Beltzak

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ANTZERKIA - TEATRO - PERFORMANCE

Aker, akelarreko deabrua, noraezean dabil kaleetan zehar. Bera eta bere atzetik segizioan doazen perkusionistak herrietatik eta hirietatik dabiltza. Zuzeneko musikaz, pirotekniaz eta sekulako efektu bereziez osatutako ikuskizuna. Esku bat danborraren gainean dutela eta bestea probokazioan, halaxe sortu da Deabru Beltzak-en proposamen berria. Danborrak dardarka, kaleak piztuta. Deabru Beltzak, Kaleko Antzerkia, 1996an sortu zuten Euskal Herriko talde profesional desberdinetako aktoreek eta aktoresek. Harrez geroztik 6 muntaia, 600 emanaldi baino gehiago, eskariz egindako 23 ikuskizun, hirietako jaietako 12 zuzendaritza-lan egin dituzte eta mundu guztiko hamar antzerki talde baino gehiagorekin aritu dira elkarlanean.

Aker, el diablo del aquelarre, deambula por las calles. Él y su séquito de percusionistas recorren pueblos y ciudades. Un espectáculo de música en directo, pirotecnia y grandes efectos especiales. Con una mano en un tambor y la otra en la provocación, surge la nueva propuesta de Deabru Beltzak. Los tambores vibran, las calles se iluminan.

Aker, the devil, has left the coven to wander the streets with his entourage of percussionists, travelling through towns and cities with their live music extravaganza, fireworks and spectacular special effects. Deabru Beltzak’s latest proposal has one hand on the drum while the other stirs up toil and trouble. The drums beat, the streets come alight.

Deabru Beltzak, Teatro de Calle, nace en 1996 de la mano de actores y actrices de diferentes grupos profesionales del País Vasco.

Deabru Beltzak, Street Theatre, was brought to life in 1996 by actors and actresses from various professional groups in the Basque Country.

Desde entonces han realizado 6 montajes, más de 600 representaciones, 23 eventos de encargo, 12 direcciones de fiestas urbanas y han colaborado con más de una decena de compañías teatrales de todo el mundo.

Since then they have produced 6 shows, given over 600 performances, been commissioned to organize 23 events and 12 city parties, and have collaborated with around a dozen theatre companies from all over the world.

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Youcs ANTZERKIA - TEATRO - PERFORMANCE

G.R.A.A.L.L. (Groupement Rural d’Action Artistique de Libération Ludique). Planeta gehiegi berotu da eta egoera horretatik ihesi, hiru Youcek, emaitza onik ekarriko duenik ziurra ez izan arren yac eta Yeti gurutzatzetik sortutako izaki mitikoek, beren artzain Yuocmynsen begirada arretatsua gainean dutela, etenaldi bat egin dute Yuoclund mesetatik abiatuta (Txina eta Mongolia arteko mugan) egiten ari diren bidaia luzean. Gure munduarekin elkartu nahian dabiltzan nomadak gure begi dibertigarrien azpitik barneratu dira: beren jokoek, dantzek, jolasek, erritoek, umorez eta samurtasunez aditzera ematen dizkigute bizitzeko duten filosofia eta metodoa. Jantzien itxura ikusgarri eta errealistatik eta makuluen gainean ibiltzearen emaitza fisikotik harantz, Youcs lanaren asmoa hauxe da, unibertso armoniatsua sortzea eta poza eragitea.

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G.R.A.A.L.L. (Groupement Rural d’Action Artistique de Libération Ludique). Huyendo del recalentamiento planetario, tres Youcs, criaturas míticas resultantes del cruce improbable de un yac y el Yeti, bajo la atenta vigilancia de su pastor Yuocmyns, hacen un alto en su largo viaje desde la meseta del Yuoclund (frontera entre China y Mongolia).

G.R.A.A.L.L. (Groupement Rural d’Action Artistique de Libération Ludique). Attempting to escape from global warming, three Youcs, mythical creatures born from the unlikely crossbreeding of yaks and Yetis, closely watched over by their shepherd Yuocmyns, take a break on their long trip from the Yuoclund plateau (on the border between China and Mongolia).

Nómadas al encuentro de nuestro mundo, se adentran bajo nuestros ojos divertidos: sus juegos, sus danzas, sus jugueteos, sus ritos, nos revelan con humor y ternura su filosofía y su método de vida.

We look on with amusement as these nomads coming to discover our world bring us their games, their dances, their playfulness and their rites, portraying with humour and tenderness their philosophy and way of life.

Más allá del aspecto espectacular y realista de los trajes y del resultado físico sobre zancos, Youcs pretende crear un universo armonioso y producir alegría.

More than their spectacular, realistic outfits and their impressive height from atop long stilts, Youcs aims to create a harmonious universe bringing a smile to everyone’s face.

Estatua humana Lucifer

Beste ekintzak Otras actividades Other activities

ANTZERKIA - TEATRO - PERFORMANCE

Maltzurra gure hirira dator Beldurrezko Astean. Giza estatua bihurtuta, Donostiara bertaratuko da kaleak girotzeko eta hiritarrei laster gertatuko denaz ohartarazteko.

El Maligno visita nuestra ciudad durante la Semana de Terror. Convertido en una estatua humana, acudirá a las calles de San Sebastián para ambientarlas y advertir a los ciudadanos de lo que se avecina.

The devil will be on a visit to our city during the Horror Festival. Adopting the form of a human statue, he will take to the streets of San Sebastián, bringing them alive and warning passers-by of things to come.

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Beste ekintzak Otras actividades Other activities

Aurten Fanzine Topaketa honen zortzigarren edizioa izango da, urteak aurrera joan ahala Astean klasiko bihurtzen hasia. Parte hartzen duen fanzine bakoitzak zenbaki berezi bat prestatuko du, Antzoki Zaharraren testuinguruan aurkeztuko duena.

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VIII. FANZINE TOPAKETA VIII ENCUENTRO DE FANZINES 8th FANZINE MEETING

Este año se celebrará la octava edición de este Encuentro de Fanzines que, con el tiempo, ha ido convirtiéndose en un clásico de la Semana. Cada uno de los fanzines participantes preparará un número especial que presentará en el marco del Teatro Principal.

This year will see the 8th Fanzine Meeting, an event which has turned over the years into a classic at the Festival. Each of the participating fanzines will prepare a special number for its presentation at the Principal Theatre.