FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN

Foto: Isabel Permuy

MARTES 24 DE NOVIEMBRE DE 2009 Nº. 6

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CICLOS

FATIH AKIN

SOLINO Alemania, 2002, 124 min. Por Elena Duque Viña El Fatih Akin de Solino se puede equiparar a un artesano. Un director de oficio que es capaz de rodar con corrección y dignidad, con el amor por el trabajo bien hecho. Pero incluso los artesanos, aunque lo suyo no sea marcar hitos en la posteridad, siempre ponen una parte de sí mismos en sus creaciones. En este caso, la labor de Akin empieza después de la escritura del guión, que esta vez no está firmado por él sino por Ruth Toma. Del guión dice Akin una frase más que cautivadora: “me enamoré del guión como de una chica con un vestido bonito”. Y como a una chica con un vestido bonito, Akin sedujo a esta historia y la hizo suya. Porque aunque en Solino se hable de inmigrantes italianos y no de turcos, y Akin no sepa italiano ni tenga ningún vínculo con esta nación es, al fin y al cabo, una película sobre esos exiliados voluntarios que son los emigrantes. Y encima contada por los de segunda generación, los hijos de una pareja italiana, Gigi y Giancarlo, que se trasladan a Alemania aún siendo niños y, como el mismo Akin, acaban por no ser italianos ni tampoco alemanes. Y, por añadidura, también habla de la pasión juvenil por el cine, sentimiento que habrá experimentado cualquier cineasta vocacional, y por conseguir plasmarse a sí mismo por ese medio.

ALEKSEI BALABANOV

JÓVENES ENTREGADOS AL HEDONISMO Solino es el nombre de la pizzería familiar, la primera de Ruhr, que abre la pareja de italianos para poder sobrevivir en su nuevo país. El nombre de la pizzería es una evocación del soleado pueblo que dejaron atrás, un pedazo de la sensualidad italiana en medio de las severas y grises calles de esta localidad alemana. Gigi y Giancarlo pasan, a lo largo de Solino, de ser unos niños intentando hacerse a su nuevo lugar, a ser unos completos jóvenes alemanes entregados al hedonismo en unos 70 que bailan al son de Can (cuyo disco Ege Bamyasi, por cierto, lleva el nombre de un plato turco) y alucinan con drogas surtidas. Un salto cultural difícilmente asimilable por la familia, no sólo por la diferencia entre generaciones sino por el abismo cultural. Y esto se acabará por hacer patente en la familia. La inmigración hace mella en cada uno de una forma diferente, y al final, por mucho que se esté entre dos tierras, cada quien deberá elegir con cual quedarse. Y en medio de toda esta vorágine, la pasión de Gigi por el cine y su correspondencia con la vida y viceversa, viene siendo un poco el motor de Solino. Porque, al final, lo que cuenta son las historias, y aunque esta película tenga más afinidad formal con Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) que con Corto y con Filo (Fatih Akin, 1997), el corazón de lo que expresa le sigue perteneciendo a quien dirige la historia. Es así como se hace una película sincera. Hoy, a las 20.00 horas, en Cines Centro Sala 4. Repite mañana, a las 20.00 horas, en Yelmo 7.

BROTHER Rusia, 1997, 96 min. La vida en la Rusia post-soviética contada a través de una historia de gángsters. El crimen organizado era, es, un problema de enormes proporciones en el país, afectando a gran parte de los estratos más pudientes de la sociedad, ricos precisamente gracias a la explotación del capitalismo corrupto que se fue implantando sobre las antiguas estructuras soviéticas en la década de los 90. A años luz de la nostalgia, Balabanov, como muchos otros artistas rusos, cae hechizado por este nuevo mundo de crimen, drogas, nihilismo y rock’n’roll, hedonista e insensible, con un enorme potencial para retratar la sociedad en la que se cría. Necesaria materia de celuloide.

batalla de Chechenia. Cuando no está ocupado asesinando, se comporta como cualquier joven ruso de su edad: escucha rock’n’roll nacional en un típico walkman Sony, tiene su “camello” de confianza y acude a fiestas en las que corre copiosamente el vodka y la droga. Balabanov se sumergió en el mundo de las películas de serie B americanas y realizó una cinta que pudiera competir con ellas en su propio terreno. Pero Brother es mucho más inteligente que sus modelos yankis.

No hay otra manera de sobrevivir

Danila (Sergei Bodrov Jr.) acaba de llegar a San Petersburgo a visitar a su hermano Viktor (Victor Sohurukov), un asesino a sueldo independiente. Danila, recién terminado el servicio militar, está en el paro. Sin fanfarrias, Viktor va arrastrando a su hermano hacia los negocios de familia. Éste, cara de niño, carácter naturalmente dulce, se revela como una tremenda máquina de matar.

El espectador se identifica con el protagonista, que ha soltado todas sus amarras morales, precisamente porque el resto de la sociedad las ha cortado también. No hay otra manera de sobrevivir. Danila se deja absorber por la jungla, pero, a la vez, intenta preservar su propia integridad. Más que cualquier otro asesino profesional en la historia del cine, Danila recuerda al samurai Toshiro Mifune interpretando a Yojimbo o Sanjuro: justiciero que se alquila a bandas criminales que siembran el pánico en sus zonas, pero que termina acabando con estos tiranos del crimen uno después del otro y reestableciendo la paz.

No alardea de ello en ningún momento, pero es evidente que el joven Danila se ha convertido en un experto en los campos de

Hoy a las 22.15 horas, en Cines Centro Sala 1. Repite mañana, a las 20.00 horas, en Yelmo 6.

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CICLOS

Harmony Korine

JULIEN DONKEYBOY Estados Unidos, 1999, 101 min. Por Alejandro Díaz Castaño Después de Gummo, el segundo largometraje de Korine presenta la historia de Julien (Ewen Bremner), un adolescente con problemas psicológicos, que vive acompañado de su hermana Pearl (Chlöe Sevigny), que se encuentra embarazada sin que esté claro quién es el padre de la criatura que espera, y de su hermano pequeño Chris (Evan Neumann), obsesionado en convertirse en un luchador profesional. A falta de una figura materna, y dejando a un lado a la abuela (interpretada por Joyce Korine, abuela real del cineast,a en cuya casa neoyorkina se rodó parte del film), la cabeza de familia está ocupada en solitario por el padre de los chicos, personaje a quien da vida Werner Herzog. Sobre la participación del cineasta alemán, declarado fan de Korine (y viceversa), como intérprete en Julien DonkeyBoy, Harmony explica: “Escribí el papel con él en mente. No quería ensayar. Él sabía lo que su personaje iba a decir y hacer: ‘Nada de ensayos’. Hay mucho de él mismo ahí, ya que este rol está basado en personajes que le rodeaban cuando era pequeño”. La película, que capta mediante una cámara nerviosa los brumosos contornos de una Norteamérica moralmente en decadencia, al borde mismo de la devastación, muestra a una serie de personajes que se sitúan en las antípodas de la imagen tradicional de la familia entendida como bloque compacto y equilibrado. Ante las acusaciones de falta de respeto a los personajes discapacitados como el de Julien (tema que también hizo correr ríos de tinta cuando se estrenó Gummo), Korine se defiende así: “Si el retraso mental

es convertido en algo romántico, adorable o excéntrico, como en Rain man, para mí es mucho más ofensivo. Si hay un personaje sin brazos ni piernas, quiero ver a una persona sin brazos ni piernas, no a Dustin Hoffman careciendo de brazos y piernas durante dos semanas y con la gente diciéndole: ‘gran interpretación’”.

EL CERTIFICADO DOGMA Julien Donkey-Boy también es conocida con el sobrenombre de Dogme #6, pues obtuvo el certificado oficial del movimiento fílmico de origen danés fundado en 1995 (según parece, durante una borrachera especialmente clarividente) por Lars von Trier y Thomas Vinterberg, autores de los dos primeros largometrajes presentados bajo las normas del famoso manifiesto. Debido a uno de esos preceptos, el nombre de Korine no aparece en los títulos de crédito precedido del habitual “directed by”. En todo caso, cabe apuntar que no es presumible que el director estadounidense haya realizado concesiones o alterado su forma de entender el cine. Antes bien, da la impresión de que son los mandatos del decálogo los que se ajustan como un guante a su manera de rodar, de modo que seguramente el resultado final hubiese sido exactamente el mismo de no haber formado parte de dicha corriente cinematográfica. En todo caso, se trataría de una de las películas más personales y profundas de cuantas obtuvieron el dichoso certificado. (Declaraciones extraídas de una entrevista fechada en 1999, realizada por Gerald Peary y disponible en la web oficial de Korine). Hoy, a las 19.45 horas, en Cines Centro Sala 5. Repite mañana, a las 17.00 horas, en la misma sala.

TRASH HUMPERS Reino Unido/Estados Unidos, 2009, 78 min. Por Carlos Losilla

el cráneo de una muñeca?, ¿desean asistir a extrañas ceremonias en la oscuridad, de calles inhóspitas o interiores desolados, donde se realizan misteriosos rituales escatológicos? Si es así, Trash Humpers es su película.

El otro día hablábamos de Michel Gondry y aludíamos a Rebobine, por favor, una elegía por el VHS que acaba convirtiéndose en una evocación melancólica del poder del cine. Y ustedes me dirán: ¿a cuento de qué traer a colación ahora esa película para hablar de Trash Humpers, el último trabajo de Harmony Korine, quizá el cineasta menos melancólico de la historia del cine? Pues miren por dónde algo tienen que ver, aunque sea por inversión, ya que también Korine recurre al vídeo para grabar las imágenes de su película, una serie de viñetas repulsivas expuestas a modo de fotografías en movimiento sobre una tierra mítica convertida en basurero de las fantasías menos agradables que imaginarse pueda.

Si no, vayan igualmente a verla, pues descubrirán algo muy importante para entender el mito del cine americano. Por supuesto, aquí ya no se trata de Hollywood y el glamour. Tampoco del cine independiente y cierta poética del perdedor y la América profunda, instigada por el recuerdo de las fotos de Walker Evans y la literatura de Raymond Carver. Y, sin embargo, también hay romanticismo en las imágenes de Korine. Un romanticismo negro, muy negro. Un romanticismo que a veces nos hace fruncir el ceño y preguntarnos qué narices estamos viendo. Pero igualmente un romanticismo de verdad, de patada en el estómago y codazo en el pecho, de rechazo visceral de una realidad transmutada en delirio pesadillesco.

Quienes conozcan la filmografia anterior de Korine --ampliamente divulgada por este festival y que este año se puede ver al completo— ya sabrán de qué va la cosa. Quienes no tengan ese privilegio, que vean Trash Humpers y después hablamos.

Estamos en el abismo, y la América de Korine aparece instalada en el corazón de ese precipicio hacia la nada. Una nada que es su película, arte conceptual en estado puro, pero también una advertencia: ésos son frikis de verdad y los demás sólo aficionados.

EL MITO DEL CINE AMERICANO ¿Se imaginan a unos tipos con máscaras que parecen salidas de La matanza de Texas intentando follar con un contenedor?, ¿quieren ver a un niño de corta edad, vestido de tonto del pueblo, destrozando a martillazos

Hoy, a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 4, para prensa y acreditados. Repite el viernes, 27, a las 22.15 horas, en Cines Centro Sala 2, con encuentro con el director, y el sábado, 28, a las 22.30 horas, en Yelmo 6.

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Edición 2009

LAS RUEDAS

“INTENTO ROMPER LAS ETIQUETAS Y POTENCIAR EL LADO SUBVERSIVO”

“MI CINE NO VA DIRIGIDO A UN TIPO CONCRETO DE ESPECTADOR”

VIMUKTHI JAYASUNDARA ALAIN GUIRAUDIE Por Alejandro Díaz Castaño Le roi de l’evasion, la última película del cineasta francés Alain Guiraudie, es una reflexión en clave de humor sobre las relaciones sentimentales y amorosas en el contexto contemporáneo. Además, su tratamiento de la experiencia sexual no hace distinciones entre la homosexualidad y la heterosexualidad. “Me encanta mezclar las cosas, buscar lo transgresivo. Me molesta que las cuestiones amorosas se traten siempre en el cine como algo grave y serio”. Por otra parte, Guiraudie realizó una encendida defensa del género fílmico en el que se inscribe su propuesta, el cual cree injustamente devaluado en la mayoría de las consideraciones críticas. “La comedia es considerada muchas veces como un subgénero. Quiero luchar contra eso. Hay muy poca comedia en los festivales. En Cannes, por ejemplo, mucha gente se alegró cuando vio mi película porque no suele ser habitual que programen productos así”. El personaje central del film es un cuarentón homosexual llamado Armand que comienza una relación amoroso-sexual con una chica de dieciséis años llamada Curly. El papel principal corre a cargo de Ludovic Berthillot, un actor que, como el propio director reconoció, se pasa buena parte del metraje

correteando en calzoncillos. “No elegí al intérprete de Armand por su talla o forma, porque inicialmente había pensado en alguien de mi propia complexión física. Pero, al final, Ludovic se impuso en el casting porque tiene algo que se te mete muy dentro. Tampoco elegí a la actriz para el papel de Curly porque fuese árabe”. Según Guiraudie, Le roi de l’evasion es una película que intenta desmarcarse de los cánones de belleza impuestos en la sociedad occidental. “Estoy harto de que la sexualidad siempre tenga que implicar a jóvenes guapos que no tienen demasiados problemas, a una burguesía limpita y que sigue las normas. Prefiero mostrar ese mundo rural con cuerpos que no son tan perfectos. Intento romper las etiquetas sobre las que funciona el mundo y potenciar el lado subversivo.” El cineasta, que llegó a calificar su película como “un film anti-Sarkozysta”, se mostró muy abierto a la reflexión, exactamente igual que las imágenes de su película. Justo antes de finalizar el film, uno de los personajes declama un monólogo que, en opinión del cineasta, se encuentra en el corazón de su obra. “Pienso que el monólogo final es la razón de ser de la película y resume la problemática del héroe. ¿Quiero sólo follar para gozar, el puro placer físico, o busco algo más? Es un signo de los tiempos: Queremos gozar de todo, y yo creo que es necesario cuestionar la búsqueda del gozo por el gozo.”

Por Alejandro Díaz Castaño El director originario de Sri Lanka, Vimukthi Jayasundara, llegó a Gijón con su segunda película como realizador, Between Two World, presentada en la pasada Mostra de Venecia y dotada de una fascinante factura visual y un lenguaje fílmico deliberadamente apartado de los cánones del cine convencional.

LO LITERARIO Y EL CINE “Me interesa liberar al cine de la literatura, de los cánones clásicos del planteamiento, nudo y desenlace, y acudir a otras disciplinas artísticas, como la música o la pintura”. El film, que carece de una estructura narrativa reconocible en el imaginario del espectador occidental, no fue escrito por Jayasundara a la hora de concebirlo, sino sólo como un trámite necesario para poder presentar el proyecto y lograr su financiación. “No quiero escribir las películas, porque considero eso una limitación. Prefiero pensarlas. De hecho, ahora estoy pensando en mi próximo film”.

SÍMBOLOS Una de las secuencias más fascinantes de Between Two Worlds muestra cómo una mujer emplea la leche de uno de sus pechos para limpiar el ojo de un hombre. “Es una creencia en Sri Lanka que tiene cientos de años pero, a la vez, también es una metáfora de nuestra visión

actual como espectadores, y también sobre el amor”. En cuanto a la utilización de símbolos visuales, Jayasundara considera que “llegarán más fácilmente al público de Sri Lanka, aunque intento ofrecer una aproximación que todo el mundo pueda comprender”.

LA TRADICIÓN ORAL Entre los aspectos más refrescantes del film está el modo en que rebusca en las leyendas e historias tradicionales del país asiático para renovarlas y acercarlas al espectador contemporáneo. “Me interesa la gente que sigue la tradición oral. Un ejemplo de esto lo encontramos en el budismo, que aunque se apoya en un texto muy fuerte, también solía transmitirse de manera hablada”.

UN CINE CRÍTICO “Mi cine no va dirigido a un tipo concreto de espectador, eso es un concepto industrial. Mi cine va dirigido al ser humano”. Con esta afirmación, el cineasta insistió en su voluntad de contraponerse a los códigos del lenguaje cinematográfico estandarizado. “Intento oponerme a la contaminación de la ficción habitual en el mundo en que vivimos. Dicha ficción no quiere que pensemos, sino sólo que veamos. Y ganar dinero”. Una labor en la que se incluye tanto a la figura de los cineastas como la de los teóricos. “No me gusta mucho la palabra ‘educación’, pero eso es lo que hacemos de algún modo. El lenguaje del cine vanguardista de los 50 y 60 es usado ahora por el cine comercial: esa es la lucha en la que nos encontramos”.

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Edición 2009

Por Elena Duque Viña Dean Wareham y Britta Phillips fueron hoy los protagonistas de una rueda de prensa, con motivo del espectáculo que presentan esta noche en el Teatro de la Laboral, a las 20.30 horas. Se trata de su particular banda sonora (que interpretarán acompañados una banda compuesta con batería y tecladista/guitarra) para los screen tests de rara belleza que Warhol grabó en su Factory entre 1964 y 1969. A propósito del origen de este proyecto, Wareham explicaba que fue el Andy Warhol Museum quien los llamó para encargarles este proyecto. Con respecto a cómo fueron seleccionados los trece screen tests que utilizan, Phillips comentó: “Dean fue al museo y los vio (son unos 100) y trajo a Nueva York un par de docenas, a partir de los cuales compusimos en algunos casos, en otros utilizamos cosas que ya teníamos o improvisamos porque no sabíamos cómo iba a funcionar”.

COMO EN EL CINE MUDO Dean Wareham hablaba así sobre el formato en el que tuvieron que trabajar: “Era un proyecto intimidatorio. Antes ya habíamos hecho bandas sonoras, y canciones, pero este encargo era una banda sonora en directo. Cada screen test dura 4 minutos, con lo cual tenemos que empezar y terminar en un momento preciso. Como aquí

no hay director de orquesta, fue todo un reto. Miramos las expresiones faciales para guiarnos y cosas así”. También sobre su papel comenta: “las películas tienen una vida propia, y hay que sacar de cada película lo que transmite”.

LOU REED BEBIENDO COCA COLA “Investigamos sobre la Factory, y según leíamos iba cobrando vida”, cuenta Wareham. “Queríamos seleccionar gente importante para la vida de la Factory, no sólo gente que fuese famosa“Seleccionamos un screen test de Lou Reed con gafas de sol bebiendo coca cola”, explica Phillips “teníamos otro de él, en el que casi parecía un niño pequeño, pero elegimos el otro que era más representativo”. Wareham cuenta también “había uno de Dylan, pero esa historia ya ha sido contada. A Dylan no le gustaba que le dijeran lo que tenía que hacer, así que no cumplió con las premisas de los screen tests. Se llevó la pintura de Elvis Presley que hizo Warhol, ¡y luego se la cambió a su manager por un sofá usado!”.

WARHOL ES PUNK Durante la rueda de prensa, se pudo palpar el entusiasmo que Wareham y Phillips sienten por este proyecto. Wareham comentaba “Nos sentimos nerviosos en el primer momento. Warhol es como el punk rock primigenio, por todo lo que hacía (escribir, pintar, filmar), y por su fuerte actitud hazlo tu mismo hacia todo. También convertía la fealdad cotidiana en algo bonito, lo cual es también algo muy punk, el celebrar la basura”.

“WARHOL ES COMO EL PUNK ROCK PRIMIGENIO”

Foto: Isabel Permuy

Dean Wareham y Britta Phillips

LAS RUEDAS

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CICLOS

Enfants Terribles En colaboración con: Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular, Valnalón, Conseyu de la Mocedá del Principáu D’asturies,Conseyu de Mocedá de Xixón.

GLOWING STARS Lisa Siwe, Suecia, 2009. 90 min. Jenna se ve obligada a lidiar en su día a día con los problemas típicos de los catorce años. Está seriamente preocupada por el tamaño de sus pechos, vive enamorada de Sakke, un chico que no le hace el más mínimo caso, y no entiende por qué no es tan admirada como Ullis, una de las personas más populares del instituto. Pero estos no son los únicos (ni mucho menos los más graves) problemas a los que la chica debe enfrentarse. En casa, el estado de salud de su madre, aquejada de una grave enfermedad, no deja de empeorar, con lo cual la vuelta al hogar no proporciona demasiado descanso a las cuitas de Jenna, quien además protagoniza agrias discusiones con su poco comprensiva abuela. La presión a la que se ve sometida la hará atravesar un periodo de confusión en el que, con ayuda de una inesperada nueva amiga, llegará a cometer algunas locuras.

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Glowing Stars es la adaptación de una obra de la joven novelista Johanna Thydell que se convirtió en un best-seller en Suecia, y que ha sido llevada a la pantalla por la realizadora Lisa Siwe. El film, cuyo ajustado equilibrio narrativo fue celebrado por la crítica internacional a su paso por el Festival de Berlín, plantea, sin acudir a estrategias fáciles, una serie de cuestiones de gran relevancia, como la enfermedad en el seno de la familia, las diferencias generacionales, y los dilemas propios de los años de la adolescencia. Un film sobrio y emocionante que, además, consigue narrar hechos dramáticos con una sensibilidad extraordinaria y cuenta con magníficas interpretaciones, entre las que destaca la de la actriz novel Josephine Mattson, que encarna a la joven Jenna. Hoy a las 20.00 horas, en Yelmo 6. Repite mañana a las 17.00 horas, en Cines Centro Sala 1, y el jueves, 26, a las 11.00 horas en Cines Centro Sala 1 y Sala 2.

Llendes Programa Duncan Campbell

BERNADETTE

FALLS BURNS MALONE FIDDLES

Reino Unido, 2008, 37 min.

Reino Unido, 2003, 33 min.

Bernadette Devlin fue una activista de Irlanda del Norte de los 60 y 70, primera mujer en la cámara de los comunes (con sólo 21 años). Rechazando asumir ningún tipo de convención formal o narrativa y a partir de entrevistas, material de archivo, imágenes propias y animaciones minimalistas, Campbell traza un retrato de esta aguerrida socialista. La superposición del trabajo de documentación y de diferentes estrategias narrativas marca el ritmo y el ambiente de la película. Como explica el propio Campbell, “Quería representar fielmente a Devlin para hacer justicia a su legado. Bernadette es mi retrato de ella. Es parcialmente subjetivo a pesar de que he trabajado con imágenes suyas mediatizadas y con escritos sobre ella. Lo que produzco sólo puede ser una selección de estas representaciones, a través de mis propias obsesiones y de mi deseo de convertirla en un personaje de éxito. Quería ampliar el objetivo de la película para incluir esta tensión, la paradoja del relato subjetivo basado en material ajeno, que normalmente es excluida o cancelada”.

Fall Burns Malone Fiddles reúne fotografías de jóvenes trabajadores y barrios deprimidos tomadas en Belfast a lo largo de medio siglo de enfrentamientos entre católicos y protestantes. Lejos de ser representaciones icónicas de la violencia y del malestar político, estas imágenes acogen la existencia cotidiana: los peinados, modas y aspiraciones del momento. La banda sonora del montaje fue un monólogo leído con un impenetrable acento escocés por el actor Ewen Bremner (Spud en la película Trainspotting) que combina extractos de densa teoría sociológica con un vago flujo de conciencia. En un momento dado, una delgada línea negra comienza a desplegarse por la pantalla, añadiendo una nueva capa de descripción elusiva y superpuesta. Duncan Campbell está interesado en el poder de seducción de las imágenes. Con un guiño al humor de Samuel Beckett, su trabajo yuxtapone la promesa inherente al hecho contar historias con la descomposición narrativa y la inevitable desintegración del significado.

Hoy a las 22.30 horas, en Cines Centro Sala 3. Repite mañana, a las 17.00 horas, en la misma sala.

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CICLOS

Competición Especial: Rellumes

Esbilla

TO SHOOT AN ELEPHANT Alberto Arce & Mohammad Rujailah, España, 2009, 104 min.

CAN GO THROUGH SKIN Esther Rots, Holanda, 2009, 94 min. Marieke (Rifka Lodeizen) es una alegre y despreocupada urbanita treintañera que hace de su capa un sayo en la ciudad de Ámsterdam. Poco después de ser abandonada por su novio, una noche, un repartidor de pizzas irrumpe en su casa y la viola brutalmente, casi ahogándola. En vez de buscar ayuda, unas semanas más tarde, Marieke, sin pensárselo demasiado, compra una casita en ruinas en un lugar perdido de los bosques de Zelanda y huye al idílico campo con la intención de perder de vista sus traumáticas experiencias. No es fácil la adaptación, sigue sintiéndose insegura, tarda en entrar en contacto con sus vecinos y, cuando lo hace, no acaba de fiarse del todo. A pesar de ello, a comienzos del verano, parece que empieza a recuperarse a sí misma: mantiene ya una relación estable con John, que la ha perseguido desde su llegada, y que la arropa con una calidez que necesita, se empeña seriamente en la recuperación de su casa y se queda embarazada. Pero la inquietud sigue rondando y no le abandona la fría sensación de estar perdiendo el control de su vida.

MEZCLA DE FANTASÍAS Y REALIDAD En éste su primer largometraje, la holandesa Esther Rots fija la cámara al rostro y los movimientos de su protagonista, presente en casi todos los encuadres del filme, y la interpretación de Rifka Lodeizen no defrauda en absoluto la confianza de su directora. Rots difumina el hilo de la historia, mezcla fantasías del personaje y escenas reales con la inteligente intención de representar el caos mental que acompaña a Marieke durante gran parte de la película y que, en cualquier caso, le resulta una amenaza constante. Por otra parte, sus ansias de venganza y comunicación, le hacen adentrarse, enmascarada, eso sí, en el mundo paralelo de las “chatrooms” de Internet, poniéndola en contacto con otras víctimas de violación y actuando a la vez como ancla del pasado y vía de escape definitiva de sus traumas. La cámara se mueve con un estilo ágil e íntimo, nervioso a veces, acompasando los vaivenes morales de la protagonista y creando las atmósferas ideales para involucrarnos en su drama. Hoy, a las 22.15 horas, en el Antiguo Instituto. Repite mañana, a las 17.00 horas, en la misma sala.

El gijonés Alberto Arce se ha convertido durante los últimos años en una de las voces más comprometidas con la libertad de información y la denuncia de las violaciones de los derechos humanos del panorama internacional. A él se deben algunos de los trabajos documentales más esclarecedores sobre los conflictos bélicos de Oriente Próximo, como Nablus, la ciudad fantasma (2004), Internacionales en Palestina (2005) o Al Mesalla, pacifistas en Irak (2007). Con To Shoot an Elephant, su más reciente trabajo, Arce ha participado en algunos de los más prestigiosos festivales del mundo, como el de Ámsterdam (considerado el más relevante dentro del campo del cine documental), el de Estocolmo, o el de Dubai. Además, acaba de recibir el premio al Mejor Director en el Festival dei Popoli de Florencia.

UN RELATO DE GEORGE ORWELL Su última pieza fue rodada durante los bombardeos sufridos por la población civil palestina tras la ruptura de la tregua de seis meses entre Hamas e Israel, finada el 20 de diciembre de 2008. El día 27 de ese mismo mes, comenzó un ataque (conocido con el nombre de “Operación Plomo Fundido”) del ejército israelí contra la Franja de Gaza, que vive en estado de asedio desde que fuese declarada una “entidad enemiga” por Israel a mediados de 2007. Un grupo de

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voluntarios internacionales pertenecientes al International Solidarity Movement, junto con dos corresponsales de Al Jazeera International, fueron unos de los pocos testigos extranjeros de lo que sucedió en aquellos terribles días. To Shoot An Elephant debe su título a un relato de George Orwell, publicado en 1941 y en el que da una visión de Asia que Arce todavía considera válida, hoy en día. Para la realización del documental, el realizador y periodista asturiano, desplazado a la zona, contó con la colaboración inestimable de Muhammad Rujailah, un miembro del mencionado International Solidarity Movement y de la Organización para la Liberación de Palestina que vive en la franja de Gaza. Arce decidió dar un merecido crédito a su decisiva contribución al film, ya que considera fundamental que la aportación de los colaboradores locales sea reconocida como sin duda merece. Estamos ante un trabajo que, filmado a pie de calle, ofrece imágenes que no por lacerantes resultan menos necesarias para comprender el ingente sufrimiento de la población civil palestina, que sufre las consecuencias de un enfrentamiento desigual que vuelve a recrudecerse cíclicamente. Un film que documenta la sinrazón de unas actuaciones militares indiscriminadas que muestran una y otra vez su inutilidad, además de su rotunda injusticia. El interés del resultado final es incuestionable en tanto permite ver, escuchar y sentir aquello que en los medios de comunicación masivos no suele comparecer, o que a menudo lo hace de un modo excesivamente fraccionado, incompleto o falto de profundidad. Hoy, a las 19.45 horas, en Cines Centro Sala 2, con entrada libre y encuentro con el director. Repite el jueves, 26, a las 19.45 horas, en Gijón Sur.

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CICLOS

Esbilla

MAMMOTH Lukas Moodysson, Suecia/Dinamarca/Alemania, 2009, 125 min. Depués de la so presentación nel Festival de Berlín, aporta la primer película n’inglés y con repartu internacional d’un de los direutores fetiche del FICXixón, el suecu Lukas Moodysson, que recibió dellos premios nel certame (ente ellos el de Meyor Lllargumetraxe y Meyor Direutor) poles sos películes Together y Lilja 4-ever, y al que se dedicó una retrospeutiva en 2004. El protagonismu de Mammoth, na que Moodysson robla’l guión en solitario, recái na pareya formada pol mexicanu Gael García Bernal (Amores perros, La mala educación, Babel) y la nominada al Oscar Michelle Williams (que se fizo famosa cola serie Dawson medra, y ta acabante de rodar Shutter Island xunta Leonardo DiCaprio y a les órdenes de Scorsese). Entre los mecenes del film rescampla la presencia de la compañía Zentropa, al traviés de la figura de Peter Garde, productor de dellos filmes de Lars von Trier (cf. Dogville o la nueva y polémica Antichrist). Una historia sobre la deshumanización na era global y como les inxusticies del sistema torturen a los que nun son otro que los propios fíos. El matrimoniu formáu por Leo Vidales (Bernal) y la muyer Ellen (Williams) vive en New York con Jackie (Sophie Nyweide), la

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fía d’ocho años. La familia tien una bona y cómoda situación económica por cuenta l’ésitu llaboral y comercial d’un proyeutu web de Leo y d’Ellen, que triunfa al tiempu nel mundu de la medicina. La falta de tiempu de la pareya pa coles obligaciones propies de la paternidá fai que la pequeña Jackie prefiera pasar lo más del tiempu, mesmo cuando la ma ta en casa, cola nanny, una rapaza filipina llamada Gloria (Marife Necesito) que tien dos fíos que viven cola güela materna nel so país de nacencia. Teo tien de dir a Tailandia pa un viaxe de negocios, y entós van entamar dellos dilemes que van francer la estabilidá de la so aparentemente tranquila situación personal. La película combina delles histories al empar, rodaes en tres escenarios principales: New York, Filipines y Tailandia, pensaos como espacios nos que se puen confrontar les rellaciones de dependencia (y esplotación) ente’l Primer y el Tercer Mundu. El resultáu final ye un fonderu drama fechu con bon pulsu por Moodysson y retratáu pol danés Marcel Zyskind, responsable de la lluz en filmes como Dancer in the Dark o 24 Hour Party People. Otru de los puntos fuertes de Mammoth ta na so perbona escoyeta musical non diexética, con canciones de Cat Power, Radiohead o Ladytron, vibrante grupu d’electroclash británicu qu’ufierta tres de les sos composiciones pa la banda sonora. Güei, a les 22.30 horas, en Cines Centro Sala 4. Repite, mañana, a la mesma hora en Yelmo 7.

EL GENERAL

de la México d’anguaño, y tamién con testimonios de persones qu’espresen güei lo

Natalia Almada, México, 2008, 83 min.

que-yos paez la figura del so bisgüelu (qu’entá ye conocida parcialmente por munchos ciudadanos), conformando asina un un revesosu, fascinante y ricu xuegu d’espeyos ente’l pasáu y el presente del so país natal.

Por Alejandro Díaz Castaño Tres l’ésitu internacional d’Al otro lado (2005), un trabayu centráu nel tráficu de drogues y la inmigración illegal na frontera ente’l so país y los Estados Xuníos, la mexicana de nacencia (magar que de madre norteamericana) Natalia Almada, aborda la historia del so bisgüelu, el polémicu políticu Plutarco Elías Calles, n’ El Xeneral, un llargumetraxe pol que recibió’l galardón a la Meyor Direición nel Festival de Sundance, y col que compite en Xixón na seición Non Ficción y Documental. El proyeutu parte de la güela d’Almada, Alicia Calles, que morrió cuando la realizadora tenía trece años d’edá, que ye l’autora en 1978 de seis hores de material d’audio coles que quería escribir un llibru sobre la figura de Plutarco, un proyeutu que nun pudo rematar enantes de morrer . Poro, el pa de Natalia apurrió-y les mentaes casettes, qu’hasta entós nadie nun escuchara, nel añu 2002. Tamos ente un trabayu que de dalgún mou parte de material atopao pa, a partir d’él, escargatiar na memoria coleutiva de toa una nación, contraponiendo la imaxe pública del personaxe col legáu y les alcordances familiares. Pero, lloñe de centrase namái nel diariu íntimu, Almada complementa la so propuesta incluyendo documentos audiovisuales d’archivu d’aquel tiempu, y encaria tou esti vieyu material con imáxenes

UNA FIGURA DISCUTIDA Francisco Plutarco Elías Campuzano, más conocíu pol nome de Plutarco Elías Calles, foi gobernador de los Estados Xuníos Mexicanos entre 1924 y 1928, y demientres el so mandatu tuvo nomatos tan espresivos (y bien de veces desaxeraos) como “El Xeneral”, “el bolchevique”, “el xefe máximu de la Revolución”, “el Dictador”, o “el quemacures”, porque nel so mandatu fizo por acabar col marxe d’aición de la Ilesia Católica, lo que dio llugar a un conflictu armáu conocíu como “la Guerra Cristera”. Tres trabayar en dellos oficios, como’l de maestru, Calles foi nomáu gobernador del estáu de Sonora, y depués aporta a la presidencia de la mano del so amigu Álvaro Obregón, que lu precedió nel cargu. N’acabando’l so cuatrieniu al frente del país, funda’l Partíu Nacional Revolucionariu (antecesor del Partíu Revolucionariu Institucional). Esiliáu forzosamente en 1936, Calles afinca en California y nun va tornar a México hasta poco enantes de morrer en 1945. Güei, a les 22.15 hores, en Cines Centro Sala 2, con entrada libre y encuentro con el director. Repite mañana, a les 12.30 horas, en Cines Centro Sala 4.

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Edición 2009

LAS RUEDAS

Foto: Isabel Permuy

ENTREVISTA

JAVIER REBOLLO Director de LA MUJER SIN PIANO El director Javier Rebollo presenta estos días en el FICXixón su película “La mujer sin piano”, con la que conquistó el premio al Mejor Director durante la última edición del Festival de San Sebastián. A su paso por la ciudad, se mostró encantado de participar en un ciclo como Post Burlesque y matizó que “de corazón” se siente muy unido al Festival de Gijón. Por Alejandro Díaz Castaño ¿Cómo surge el proyecto de “La mujer sin piano”? Realmente no me acuerdo. Pero sí es cierto que se trata de algo muy burlesco. Una de las características del cine burlesco, por lo menos de lo que yo entiendo por “burlesco”, que es el cine de los años veinte, el cine mudo, es que tiene personajes muy bien perfilados. Un gordo y un flaco, un hombre con zapatos grandes, pantalones mal combinados y un bombín, un hombre impasible con un canotier… Todo comienza con una imagen. Veo a una mujer con un perfil muy determinado de madrugada, con una maleta y unos tacones, reverberando en la noche, camino de la estación de autobuses, un lunes, un día laborable, cuando la estación estaba cerrada. Esa imagen me impacta, y aún más poniéndola en relación con otras imágenes, y acaba siendo una película proyectada en el Festival de Gijón en una sección de cine burlesco. ¿Qué le parece ver su película encuadrada en esta selección? Estoy muy feliz. Yo siempre he querido estrenar en Sección Oficial en Gijón. Pero, aunque de corazón estoy más unido al Festival de Gijón, que considero el mejor sintonizado y programado de este país junto con el de Las Palmas, el Festival de San Sebastián es un clase A, y resulta un gran altavoz. Estar en la sección Post Burlesque es lo mejor que me podía pasar. Si recibo una llamada para una sección llamada “La condición femenina”, “Violencia de género”, o “La menopausia”, hubiese dicho que no. Pero en el burlesco siempre me he mirado como espectador, como cineasta y como ser humano. Yo soy un payaso, y creo que la solemnidad es el escudo de la estupidez. En nuestra película, utilizamos a Buster Keaton como referencia directa para la interpretación de Carmen Machi y buscamos el humor del espacio, que es fundamental en el cine burlesco. Humor, no comedia. La comedia busca directamente la carcajada y el humor es más ambigüo. ¿Hasta qué punto cree que el cine mudo, u otros cines del pasado, pueden servirnos como referente en el presente? ¿Estamos tal vez demasiado ensimismados con “lo nuevo” del cine contemporáneo?

¿Cómo presentaría “La mujer sin piano” a un espectador que no tuviese ningún dato sobre su película? Aunque me gusta presentar las películas, por la amabilidad de que te inviten y por estar cerca de la gente, algo que me interesa mucho, creo que las películas no habría que presentarlas. Pienso, como Breton, que habría que entrar en los cines sin saber nada de la película, con la sesión comenzada y en una ciudad desconocida. Así es como a mí me gustaría que la gente entrase a ver mi película. Pero si hubiese que presentarla, me gustaría que la considerasen una tragicomedia, algo muy español y muy devaluado. Creo que le habría podido gustar a Azcona. Es una película incómoda, ante la que no sabes muy bien si reír o llorar, y se te tuerce la boca al verla. A ratos es muy divertida y a ratos es terrible, porque el humor está muy cerca del horror. Me gustaría que la viesen como una tragicomedia con una gran actriz en estado de gracia, que es Carmen Machi, haciendo algo que nunca había hecho hasta ahora. ¿En qué momento se le ocurrió la idea de darle a Machi la posibilidad de romper con su imagen más popular como actriz?

“LA SOLEMNIDAD ES EL ESCUDO DE LA ESTUPIDEZ”

Creo que todo está en el mudo. Por eso, la generación de cineastas del Hollywood clásico provenía del mudo, y supieron desarrollar un lenguaje que luego con los directores que nacieron en el sonoro, se perdió o se hizo de manera diferente. Ésta es una teoría de Truffaut que Antonio Drove contó luego mucho en España. En el burlesco, cuando se pasa del mudo al sonoro y llega la palabra, se restringe la importancia del cuerpo, porque en el mudo la gestualidad cobraba mucha más importancia. Por eso el cine burlesco, aunque tiene una buena evolución en el slapstick, se va abandonando. De hecho, los cineastas que hoy día siguen haciendo cine burlesco ofrecen películas con pocas palabras. Respecto a “lo nuevo”, hay que tener mucho cuidado, ya que puede quedarse rápidamente viejo, como la página de un periódico. Aún así hay que estar atento a lo nuevo, y Gijón sabe hacerlo muy bien. Quizá el único pero que le pondría a Gijón es no incluir algo más de cine del pasado, aunque nunca se olvida de él. Este año hay ciclos como el de Müller y Girardet, que son dos cineastas absolutamente modernos cuya obra está fundamentada en el cine clásico, en el manierismo, en Douglas Sirk, Hitchcock, en el espejo, en la ventana, en el umbral, en la escalera... Todo eso es cine clásico. Y cuando el Festival vuelve la mirada a lo burlesco, está mirando al cine mudo norteamericano.

Carmen es una vieja amiga a la que conozco desde hace quince años. Necesito trabajar entre amigos, con gente que me quiere y a la que quiero, y siempre escribo pensando en un actor, como ahora, que estoy escribiendo pensando en José Sacristán. Cuando escribí la película para Carmen pensé que iba a ser fácil, porque sólo tenía que pedirle lo contrario de lo que había hecho hasta ahora. Y sí que fue fácil dirigirla, pero también fue muy duro, porque es un lenguaje al que ella no estaba acostumbrada. Su luz como actriz nace de su gracejo, de su desparpajo, y yo la he despojado de todo eso, y le he pedido que trabaje con el hieratismo. Es algo también muy del burlesco, esos personajes inasequibles al desaliento, que no se detienen ante nada y son impasibles... Carmen es una grandísima actriz, y ha trabajado desde la reducción, desde el silencio, desde la mirada, desde el cuerpo. Y ha interpretado con los tacones. Tan del burlesco es esta película que ella trabajaba con mucho playback. Yo le ponía música al oído para que sus movimientos resultasen musicales. Pensé que sería más fácil financiar la película con ella, pero no ha sido así. ¿Cómo ve la situación del cine español actual para sacar adelante un proyecto personal? Yo voy a hacer cine siempre, pero me gustaría que mis películas encontrasen su público. No quiero ser un cineasta marginal. Creo que vivimos un gran momento. Pero se aprobó en el parlamento una magnífica ley sobre cine que está siendo desarrollada a través de una orden que va contra ella y que fue publicada en el BOE muy rápidamente, sin pasar el visto bueno de Bruselas. Se protege a las películas hechas con más de dos millones de euros y se deja fuera de juego a las películas que cuesten menos de 600.000 euros, puede ser tan buena una película que cueste veinte millones como una hecha en Hi-8 por un chaval de barrio.

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Edición 2009 Firmas invitadas

- INFIEL, de los hermanos Prada, 2009 - UN DÍA EN LA FERIA, de Iñaki Ibisate, 2009 - LLÁMPARA, de Jim-Box, 2009 - PIEDRES, de Diego Llorente, 2009 Finalistas

- ASUNTOS GENERALES, de Pilar Monsell (1:47), 2009 - ZONA NEGATIVA, de Eduardo Acosta (3:25), 2009 - PLATO, de Jose María Martínez Burgos (2:58), 2009

CINE PERSONAL filMO, festival de cine de bolsillo, es un festival de cine realizado con dispositivos móviles con el que LABoral Centro de Arte y Creación Industrial pretende favorecer la creación audiovisual amateur. Desde el pasado 15 de junio y hasta el 22 de septiembre el festival se celebró en su propia página web (www.filmolaboral.com) para culminar en esta proyección de finalistas y entrega de premios dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Gijón. En esta primera edición se han seleccionado 10 finalistas de entre los más de 80 vídeos presentados a concurso, dentro de las secciones Por todos los públicos y Escuelas. La proyección en el 47 FICXixión también brinda la oportunidad de ver los vídeos de la sección del festival llamada Firmas invitadas, que recoge los trabajos móviles de algunos de los cineastas emergentes asturianos más interesantes. filMO, festival de cine de bolsillo, es un proyecto que se enmarca dentro del programa de Cultura móvil de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, y que cuenta con el apoyo del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio del Gobierno de España. BAJO LOS AUSPICIOS DE:

Esta iniciativa sigue los pasos de otros festivales de creación audiovisual con dispositivos móviles. La experiencia de convocatorias semejantes, como el pionero Pocket Films francés, organizado por el parisino Forum des Images, avala este evento que LABoral Centro de Arte y Creación Industrial pone en marcha dentro de un programa más amplio de reflexión y trabajo en torno al tema de las nuevas tecnologías y la cultura móvil. Este Festival de cine de bolsillo se nutre de la filosofía del “Do It Yourself ” (Hazlo tú mismo) y de la web 2.0 (YouTube) que conecta con las nuevas formas de comunicación y de producción audiovisual en Internet. En su concepción se plantea contribuir a la creación de una pequeña comunidad de artistas y creadores audiovisuales que trabajen con las nuevas tecnologías y contribuya al desarrollo de la industria audiovisual asturiana. Por ello, en su primera edición, se ha desarrollado fundamentalmente en la red, a través de su propia página web (www.filmolaboral.com) vinculada a la de LABoral Centro de Arte, donde se pueden visualizar los vídeos y se ha gestionado la participación.

- TURBO 2088, de Guillaume Ballandras y Durand Aurélien (2:49), 2009 - El CUENTO DE LA BOTELLA, de Amorox (0:07), 2009 - CAMERA OBSCURA, de Zaunka y Dani Castillo (1:35), 2009 - MAIZAL, de Jose Manuel Fernández (3:01), 2009 - CON UNA LÁMPARA, de David Jarama (0:44), 2009 - EL MARAVILLOSO MUNDO DEL CINE, de David López Dalton (4:40), 2009 - BOSQUE, de Helena Álvarez e Igor Blanco (5:07), 2009 Premio del Público

- ESPRESSO 333, de Víctor Arias Magadan (2:02), 2009 Hoy, a las 20.00 horas, Cines Centro Sala 3, con entrada libre.

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CICLOS

Post Burlesque

Design: Blanke Ark • Photo: Hans-Jørgen Osnes

BulBul Film PRESENTERER

RUMBA Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Romy, Francia/Bélgica, 2008, 77 min. Película escrita, dirigida y producida por sus protagonistas (aunque no sólo), Dominique Abel y Fiona Gordon que, para fundir aún más la ficción con la realidad, ostentan sus propios nombres en la fábula. Fábula es, y muy ligera. La de una pareja de maestros de provincia cuya pasión es el baile, la rumba fundamentalmente. Cuando el colegio se queda vacío de estudiantes y profesores que huyen hacia el fin de semana, ellos practican su nuevo número en el gimnasio. Luego, con sus mejores galas y su mayor empeño, acuden a los concursos que se celebran en la comarca. Un cúmulo de circunstancias desgraciadas hace que sufran un accidente a la vuelta de uno de estos certámenes que, por supuesto, habían ganado. A pesar de salir maltrechos, no se desaniman, ni tampoco les hunden las graves adversidades que tienen que enfrentar. En última instancia, es su incontrolable amor mutuo lo que termina imponiéndose. Bajo el signo de Jacques Tati, Abel (belga) y Gordon (canadiense) desarrollan una comedia de aire triste, pero profundamente alegre, melancólica a veces, pero muy alejada del melodrama. Las circunstancias de los

protagonistas se ven enmarcadas por los vivos colores de la escenografía que, junto al tono de sus propias interpretaciones, parecen estar continuamente gritando: adelante, levántense, no puede ser tan grave, no es tan grave. La mezcla de imaginación y complejidad, de gracia y gusto popular, es decir, su arte del entretenimiento, los relaciona con el cine mudo, con la pantomima y con el juego del clown.

COMEDIA DE AIRE TRISTE Los diálogos son escasos y sin demasiada importancia porque la fuerza de las emociones nos alcanza a través de la pura fisicidad, el acento se desplaza de las palabras a lo que queda entre ellas. Mediante encuadres frontales, simétricos y muy elaborados, permiten que el espectador vaya componiendo sus propios planos internos. Rumba consigue transmitirnos un optimismo que parece inevitable, un humor que desde la desgracia, nos recuerda precisamente que la fatalidad no existe. Hoy, a las 19.45 horas, Cines Centro Sala 1. Repite mañana, a las 22.30 horas, en Yelmo 6.

BENT HAMER

O’ HORTEN  EN FILM AV

MED BÅRD OWE

O’HORTEN

ahora enfrenta el desafío de tener que dar un sentido a jornadas en las que ya no hay más obligaciones laborales que cumplir.

Bent Hamer, Noruega/Francia/Alemania, 2007, 90 min.

Owe es realmente un gran intérprete y buena parte de los valores del film se deben a la forma en que caracteriza a su personaje frente a las situaciones absurdas que le toca vivir; así, resulta muy convincente con la peculiar expresividad que emana de su cara de  póker y  que se asemeja con personajes típicos de la filmografía del finlandés Aki Kaurismaki.

Bent Hamer es considerado como el maestro del absurdo de los directores noruegos y, a decir verdad, sus filmes así lo confirman. Varias de sus películas han recorrido el circuito de los  festivales internacionales donde el público asistente celebra las extravagancias realistas que emergen de sus relatos y que en Espen Skjønberg Ghita Nørby Henny Moan Bjørn Floberg Kai Remlov Per Jansen Bjarte Hjelmeland Gard parte reflejan algunos rasgos característicos deB. Eidsvold Bjørn Jenseg Morten Rudå Lars Øyno Trond-Viggo Torgersen Peder Lohne Hamer Terje Alsvik Walløe Anette Sagen BulBul Film as Bent Hamer Pandora Filmproduktion Christoph Friedel/Karl Baumgartner ZDF/ARTE Memento Alexandre Mallet-guy ARTE France Cinema Scanbox Film Jim Frazee/Mads Peter ole olsen LosFilmsEvaProduction conflictos del taciturno jubilado Norsk Filmfond Nikolai Frobenius Nordisk Film & TV Fond Svend Abrahamsen Norsk Filmutvikling Rygh Holstein Anne Pedersen Anders Lunde Kalli Juliusson Morten Solum la cultura escandinava. Hans Petter Sydsæter John Christian Rosenlund (fnf) Petter Fladeby Kaada Pål gengenbach (nfk) Hamer nunca lleganCatho BachaChristensenser lo Bentsuficientemente Su último título, O’Horten, no es la excepción graves como para que el film adquiera a la regla. Cálido humor característico dentro un carácter dramático, pero la buena de un relato tragicómico, su tema central es composición de sus personajes permite cómo disponer del tiempo libre cuando llega que el espectador  lo vea con una sonrisa el momento del retiro después de 40 años de permanente y que, además, llegue a percibir trabajo. la especial ternura transmitida por  Horten. Bard Owe interpreta a Odd Horten. Se trata La fotografía de John Christian Rosenlund, de un ingeniero eléctrico soltero  de 67 años, captando la atmósfera invernal de Oslo y sus que siempre ha trabajado como tal para los alrededores, acompaña satisfactoriamente el ferrocarriles de su país y que prácticamente clima melancólico que impregna relato. ha vivido en sus trenes; cuando la película comienza está a punto de jubilarse. Habiendo Hoy a las 22.30 horas, en Yelmo 7. estado acostumbrado a una diaria rutina Repite el sábado, 28, a las 20.00 horas, impuesta por la naturaleza de su trabajo, Cines Centro Sala 3. med

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CICLOS

Día d’Asturies Programa 2

Patrocina:

Hoy, a las 22.15 horas, en Cines Centro Sala 5.

CUESTIONARIO 1. ¿Va siguir siendo pa siempres el curtiumetrax “l’hermanu probe” del llargu? ¿Por qué?

2. ¿Cómo tán afeutando a la producción de curtiumetraxes los nuevos canales de distribución/difusión (Internet fundamentalmente)?

3. ¿Cómo afeuta a los reducíos presupuestos de los curtiometraxes la irrupción de l’alta definición, foramtu yá casi esixíu nos más de los festivales importantes?

4. ¿Cómo ves la situación del curtiu n’Asturies anguaño teniendo en cuenta les nueves realidaes audiovisuales que surdieron nos postreros años?

5. Véndeme’l to curtiu en dos llínees.

JUAN SOTO Director de UN JUEGO

1. Nun veo’l curtiumetraxe como dalgo probe, poro más bien como daqué rico y ellaborao. Por cuenta lo poco que dura veste obligáu a contar una historia de mou más apretáu y ye entós cuando ves la verdadera creatividá del autor. Lo que si ye cierto, como pue comprobase cuando tienes capital abondo y allampies por algamar más, ye que’l mercáu del llargumetraxe, ye más ampliu y da más perres y prestixu . Facer curtios ye un exerciciu que nun debería abandonar nin el más grande de los direutores. El problema col que s’atopa’l curtiumetraxe na so valoración, ye que los medios de comunicación y les distribuidores nun-y dan la importancia que merez. Una bona solución qu’había y nun se sabe por qué desapaeció, yera volver a echar en cines comerciales un curtiumetraxe enantes que se proyeute la película. 2. No que cinca a la mio esperiencia, ye una puerta más abierta pa que la xente vea‘l to trabayu. Lo que pasa ye que tres d’esa puerta, atopes un cuartu enllenu y ye reveroso facete ver. Asina y too veo más ventayes que torgues, sobre too al entamu. Dientro poco va ser el primer mercáu pa los consumidores. 3. Nesti arte o negociu tas espuestu a los avances téunicos más qu’en nengún otru, y ye básico tar al día. Nel mio trabayu, coles mios pelis d’animación, nun supón gastu dalu, porque con una cámara de fotos dixital consigo una resolución 2K que correspuende al cine (entá más que l’alta definición). Pa otres producciones, si que pue resultar un gastu bultable pal qu’amás los organismos que dean ayudes a estes actividaes tienen de mentalizase y actuar acordies. De toes maneres, anque me presta’l HD y ye muncho meyor qu’un DVD, la maxia del celuloide cinematográficu llámame muncho más. 4. Pienso qu’Asturies tien falta productores cinematográfiques, yo nun soi a alcontrar un productor pa les mios obres y pienso que ye una pena. Nun sé si con “realidaes audiovisuales” te refieres a les nueves ferramientes, como puean ser el 3D, si ye asina, pienso que l’animación ta ganando munchísimu protagonismu. Polo que fui a comprobar, n’Asturies nun hai muncha xente que se dedique a l’animación, asina que si dalgún productor llee esto, que s’anime, nunca meyor dicho, cola mio nueva téunica. 5. Animación de la bona, tradicional, con muñecos de plastilina, pa mayores, nada de gominoles dulzarries pa neños.

víense cásique n’esclusivo en festivales. Agora muncha más xente pue llegar a ellos y eso ye bárbaro porque la finalidá cabera d’un curtiu ye que lu vea’l mayor númberu posible de públicu. 3. L’alta definición fai posible abaratar los costos del llaboratoriu y les copies. Magar que quiciabes seya un trabancu pa los curtiometraxes “mui” amateurs, tamién ye una ventaya pa los presupuestos medios. 4. Tengo pa mi qu’eses realidaes entá nun son tan “reales”. 5. Ello yera una vegada un home que vivía nuna casa ensin ascensor. MARIO F. TARDÓN Director de SIN LUPE

1. Pa nada. Son dos formatos diferentes que nun se puen comparar. Diba ser como dicir que’l documental ye’l primu pequeñu del llargu de ficción. De fechu, munchos direutores con llargos al llombu, tornaron pal curtiu pa consiguir sacar lo meyor de los sos guiones. Ye verdá qu’ente calamidaes económiques munchos direutores recurren al curtiu, pero sería falso quedar namái en pures razones monetaries. 2. Afeuten muncho y mui positivamente. Dieron la posibilidá de poder llegar a muncha más xente con munchos menos medios. Hai más ufierta, poro, l’espectador tien de facer un esfuerciu de seleición, polo que ye de suponer que va aumentar la calidá. Van meyorar entrambes partes: los cineastes van tener de meyorar el productu y los espectadores van tener d’afinar el criteriu. La democratización del arte. 3. Por más que nos duela, la película de 35 mm. morrió. La señaldá fainos tovía roceanos, pero la realidá y la práctica van imponese. Entramos na era dixital, guste o nun guste. 4. Lo mesmo que nel restu España ye de suponer que la tendencia natural ta subiendo en cuantes al númberu de proyeutos que se faen. Eso sí, espero que nun se me tiren enriba, pero n’Asturies sobrevuélanos un aire de provincianismu ya inseguridá que nun permiten una mayor asociación y collaboración ente profesionales. Tovía hai llistes prietes y siéntese eso de “con esti nun trabayo más na vida…”. Señores, somos pocos y si pa encima nos puteamos ente nós va pasar lo de siempre: que va venir xente de fuera a trabayar y formase nos nuestro proyeutos y dempués van facer los suyos fuera. Vamos, paezme a mi.

EVA GALLEGO Directora de PUNTU

1. Nun me paez que lo seya. Los curtiumetraxes dan más llibertá creativa. Ye una pena que se vean namái como trampolín pa facer una película y non como una obra audivisual en sigo mesma. 2. Les nueves canales dexen esparder les obres d’una manera cho más cenciella, barata y eficaz. Hasta va poco los curtiumetraxes

5. ¿Hasta qué puntu somos quien a superar les nuestres traxedies? ¿Hasta qué puntu tamos solos? BENJAMÍN VILLAVERDE Director de TACONES

1. Nun soi a entender porqué siguimos creyendo eso, a nun ser que namás falemos de cuestiones económiques. Gárrome

al tópicu de que les histories hai que les midir pola so calidá, non pol metraxe. 2. Soi amateur, y, poro, Internet paezme bon collaciu pal que quiera amosar la so obra. Ye’l meyor sistema de distribución y el más rápidu, a nun ser que lo que busquemos seya facer caxa, pero pa eso, meyor componer un cantar y a cobrar drechos d’autor. 3. Buf, nótase que la crisis ta influyendo nel cuestionariu. L’alta definición ye un sistema más caru que’l MiniDVD, pero bastantino más barato que rodar en 35 mm., o rodar en videu y llueu facer el kinescopao. Los dispositivos n’alta definición son cada vegada más baratos y cualesquier pue facese con ellos. Nun me paez que seya incompatible col presupuestu d’un curtiumetraxista. 4. Vamos facer por velo de mou positivu, porque a esti pasu dalgún llector va suicidase. Gracies a eses nueves realidaes facer un curtiu ye más asequible, tanto n’Asturies como n’Albacete, con unes canales más globales que dexen conocer los pruyimientos de más persones. Anque pola mesma razón tamién se van rodar más fataes, pero tamién somos llibres de ver lo que nos pete. 5. Una historia cenciella sobre la soledá, un curtiu rodáu con pocos medios, esautamente con 25€ y un par de … tacones. ELIANA ÁLVAREZ Directora de THE STORYTELLER

1. Mientres nun haya meyores sistemes de distribución pa los curtios y se proyeuten nes sales de cine lo mesmo que los llargumetraxes, el curtiumetraxe va siguir siendo l’hermanu probe del llargu. Los curtios son una ferramienta pa dar a conocer a los directores, pa dar el saltu a los llargumetraxes. 2. N’internet hai ferramientes mui útiles como Withoutabox que faciliten al realizador distribuir les propies películes, faciendo que tolos trámites de papeléu con festivales ya información sobre’l to curtiumetrax tean a un “click” namái. Pero si lo que de verdá quies ye dir a festivales y facer contautos pa la to carrera, internet ye la única canal de difusión pal to curtiu porque los festivales NUN almiten películes que se tengan subío primero na rede. 3. Cola alta definición abrióse un mundu de posibilidaes pa los nuevos realizadores. Primero teníes munchos festivales acotaos pol fechu de tener rodao en dixital y nun tener una copia en 35mm. Anguaño da igual el formatu nel que ruedes, importa lo que tengas que contar. 4. Paezme que nun soi la más afayadiza pa falar de la situación actual n’Asturies porque va dos años que vivo fuera. Anque tengo de dicir que, añu detrás d’añu, la participación de curtiometraxes nel Día d’Asturies creció y vense proyeutos con más calidá. La xente tien ganes de contar histories y el Festival de Cine de Xixón da la oportunidad a los nuevos realizadores de tener un espaciu p’amosar el so talentu. 5. Convídote a que vengas al Festival a ver el mio curtiumetraxe: “The Storyteller”.

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EDUCACIÓN PARA LA CINEMATOGRAFÍA Retomamos en esta ocasión ciertas críticas que, relativamente hirientes o decididamente descalificatorias, poco o nada aportan a la construcción cinematográfica. Se trata, pues, de ejemplos discriminativos y su correspondiente rectificación positiva en un intento por devolver al cine lo que del cine es y más allá, siempre, de los prejuicios y valoraciones puntuales y expresamente coyunturales. Nicole Kidman parece un cuscurro de pan revenido. Opinión injuriosa y ciertamente peyorativa que atañe a la mutación física experimentada en los últimos tiempos por la ex señora de Tom Cruise. Salma Hayek y Penélope Cruz no se depilan, se siegan. Semejante calumnia de todo punto indemostrable hace referencia a la problemática pilosa de dos actrices que, además de entenderse a las mil maravillas, suponen el triunfo del carácter latino en Hollywood. Johnny Deep es el actor más peor del mundo mundial. Crítica visceral donde las haya y ejemplo absoluto de negatividad opinacional hiriente. El señor Johnny Deep no es sólo el más versátil de los actores del momento sino que está a la altura de su “pigmalión” por excelencia, ese gran, grandísimo director, llamado Tim Burton. Orlando Bloom no cambia de registro así lo maten. De todo punto injustificada esta crítica visceral que merma al señor Orlando en sus aptitudes interpretativas. Don Orlando ha demostrado sobradamente que lo mismo puede encarnar, sin inmutarse ni despeinarse, a un Elfo que a un paladín de las Santas Cruzadas, o un pseudo pirata alternativo.

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Edición 2009

LUGAR: SALÓN DE ACTOS DEL CENTRO DE CULTURA ANTIGUO INSTITUTO

HOY Martes 24

MAÑANA Miércoles 25

12.15 h.

12.15 hrs.

12.45 hrs.

Babak Jalali director de la película Frontier Blues

Joshua y Benny Safdie directores de la película Go get some Rosemary

Aleksey Balabanov director homenajeado. Se presentará el libro Aleksey Balabanov. Un Cine para la nueva Rusia de Jesús Palacios

MEETING POINT Por Ricardo Apilánez

total libertad cuando creyeron que debían hacerlo. Añadieron que ninguno de sus trabajos anteriores supera los 50 minutos y que se sienten especialmente cómodos con estos metrajes, sus favoritos, concluyeron.

HOY

Es muy importante la presencia del bosque en Nikotoko Island, como lo es también en la cultura japonesa. “Los bosques son lugares donde habitan los dioses y constituyen”, siguieron, “una imagen única de naturaleza pura”.

Los realizadores de los cortos que componen el primer programa de la competición del Día d’Asturies, acudirán hoy, al Meeting Point para presentar sus trabajos. Será a partir de las 16.00 horas.

“El tema central de la película es la muerte”, afirmó Takashi Miura. “Uno de los personajes de la película muere precisamente para demostrar que ése es nuestro fin común, el de todos, y que hay que disfrutar lo máximo posible mientras vivamos. Tanto como nosotros nos divertimos al rodar” abundó. Porque, en efecto, Nikotoko Island destila un libérrimo sentido del humor, inocente y contagioso.

Además, Robla A.K.A. ANTI DJ volverá a los mandos de los platos del punto de encuentro del Festival con un programa compuesto por bandas sonoras originales y denominado Retrosfilmer. Será a partir de las 19.00 horas.

AYER ENCUENTRO CON TAKUYA DAIRIKI Y TAKASHI MIURA (NIKOTOKO ISLAND) Los jóvenes directores japoneses de Nikotoko Island, película en competición en la sección Rellumes, charlaron sobre su trabajo ayer por la tarde en el Meeting Point del Festival. Una de las particularidades del filme es su duración. Acostumbrados como estamos a minutajes convencionales de en torno a los 90 minutos, se agradece que, de vez, en cuando una obra no supere los 50. Preguntados por este hecho, respondieron que naturalmente no calcularon una duración determinada antes de realizar la película, sino que la dieron por concluida con

“Seis meses duró la preparación de la película. Las localizaciones que íbamos identificando determinaron en muchos casos los diálogos y las situaciones que después aparecen en el montaje final. Con el rodaje y el proceso de edición, más la grabación de los diálogos, que fueron registrados todos en estudio, el tiempo total de realización del proyecto llegó al año”, explicaron los directores. Preguntados sobre las perspectivas de distribución de un trabajo como el suyo, respondieron que realmente, por ahora, no tenían ninguna, ni en Japón ni en el extranjero, al menos en los cines comerciales, aunque sí están negociando ofertas de alguna televisión europea donde, afirmó su agente de ventas en nuestro continente, este tipo de obras tienen mayores posibilidades de alcanzar una distribución comercial. Verdaderamente, esperamos que así sea. Foto: IPalmira Escobar

RUEDAS DE PRENSA

47FICXixón / Página { 15 }

Edición 2009

Fotos: IPalmira Escobar

LOS ROSTROS

ENCUENTRO EN GIJÓN SUR

Lluís Miñarro

Gijón Sur acogió ayer un encuentro con la directora de La teoría del espiralismo, Mabel Lozano, previo a la proyección del documental. En la presentación del acto participaron Mabel Lozano; Mónica Oviedo, Presidenta del Cermi-Asturias y Vicepresidenta de Cocemfe-Asturias, José Alberto Álvarez, Presidente de la Federación de Deportes para Minusválidos Físicos del Principado de Asturias (FEDEMA), así como los tres atletas paralímpicos asturianos.

Presenta en Gijón su segunda película como director, Blow Horn, tras un amplio bagaje como productor, con títulos como Cosas que nunca te dije o Singularidades de una chica rubia. A su paso por el festival, entre sesión y sesión de cine, hizo un alto en el camino para mirar a nuestra cámara. El momento ha quedado plasmado para la posteridad.

MÚSICA A TOPE Babyshakes y Kendolls ofrecieron ayer un espectáculo de luces y sonido en la Sala Acapulco. Armadas con minifaldas, tacones, un bajo y dos guitarras bien afiladas, las tres chicas de Babyshakes llegaron dispuestas a arrasar Gijón a golpe de powerpop. Los suecos Kendolls, algo más que post-adolescentes con peinados molones, pusieron la nota punk de la velada.

Y HOY ... MÁS CONCIERTOS

alma desbordante y vestidas con ropajes excéntricos que sólo les puede coser (y bordar) una creadora única como ella.

La Bien Querida

The Magic Room

Ataviada con una falda de volantes cual flamenca de otro planeta, Ana Fernández-Villaverde canta y toca un “Romancero” repleto de temas tan personales a inesperados que pueden contener desde pop preciosista y sonidos orientales hasta electrónica o flamenco rock. Y decir que es una cantautora se quedaría corto para explicar como da a luz, alimenta y cuida unas canciones íntimas y personales, con un

Bonito y delicado como los dibujos de su Myspace, el pop de The Magic Room arropa como una manta cuando hace frío con la dulzura de la voz de Helena, sus cálidas guitarras folk, sus sonidos de teclado vintage y sus melodías balsámicas. Un grupo asturiano que llega escribiendo despacio y con buena letra.

Página { 16 } / 47FICXixón

Redacción: Susana Tejedor, Alejandro Díaz Castaño, Elena Duque, Ricardo Apilánez, Isabel Lueje Fotografía: Isabel Permuy, Palmira Escobar Diseño: www.marcorecuero.es Traducciones: Oficina de la Llingua Imprime: El Comercio

PARA AYUDARLES En persona Festival Internacional de Cine de Gijón Cabrales, 82. 33201 - Gijón, Spain Tel. (34) 985 18 29 40. Fax. (34) 985 18 29 44. E-mail: [email protected]

En la red Facebook: es-la.facebook.com/group. php?gid=157208622482 flickr: www.flickr.com/photos/gijonfilmfestival Myspace: www.myspace.com/gijonfilmfestival Youtube: www.youtube.com/gijonfilmfestival Blog: gijonfilmfestivalenfants.wordpress.com Web: www.gijonfilmfestival.com

NOTA INFORMATIVA Se puede consultar en nuestra página web (www.gijonfilmfestival.com) la disponibilidad de entradas para cada sesión.

HOY MARTES 24 ANTIGUO INSTITUTO 17:00 h.

Programa JEAN-GABRIEL PERIOT - 72’

19:45 h.

COMPET ESPECIAL “Nikotoko Island” 47’

CINES CENTRO SALA 2 17:00 h.

COMPET ESPECIAL

ANTIGUO INSTITUTO 17:00 h. 19:45 h.

19:45 h.

“Black Dog’s Progress” 4’

ENTRADA LIBRE

ENCUENTRO

LLENDES

ESBILLA

“Trailer Vivant” 72’ (*)

“To Shoot an Elephant” 104’

11:00 h.

22:15 h.

17:00 h.

22:15 h.

19:45 h.

“Pablo” 13’

“The Island” 6’

GIJÓN SUR

DÍA D’ASTURIES

19:45 h.

POST-BURLESQUE

CINES CENTRO SALA 3

22:15 h.

“La mujer sin piano” 95’

22:15 h.

POST-BURLESQUE

17:00

ENFANTS TERRIBLES “C’est pas moi, je le jure!” 110’

12:15 h.

“A Letter to Uncle Boonmee” 16’

20:00

20:00 h. 22:30 h.

PRENSA Y ACREDITADOS OFICIAL NO COMP.

20:00 h.

HARMONY KORINE “Trash Humpers” 77’

22:30 h.

20:00 h. POST-BURLESQUE

OFICIAL COMPET “Le roi de l’evasion” 97’

“Go Get Some Rosemary” 100’

ENFANTS TERRIBLES

BALABANOV

POST-BURLESQUE “Rumba” 77’

22:15 h.

20:00

“Mammoth” 125’

22:30

“La Pivellina” 100’

CINES CENTRO SALA 4 12:30 h.

19:45 h.

“Julien, Donkey Boy” 101’

22:15 h.

COMPET DOCU

“Solino” 120’

“El General” 83’

ESBILLA

17:00 h.

PRENSA Y ACREDITADOS OFICIAL COMPET

20:00 h.

CINES CENTRO SALA 1 11:00 h.

ENFANTS TERRIBLES

22:45 h.

17:00 h.

ENFANTS TERRIBLES

OFICIAL COMPET “Go Get Some Rosemary” 100’ OFICIAL COMPET “La Pivellina” 100’

CINES CENTRO SALA 5 17:00 h.

HARMONY KORINE “Julien, Donkey Boy” 101’

19:45 h.

BALABANOV

19:45 h.

FATIH AKIN “Cruzando el puente: los sonidos de Estambul” 92’

DÍA D’ASTURIES COMPETICIÓN II

ESBILLA

FATIH AKIN

“Glowing Stars” 90’ HARMONY KORINE

22.45 h. OFICIAL COMPET

“Max Pinlig” 94’

CINES CENTRO SALA 5

OFICIAL COMPET “Go Get Some Rosemary” 100’

FATIH AKIN

ESBILLA

LLENDES Programa Duncan Campbell 70’

POST-BURLESQUE

“Brother 2” 122’

19:45 h.

17:00

“La Pivellina” 100’

ENTRADA LIBRE “Frontier Blues” 95’

17:00 h.

22:30 h.

PRENSA Y ACREDITADOS

“Turn it Loose” 96’

“Solino” 120’

“O’Horten” 90’

OFICIAL NO COMPET

10:00

“Mammoth” 125’

“Breaking Glass” 104’

12:30 h.

CINES CENTRO SALA 3 OFICIAL COMPET

YELMO 7 17:00 h.

LLENDES

ENFANTS TERRIBLES

“Rumba” 77’

CINES CENTRO SALA 4

THIS IS ENGLAND

CINES CENTRO SALA 1

“Villalobos” 119’

“Brother” 99’

Programa Duncan Campbell 70’

YELMO 7

22:30 h.

ESBILLA COMPET DOCU

YELMO 6

POST-BURLESQUE “Guitar Mongoloid” 89’

20:00 h.

LLENDES

ENFANTS TERRIBLES “Glowing Stars” 90’

22:30 h.

22:30

ENTRADA LIBRE

COMPET DOCU

“The Three Investigators…” 90’

Festival de cine de bolsillo

“Les enfants de Timpelbach” 95’

20:00 h.

12:15 h.

FilMO

ENFANTS TERRIBLES

YELMO 6

ENTRADA LIBRE

09:30 h.

22:15 h.

ENCUENTRO

 LABORAL

“Whore” 11’ “Variations” 28’

 LABORAL 09:30 h.

“Arena” 9’

2

“Blow Horn” 79’

OFICIAL CORTOS 2 “Ahate Pasa” 13’

“Eldorado” 80’

DÍA D’ASTURIES COMPETICIÓN

COMPET DOCU “El General” 83’

COMPETICIÓN I

19:45 h.

“Une autre jour sur terre” 21’

ENCUENTRO ESBILLA

17:00 h.

CORTOS OFICIAL 3 “La nostalgia del señor alambre” 13’

THIS IS ENGLAND “Young Soul Rebels” 105’

ENTRADA LIBRE

THIS IS ENGLAND “Le Donk & Scor-zay-zee” 71’

“Can Go Through Skin” 94’

GIJÓN SUR

ENFANTS TERRIBLES “Max Pinlig” 94’

ENCUENTRO

ENTRADA LIBRE

COMPET DOCU

COMP. ESPECIAL

COMP. ESPECIAL

CINES CENTRO SALA 2

“Can Go Through Skin” 94’

“Barking Water” 80’

LLENDES

22:15 h.

mañana MIÉRCOLES 25

22:15 h.

COMPET ESPECIAL

BALABANOV

ENCUENTRO

“Brother” 99’

“Au voleur” 96’

22:15 h.

POST-BURLESQUE “Louise-Michel” 94’