THE BOOK OF BEAUTY

VOLUMEN 7

Todo sucede en la felicidad MADRID · MALLORCA · IBIZA · MARBELLA · VALENCIA · BEIRUT · JEDDAH

www.grupocappuccino.com

18K gold

Southampton · LaKe tegernSee · SyLt · paLm Beach · munich · marBeLLa

Passeig del Born, 18 - Palma de Mallorca - t. +34 971 722 889 - nicolasjoyeros.com

La experiencia se mide en horas de vuelo. ¿Y la pasión? Cada detalle cuenta. La experiencia genera confianza. La pasión es más difícil de medir. Pero es la que nos mueve para hacer todo lo posible para que usted, cuando vuela con nosotros, tenga una experiencia perfecta.

La música de Cappuccino Grand Café en todos los vuelos de Air Europa

Pepe Link Music director / Grupo Cappuccino

Detrás de un buen café restaurante siempre hay un espíritu. Y detrás de Cappuccino está la ambición de crear nuestra propia historia. Déjate seducir por la mezcla. Behind a good café restaurant there is always a spirit. And behind Cappuccino there is the desire to create our own history. Let yourself be seduced by the mix. Download our Cappuccino Radio Station CAPPUCCINO GRAND CAFÉ está en Madrid, Mallorca, Ibiza, Marbella, Valencia

Property Ref: 62234-CA

EDIFICACIÓN DE VIVIENDAS BUILDING HOMES

HOSTELERÍA Y EQUIPAMIENTOS HOSPITALITY AND RESTAURANT FACILITIES

Construyendo historia desde 1890 Building history since 1890

REHABILITACIÓN Y MANTENIMIENTO RENOVATION AND MAINTENANCE

OBRA CIVIL PUBLIC WORKS

C/Madalena, 1.Pol. Son Bugadelles. (Santa Ponça). 07180 Calviá. | Tel. +34 971 699 606 | [email protected]

WWW.GRUPOFERRA.COM

RESTAURANT PUERTO PORTALS MALLORCA

Reservations 871 902 306 · [email protected]

www.grupocappuccino.com

EDITOR’S PAGE

Desde que era niño, muy pequeño, tuve claro que quería abrir un bar y cómo quería que fuera. Siempre quise abrir “Cappuccino”.

I always knew I wanted to open a bar and how I wanted it to be. I always wanted to open “Cappuccino”.

Al principio, cuando la gente me preguntaba cómo iba a llamarse mi nuevo bar, me daba vergüenza decir el nombre. Era 1991 y en aquella época si no habías viajado a Italia eran muy pocos los que sabían exactamente lo que era un cappuccino, podían confundirlo con un café con nata, un café con leche hervida con burbujas. Era como abrir un bar y llamarlo “Cortado”.

At first, when people asked what I was going to call my new bar, I was embarrassed to say it. It was 1991 and at that time very few people, save for those who had travelled to Italy, knew precisely what a cappuccino was. They would confuse it with a coffee with cream, a coffee with steamed milk and bubbles. It was like opening a bar and calling it “Cortado”!

Y así es como surgió el nombre de Cappuccino.

And that’s how the name Cappuccino came about.

Hoy, la marca Cappuccino Grand Café ® está registrada mundialmente.

Today, the Cappuccino Grand Café® brand is a registered trademark worldwide.

18

CONTENTS

23 AISHWARYA RAI 31 DAVID HOCKNEY for David 38 CHARLOTTE PERRIAND “Aquí no se bordan cojines” 45 THE SARTORIALIST Scott Schuman 55 WELLIES OUR NEW RESTAURANT Nuestro nuevo restaurante

66 LUCIANO GIUBBILEI The Art of Making Gardens 77 ELSA SCHIAPARELLI La diseñadora surrealista 86 WHAT MAKES YOU FEEL BEAUTIFUL 91 GRACE JONES Slave to the rhythm

60 CECIL BEATON A life in fashion

20

Space, grace and pace. The all new Manhattan 52. Sunseeker Mallorca | Puerto Portals | 0034 971 676 395 Port Adriano | 0034 971 234 513 | [email protected]

www.sunseeker-mallorca.es

CONTENTS 23

98

151

66

38

98 STYLE ICONS Five men whose dress sense we admire

136 NICK DRAKE Un discreto enigma 141 DANSAEKHWA The first Korean artistic movement to be recognised internationally

104 GET THE LOOK 109 JUAN VIDAL Lo que está por venir

146 3 VINOS/WINES

114 BAE BIEN-U

151 RUDOLF NUREYEV Dance to freedom

122 RENZO MONGIARDINO Adoration of an Italian Master 128 MONICA BELLUCCI

22

"Mallorca es el paraíso, si puedes resistirlo". (Gertrude Stein, escritora e influencer estadounidense) www.nosquedalapalabra.es

Palma de Mallorca

24

Aishwarya Rai

L

B

a belleza es el concepto clave que viene de manera inmediata a la mente al hablar de la actriz y modelo Aishwarya Rai (1973, India). Fue precisamente su belleza la que le llevó a la fama tras ganar el certamen de Miss Mundo de 1994, concurso que impulsó su carrera como modelo, debutando más tarde como actriz en Bollywood, el “Hollywood hindú”. Rai, quien además de actriz ejerce como embajadora de la prestigiosa firma de relojería suiza Longines, nos deslumbra con sus rasgos exóticos y su cautivadora mirada de tonos verdes que no deja a nadie indiferente. Hasta un tulipán ostenta el preciado nombre de la actriz, “Aishwarya”, proclamado en su honor, como muestra honorífica de su gran belleza. La actriz se ganó su puesto en el reconocimiento internacional como protagonista de la película Devdas, en el 2002 tras la proyección del film en el Festival de Cannes. Gracias a este proyecto la actriz ha ocupado en diversas ocasiones un lugar entre el jurado del mismo festival. Su fama ha sido tal que en 2005 se puso a la venta una muñeca Barbie-Aishwarya Rai. La modelo/acrtiz ha sido galardonada con numerosos premios y ha sido referida como la mujer más bella del mundo en muchas ocasiones y nombrada numero uno en la lista de mujeres más atractivas de India según la revista Maxim. Además, la revista Time la seleccionó en el año 2004 como “una de las 100 personas más influyentes de Asia”. Ashwarya Rai ha demostrado ser también una mujer con devoción por su familia. Tras el nacimiento de su única hija Aaradhya, en 2011, fruto del matrimonio que forma con el célebre actor Abhisek Bachchan, sus apariciones públicas se han visto mermadas. Su aclamado regreso a la gran pantalla se hizo esperar hasta 2015, año en el que protagonizó el thriller hindú, Jazbaa, de la mano del director Sanjay Gupta.

eauty is the first word that comes to mind at any mention of the actress and model Aishwarya Rai (1973, India). After all, it was her ravishing appearance which first catapulted Rai to fame when she won the 1994 Miss World competition and began her notable modelling career. But a mere three years later, she made her acting debut in the colourful world of Bollywood, the Hindu Hollywood, and has since become one of its most beloved stars. Rai, who besides acting is an ambassador for the prestigious Swiss watchmaker Longines, and has even had a tulip, the Aishwarya, named after her, dazzles us with her elegance and sense of presence every time she appears in public. Her exotic features, her perfectly coiffured hair and her spectacular green-blue eyes turn heads everywhere she goes. Her image is so strong that in 2005, an Aishwarya Rai Barbie doll was released. After starring in the 2002 film Devdas, she earned international recognition when it was screened at the Cannes Festival. Since then, her notable prowess as an actress has even earned her a place on the Cannes jury on a number of occasions. Rai has been the recipient of a panoply of awards and plaudits. She has frequently been cited as the most beautiful woman in the world, was first on Maxim’s “Hottest Women of India” list, and Time magazine named her as one of the 100 most influential Asians in 2004. Despite her escalating fame, she is a family woman at heart. When her only child, Aaradhya, was born in 2011 following her celebrated marriage to Abhisek Bachchan, also an actor, her public appearances decreased. However, her many fans were treated to her long anticipated return to the screen when, in 2015, she starred in Jazbaa, an Indian crime thriller, directed by Sanjay Gupta.

25

No es oro todo lo que reluce en la vida de Rai, la actriz más reconocida de Bollywood, pues fueron precisamente sus orígenes hindús los cuales le han jugado alguna mala pasada. Según su horóscopo la actriz es una “maldita” como cónyuge, creencia que puso varias trabas a su matrimonio con Bachchan. El oráculo es de tal relevancia en la India, que este puede arruinar pactos entre negocios, familias e incluso matrimonios. La suerte no estuvo de su parte el 1 de noviembre de 1973, cuando la actriz vio el mundo por primera vez, los astros le otorgaron un mal presagio en cuestiones nupciales, siendo parte de lo que los hindús llaman “manglik”, aquellas personas destinadas a ser infelices en sus matrimonios, lo cual en la India se toma muy enserio. Al fin y al cabo la belleza no lo es todo en la vida. Las hipnóticas cualidades de Aishwarya Rai le han permitido burlar su cruel destino convirtiendo a su talento, su cultura, su país y la industria cinematográfica de Bollywood en el centro de todas las miradas a nivel internacional. Sin duda la actriz a usado muy bien sus armas de seducción. But not everything sparkles in Rai’s life. The Hindu origins of the bestknown Bollywood actress have played a dirty trick on her since, according to her horoscope, she is “cursed” as a wife, a prophecy which cast several shadows over her wedding with Bachchan. The oracle is so significant in India that it can ruin agreements between businesses, families and even the bride and groom. Luck was not on Rai’s side when she opened her eyes on the world for the first time on 1 November 1973. The stars foretold a bad omen in nuptial affairs and she numbers among the people Hindus term manglik who are destined to be unhappy in their marriages, and this is taken extremely seriously in India. To release herself from this bad omen, the former model travelled to Varanasi to make a great offering in one of the most important temples in the city, on the advice of a Bangalore “guru”, before standing before the altar. And it seems to have worked as her marriage is still happy and stable nine years later and now they have a little girl in tow. Beauty, after all, is not everything in life, but in further shifting the world’s focus onto the brilliance of Bollywood and the cultural richness of her Indian heritage, and with millions of fans across the globe desperate to gaze upon her wherever she goes, it is clear that Aishwarya Rai has used the looks nature gave her to the benefit of all.

26

loveeveryday.es

Disfruta de un consumo responsable 11º

CAPPUCCINO GRAND CAFÉ IBIZA THE ULTIMATE VIEW

CAPPUCCINO MARINA IBIZA · Reservas / Reservations · T. 971 312 628 · www.grupocappuccino.com

CAPPUCCINO GRAND CAFÉ IBIZA THE ULTIMATE VIEW

CAPPUCCINO MARINA IBIZA · Reservas / Reservations · T. 971 312 628 · www.grupocappuccino.com

DAVID HOCKNEY

32

D

for David

eslumbrantes e intensos tonos de azul, profundos y estimulantes rojos y terracotas, verdes brillantes, ocres dorados; esta es la rica e inspiradora paleta de colores que abunda en las obras de David Hockney, uno de los artistas vivos más dinámicos e influyentes del momento. Hockney adquirió relevancia en los años 60 como parte del movimiento Pop Art –conocido coloquialmente como el “Warhol británico”– su salto a la fama fue evidente con cuadros tan fascinantes como Bigger Splash (1967), una utopía modernista al borde de una piscina en el soleado Los Angeles o We Two Boys Together Clinging (1961), una atrevida (para su época) alusión expresionista a su famoso estilo de vida homosexual. Pero su éxito no se limitó 33

R

avishing vivid LA swimming pool blues, deep and invigorating russets and reds, bright green cacti, golden ochre and olive landscapes; this is the rich and energising palette of colour which has helped to make David Hockney one of the most exciting and influential artists alive today. Rising to prominence in the 1960s as part of the Pop Art movement, and often referred to as the “British Warhol”, Hockney catapulted to fame and artistic success with enlivening paintings such as Bigger Splash (1967) depicting a poolside modernist utopia in sunny Los Angeles, or We Two Boys Together Clinging (1961) a daring (for its times) expressionist allusion to his famously free-living gay lifestyle. But his success is by no means limited to the

34

en absoluto a los años 60. Su exposición, “A Bigger Picture”, celebrada en 2012 en la Royal Academy of Arts de Londres fue uno de los mayores éxitos de la historia de esta ilustre galería. Aún a día de hoy, prácticamente todos las obras que salen de sus estudios de Bridlington (Reino Unido) y Los Ángeles siguen causando sensación, ya sean obras fotográficas, litográficas, pictóricas o digitales. La importancia de Hockney como creador ha sido, sin duda, el factor dominante de su fama, (en una encuesta realizada en 2011 entre más de 1000 artistas británicos fue nombrado “el artista británico más influyente de todos los tiempos”), el pintor es además tan cool e inspirador en su estilo personal como en su trabajo. Aunque su carácter reservado, típicamente inglés, le impida reconocerlo, Hockney ha sido desde sus comienzos un “King of cool”, un verdadero icono de estilo. Al igual que los colores vivos han caracterizado sus obras, también ha aplicado esa paleta, casi sin querer (o, al menos, así lo parece) a su estilo personal. Sombreros de colores, corbatas con estampados

60s. His 2012 exhibition, A Bigger Picture, at the Royal Academy of Arts in London was one of the biggest sell-out blockbusters of the illustrious gallery’s history, while practically every work coming out of his Bridlington (UK) and Los Angeles studios continues to cause a sensation, whether they be photographic, lithograph, painted, or digital works. However, while Hockney’s prominence as an artist, which in a 2011 poll of more than 1,000 British artists led him to be named “the most influential British artist of all time”, has been by far the dominating factor of his celebrity, the artist is also as cool, and as influential in his personal style as he is in his artwork. Though his typically English sense of reserve may prevent him from willingly admitting it, Hockney has been a “King of Cool”, a true style icon, from the outset. Just as his vivid colours have characterised his artworks, so too has that palette been applied, almost without thought (or so it would appear), in the style he has personally adopted. Coloured caps, 35

geométricas, pajaritas de lunares, complementos originales y, por supuesto, sus emblemáticos tirantes son las claves que definen el carismático look de Hockney. El artista es célebre por llevar prendas poco combinadas, ha sido fotografiado en numerosas ocasiones con una admirable variedad de accesorios discordantes: un calcetín rojo y otro verde, gafas con una lente enmarcada en negro y la otra en dorado, pantalones con vuelta y playeras, todo ello rematado con su pelo revuelto como “recién salido de la cama”, hoy ya de color gris, rasgo que se ha convertido en uno de sus más distinguidos. A pesar de todo ello, su aspecto nunca es estridente. Hay algo en su estilo que sigue siendo esencialmente inglés; ni recargado ni excéntrico, visitiendo de “tweed”con corbatas, pajaritas y de otras prendas refinadas, indiscutiblemente de sastrería. No sorprende pues, que la imagen de Hockney haya sido la fuerza inspiradora de más de una línea de moda, como la colección primavera-verano 2005 de Chistopher Bailey’s para Burberry o el desfile de primavera de John Galliano en 2012.

36

geometric ties, polka dot bow-ties, breast pocket décor and of course those iconic braces are all integral to the Hockney aesthetic. Famous for mismatching, he has been photographed in a wonderful array of uncoordinated accessories, wearing one red sock and one green, glasses with one lens framed in black and the other in gold, striped trousers with turn-ups and trainers, all topped by the “just out of bed” messy mop of once peroxide blonde, now grey, hair which likewise became his trademark. Yet above all things, Hockney’s look never appears gaudy. There is something about his style which remains quintessentially English; neither overly-styled nor contrived, but centred around tweeds and formal neckwear and other garments which are relentlessly sartorial, and forever stylish. No wonder then that Hockney’s look has been the inspiring force behind many a fashion collection, such as Christopher Bailey’s spring/summer collection for Burberry in 2005 or John Galliano’s 2012 spring show.

37

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Lo que sí resulta evidente es que David Hockney es un creador de tendencias. Su arte, ya sea de los 60 o de 2015, se percibe fresco e interesante pese a su predisposición por pintar de manera realista y figurativa en un mundo inundado de impactantes instalaciones contemporáneas y austeras expresiones abstractas. Su avanzada edad (cumplirá 80 años el año que viene)no ha significado ningún impedimento a las hora de adoptar las nuevas tecnologías y aplicar todas sus ventajas en la creación de sus obras de arte digitales que puedan ser reproducidas a través de una pantalla o impresas en una panoplia de colores extraordinarios. Su declarada y abierta homosexualidad le convirtieron en un precursor de los derechos homosexuales, movimiento que llegaría al Reino Unido años más tarde. Hockney siempre se ha mostrado como un inglés de emblemática excentricidad y permanente distinción cuya imagen y joie de vivre seguirán siendo durante muchos años tan legendarios como su obra.

What is truly evident then is that David Hockney is a trendsetter in every sense of the word. His art, whether it be from the 60s or from 2015, feels fresh and relevant, despite his propensity to paint realistically and figuratively in a world awash with mind-boggling contemporary art installations and austerely abstract expressions. Despite his advancing age (he will be 80 next year), he is still as active artistically, and as innovative creatively as he ever was, adopting new technologies available via iPhones and iPads, for example, to create digital artwork displayable either on screen or printed in a panoply of glorious colours. By openly referencing his gay lifestyle in the 60s, he was a forerunner of a gay rights movement which wouldn’t be openly advocated in the UK for years afterwards. And in his style, he has always demonstrated himself to be an iconically eccentric, consistently-stylish Englishman whose look, and joie de vivre, will remain as legendary as his artwork for many years to come.

38

Your lifestyle store in Palma C/ SANT FELIU 3 , PALMA DE MALLORCA, TEL 971 71 33 31. WWW.RIALTOLIVING.COM COME AND SEE US, WE ARE OPEN MONDAY – SATURDAY 10.00 – 20.30.

CHARLOTTE PERRIAND “Aquí no se bordan cojines”

“Aquí no se bordan cojines”. Esta fue la respuesta que dio Le Corbusier a la joven Charlotte Perriand (Francia 1903 – 1999) cuando se presentó en su estudio de Rue de Sèvres en búsqueda de trabajo. Poco tiempo después Pierre Jeanneret, familiar y socio de Le Corbusier, llevo a éste a ver la instalación “Bar sobre el tejado”, creación de Charlotte Perriand en su propio apartamento en Saint-Sulpice. Le Corbusier apreció la ingeniosa forma en que había sido diseñado el espacio y los innovadores conceptos con los que se había creado el mobiliario, por lo que no dudó en invitar a Perriand a incorporarse a su estudio como responsable del diseño de mobiliario y de los espacios interiores. Junto con él y Pierre Jeanneret crearon varios muebles que hoy son iconos en la historia del diseño. Hija de un sastre y una costurera estudió diseño en la escuela de la Unión Central de Artes Decorativas. Desde el principio mostró su divergencia respecto a la tendencia de la escuela, más basada en el estilo Beaux-Arts y la artesanía. Ella entendía que la tecnología y la producción debían aplicarse al diseño. Después de leer Hacia una arquitectura, de Le Corbusier, lo vio claro. Cuando pasó a formar parte del estudio de Le Corbusier, quien hasta el momento había amueblado sus espacios con piezas que no eran de su autoría, aplicó estos conceptos al interiorismo: las piezas debían basarse en su tiempo, tomando como referencia ideas de la industria automovilística y aeronáutica, utilizando nuevos materiales y explorando el concepto de modulación. A partir de ese momento los espacios interiores de las obras del estudio de Le Corbusier empezaron a hablar el mismo lenguaje que la arquitectura que los contenía, respondían a la misma idea creativa y conceptual y aportaban el punto de calidez que las convertía en hogares. Los muebles, pensados desde un punto de vista ergonómico y funcional, pasaron a ocupar el lugar que les correspondía. Son de esta época algunas de las obras más relevantes de Le Corbusier: La Ville Savoie en Poissy, La Roche-Jeanneret y el Pabellón Suizo en la Ciudad Universitaria de París.

Perriand was a woman of many talents; an excellent photographer, a passionate traveller, a modern, disciplined, hard working, yet free individual who up until her 96th year dedicated her life to the art of design.

“We don’t embroider cushions here”. Such was the famous answer Charlotte Perriand (France 1903-1999) received from Le Corbusier, the celebrated French architect and designer, when she showed up at his studio in Rue de Sèvres hoping for a job. Soon after receiving this harsh rejection, Charlotte Perriand came to the attention of Le Corbusier’s partner, Pierre Jeanneret, due to an installation she had created in her apartment in Saint-Sulpice using aluminium glass and chrome. Jeanneret managed to convince Le Corbusier to visit the installation with him. The clever, creative use of space as well as Perriand’s innovative take on furniture and design caught Le Corbusier’s interest and essentially got Perriand the job she was looking for at his studio. Together with Le Corbusier and Jeanneret, Perriand created various pieces of furniture that are still regarded today as iconic in the history of design. Daughter to a tailor and a seamstress, Perriand studied furniture design in the School of the Central Union of Decorative Arts in Paris from 1920 to 1925. From the beginning, she very much liked how the school tended to lean more towards an artesanal/beaux-arts aesthetic. However, Perriand also believed that new elements of technology and production couldn’t be ignored within the design world, especially during the time she was living in. After reading Le Corbusier’s tome, “Towards a new Architecture”, her thoughts on incorporating technolo-

41

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Excelente fotógrafa, excursionista experimentada, viajera y amante de la naturaleza, que fue siempre su principal fuente de inspiración. A finales de la década de los años 30, tras diez años de fructífera colaboración con Le Corbusier y Jeanneret, Charlotte Perriand abandonó el estudio de Rue de Sèvres para establecer el suyo propio. Era el momento de explorar nuevos horizontes: formas orgánicas y una vuelta a los materiales más tradicionales. Muebles sencillos en su apariencia pero estudiados hasta el milímetro tanto desde el punto de vista del confort y ergonomía como de la posibilidad de fabricación en serie. Es en esta época donde empieza su colaboración con Jean Prouvé, otro de los grandes de la historia del diseño. En los años 40 se trasladó a Japón para trabajar en el Ministerio de Comercio e Industria. Durante su estancia allí ahondó en la cultura del país, en el concepto de la vivienda japonesa y visitó talleres donde se trabajaban técnicas tradicionales. Esto supuso una fuerte influencia en su proceso creativo posterior fusionando conceptos occidentales con orientales e introduciendo el uso de nuevos materiales, como el bambú. Excelente fotógrafa, excursionista experimentada, viajera y amante de la naturaleza, que fue siempre su principal fuente de inspiración. Una mujer que consiguió trabajar codo con codo con los mejores en un mundo de hombres. De fuertes convicciones, moderna y libre se dedicó a su pasión, el diseño, hasta los 96 años.

42

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

gy and functionality in design became even clearer. She was inspired by the emerging car and aerospace industry, during which she explored new materials and experimented with new concepts of modulation. From that moment onwards, the spaces and interior works emerging from Le Corbusier’s studio began to speak the same language as the studio´s architectural projects, responding to the same creative and conceptual ideas, and whose combination enabled the studio to create spaces which were as much homes, as they were masterpieces of design. The furniture they were making was created from an ergonomic, functional point of view, without losing its tender quality. This is what made it so perfect for homes. It was during this time that Le Corbusier created many of his most famous pieces that are still relevant today, such as La Ville Savoie en Poissy, La Roche-Jeanneret and the Swiss Pavilion in the University City of Paris. In the late 1930s, after ten years of fragile collaboration with Le Corbusier and Jeanneret, Perriand left the studio at Rue de Sèvres in order to establish one of her own. This was a turning point for Perriand, in which she felt drawn to explore new horizons, and return

43

to more traditional materials and organic shapes. She began to design pieces that were very simple in appearance yet extremely complex in terms of their design. It was during this time that Perriand began to collaborate with Jean Prouvé, who later became another master within the design world. Later on in the 1940s, Perriand moved to Japan to work for the Ministry of Commerce and Industry. During her time in Japan she fell in love with the culture of the country and its peaceful way of living. Perriand began to familiarize herself with Japanese techniques, which became a huge influence in her later work as she began to fuse occidental and oriental concepts together as well as incorporating new Japanese materials, such as Bambu, into her work. Perriand was a woman of many talents; an excellent photographer, a passionate traveller, but most of all, a lover of nature. She was a woman who was not only able to work closely with the greatest artists and designers of the 20th century, but also a woman who made it in an industry largely dominated by men. A modern, disciplined, hard working, yet free individual who up until her 96th year dedicated her life to the art of design.

Japanese haute cuisine

Marbella · Hotel Gran Meliá Don Pepe · T. 952 902 936 Mallorca · Puerto Portals, 2 · T. 971 676 025 www.grupocappuccino.com

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

46

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

THE SARTORIALIST Scott Schuman

E

T

The Sartorialist nació en 2005, año en el que Schuman comenzó a recorrer las calles de “la gran manzana” acompañado de una sencilla cámara digital fotografiando personas en prendas cautivadoras. Tras publicar aquellas primeras imágenes el blog se convirtió rápidamente en una plataforma de gran éxito entre los “fashionistas”.

The Sartorialist began in 2005, the year when Schuman began to explore the streets of the Big Apple with a simple digital camera, photographing people wearing captivating clothing. After publishing those first images, his blog rapidly became an extremely successful platform among fashionistas.

n los carismáticos retratos del fotógrafo Scott Schuman se revela la verdadera intención humana que hay detrás de su conocido blog, The Sartorialist. Desde las caóticas calles de Nueva York, Schuman refleja en sus fotografías la esencia de ciudadanos anónimos que hablan a través de sus miradas y vestimenta.

47

he charismatic portraits by photographer Scott Schuman reveal the real human intention behind his well-known blog The Sartorialist. Schuman’s photographs taken in New York’s chaotic streets portray the essence of anonymous people that speak to you through their gaze and with their eclectic clothing. 

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

48

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

49

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

50

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

51

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

52

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Su larga y prestigiosa trayectoria en el mundo de la moda se aprecia en cada detalle de sus publicaciones. A través de su blog, el artista crea un vínculo entre la moda de pasarela aparentemente inalcanzable y las prendas que usamos a diario. Hoy, Schuman es considerado uno de los fotógrafos más cotizados del mundo, sus fotografías son alabadas por iconos mediáticos como Vogue o Interview y su colección fotográfica luce de forma permanente en museos como Victoria & Albert Museum y el Metropolitan Museum of Photography de Tokyo. A lo largo de su carrera, Schuman ha protaginizado campañas publicitarias para marcas tan conocidas como GAP o Verizon y realizado colaboraciones artísticas para Nespresso, DKNY Jeans, Tod’s, etc. Entre sus proyectos más recientes destaca “Art of the Trench” para Burberry. Schuman también ha logrado darse a conocer como diseñador con el lanzamiento de su propia colección de zapatillas en colaboración con el diseñador italiano Sutton Mantellassi. Sus zapatos lucen en los escaparates de firmas “top” como Colette y la misma Mantellassi. The Sartorialist cuenta con tres libros publicados por la editorial Penguin, en los que el fotógrafo ofrece una recopilación de sus obras procedentes de todos los rincones del mundo. Cada página es una invitación a conocer la persona retratada y al mismo tiempo la peculiar perspectiva de Schuman como artista. Schuman dice “I don’t often think of “fashion” when I look at my photos...I have begun to see my images more as a social document” (“No suelo pensar en la moda cuando pienso en mis fotografías, he empezado a ver las mas como un documento social”) Con esta frase Schuman resume su objetivo como artista; más allá de captar las últimas tendencias en moda, Scott Schuman muestra también las diferentes personalidades de aquellos que retrata. Su blog no solo le ha permitido convertirse en un símbolo de la moda, si no también en un reflejo de la cultura contemporánea y expresión personal.

His long, prestigious career in the fashion world stands out in each of the carefully captured details of his publications. Through his blog, the artist creates a link between seemingly unattainable catwalk fashion and the garments we wear every day.   Today, Schuman is considered one of the most sought-after photographers worldwide. His photographs are praised by media icons such as Vogue and Interview, and collections of his works hang permanently on the walls of the Victoria and Albert Museum in London and the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, among others.   Throughout his career, Schuman has been involved in advertising campaigns for brands as well known as GAP and Verizon and he has collaborated in the creation of artwork for Nespresso, DKNY Jeans and Tod’s. One of his most recent projects was “Art of the Trench” for Burberry. Schuman has also made a name for himself as a designer, launching his own collection of sneakers in collaboration with the Italian designer Sutor Mantellassi. His shoes are on display in the windows of top firms such as Colette and, of course, Mantellassi. The Sartorialist has led to the publication of three books by the publishing house Penguin, which comprise compilations of work shot all over the world. Every page is an invitation to discover the person behind the portrait and Schuman’s particular perspective as an artist.  As Schuman said: “I don’t often think of ‘fashion’ when I look at my photos... I have begun to see my images more as a social document.” This sums up his objective as an artist, because rather than capturing the latest fashion trends, Scott Schuman also illustrates the differing personalities of the people he photographs. Not only has his blog turned him into a fashion symbol, it also provides a window on contemporary culture and personal expression. 

53

El aguacate es algo sorprendente. En primer lugar no es una hortaliza como muchos podrían pensar, sino un fruto nacido de una flor que abunda en árboles que crecen frondosos en los climas más tropicales. También llama la atención su delicioso y cremoso interior, cuya pulpa, suave y pálida, se dispone alrededor de un hueso duro, todo escondido bajo la áspera y oscura piel exterior, que otorga a esta fruta el apodo de “pera de cocodrilo”. Pero lo más sorprendente de todo son los múltiples beneficios para la salud que abundan en un humilde aguacate, ya que en lo que a propiedades nutritivas se refiere, el aguacate vale su peso en oro. El aguacate contiene altas dosis de potasio y proteínas, las grasas que nos aporta este fruto milagroso son necesarias y favorables para nuestro cuerpo. Comer aguacate junto con otras verduras aumenta notablemente la cantidad de antioxidantes que ingerimos. Por otro lado, extendiendo la pulpa sobre la piel o el cabello puede hidratar y reparar los daños ocasionados por el sol y el envejecimiento. El aguacate también es muy ventajoso de cara a las futuras generaciones, ya que muchos expertos afirman que aumenta la fertilidad y la virilidad. Es por ello que podemos afirmar que el aguacate es el fruto del hombre.

EL AGUACATE

The avocado is a surprising thing. First it’s not a vegetable, as many would have it, but a fruit born of a flower and abundant on trees growing verdantly in the most tropical climes. Surprising too is its creamy, delicious interior, with flesh so soft and pale around a hard and stealthy stone, all hidden beneath the tough dark outer skin which gives the fruit its nickname, the “alligator pear”. But most surprising of all are the multiple health qualities which a single humble avocado can boast. For the avocado packs its weight in gold when it comes to the nutritious qualities it offers. High in potassium and proteins too, it contains fats, but of a healthy kind. Eating avocado with other vegetables dramatically increases the amount of antioxidants you take in, and smearing its flesh on your skin or hair can moisturise and repair sun damage and aging. And the avocado is integral too for future generations, for as many experts would have it, the avocado is key to increased fertility and virility. That’s why above all things, the avocado is truly the fruit of man.

54

CORPOREOS BACK LIGHT BLOCK OUT FLOOR GRAPHICS MICROPERFORADOS LONA MESH VINILO ESMERILADO VINILO FUNDICIÓN VINILO TRANSPARENTE EXPOSITORES

C/ Gremi de Ferrer, 27 · 07009 Palma de Mallorca · Teléfono: 971 90 66 80 · www.rotula2.es

56

OUR NEW RESTAURANT Nuestro nuevo restaurante Cappuccino Grand Café, junto con su vecino, el restaurante japonés Tahini Sushi Bar and Restaurant, son lugares destacados en Puerto Portals, Mallorca, desde hace ya 15 años. Con su amplia terraza en el corazón del puerto, nuestro café de Portals es sin duda uno de los más populares del grupo Cappuccino. Sin embargo, de los numerosos restaurantes cercanos que han hecho de Puerto Portals un fantástico destino gastronómico, Wellies, el primer restaurante que se encuentra al acceder al puerto en coche, siempre ha sido uno de los mejores. Emblemática en el Puerto desde sus primeros años, la famosa Wellies Burger siempre fue un placer del que disfrutar en la gran terraza soleada. Pero cuando lamentablemente el restaurante cerró sus puertas el año pasado, muchos comentaron que Portals había perdido su espíritu. Cappuccino Grand Café, together with its sister Japanese eatery, Tahini Sushi Bar and Restaurant, has been a prominent feature of the Puerto Portals in Mallorca for some 15 years now. With its expansive terrace at the heart of the Port, our Portals café is without a doubt one of the most popular of the Cappuccino group. However, of the many neighbouring restaurants which have made Puerto Portals such a fantastic gastronomic destination, Wellies, the first restaurant you come across upon entering the Port by car, was always one of the best. Iconic in the Port from the early years, the famous Wellies Burger was always a treat to be enjoyed on a large corner terrace flooded with sunlight. But when the restaurant sadly closed last year, many commented that Portals had lost its heart.

57

58

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Por ello, en Cappuccino estuvimos encantados cuando nos ofrecieron la oportunidad de incorporar esta prestigiosa y apreciada firma a nuestro grupo, y reabrir el restaurante este verano con el mismo nombre, el mismo encanto, pero un aspecto totalmente nuevo. Después de trabajar sin descanso durante la primavera con el objetivo de rediseñar, redistribuir y aumentar el espacio, siempre respetando el concepto original, Cappuccino se complace en reabrir un Wellies renacido donde los clientes podrán degustar y disfrutar de lo mejor de la cocina europea, incluida, por supuesto, la famosa Wellies Burger junto con una copa de vino suave o una cerveza bien fría. Con una carta moderna estilo cafetería, entre nuestros platos destaca el delicioso entrecot Café de París, un suculento salmón blackened, una calzone de pepperoni picante y un increíble pato confitado. Para terminar, nuestros exquisitos postres incluyen una deliciosa y refinada tarta Tatín y una cremosa Pavlova de fruta fresca con nata y frutos rojos.

Cappuccino was therefore delighted when we were awarded the opportunity to welcome this prestigious and beloved brand into our group, reopening the restaurant this Summer with the same name, same charm but a brand new look. Working tirelessly throughout the Spring to redesign, improve and augment the space, all the while respecting the original concept, Cappuccino is now proud to be opening a revived Wellies, where customers will be able to taste and enjoy the very best of European dishes, including of course the famous Wellies Burger, along with a glass of smooth wine or an ice cold beer. Presenting a modern, taverna-style menu, our dishes will include a delicious Entrecote Café de Paris, succulent Blackened Salmon, a spicy Pepperoni Calzone and an incredible Duck Confit. To follow, desserts will include a deliciously refined Tarte Tatin, and a creamy fresh fruit pavlova piled with cream and berries.

Con un increíble jardín nuevo, presidido por una relajante fuente, tres soleadas terrazas, dos barras de bar y un amplio espacio de comedor interior distribuido en dos plantas, Wellies es un restaurante con capacidad para más de 400 personas. Así pues, esperamos poder darles la bienvenida a todos en nuestro nuevo restaurante Wellies, abierto todos los días en el corazón de Puerto Portals.

With an amazing new garden, whose centre is crowned by a trickling fountain, three sun-filled terraces, two bars and ample inside dining space spread across two f loors, Wellies is a restaurant with a capacity for over 400. We therefore look forward to welcoming everyone to enjoy our new Wellies Restaurant – open now, every day, in the heart of the Puerto Portals.

59

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

60

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

61

Cecil Beaton A life in fashion

S

us retratos fotográficos quizás estén entre las imágenes más emblemáticas del siglo XX, pero Cecil Beaton fue mucho más que un fotógrafo. Esteta, pintor, diseñador de vestuario, escenógrafo y miembro del famoso grupo de la alta sociedad londinense de los años 20 conocido como “Bright Young Things”, Beaton ganó tres premios Óscar, creó los trajes de rayas blancas y negras de estilo eduardiano de Ascot para My Fair Lady y publicó numerosas guías de estilo. Sin duda la fotografía fue su mayor éxito, detrás del objetivo, Cecil demostró tener una extraordinaria habilidad que superaba los limites de la fotografía conocida durante la época. Sus famosos retratos capturaban toda la esencia personal de sus modelos en una sencilla y elegante imagen estática. A través de sus composiciones transmitía historias únicas utilizando como telón de fondo los impresionantes decorados teatrales que caracterizaron su trabajo.

H

is photographic portraits may be amongst the most iconic images ever to have come out of England in the 20th Century, but Cecil Beaton was far more than just a photographer. Aesthete, painter, costume and set designer and one of the famous group of 1920s London socialites, the “Bright Young Things”, Beaton won himself three Oscars, created the celebrated black and white striped Edwardian Ascot costumes in My Fair Lady, and published numerous style guides and aesthetic bibles, all in addition to the photography which made him famous. But even when he was behind the lens, he had an extraordinary skill which went beyond the normal boundaries of photography. For he did not just capture his sitters in a pose, but through the intense honesty of his composition told much of their personal history in a single still image, all created against the dramatic, theatrical back drops which came to characterise his work.

Beaton, nacido en Hampstead, Londres, en 1904, sintió gran fascinación por la fotografía desde una edad temprana. Mostrando gran entusiasmo por las postales de damas de la alta sociedad que se distribuían gratuitamente con el periódico Sunday, solía persuadir a sus hermanas pequeñas para que posaran de la misma forma cuando, a la edad de 11 años, recibió su primera cámara. Su pasión por la imagen fija creció cada vez más y, rechazando el mundo académico para adoptar una línea más creativa, su talento pronto atrajo la atención de la revista Vanity Fair en la que trabajó como fotógrafo. Fue así como Beaton entró en contacto con los iconos de la época y logró retratar a la crème de la crème de las estrellas más populares. En cada toma, el artista aplicaba técnicas innovadoras propias cuyos resultados derivaban en curiosas puestas de escena. Sus protagonistas fueron fotografiados, por ejemplo, con la cabeza bajo una campana de cristal, rodeados de animales salvajes o envueltos en tela plateada. Por extrañas que parecieran sus estrategias, Beaton siempre lograba que sus modelos parecieran estar cómodos y resaltar sus mejores rasgos eliminando cualquier defecto mediante la luz e ingeniosas perspectivas. Al marcharse de Vanity Fair a Vogue, donde trabajó durante seis décadas, rápidamente pasaron a ser las estrellas las que hacían cola para ser fotografiadas por el célebre fotógrafo. Entre los rostros inmortalizados que

65

Born in Hampstead, London, in 1904, Beaton was inspired by photography from an early age, pouring enthusiastically over the picture postcards of society ladies that came free with the Sunday papers, and pressing his younger sisters to adopt the same poses for photos when, at the age of 11, he received his first camera. His passion for the still image grew only stronger, and rejecting academia for a creative line, his talents soon attracted the attention of Vanity Fair magazine, where he was employed as a Staff Photographer. It was against this platform that Beaton started to come into contact with the icons of the day, producing from amidst this crème de la crème of popular stars stunningly original portraits, each with their own innovative staging techniques. His subjects were for example photographed with their heads under glass cloches, surrounded by wild animals or wrapped in silver cloth, but in each case he had the ability to make people look comfortable in their space, carefully observing their faults in order to eliminate them with clever angles and light. Moving from Vanity Fair to Vogue, with whom he worked for some six decades, soon enough it was the stars who were queuing up to be photographed by this most celebrated photographer. Those undergoing the Beaton treatment included some

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

conforman la selecta colección de Beaton se encuentran algunas de las más grandes personalidades dede todos los tiempos: Actores del prestigio de Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Frank Sinatra; Artistas que marcaron un antes y un después en la historia como Picasso, Francis Bacon, David Hockney, Rudolf Nureyev, Lucian Freud y músico tan grandes como Sammy Davis Junior, Dean Martin o Mick Jagger. Los miembros de la realeza eran grandes admiradores de su obra. Cuando el duque de Windsor le llamó para realizar unos favorecedores retratos de Wallis Simpson, Beaton se convirtió en algo así como un fotógrafo real extraoficial. Posteriormente la mismísima reina Isabel II se convertiría en objeto de sus fotografías dejando como legado algunas de las imágenes más relajadas de su majestad. Los retratos de Marilyn o Grace Kelly puede que sean recordadas por la belleza de sus modelos, sin embargo, es la estética de Beaton la verdadera protagonista de todas estas instantáneas tan admiradas. Es la suavidad en la forma, el dramatismo de la composición y la intensidad de la caracterización lo que hace que las obras de Beaton sean reconocibles al instante. Hoy, nos enorgullece contar con una colección de sus mejores y más emblemáticas obras en el nuevo Cocktail Bar ubicado en la segunda planta de nuestro Restaurante Wellies, en Puerto Portals, Mallorca.

66

of the greatest personalities of our time: Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Grace Kelly and Frank Sinatra from the big screen; Picasso, Francis Bacon, David Hockney, Rudolf Nureyev and Lucian Freud from the arts; and from the music scene jazz greats such as Sammy Davis Junior and Dean Martin and rock icons such as Mick Jagger. However Beaton’s fans came from royalty too, and when the photographer was called in by the Duke of Windsor on a PR exercise to create flattering portraits of Wallis Simpson, he became something of an unofficial royal photographer, later creating some of the most stunningly relaxed images of Queen Elizabeth II ever seen. Today, the emblematic photos taken by Cecil Beaton are amongst some of the most celebrated portraits of the individuals they contain. But while his images of Marilyn, or Grace Kelly may be remembered for the beauty of their sitters, it is the Beaton Look which is the true protagonist of all of these much-admired photographs. It is the softness of form, the drama of composition and the intensity of characterisation which makes Beaton’s works instantly recognisable. And today, we are proud to have a collection of some of his best and most iconic works hanging in the brand new Cocktail Bar upstairs in our Wellies Restaurant in Puerto Portals, Mallorca.

Luciano Giubbilei The Art of Making Gardens

Luciano Giubbilei is one of the foremost and most celebrated garden designers of our times. With three Cheslea Flower Show gold medals under his belt, and the prestigious accolade “Best in Show” for his sensitively crafted 2014 Laurent Perrier Garden, Giubbilei has quickly made a name for himself on the international gardening stage. Yet for the Italian designer, who hails from Tuscany but now works globally out of a small studio based in London, his work is much more than just Chelsea. The Chelsea Flower Show, he tells me, is “like a catwalk, a fashion show – its provides an incredible platform to show and talk about the work of my studio”, but which remains what he calls “an artificial environment”, something which lamentably lasts only the duration of the show. Rather, Giubbilei’s true satisfaction is secured in the considerable garden projects which are quickly making him one of the most sought after garden designers in the world, and whose continuous shifting challenges allow him to grow and develop as a truly informed horticulturalist, and as an artist.

Luciano Giubbilei es uno de los diseñadores de jardines más destacados y célebres de nuestro tiempo. Galardonado con tres medallas de oro y el premio “Best in Show” en el Chelsea Flower Show 2014 por su Jardín Laurent Perrier creado con gran sensibilidad, Giubbilei se ha forjado rápidamente un nombre en el escenario internacional del paisajismo. Para el diseñador italiano, procedente de la Toscana, su trabajo es mucho más que el concurso Chelsea, su pequeño estudio en Londres es sencillamente la base que sostiene una gran carrera internacional. El Chelsea Flower Show, comenta, es “como una pasarela, un desfile de moda; proporciona una plataforma increíble para mostrar y hablar sobre el trabajo de mi estudio”, pero sigue siendo lo que él denomina “un entorno artificial”, algo que lamentablemente sólo perdura mientras dura el show. La verdadera satisfacción de Giubbilei radica en los importantes proyectos de jardinería, retos que le permiten crecer y desarrollarse como verdadero conocedor de plantas y como artista. Los impresionantes resultados de estos trabajos de diseño han convertido a Luciano en uno de los paisajistas más solicitados del mundo.

68

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

69

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

racterising his home city of Siena in Italy. “When I was little”, he tells me, “I was always struck by the narrow streets of Siena, and how the light fell into those streets, moving from one side to another, creating a powerful chiaroscuro effect. This dramatic falling of light was a very important reference when I started designing, and underlay my choice of green layering as a repetitive architectural construct, using repetition of the same material to create a different dynamic space.”

For an artist he truly is. There is a sensitivity and unique creative depth to both Luciano’s ambition, and in the manifestation of his work. Famous for creating gardens whose space is reimagined with a series of multi-layered green hedgerows, Giubbilei invents works which are as engaging as an abstract painting, with plenty of leeway left for the garden visitor to enter into his own psychological interaction with the space. But in creating these verdant landscapes, he is like an architect too, for in the geometry of his plant lines, and the dramatic sculpting of narrow avenues made from green, Giubbilei has channelled what he explains was the predominant inspiration for his early work: the iconic architecture cha-

The sensitivity which has enabled Giubbilei to create a panoply of stunningly aesthetic garden spaces has also formed the bedrock of his important relationships with fellow artists and designers. “I’ve always had a natural affi-

70

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Siena, en Italia. “Cuando era pequeño”, cuenta, “siempre me fascinaron las estrechas calles de Siena, y cómo la luz las atravesaba moviéndose de un lado a otro y creando un poderoso efecto de claroscuro. Este impactante descenso de la luz fue una referencia muy importante cuando empecé a diseñar y subyace en mi elección de la superposición de plantas como elemento arquitectónico repetitivo, empleando la repetición del mismo material se crea un espacio dinámico diferente”.

Como el verdadero artista que es, Luciano demuestra una gran sensibilidad y una profundidad creatividad única tanto en su ambición como en la manifestación de su obra. Giubbilei inventa jardines que son tan atractivos como una pintura abstracta, estos originales espacios permiten al visitantes una curiosa reflexión, invitándole a interaccionar psicológicamente con su alrededor. En la creación de estos frondosos paisajes el artista se comporta como un arquitecto ya que en la geometría de sus diseños y en las esculpidas y estrechas líneas de plantas, Giubbilei ha logrado canalizar lo que él denomina la ‘inspiración predominante’ en sus primeros trabajos: la icónica arquitectura que caracteriza su ciudad natal,

La sensibilidad que ha permitido a Giubbilei crear una colección de jardines increíblemente elegantes también ha sido la base de sus importantes relaciones con otros artistas y diseñadores. “Siempre he sentido una afinidad na-

71

72

Giubbilei’s gardens are infused with the light and the serenity which typically pervades his work, enchanting the eye with careful layers of texture and plant surfaces.

Los jardines de Giubbilei impreganados de luz y serenidad, siempre presente en su obra, cautivan la vista a través de cuidadosas capas de texturas y superficies de plantas.

tural por el arte. Me encantan los intercambios que mantengo con los artistas y la belleza de sus creaciones. Me fascina observar la fuerza que los impulsa y la forma en que se dedican a su trabajo. Me encanta la manera en que ven los espacios y me encanta sentir que interrogo a sus obras para ver si tienen un lugar en mis jardines”. De hecho, uno de los secretos del éxito de Giubbilei es sin lugar a dudas, la forma en la que ha trabajado junto a artistas y diseñadores para crear jardines libres de productos externos que no armonizan con el conjunto, y en su lugar instalar tanto obras de arte como mobiliario creado especialmente para ese espacio. El éxito rotundo del Chelsea Garden 2011, fue, sin duda, otro fruto de sus colaboraciones artísticas con Kengo Kuma responsable de un impresionante pabellón japonés diseñado para dicho proyecto, y de ​​la presencia de las esculturas de piedra tipo puzzle exquisitamente creadas por el escultor Peter Randall-Page. También ha sido brillante su trabajo junto a la diseñadora de mobiliario danesa Nathalie de Laval, con quien ha diseñado muebles de jardín limpios y contemporáneos combinados a la perfección con sus frondosos diseños con el fin de crear un espacio habitacional natural y acogedor .

nity with art. I love the exchanges I have with artists and the beauty of what they create. I love seeing what drives them and the way they stay dedicated to their work. I love the way they see spaces, and I love to interrogate their work to see whether it has a place in my gardens.” And indeed one of the secrets of Giubbilei’s success is clearly the way in which he has worked alongside artists and designers to create designs free from ill-fitting outside products, and instead installed both art and furnishings created especially for the space. Such were the seeds of success underpining his 2011 Chelsea Garden, whose tranquillity was undoubtedly the by-product of his installation of a stunning Japanese pavilion designed for the space by Kengo Kuma, and the presence of the extremely tactile, exquisitely crafted puzzle-like stone constructs created by sculptor Peter Randall-Page. Brilliant too has been his work alongside Danish furniture designer Nathalie de Laval, with whom he has fashioned clean, contemporary garden furniture, which combines so perfectly with his garden designs as to create a natural, inviting living space.

73

Pero a pesar de su éxito Giubbilei no es un diseñador dispuesto a dormirse en los laureles. Le gusta superarse cada día, encontrar nuevos desafíos que lo lleven más allá de los límites, como en el caso de su proyecto personal en Gran Dixter, el famoso jardín inglés donde ha situado su propia parterre con el fin de desarrollar y mejorar su comprensión natural de cómo las comunidades de plantas se relacionan entre sí y con su entorno. Lo mismo ocurrió en su proyecto para el Yorkshire Sculpture Park, que formó parte de la Bienal de Venecia de 2015, para la que Giubbilei superó el reto de diseñar un sencillo jardín de esculturas junto con un camino serpenteante desde el que podían admirarse las obras de la escultora estadounidense, Ursula von Rydeinsgvard. Siempre hacia adelante, Giubbilei se estira para llevar los límites al siguiente nivel. Desde su magnífico jardín instalado en 2015 en Marruecos, un trabajo enclavado en lo más profundo de las montañas del Atlas es un paisaje repleto de olivos, fragantes jazmines y un moderno parterre de hierbas Pennisetum. Ahora está trabajando en un innovador jardín de cactus en la idílica isla de Formentera, un proyecto lleno de nuevas texturas que provoca una forma de pensar y percebir completamente diferente. Emocionado por su futuro, Luciano cuenta como el trabajo de su pequeño estudio crece cada vez más con proyectos en San Francisco, Ginebra, Londres, Sicilia y Madrid. Cada proyecto representa una nueva etapa en su trabajo. “La etapa Chelsea Flower Show probablemente ha pasado ya”, me comenta”, aunque nunca digas nunca. Con ella hice lo que quería hacer. Ahora mi objetivo es invertir mi tiempo y energía en la creación de nuevos jardines increíbles “. Y con toda seguridad serán increíbles. Pasar unas horas hojeando las páginas de su magnífico nuevo libro, The Art of Making Gardens (Merrell, 2016) es casi tan placentero como visitar los propios jardines. Un paseo que permite al lector apreciar el impresionante diseñador y jardinero que es Giubbilei. Infundida de la luz y la serenidad que normalmente impregnan su obra, cautivando la vista a través de cuidadosas capas de texturas y superficies de plantas, e impactando en los sentidos con notas florales y líneas contemplativas, la obra de Luciano Giubbilei es un catálogo realmente extraordinario de obras maestras de las que cualquier artista estaría verdaderamente orgulloso. Esperamos, con auténtica emoción, ver hacia dónde le llevará próximamente su genio creativo.

74

But despite his success, Giubbilei is not a designer who is content to rest on his laurels. He likes to stretch himself every day, and find new challenges which take him beyond the boundaries with which he has been previously comfortable. Such was the effect of his very personal project in Great Dixter, the famous English country garden, where he was allocated his own Dixter Border in order to develop and enhance his natural understanding of how plant communities relate to one another and to their surroundings. Likewise in his project for the Yorkshire Sculpture Park, part of the 2015 Venice Biennale, for which Giubbilei aptly met the challenge of designing a simple sculpture garden, together with a twisting serpentine path, from which the works of American sculptor, Ursula von Rydeinsgvard, could be admired. Moving forwards Giubbilei is pushing at the boundaries even further. From his magnificent garden installed in 2015 in Morocco, a work set deep within the Atlas mountains and filled with ancient olive groves, fragrant jasmine and a modern parterre of Penniseteum grasses, he is now working on an innovative cactus garden on the idyllic island of Formentera, a project full of new textures and a whole new way of thinking. Visibly excited by his future, Luciano told me how the work of his small studio is being stretched to its limits by projects in San Francisco, Geneva, London, Sicily and Madrid to name but a few, but that each project represents a new phase in their work. “The Chelsea Flower Show phase is probably over now”, he tells me, “although never say never. I did with it what I wanted to do. Now my aim is to spend my time and energy making amazing gardens.” And amazing those gardens will surely be. For a few hours spent flicking through the pages of his magnificent new book, The Art of Making Gardens (Merrell, 2016) is almost as much of a treat as walking through the gardens themselves, a stroll which enables the reader a full appreciation of just what a stunning designer and gardener Guibillei is. Infused with the light and the serenity which typically pervades his work, enchanting the eye with careful layers of texture and plant surfaces, and arresting the senses with floral notes and contemplative lines, Luciano Giubbilei’s portfolio is a truly impressive catalogue of masterpieces which any artist would truly be proud of. We await, with true excitement, to see where his creative genius will lead next.

75

THE MUG 10€

T HE BO O K 35€

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

ELSA SCHIAPARELLI La diseñadora surrealista Elsa Schiaparelli once said of her career: “Poverty forced me to work, and Paris gave me a liking for it”. However, her sentiment was modest indeed, for Schiaparelli is known, alongside Coco Chanel, as being one of the two most prominent fashion designers of Paris in the 1920s and 1930s. Known for creating shockingly innovative designs with Surrealist influences, one could call her both a couturier and an artist, and it is clear that the combination of both facets is what helped her to become an icon of her times.

Elsa Schiaparelli dijo una vez: “La pobreza me obligó a trabajar pero París hizo que me gustara mi trabajo”. No obstante, su opinión era realmente modesta, ya que hoy Schiaparelli, junto con Coco Chanel es considerada una de las más importantes diseñadoras de moda del París de los años 20 y 30. Conocida por sus diseños tremendamente innovadores con influencias surrealistas, podría decirse que fue tanto couturier como artista, y está claro que la combinación de ambas facetas fue lo que le llevó a convertirse en un icono de su época. Schiaparelli no procedía de lo que podríamos denominar orígenes “modestos” dado que nació en un palazzo romano y su madre era aristócrata. Sin embargo, su inconformismo, su actitud rebelde y su profundo interés por lo espiritual y oculto chocaron con su estricta educación católica. Cuando el intento de sus padres de “enderezarla” enviándola a un internado en Suiza terminó con una huelga de hambre

Schiaparelli did not come from what you could call “modest” beginnings, being born in a Roman Palazzo to an aristocratic mother. Nonetheless, it was her nonconformist, rebellious attitude, as well as her deep interest in the spiritual and the occult which sat so uncomfortably with her strict Catholic upbringing. When her parents’ attempt to

79

80

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

que provocó su expulsión, la única salida de aquella joven rebelde fue abandonar Italia y embarcarse en la búsqueda de su expresión personal. Fue en esta época de emigración autoimpuesta cuando Schiaparelli sufrió la “pobreza” a la que alude pero, afortunadamente, el ventajoso matrimonio en Londres con un conde polaco y su posterior traslado a Nueva York, colocaron a Schiaparelli en la situación idónea para acceder a las influencias creativas que pondrían en marcha su exitosa carrera en el mundo de la moda. El interés de Schiaparelli por la espiritualidad se tradujo en una afinidad natural por el arte de los movimientos dadaísta y surrealista, y su amistad con Gaby Picabia, esposa del artista surrealista, a quien había conocido en un viaje transatlántico a América en 1916, le valió la entrada en un grupo de influyentes artistas que incluía a Marcel Duchamp y Man Ray. Cuando Picabia y Man Ray abandonaron Nueva York para instalarse en París, Schiaparelli, ya divorciada, se fue con ellos.

No hay duda de que fue en París donde Schiaparelli forjó su nombré. Como Yves Saint Laurent, su compañero y protegido afirmó una vez: “(Ella) abofeteó París. Lo sacudió, lo torturó y lo cautivó. París se enamoró locamente de ella”. Pues fue en París donde Schiaparelli dio sus primeros pasos en la moda. Aunque no poseía formación como modista, su afinidad natural con las prendas de vestir y su habilidad para crear dise“straighten her out” via a boarding school in Switzerland ended in Elsa’s hunger-strike and forced exit, all that was left for the radical youngster was to flee Italy and embark on her own search for personal expression. It was during this period of self-imposed emigration that Schiaparelli suffered from the “poverty” to which she alludes, but happily a fortunate marriage in London to a Polish Count and their subsequent move to New York, saw Schiaparelli perfectly situated to access the creative influences which would set her immensely successful fashion career rolling. Schiaparelli’s interest in spiritualism translated into a natural affinity for the art of the Dada and the Surrealist movements, and an initial friendship with Gaby Picabia, wife of the Surrealist artist who she had first met on board a ship during a transatlantic cross to America in 1916, gained her entry into a group of influential artists who included Marcel Duchamp and Man Ray. When Picabia and Man Ray left New York for Paris, Schiaparelli, now divorced, went with them. There is no doubt that it was in Paris that Schiaparelli made her name. As Yves Saint Laurent, her colleague and protégé once commented: “She slapped Paris. She smacked it. She tortured it. She bewitched it. And it fell madly in love with her”. For it was in Paris that Schiaparelli first broke into fashion. Although she had no training in dress-making,

8181

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

ños basándose únicamente en rápidos bosquejos y el drapeado del tejido sobre su propio cuerpo dio lugar a una colección fresca y ponible. Además, debido a su constante relación con los surrealistas, reforzada ahora con la grata incorporación de Jean Cocteau y Salvador Dalí, su moda se distinguió del trabajo de modistas como Chanel por la creación de prendas con toques surrealistas y, a menudo, extraordinariamente avant garde.

her natural affinity with clothes and her ability to produce designs based solely on rough sketches and the drapery of fabrics over her body resulted in a collection which appeared both uncontrived and wearable. What’s more, owing to her continued relationship with the Surrealists, now strengthened to include the welcome addition of Jean Cocteau and Salvador Dalí, she distinguished her fashion from the likes of Chanel by creating garments characterised by surreal and often shockingly avant garde touches.

Así, partiendo de un primer jersey con el motivo de una gran lazada, evolucionó hasta la creación, mano a mano con sus amigos artistas, de algunas de las prendas más emblemáticas de la época. Con Dalí, creó el famoso sombrero con forma de zapato y los vestidos Langosta, Lágrimas y Esqueleto. La influencia de Dalí produjo también el sombrero con forma de chuleta de cordero y un traje de día con bolsillos que simulaban los cajones de una cómoda. Además, sus creaciones fueron únicas por la visibilidad de sus elementos de sujeción; Schiaparelli fue la primera diseñadora en utilizar cremalleras de plástico de colores vivos a la vista y botones de formas distintas. Elaboró también una serie de singulares perfumes y piezas de bisutería como el collar salpicado de insectos metálicos de colores, realizado en colaboración con Clèment, que recuerda también sus influencias surrealistas.

So from an initial black sweater carrying a large white bow motif, she went on to create, hand in hand with her artist friends, some of the most iconic fashion of the age. With Dalí, she created the famous shoe hat, and the Lobster, Tears and Skeleton dresses. Dalí’s influence also resulted in a Schiaparelli lamb-cutlet hat and a 1936 day suit with pockets simulating a chest of drawers. Her clothes were likewise distinctive because of the visibility of fastenings; Schiaparelli was the first designer to actively use visible and brightly coloured plastic zippers and variously shaped buttons. She likewise made a range of distinctive perfumes and costume jewellery such as the necklace studded with coloured metallic insects made in conjunction with Clément, likewise recalling her Surrealist influences.

Pronto llegó el éxito y la fama entre la alta sociedad artística del París de los años 20 y al poco tiempo Schiaparelli contaba ya con una emblemática boutique en la Place Vendôme. Allí pudo mostrar su tremendamente exitosa colección “pour le Sport” con atrevidos trajes de baño, ropa de esquí y vestidos de lino, así como su colección de trajes de noche confeccionados con las lujosas sedas de Robert Perrier, que lucieron personajes como la Duquesa de Windsor o Marlene Dietrich. Sin embargo, el éxito de Schiaparelli no iba a durar. Abandonó París durante la Segunda Guerra Mundial y se negó a diseñar mientras continuaba el conflicto. A su vuelta a París, no supo adaptarse a la austeridad de los años de la postguerra y en 1945 se vio obligada a cerrar su negocio.

Success and fame amongst the artistic jet set of 1920s Paris followed fast and before long Schiaparelli had opened an iconic boutique on the Place de Vendôme. There, she was able to showcase her phenomenally successful “pour le Sport” collection of daring bathing suits, ski-wear and linen dresses, as well as her evening wear collection featuring the luxury silks of Robert Perrier and worn by the likes of the Duchess of Winsor and Marlene Dietrich. However Schiaparelli’s success was not to last. Leaving Paris during the Second World War and refusing to design while the conflict rumbled on, her return to Paris saw a failure to adapt to the austerity of post-war years, and by 1954, she was forced to close down her couture house.

Naturalmente, nada es eterno, y está claro que este extravagante personaje, con sus diseños tan vivos y originales perteneció a la edad de oro parisina, en la que la ciudad vivió el esplendor de su creatividad y la expresión alcanzó niveles sin precedentes. Al igual que nunca podrá recrearse esa época, los diseños de Schiaparelli siguen siendo creaciones únicas de su tiempo, verdaderos iconos de una italiana que se encontró a sí misma en París.

Of course nothing lasts forever, and it is clear that this flamboyant character, with her vivid and brilliantly original designs belonged to a Parisian golden age, when the city was at its creative best, and expression was at an all time high. Just as that era can never be recreated, so too will Schiaparelli’s designs remain unique and of their time, true icons of an Italian who found herself in Paris.

82

I wish i was there...

WIMBLEDON MEN’S SINGLES FINAL 2008 M R R A FA E L N A D A L V S M R R O G E R F E D E R E R 6 julio de 2008. En un día gris de verano, típicamente inglés, la pista central de Wimbledon estaba llena a rebosar en previsión de la que sería una de las finales más emocionantes de la historia del tenis. Para los jugadores, Rafael Nadal y Roger Federer, había mucho que perder y mucho más que ganar: una victoria para Nadal significaría ser el primero en ganar el Abierto de Francia y el Torneo de Wimbledon en el mismo año desde que Björn Borg lo lograra en 1980; una victoria para Federer lo convertiría en el primer hombre en ganar seis finales individuales masculinas de Wimbledon consecutivas.

6 July 2008. On a typical grey English summer’s day, the Centre Court at Wimbledon was packed to the rafters in anticipation of what would turn out to be one of the most nail-biting championship finals in tennis history. For the players, Rafael Nadal and Roger Federer, there was so much to lose and even more to gain: A win for Nadal would mean being the first since Björn Borg in 1980 to win both the French Open and the Wimbledon Championship back to back; a win for Federer would make him the first man to win six consecutive Wimbledon men’s singles titles.

Nadal, que había sido derrotado por Federer en las dos finales de Wimbledon anteriores, tuvo un comienzo increíble, ganando los dos primeros sets antes de que la lluvia estival interrumpiese el tercero. Pero cuando el cielo se despejó y se reanudó el juego, el tiempo parecía haber revitalizado al suizo. Ganado el tercer set en el tie-break y repitiendo la táctica en el cuarto, Federer empató a dos sets con Nadal. Todo dependía del quinto set, el más tenso y dramático vivido hasta el momento. Finalmente, rompiendo el servicio y haciéndose con el set con el resultado de 9-7, fue el mallorquín Nadal, quien triunfó, terminando así con la racha ganadora de 5 años de Federer y pasando él y el partido a la historia del tenis, dado que con cuatro horas y 48 minutos, fue la final más larga jamás disputada en Wimbledon.

Nadal, who had been defeated by Federer in the previous two Wimbledon finals, got off to an incredible start, taking the first two sets before summer rain interrupted the third. But when the skies cleared, and play resumed, the weather seemed to refuel the Swiss. Taking the third set on a tie breaker, and repeating the tactic in the fourth, Federer made it evens with Nadal at two sets a piece. Everything rested on the fifth set, the most tense and dramatic anyone had ever seen. Finally breaking serve and nailing the set 9-7, it was the Mallorcan Nadal who finally came up trumps, breaking Federer’s 5 year winning streak and catapulting both himself, and the match into tennis history – for at four hours and 48 minutes, it had been the longest Wimbledon final ever played.

Chinese Caipirinha

Pimm’s Cup

Champagne Cocktail

IL JARDINETTO LI VING

HOUSE

Verí, 1 · 07001 Palma de Mallorca T. 971 72 76 74 · [email protected]

NOT JUST COFFEE, WE LIKE TO CULTIVATE SUSTAINABILITY

Not just one, but three kinds of sustainability in coffee production: economic, social and environmental. At illy this means helping to develop our producers, ensuring they are fairly paid for their work, transferring skills to produce the highest quality coffee whilst respecting the environment. A virtuous circle and the only possible way to achieve coffee excellence. Discover more at valuereport.illy.com

live happilly illycaffè S.p.A. Sucursal en España Teléfono +34 93 303 40 50 - [email protected]

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

What makes you feel beautiful. Una sonrisa siempre es el elemento clave de un perfecto look, otorgando frescura, naturalidad y sencillez a tu conjunto. Un toque de gloss, un vestido boho y unas sandalias con pedrería harán el resto. Colores neutros y vivos para tu outfit de verano/otoño serán una apuesta segura para deslumbrar en cualquier ocasión, pero recuerda, siempre con un arco en la expresión de tu rostro.

A smile is the accessory you’re looking for to finish a perfect look this summer. It’s the key to convey that natural, fresh yet simple touch to your outfit, making it all come together smoothly. A touch of lip gloss, a boho dress and some rhinestone sandals will do the rest. This summer/fall, you can be sure that neutral and vivid colors will make you stand out no matter what, but don’t forget to always have that smile on your face!

88

Bolso Opium 2 de piel negro con tachuelas, Yves Saint Lauren. Sleek Black studded tote by Yves Saint Lauren.

Conjunto lencero de encaje estilo minimalista, colección otoño/invierno 2016/17 de La Perla. Minimalist lace lingerie by La Perla, Autumn/ Winter collection 2016.

Anillo de diamantes colección “Sous le signe du lion”, Chanel.

Blossom Collection, polvos iluminadores que transforman las perlas de color en luminosidad facial, los Météorites de la maison Guerlain. Guerlain Météorites pearls of powder to delicately correct and illuminate skin complexion. 89

Falda A-line denim de Yves Saint Laurent A-line denim skirt by Yves Saint Lauren.

Conjunto de chaqueta y falda de la colección crucero 2016 de Emporio Armani en colores crudos acompañado de complementos marrones. Nude colored jacket and skirt by Emporio Armani Cruise Collection 2016.

Peep toes J String Patent de charol de Christian Louboutan. “J String” patent leather shoes by Christian Louboutin.

90

Pendientes en oro amarillo, aguamarina y cuarzo rosa, de Tous. Yellow gold earrings with aquamarine and rose quartz by Tous.

Chaqueta plateada de ganchillo, Uterqüe. Crochet silver jaket by Uterqüe.

Rolesor Everose, versión femenina de la colección Oyster Perpetual Datejust, una combinación de acero y oro o Everose de dieciocho quilates de Rolex. This Rolex Everose Rolesor made of a combination of steel, yellow and everose gold, is the feminine version of the Oyster Perpetual Datejust collection.

Carolina, gafas de sol de estilo boho, Chloé. Carolina chic boho sunglasses by Chloé.

91

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Grace Jones Slave to the rhythm

R

esulta curioso y revelador que todavía perviva el rumor, falso, de que Grace Jones era en realidad un hombre transexual. Basta darse un paseo superficial por internet para comprobar que Jones ha sido madre y que nació mujer, aunque otros dirían que nació diosa: la naturaleza, caprichosa, la dotó tanto de una personalidad como de un cuerpo con el que romper todos los moldes y presupuestos de su tiempo, poniendo patas arriba las convenciones sexuales y raciales, convirtiéndola en uno de los iconos más importantes de los 80. Modelos, actriz, cantante. La Santa Trinidad de la fama. Jones triunfó, a su manera siempre, en todos los campos. Como modelo, primero. Huyendo a París a la busca de un mercado en el que sus facciones fueran todavía más exóticas. Allí compartió piso con Jessica Lange y fiesta con el ilustrador Antonio López, quien la ayudó a conseguir sus primeras portadas para Vogue y Elle, para volver con un nombre ya hecho a Nueva York, a donde se había mudado tras abandonar sus estudios y su religiosa familia, con la que llegó a Estados Unidos desde su Jamaica natal. En Manhattan se convirtió rápidamente en el epicentro de una nueva escena, la disco, que la convirtió en su nueva diva. Del brazo de Andy Warhol y con Tom Moulton y Richard Bernstein encargándose de la música e imagen, respectivamente, de sus primeros singles, Jones no tardó en convertirse en la mujer más deseada de la escena gay neoyorquina. Madonna antes de Madonna. Sonadas eran sus

entradas/performance en Studio 54 y otros clubs nocturnos, donde acudía con cualquier intención menos la de pasar desapercibida (semidesnuda, en patinetes, sobre una motocicleta y rodeada de hombres en bañador, lo que fuera necesario). Pero la época dorada de la música disco tenía fecha de caducidad y ella supo verlo y reciclarse, convertirse en una artista pop, además una con una imagen y discurso estético increíblemente cautivadores. “Warm Leatherette” en 1980 y “Nightclubbing” en 1981 (el responsable de sus icónicas portadas fue el artista Jean-Paul Gaude, padre de su hijo Paulo) dejaron claro que era algo más que una simple maniquí nubia y la convirtieron en una de las figuras esenciales para comprender la transición post-disco. Personalidad no le faltaba. Arnold Schwarzenegger se quejaba de su rudeza en las escenas que compartieron en “Conan el Destructor”. Y aunque fuera algo más que la dureza lo que la llevó a ganar un premio Saturno y ser nominada a los Grammy, no faltan anécdotas sobre su indomable carácter, como cuando abofeteó a un presentador de la televisión británica en directo por darle la espalda o cuando la expulsaron de una actuación en Disneylandia por enseñar un pecho. Cabe preguntarse qué esperaban en Disney de una mujer que se hizo un hueco entre la fauna más selecta de los ochenta a base de dentelladas, un hambre de fama insaciable y una personalidad arrolladora, una diosa de ébano que parecía capaz de triturar a cualquier machito con ínfulas, una escultura viviente, hecha de cartílagos y arte.

93

Fue el mismísimo Andy Warhol quien le presentó la bella Grace Jones a Keith Haring. Pensó que su cuerpo femenino era el ‘no va más’ para ser pintado.Grace luciendo pintadas de estilo primitivo y pop, ambos obsesiones de Haring. Warhol organizó una sesión fotográfica del bodypainting a cargo de Robert Mapplethorpe. Durante la sesión, Jones quedó semidesnuda decorada con complementos de goma diseñados por David Spada.

Andy Warhol introduced Keith Harings to Grace Jones. He thought that hers was the ultimate body to paint — Grace embodying both primitive and pop, Harings obsessions. Warhol arranged for Robert Mapplethorpe to photograph the finished body painting. At the session, Jones stripped to her underwear, and donned a huge crown and rubber jewelry designed by David Spada.

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

I

anything but to go unnoticed. She would turn up semi-naked, on skates, riding a motorbike and surrounded by men in bathing costumes. Anything that took her fancy. Although the golden age of disco music had an expiry date, she foresaw its climax and recycled herself to become a pop artist, and one with an incredibly captivating aesthetic image. ‘Warm Leatherette’ (1980) and ‘Nightclubbing’ (1981) (the man responsible for her iconic album covers was the artist Jean-Paul Goude, the father of her son Paulo) were clear evidence that she was more than a simple Nubian mannequin, transforming her into one of the essential figures of a post-disco transition. She was never short on personality, either as a model, singer, or in her new guise as actress. Arnold Schwarzenegger even complained about her being too tough in the scenes they shared in the 1984 film Conan the Destroyer. And although it was more than toughness that earned her a Saturn Award and a Grammy nomination, there are a number of anecdotes about her indomitable character: on one occasion she slapped a presenter live on British television for turning his back on her, and on another she was removed from a performance in Disneyland for showing a breast. You can’t help wondering what Disney was expecting from a woman that fought tooth and nail to outshine the domineering personalities of the 1980s, driven by her insatiable hunger for fame and her overpowering personality; an ebony goddess who seemed capable of crushing any man with her vanity, a living sculpture, made of body and of art.

t’s both curious and revealing that the false rumour still persists that Grace Jones is actually a transsexual man. A quick online search is enough to discover that Jones is a mother and was born a woman, although others would say she was born a goddess. A capricious nature gave her a personality and a body that broke all the moulds and assumptions of her time. Turning sexual and racial conventions on their head, she became one of the most important icons of the 1980s. Model, actress, singer. a holy trinity of fame. Jones was successful in all three roles, but always in her own very individual way. She was foremost a model, heading to Paris in search of a market where her features would be found even more exotic. There, she shared an apartment with Jessica Lange, and soon fell in with illustrator Antonio López, who helped her to obtain her first covers for Vogue and Elle. Having made a name for herself, she returned to New York, the city she had first made her home, after abandoning her strictly religious Jamaican family and her studies. In Manhattan she rapidly became the epicentre of a new scene - disco music - which turned her into its latest diva. Helped by Andy Warhol, and with Tom Moulton and Richard Bernstein responsible for the music and artwork on her first singles, it didn’t take Jones long for her to become one of the most desired women on the New York gay scene. She was Madonna before Madonna. Her visits and performances in Studio 54 and other nightclubs were notorious, and her intention was

96

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

What to wear by the sea

Por fin ha llegado ese momento que hemos estado esperando todo el año; el momento para desconectar, pedir un gin and tonic y no moverse de la playa. Lo único que vas a necesitar son algunos sencillos de accesorios de verano, unos shorts que te queden bien, unas gafas de sol bonitas y de buena calidad… Pero no te preocupes, nosotros te ahorraremos el trabajo. Lying back on the beach to enjoy those longed-for moments in the sun is the perfect time to switch off, to disconnect, to pour yourself a gin and tonic, and to set your sunbed to horizontal. When it comes to deciding what clothes to wear, you will want to invest in a decent pair of swim shorts that fit you well, a fine pair of sunglasses, and all of the necessary accessories before you decide to parade yourself by the water’s edge. We’ve done the work for you.

98

THE SWIM SHORTS

Hay muchas marcas de bañadores, pero pocas destacan tanto como Frescobol Carioca. Seguro que te sientan genial sus modelos con colores llamativos. Estos bañadores no solo son cómodos dentro del agua, sino también muy practicos a la hora de secar. Combinado con una camisa informal como la ‘towelling-tee’ de Orlebar Brown, se completa un look elegante y ‘casual’, que nos recuerda un poco al famoso Sean Connery en Goldfinger.

THE PROTECTION

There are many brands, but few specialise in this department as well as Frescobol Carioca. Apart from their interesting designs and vibrant colours, they have a sexy fit as well. This orange short-length pair is not only great in water but also appropriate on dry land, especially when teamed with this cotton towelling tee from Orlebar Brown – which reminds us of Mr Sean Connery’s casual wardrobe in Goldfinger.

THE NECESSITIES

Como ya sabemos, el sol tiene muchos beneficios, pero eso no quiere decir que no nos tengamos que proteger. A nosotros nos gusta Hampton Sun Lotion, que además de protegerte de los rayos de sol, también evita el envejecimiento prematuro. Las gafas de Cutler and Gross, no solo mejoraran tu look, sino también les permitirá ojear discretamente a las personalidades variopintas que encontrarás por la playa…

Otro accesorio esencial para este verano es una de las preciosas toallas de Frescobol Carioca. Inspirados en Rio De Janeiro, los estilosos diseños de estos productos son elaborados con lino puro. Además, la toalla es suficientemente grande para dos, perfecto para los que les gusta tomar el sol en compañía. Y si te decides a ir a tomar un G&T a algún bar cercano, no te olvides de ponerte unas alpargatas de Castañer para completar el ‘look’.

The sun has many benefits, but it’s crucial to remain protected, and wearing sunglasses – especially those from Cutler and Gross – will not only make you look cool(er), they also allow you to discretely people-watch, which is always useful when you’re at the beach. Now, about that skin of yours, take good care of it. We like Hampton Sun lotion, as it not only looks after the basics (most importantly UV protection), it also helps prevent premature aging.

Courtesy of Mr Porter, all items available at www.mrporter.com 99

Other must-haves are a handsome beach towel by Frescobol Carioca, the Rio de Janeiro-inspired brand, with its stylish diamond design woven on pure linen. What’s more, it’s big enough for two if you like to sunbathe with company. And if you decide to go to a nearby bar, for some more G&T’s, make sure to wear some espadrilles by Castañer to make the journey.

STYLE ICONS

FIVE MEN WHOSE DRESS SENSE WE ADMIRE

MR. NICKELSON “NICK” WOOSTER Nacido en Kansas, pero a día de hoy residente en Nueva York, Nickelson Wooster ha trabajado con unas de las mejores marcas en el mundo de la moda. A lo largo de sus 30 años en la industria de la moda, Nickelson ha trabajado con Calvin Klein, Barneys New York, Ralph Lauren, Bergdorf Goodman y Neiman Marcus. Entre sus proyectos mas recientes ha sido consultante para varias marcas globales. Sin duda un verdadera leyenda de la moda, Nickelson continua superando los limites en su trabajo y su estilo personal inconfundible. Kansas born, New York based Nickelson Wooster has worked with some of America’s top fashion brands. His tenure in the menswear space has spanned over 30 years with stints at Calvin Klein, Barneys New York, Ralph Lauren, Bergdorf Goodman and Neiman Marcus. Most recently Nick has been consulting for a handful of global fashion brands. A true fashion authority, he continues to push boundaries through his work and distinctive unique personal style of elegant imperfection.

100

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

MR. JOHANNES HUEBL Aparte de ser modelo y estar casado con la top modelo Olivia Palermo, Huebl también es un apasionado de la fotografía y trabaja como consultor estilista. Al no llevar corbata sus conjuntos siempre tienen un toque informal pero, gracias a sus selectas camisas y trajes su apariencia nunca pierde elegancia. Married to it-girl Olivia Palermo, beside being a good-looking model, he is also a keen photographer and style consultant. For him, going tie-less is a small alteration that can make a huge difference to a traditionally smart aesthetic. Instantly bringing the formality down a notch and when combined with a beautifully cut suit and shirt, his look oozes laid-back chic without ever appearing too casual.

101

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

MR. LAPO ELKANN Como gerente de promoción de la marca Fiat, Elkann se sigue los pasos de su reputado abuelo, el señor Gianni Agnelli, quien dirigió la misma compañia durante muchos años. Pero, en ningún aspecto es Elkann el típico mimado heredero. Su vida social es tan animada y versátil como su manera de vestir. Lo que nos inspira de él, no es que sea un invitado habitual en las mejores fiestas, o que conste en las listas de ‘mejor vestidos’ de Vanity Fair, lo que nos encanta de Elkann es como juega con tanta confianza e elegancia con las últimas tendencias logrando lucir siempre un estilo muy personal. The manager of brand promotion at Fiat - a company once led by his highly stylish grandfather, Mr Gianni Agnelli - is by no means your typical Italian scion. His personal life has been as playful as his dress sense. A regular at all the best parties - as well as on Vanity Fair’s annual Best-Dressed List - we love the way he takes all the menswear rules and throws them artfully into the air.

102

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

MR. MICHAEL BASTIAN Después de diez años trabajando para otras empresas de moda, el célebre diseñador Michael Bastian ha creado su propia marca de moda. Su firma está especializada en ropa de hombre de alta calidad diseñada en Nueva York y elaborada en Italia. El estilo de Michael es, sin duda, la voz americana en el mundo de el diseño: algo moderno y lujoso, pero a la vez familiar con un toque informal. Award-winning fashion designer Michael Bastian was the fashion director of a luxury retailer before launching his own label ten years ago, specializing in high-quality, impeccably crafted menswear pieces. Without a doubt, Michael is the American voice in the men’s designer world – something modern and luxurious, but also a little broken down and familiar. Designed in New York and made entirely in Italy.

103

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

MR. ALESSANDRO SQUARZI Empresario y coleccionista, Alessandro es uno de los hombres mas admirados por todos los ‘street style bloggers’ del el mundo. Ha sido retratado por fotógrafos como Scott Schuman, el famoso autor del libro The Satorialist entre otros muchos. Como fan de lo vintage, es uno de los coleccionistas más importantes en Italia, no solo de ropa sino también de coches y motocicletas. Sus estilismos, creativos, interesantes y sobre todo clásicos, le han convertido en un verdadero símbolo de la moda italiana. An Italian entrepreneur in the fashion industry and one of the most photographed men by street style bloggers around the world. As a big fan of vintage, he is one of the largest collectors in Italy, not only of clothes but of a fine assembly of vintage cars and motorcycles. His portraits, a signature of friend Scott Schuman, the famous street style photographer and author of the book The Sartorialist, have made him a well-known face, and his looks are often inspirational for the fashion industry as a genuine interpreter of the true Italian style.

104

Get the look PRIVATE WHITE V.C.

The Ventile® Rainrider jacket draws design inspiration from classic motorcycle outerwear and has been created from locally sourced 100% Ventile® high-performance cotton and handcrafted in Manchester, England. www.privatewhitevc.com

MASTER & DYNAMIC

The MH30 headphones are designed to be like modern thinking caps, helping to focus, inspire and transport your mind. The sound quality is rich and warm… perfect to listen to Cappuccino Radio Station on-the-go! www.masterdynamic.com

MICHAEL BASTIAN

These ravishing banana leafprint cotton-canvas shorts are Michael Bastian’s take on camouflage for this season. www.michaelbastiannyc.com

BENNETT WINCH

Every bag is exclusively handmade in England from a selection of fine materials by skilled craftspeople who employ only traditional techniques to carefully create each piece. www.bennettwinch.com

ACT

Act is a brand devoted to the creation of high quality espadrilles. It originated in 2013 in Mallorca and Berlin. www.act-series.com

106

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

TUCKER BLAIR X KJP

A collaboration between Kiel James Patrick & Tucker Blair, this bracelet will inspire generations to come with the very best that New England has to offer. www.tuckerblair.com

LIMITATO

Turning t-shirts into art through iconic prints taken by world famous photographer Terry O´Neill. Made in the finest cotton. Limitato mix high-end fashion with a good dose of rock ‘n roll. www.limitato.eu

MALMOK

Malmok is 100% Spanish, its designs, materials and production processes all being realised in Spain. Their wonderfully fresh shirts are made for the very best quality of linen. www.malmok7m.com

107

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

C

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K

Breitling Superocean Heritage 46 Collar Lunaria Pendientes Oval Anillo oro piedra luna Pendientes oro Malaquita pera Pulsera Calabrote

A la venta en / all products available in: NICOLÁS JOYEROS (Mallorca) · www.nicolasjoyeros.com

108

TU

EXPERIENCIA

OUTLET EN MALLORCA

...y mucho más!

Palma - Inca Km 7.1 Exit 8. MARRATXÍ | www.festivalpark.es

juan vidal lo que está por venir

Tras haber ganado la segunda edición del prestigioso premio de moda WHO’S NEXT otorgado por Vogue, Juan Vidal es oficialmente la nueva sensación en el mundo de alta costura. After winning the second prestigious WHO’S NEXT fashion award presented by Vogue, Juan Vidal is officially the newest sensation in the haute couture world.

111

El joven diseñador creció rodeado de grandes firmas que albergaba la tienda de sus padres en la ciudad de Elda. Desde su niñez fue definiendo sus fuentes de inspiración y estilo propio jugando entre telas y complementos. Al terminar el instituto, Juan Vidal se trasladó a Barcelona para iniciar sus estudios en Bellas Artes, carrera que pronto dejó de lado para continuar con su pasión por el diseño de moda. Fue sin duda un paso atrevido pero, de no ser por este cambio Vidal no sería hoy uno de los nombres más aclamados de la industria de la moda, galardonado con los premios MODAFAD, Revlon, Tendencias de la Moda, la mejor colección de primavera-verano y otoño-invierno en la Pasarela de Valencia o L’Oréal París a la Mejor Colección. Siguiendo un estilo femenino, los diseños de Juan Vidal lucen cortes rectos, estampados llamativos, colores pastel y texturas ligeras. Sus vestidos juegan con la figura de la mujer, algunos más atrevidos son una elegante combinación de modelos clásico con un divertido toque moderno. Claro está en el mundo de la moda que Vidal es el centro de todas las miradas, y ‘fashionistas’ al rededor del mundo esperan con ansias sus futuros proyectos.

112

The young designer grew up surrounded by major brands sold in the shop his parents ran in the city of Elda (Spain). It was there that the seeds of his inspiration were sewn, where the opportunity to play as a boy surrounded by fabrics and accessories instigated his first foray into fashion and design. Although his post-school studies led the designer to Barcelona to undertake a course in fine art, he soon dropped the programme when his passion for fashion became all-consuming. It was a wise move. Were it not for this change, he may not have become one of the most recognised fashion names of the moment. Nor would he have received the countless panoply of awards which he has now received—MODAFAD, Revlon, Fashion Trends, the best spring-summer and autumn-winter collection at the Valencia Catwalk and a gong from L’Oréal Paris for the Best Collection. Opting for a feminine style, Juan Vidal’s designs favour straight cuts, striking patterns, pastel colours and light textures. His dresses play with the female figure; some of his more daring examples are an elegant combination of classical models with a fun modern element. It is clear to everyone in the fashion world that Vidal is one to watch. And fashionistas everywhere cannot wait to see what comes next.

113

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

The FILM

THE REVENANT Una historia de venganza absorbida por la brutal fuerza de la naturaleza invernal. El director mexicano Alejandro González Iñárritu plasma en su último éxito la apasionante historia de supervivencia del protagonista Hugh Glass, (Leonardo DiCaprio) cuya sed de venganza le lleva a superar las crueles adversidades de los paraísos más salvajes. Galardonado con nada menos que tres Premios Oscar y tres Globos e Oro, El Renacido es un largometraje que pasará a la historia por su determinante proceso de producción y resultados brillantes de extrema belleza natural en la gran pantalla. Rodada mayormente en la inmensidad de Kananskis, un área de parques nacionales situada en las Montañas Rocosas canadienses, los actores y demás miembros del equipo trabajaron en condiciones extremas de frio y altitud. La dificultosa voluntad del director por llevar a cabo el rodaje con luz natural es una de las numerosas causas por las que la producción de esta película fue tremendamente longeva ya que las horas de sol son muy limitadas en este lugar durante ciertas estaciones. Los contrastes de profundo verde, ríos enfurecidos, y horizontes blancos e infinitos son una laboriosa combinación de imágenes capturadas por el norte de EE.UU., Argentina y Canadá que, sin duda conforman una obra maestra del séptimo arte. A story of vengeance immersed in the brutal force of nature’s harshest winter. In his latest hit, the Mexican director Alejandro González Iñárritu tells the thrilling story of survival of the protagonist, Hugh Glass (played by Leonardo DiCaprio), whose thirst for vengeance leads him to overcome cruel adversities in the wildest landscapes. Awarded with no less than three Oscars and three Golden Globes, The Revenant is a film that will go down in history for its unique production process and brilliantly evocative cinematographic scenes of extreme natural beauty. Shot mostly in the immensity of Kananskis Country, an area of national parks in the Canadian Rockies, the actors and other members of the crew worked in punishing conditions of cold and altitude. The director’s challenging requirement to shoot with natural light is one of the many reasons why this film took such a tremendously long time to produce, since sunlight hours are inherently limited in some seasons. The contrasts of deep green, raging rivers and white, infinite horizons resulted from a laborious combination of images captured in the north of the United States, Argentina and Canada, undoubtedly creating a masterpiece of the silver screen.

115

bae bien-u Troncos largos y retorcidos con cortezas devastadas y rotas por los años, cuyas formas curvadas y castigadas crecen hacia la luz o en busca de un objetivo oculto. Envueltos en la niebla y extendiéndose a lo lejos hasta perderse en la distancia, los pinos fotografiados de manera obsesiva durante más de 30 años por el fotógrafo surcoreano, Bae Bien-U, parecen casi moverse y contonearse ante nuestros ojos o estar sumidos en una conversación codificada.

Long, twisting trunks, their bark ravaged and broken by age, their forms bent and crippled towards the light or in pursuit of a hidden objective of their own. Shrouded in mist, and vast in their numbers, stretching off into the barely seen distance, the pine trees obsessively photographed over 30 years by South Korean photographer Bae Bien-U look almost as though they are moving and swaying before our very eyes, or engaged in a coded conversation.

Estas exquisitas imágenes fantasmales de bosques de pinos son el hilo conductor de la obra de Bae Bien-U. Nacido en Corea del Sur en 1950 y formado como pintor, Bae Bien-U desarrolló rápidamente un estilo fotográfico que destacaría la calidad pictórica de las superficies naturales, desde los exquisitos patrones formados en la corteza de los árboles a los peñascos rotos y el burbujeo espumoso del agua alrededor de piedras dispersas. A pesar de ser conocido por sus fotografías de ondulantes paisajes costeros y de extensiones de hierba barrida y esculpida por el viento, han sido las imágenes de los bosques de pinos de Corea del Sur y, en particular los que se hallan junto al Santuario de los Reyes en Gyeongju, las que más han cautivado al público. Este tema fotográfico es el que ha catapultado a Bae Bien-U hacia la fama y le ha convertido en uno de los artistas más exitosos de origen surcoreano.

These exquisitely ghostly images of pine forests are the leitmotif of Bae Bien-U’s work. Born in South Korea in 1950, the trained painter quickly developed a style of photography which emphasise the painterly quality of natural surfaces, from the exquisite patterns formed in the bark of trees, to the broken crags of rocks and the foamy bubbling of water around scattered stones. Known for his photographs of undulating seaside landscapes and grassy verges swept and sculpted by the wind, it is nevertheless the recurring theme of South Korea’s pine forests, particularly those near the Shrine of the Kings at Gyeongju, which have most captivated audiences, catapulting the photographer’s fame and making him one of the most successful artists ever to come out of South Korea.

116

117

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

118

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

119

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

120

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Para Bae Bien-U, el constante regreso a este lugar de inspiración es parte de su objetivo como artista: capturar los sentimientos característicos de Corea. El pino, nos comenta, tiene un significado especial en la sociedad coreana y en el transcurso de la vida humana en general. Ese mismo árbol retorcido proporciona materiales para construir tanto refugios como ataúdes, convirtiéndose un símbolo que acompaña a las personas hasta la muerte. En las fotografías de Bae Bien-U, estos árboles mágicos parecen cobrar vida propia, curvándose, inclinándose, retorciéndose y forjando un misterioso camino en nuestra imaginación.

121

For Bae Bien-U, his constant return to this place of inspiration is part of his ultimate objective to capture the characteristic sentiments of Korea. The pine tree, he tells us, have a special significance in Korean society and in shared human experience. That same twisting tree is a place of shelter, as well as the material from which coffins are made. As such they are refuges in both life and death. However, it is clear that in the photography of Bae Bien-U, these magical trees also take on a life of their own, curving, bowing, twisting and criss-crossing their way into our imaginations in turn.

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

THE SMITH HOUSE Connecticut, US

Famoso por diseñar algunas de las casas residenciales más emblemáticas de la costa de Estados Unidos, el arquitecto Richard Meier creó una de sus primeras casas, y quizás una de las más bellas, cuando tenía tan solo 31 años. La Casa Smith cuya construcción se prolongó durante dos años y finalizó en 1967, fue construida en el tramo de Connecticut del estrecho de Long Island. Situada en la posición más idílica posible junto a una playa privada a la que se accede a través de una pequeña escalera desde sus frondosos jardines, la Casa Smith es una obra maestra de modernismo blanco, con una clara influencia de Le Corbusier. Con estancias divididas en tres alturas y enormes ventanales, disfruta de las mejores vistas de la costa y en sus interiores predomina la sencillez y la luz.

Famed for designing some of the most iconic residential homes alongside America’s multi-state coastline, architect Richard Meier created one of his first, and arguably most beautiful houses when he was only 31. Built over two years and completed in 1967, the Smith House was constructed on the Connecticut stretch of Long Island Sound. Located in the most idyllic position directly alongside a private beach accessed via a small staircase from the house’s verdant gardens, the Smith House is a masterpiece of white modernism, clearly influenced by Le Corbusier. Containing triple-height living spaces and vast sweeps of glass windows, the house benefits from the very best coastal views and interiors flooded with simplicity and light.

122

Licence to customise. The Birgit Müller team of carpenters. In addition to the design and quality of materials used, the perfect kitchen particularly unites craftsmanship and attention to detail. The Birgit Müller team of carpenters guarantees this – with a great deal of experience and technical expertise, the team will create your dream kitchen completely in line with your individual wishes and ideas.

Visit us on er.com ll birgitmue

Palma de Mallorca . Paseo Mallorca, 4 . Tel. (00 34) 971/ 66 91 88 / Port d’ Andratx . Isaac Peral, 59 Tel. (00 34) 971/ 67 46 33 . [email protected] . www.birgitmueller.com

Renzo Mongiardino Adoration of an Italian Master Creador de algunos de los interiores de mayor teatralidad barroca del siglo XX, el diseñador italiano Renzo Mongiardino no fue tan solo un verdadero artista, sino un auténtico mago de su profesión. A pesar de ser reconocido por algunos de los mejores trabajos de decoración interior de su época, odiaba el término “decorador” y prefería ser denominado como un “creador de ambientes”. Y realmente lo fue, empleando no sólo sus innatas habilidades como diseñador de interiores en cada uno de sus suntuosos proyectos, sino también su experiencia como aclamado escenógrafo, introduciendo en sus creaciones una teatralidad que se ha convertido en el sello de su obra. Creator of some of the most sensationally theatrical baroque interiors of the 20th century, Italian designer Renzo Mongiardino, was not just a true artist, but a magician of his trade. Despite being renowned for some of the best interior decoration of his time, he hated the term “decorator” preferring to be called instead a “creator of ambience”. And that he truly was, employing not only his innate skills as an interior designer in each of his lavishly executed projects, but also his experience as an acclaimed set designer, injecting into his work a theatricality which has become the trademark of his oeuvre.

124

Nacido en Génova en 1916, su padre fue un millonario hecho a sí mismo y su madre procedía de una de las familias más venerables de Génova. Creció en un palazzo barroco cuyas románticas sombras y brillantes lámparas de araña influyeron claramente en la nostalgia proustiana que imprimiría a su trabajo. Es evidente también que a esa misma educación se debe la fascinación innata de Mongiardino por el pasado. Mientras los artistas de su época, en los años 40 y 50 intentaban resolver cómo debía plasmarse el diseño italiano minimalista en el diseño de interiores, Mongiardino creaba obras maestras anticuadas sin ningún tipo de remordimiento, basándose en las inspiraciones imperiales de la antigua Grecia y Roma, el barroco y el renacimiento italianos y la extravagancia de los imperios bizantino y otomano.

Born in Genoa in 1916 to a self-made millionaire father and a mother from the most venerable of Genoese families, he grew up in a Baroque palazzo whose romantic shadows and sparkling chandeliers clearly underpinned the Proustian nostalgia in his work. It is likewise clear that that same upbringing was integral to Mongiardino’s innate fascination with the past. While his contemporaries of the 40s and 50s were grappling with how stripped-back sparse Italian modernity should be translated into interior design, Mongiardino was creating masterpieces which were unapologetically antiquated, looking to the imperial inspirations of ancient Rome and Greece, the Italian Renaissance and Baroque and the extravagant age of the Byzantine and Ottoman empires.

A través de sus interiores repletos de capas de telas, tonos dorados, alfombras persas y una fusión de superficies de mármol y mosaico, creó diseños deslumbrantes en conexión directa con un opulento pasado. Fue una suntuosidad que se adaptaba perfectamente al carácter de sus clientes, ya que entre las personas que solicitaban los diseños de Mongiardino se incluían algunos de los personajes más ilustres de la época como Marella Agnelli, la princesa Firyal de Jordania, Jackie Onassis, Marie-Hélène de Rothschild, Gianni Versace y Valentino.

Through interiors brimming with layers of pattern, jewelled tones, Persian rugs and a surfeit of marbled and mosaic surfaces, the designer created dazzling designs with a direct communication to the opulent past. It was a lavishness happily befitting the character of his clients, since those people eagerly commissioning a Mongiardino design included some of the most illustrious personages of the age, including Marella Agnelli, Princess Firyal of Jordan, Jackie Onassis, Marie-Hélène Rothschild, Gianni Versace and Valentino.

125

Sin embargo los diseños de Mongiardino no eran solo teatrales en su resultado sino también por la forma en que se elaboraban. Ya que, utilizando las habilidades aprendidas a través de la escenografía para la ópera y películas de éxito como La fierecilla domada (1967) de Franco Zeffirelli, Mongiardino creaba una apariencia de opulencia utilizando frecuentemente los materiales más básicos. Pintaba madera contrachapada para imitar azulejos marroquíes y taracea renacentista; formaba elaboradas cornisas, capiteles y repisas de chimenea a partir de plástico moldeado de una forma exquisita; y en su famoso diseño para Lee Radziwell en Londres, rescató y reutilizó paneles de cuero cordobés utilizados para el rodaje de La fierecilla domada que en realidad habían sido elaborados a partir de cartón prensado, pintado y dorado. Así era la magia que utilizaba Mongiardino para transformar las casas de sus clientes. En palabras de Valentino: “Mongiardino no era solo un arquitecto o un decorador, era un mago. Podía transformar una estancia banal en un castillo de cuento de hadas gracias a su maravilloso dominio del dramatismo y las proporciones”.

However Mongiardino’s designs were not just theatrical in the way they presented, but likewise in the method of their making. For in employing his skills learnt through stage and set design for the opera and blockbuster films such as Franco Zeffirelli’s The Taming of the Shrew (1967), Mongiardino created an appearance of opulence while frequently using the most basic materials. Plywood would be exactingly painted to mimic Moroccan tilework and Renaissance intarsia; elaborate cornices, capitals and chimneypieces were fashioned from exquisitely moulded plastic; and in his renowned design for Lee Radziwell in London, he salvaged and reused panels of Cordovan leather from the film set of The Taming of the Shrew which were acually created from pressed, painted and gilded cardboard. Such was the wizardry with which Mongiardino transformed the homes of his clients. As Valentino commented: “Mongiardino was a magician, not merely an architect or decorator. He would transform an empty banal room into a fairy-tale chateau, thanks to his marvellous mastery of drama and proportion”.

Renzo Mongiardino murió en Italia en 1998 a los 81 años como uno de los más excepcionales talentos del siglo XX; un diseñador de diseñadores y creador de algunos de los espacios residenciales más teatrales pero habitables de la historia. Impregnado de historia y empleando un exuberante romanticismo clásico extraído de su colección mágica de efectos artificiales, fue un verdadero maestro del ambiente, creando glamurosas estancias, repletas de emociones que, como afirmó su amigo Umberto Pasti, siempre estaban envueltas en “el aire corrosivo de la melancolía”.

Renzo Mongiardino died in Italy in 1998 aged 81 as one of the 20th Century’s most rarefied of talents; a designer’s designer and creator of some of history’s most theatrical, but entirely liveable residential spaces. Steeped in history and employing a lush classical romanticism pulled from a magic bag of artificial effects, he was a true master of atmosphere and ambience, creating glamorous rooms, weeping with emotion which were, as his friend Umberto Pasti wrote, always dusted with “the corrosive breath of melancholy”.

127

REFLEXIONES SOBRE EL HOTEL Reflecting on the hotel One day recently, I was having lunch in Cappuccino Puerto Andratx with Jonathan Bell, the phenomenally talented garden landscaper. We were meeting to discuss the construction of a rooftop swimming pool which he has designed for the roof of the new Hotel Cappuccino in Palma de Mallorca. He had brought a few simple sketches of the idea with him, which he took out to show me, each in turn. Then, after he had showed me his drawings, he suddenly drew out from his bag the 1965 Miles Davis record E.S.P. (Extra Sensory Perception). “I’m showing you this record”, he added, “to emphasise the importance of having Miles Davis playing by the pool in the mornings”.

Hace poco estuve almorzando en Cappuccino Puerto Andratx con el magnífico paisajista, Jonathan Bell. Nos reunimos para hablar sobre la construcción de la piscina que ha diseñado para la azotea del nuevo Hotel Cappuccino en Palma de Mallorca. Había traído unos sencillos bocetos del proyecto que me fue mostrando uno tras otro. Tras enseñarme sus dibujos, de repente sacó de su bolsa el disco de Miles Davis de 1965 E.S.P. (Percepción extrasensorial). “Te enseño este disco”, comentó, “para recalcar la importancia de que la música de Miles Davis suene junto a la piscina por la mañana”. La portada del disco E.S.P. es tan mítica, tan cool... Figura a Miles Davis mirando hacia arriba con gran admiración a su primera esposa Frances Taylor, que posa con una intensa mirada. Cuenta la leyenda que el día siguiente de tomar la fotografía de esta portada, ella lo abandonó.

The cover of the E.S.P. record is just so iconic, so cool. It depicts Miles Davis looking up, full of admiration, at his wide-eyed first wife, Frances Taylor. But as legend would have it, the day after the cover shoot was made, she left him.

128

E.S.P. Studio album by Miles Davis Recorded 20–22 January 1965 Columbia Studios, Hollywood, LA

129

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

MONICA BELLUCCI Monica Bellucci... Pronunciar su nombre resulta casi tan sensual como la imagen de su seductora silueta. Esta modelo italiana convertida en galardonada actriz ha sido elegida como la mujer más sexy del mundo tantas veces que ya hemos perdido la cuenta. Ha sido imagen de Dior y Dolce & Gabbanna, protagonista de las portadas de la edición francesa de Elle, de Vanity Fair y Esquire, y en 2015, se convirtió en la chica Bond de mayor edad en Spectre seduciendo a Daniel Craig en su papel de James Bond Monica Bellucci…Her name runs off the tongue almost as sensuously as her seductively beautiful silhouette envelopes the eyes. The Italian model-turnedaward-winning actress has been voted the world’s sexiest woman so many times she’s lost count. She has been the face of Dior and Dolce & Gabbanna, graced the covers of French Elle, Vanity Fair and Esquire, and in 2015, she became the oldest Bond Girl ever when, in Spectre, she seduced Daniel Craig’s Bond with the sexual vitality of a 20-year-old.

130

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

131

132

con la vitalidad sexual de una chica de 20 años. No es de extrañar que se haya convertido en el icono que es. Con su famosa voluptuosidad y su mirada brillante La Bellucci (como la llaman en Italia) seduce con una potencia mediterránea solamente comparable a las divinas Sophia Loren y Claudia Cardinale, transmitiendo una elegancia inherente que trasciende la sexualidad y cautiva a todos los públicos por igual. And it is no wonder she has become the icon she is. With her famous voluptuousness and direct glittering gaze, La Bellucci (as the Italians call her) arrests the eyes with a Mediterranean potency last seen in the likes of Sophia Loren and Claudia Cardinale, exuding an inherent elegance which transcends sexuality and captivates all audiences in equal measure.

133

Pero Monica Bellucci es mucho más que un regalo para los ojos. Comenzó su carrera como modelo para financiar sus estudios de derecho en la Universidad de Perugia. Cierto es que su éxito frente a la cámara cambió por completo el rumbo de su carrera, aun así, su inteligencia natural es evidente en la forma en que prepara los diversos papeles que ha interpretado en el cine, por ejemplo en la controvertida historia de una víctima de violación en Irreversible (2002) o adaptándose de forma sencilla a papeles en diferentes idiomas como el arameo exigido en su interpretación de María Magdalena en la épica cinta de Mel Gibson de 2004, La Pasión de Cristo. Su arrebatadora belleza atraviesa la pantalla en todas sus interpretaciones, produciendo un magnetismo similar al que transmitía Marilyn Monroe, ya sea vestida de látex en Matrix o subida a unos tacones de 12 centímetros de Christian Louboutin en Spectre.

But she is much more than eye-candy. She commenced her modelling career in order to fund her legal studies at the University of Perugia. While her success in front of the camera led to a complete change of career direction, her natural intelligence can be sensed in the way in which she approaches her varied film roles, for example taking on the controversial story of a rape victim in Irréversible (2002) or comfortably adapting to multi-linguistic roles, such as the Aramaic required of her role as Mary Magdalene in Mel Gibson’s 2004 epic, The Passion of Christ. But in all her parts, her arresting beauty shines through, making her as magnetic to watch as Marilyn Monroe, whether it be clad in PVC in The Matrix, or sporting 5 inch Christian Louboutin heels in Spectre. Now in her 50s, Monica Bellucci shows no indication that she is slowing down. In fact increasing her elegance with age, and being a leading proponent of healthy eating, plenty of vitamins, a good face cream and a hit of acupuncture to help along the way, she remains a model woman who sits comfortably within her skin as she enters this new period of grace. La Bellucci, you are an inspiration to us all.

Ahora, pasados los 50, Monica Bellucci no da muestras de bajar el ritmo. De hecho su elegancia ha ido en aumento con los años. Firme defensora de una alimentación sana, buenas dosis de vitaminas, una buena crema facial y un toque de acupuntura, sigue siendo un modelo de mujer ejemplar que se siente cómoda y segura de si misma con el paso de los años. Bellucci, eres una inspiración para todos nosotros.

134

luxury food for your body IBIZA ORGANIC MARKET

MARINA BOTAFOCH, 316 · T. 971 192 726

BREAKFAST · LUNCH · DINNER

www.grupocappuccino.com

www.organicmarketrestaurant.com

EL MEJOR MENAJE

Para tu casa o tu negocio Sorpréndete y sorprende #ojoscomoplatos #efectowow #alucinavecina #becoolmyfriend

Gremi de CirurGians i BarBers, 17 - Pol. son rossinyol - 07009 Palma de mallorCa 902 201 802 - alvarezmallorca.com

NICK DRAKE Un discreto enigma

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

“Una torpe mezcla de folk y cocktail jazz”. Es la descripción que hizo de “Bryter Layter” la revista Melody Maker en 1970, año en que se publicó un disco ahora considerado una obra de culto. Y no fue el único que dio la espalda al segundo trabajo de Nick Drake, que apenas vendió 3000 copias a pesar del respaldo de una discográfica relativamente importante como Island Records y el apoyo de buena parte de la realeza folk del momento, personificada en los miembros de Fairport Convention. La razón puede que fuera el mismo Drake: un tipo tímido, frágil y reservado, que rápidamente descartó la posibilidad de tocar en directo debido a su incapacidad para conectar con el público (que cambiara las afinaciones de su guitarra cada tantas canciones no contribuía precisamente a mejorar la situación) y que no quería conceder entrevistas. El sueño de cualquier relaciones públicas. Ni siquiera su muerte, debido a una sobredosis de antidepresivos, lo que hizo que en primera instancia se considerara suicidio, levantó demasiado polvo en su momento. Su fallecimiento fue un fiel reflejo de su vida: un discreto enigma, como si le diera miedo ser una molestia. De hecho, cuentan que Drake era tan celoso de su intimidad que muchos de sus amigos y allegados se conocieron por primera vez en su funeral, como si hubiera intentado mantenerlos alejados unos de otros y de su familia, una familia que da para hablar largo y tendido, con una hermana actriz, Gabrielle Drake, bastante célebre además, y una madre, Molly Drake, cuya producción musical,

rescatada estos últimos años del olvido, sorprenderá a más de uno y resulta una pieza reveladora para resolver el acertijo que fue Nick. Porque eso era. Algo difícil de resumir o encasillar. Algo líquido, como esa imagen daliniana en la portada de “Pink Moon”, el que sería su último disco, publicado antes de abandonar la música y el mundo y refugiarse en casa de sus padres. Nick Drake compuso algunas de las más preciosas, delicadas y profundas canciones de aquellos años. Fue el artista folk más importante de su tiempo y, sin duda, uno de los más influyentes de su generación a la larga, a pesar de que más de una década desde su muerte antes de que sus discos recibieran el reconocimiento que merecían. Fue a mediados de los 80 y a lo largo de los 90 cuando su fama aumentó. Drake, cantando desde el más allá, iluminando el cielo del Norte con su insondable melancolía. Hoy en día los tres discos que grabó en vida (con las décadas se han ido sucediendo la ediciones de inéditos con irregular fortuna) se consideran piezas fundamentales no sólo del folk británico sino de la música contemporánea. Y a cualquiera le costará elegir entre el orquestado “Five Leaves Left”, el gancho pop de “Bryter Layter” y la desnudez de “Pink Moon”, grabado de un tirón en dos sesiones, pasada la medianoche, pura magia. No está nada mal para un cantautor que interpretava “una torpe mezcla de folk y cocktail jazz” y que todo el mundo consideró un fracaso en vida.

139

“An awkward mix of folk and cocktail jazz”. Such was the somewhat unenthusiastic description ascribed by magazine Melody Maker to the album Bryter Layter (1970), a record which is now considered almost universally to be a cult creation. And they were not the only ones to turn their back on Nick Drake’s second album, which barely sold 3,000 copies despite the backing of a relatively important label, Island Records, not to mention the support of much of folk royalty at that time personified by members of Fairport Convention. The reason might have been Drake himself: a shy, fragile, reserved man who rapidly ruled out the possibility of playing live as he wasn’t able to connect with his audience (changing the tuning of his guitar every few songs didn’t exactly help to improve the situation). He didn’t want to grant interviews either. Any public relations manager’s dream. Not even his death from an overdose of antidepressants, which meant that it was at first considered to be a suicide, caused much of a stir. His death faithfully mirrored his life: a discreet enigma, as if he was scared of being a bother. In fact, they say that Drake was so guarded about his privacy that many of his friends and acquaintances met for the first time at his funeral, as if he had tried to keep them apart from one another, not to mention from his family. It was a family which included his sister, the actress Gabrielle Drake, and his mother, Molly Drake, whose own music was recently rescued from oblivion and which has proved to be a revealing piece in helping to solve the Nick puzzle.

And what a puzzle he was… a performer whose work is difficult to summarise or pigeonhole. Liquid-like, as in that Daliesque image on the cover of Pink Moon, which turned out to be his last album, released before he abandoned music and the world and sought refuge in his parents’ home. Nick Drake composed some of the most beautiful, delicate and deeply resounding songs of his time. He was the most important folk artist of his age and undoubtedly one of the most inf luential musicians of his generation, even though his work didn’t receive the recognition it deserved until over a decade after he died. His fame expanded from the mid-eighties and throughout the nineties. Drake, singing from the great beyond, lighting up the Northern sky with his bottomless melancholy. Today the three albums he recorded during his lifetime (over the decades previously unknown songs have been released on an irregular basis) are considered to be fundamental musical highlights, not just of the British folk scene, but of contemporary music too. It is difficult to choose between the brilliantly orchestrated Five Leaves Left, the earworm pop of Bryter Layter and the bareness of Pink Moon, recorded in just two sessions. However none can deny that all three albums have become iconic in their own right. Not bad at all for a singer-songwriter who performed “an awkward mix of folk and cocktail jazz” and that everyone thought was a failure when he was alive.

140

Av. Joan Miró 188 E (Porto Pí) · 07015 Palma de Mallorca · T. +34 871 955 077 · [email protected] 141 www.demicco.es MADRID · BARCELONA · MÁLAGA · MARBELLA · VALENCIA · ALICANTE · BILBAO · OVIEDO · CÁDIZ · SEVILLA · ISLAS CANARIAS

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

142

Hay mucho que descubrir en la más monocromática de las obras. Cuando la figuración se reduce a un único color, la textura de la pintura y la pasión con la que fue aplicada cobran vida en el lienzo como un diálogo personal entre el artista y el espectador. Ahí comienza el hermoso intercambio, las pinceladas, aparentemente inocuas, empiezan a narrar a una historia a través del propio acto de su creación. Una sensación transmitida por primera vez a través de la imponente obra expresionista de Jackson Pollock, y de forma más monocromática en las obras maestras de Mark Rothko. Durante la misma época en la que las pinturas de Rothko se admiraban con retrospectiva tras la muerte del pintor en 1970, en Corea surgía un grupo de artistas minimalistas. Denominado colectivamente “Dansaekhwa” (también transcrito como “Tansaekhwa”), que significa literalmente “pintura monocromática”, el movimiento incluye a un grupo de artistas coreanos cuyas obras se definen tanto por la variedad de métodos que emplean como por la estética minimalista resultante. Mientras Chung Sang-hwa creaba cuadrículas a base de capas de pintura agrietada y descascarillada y Ha Chong-hyun aplicaba la pintura desde la parte posterior del lienzo de cáñamo, embadurnando y raspando la superficie, Kwon Young-woo arañaba, perforaba, rasgaba y hacía tiras de papel hanji y Lee Ulfan deslizaba el pincel una y otra vez hacia la parte inferior del lienzo hasta que la pintura se desvanecía por completo.

DANS A E K H WA

T H E FI R S T KO RE A N A RT I S T I C M OVEMENT TO B E R ECOG NIS ED INTER NATIONAL LY

There is much to be discovered inside the most monochrome of paintings. When figuration is reduced to a single colour, suddenly the texture of the paint and the passion of its application becomes alive on the canvas, like a personal dialogue between artist and viewer. Therein begins the most beautiful exchange, as the apparently innocuous brushstrokes begin to narrate a story all of their own, told through the very act of their creation. It is a sensation first delivered through the powerfully expressionist works of Jackson Pollock, and more monochromatically through the masterpieces of Mark Rothko. But at around the same time as the works of Rothko were being retrospectively admired in the aftermath of the artist’s death in 1970, a new group of minimalist artists was emerging in Korea. Collectively known as “Dansaekhwa” (also transliterated as Tansaekhwa), which literally means “monochrome painting”, the movement comprises a group of Korean artists whose works are defined as much by the diverse array of methods employed as they are by the minimal aesthetics which result. While Chung Sang-hwa created layered grids of cracked and chipped paint, and Ha Chong-hyun pushed paint through the back of hemp, smearing and scraping the surface, Kwon Young-woo scratched, punctured, tore and sliced hanji paper, whereas Lee Ulfan steadily and repeatedly pulled his brush down the canvas until the paint faded to nothing.

143

Juntos, estos artistas comparten el deseo de explorar el objeto a través de sus propiedades materiales más básicas, trabajando en las durísimas condiciones, privados de materiales en el austero y asfixiante clima político que dejó la guerra de Corea. No obstante, superaron esas circunstancias a través del arte, y ya en la década de los 80, Dansaekhwa se había convertido en el primer movimiento artístico coreano en recibir reconocimiento internacional.

144

Together, these artists shared a desire to explore the object through its most basic material properties, making their work in the most stark of conditions, when available materials were deprived in the oppressive and austere political climate following the Korean war. However, through art, these conditions were overcome, and by the 1980s, Dansaekhwa had become the first Korean artistic movement to be recognised internationally.

145

The movement comprises a group of Korean artists whose works are defined as much by the diverse array of methods employed as they are by the minimal aesthetics which result

A pesar de los años intermedios de olvido y escasa atención a su trabajo, Dansaekhwa ha disfrutado recientemente de un renovado interés. La venta de una de sus obras por 55.000 dólares en diciembre de 2014 quedó a la sombra de la más reciente adquisición de una pintura de proporciones parecidas tan solo un año después por 830.000 dólares. El renovado interés por el atre abstracto es una realidad creciente, sin embargo en comparación con otras tendencias artística de la misma corriente como el Gutai japonés o el movimiento Zero en Europa, el especial interés por las obras Dansaekhwa influyen de una forma más intima en el espectador. En sus expresiones abstractas, las obras de Dansaekwa se convierten en una poética fachada de las intensas y duras condiciones que limitan su creación. Así pues, estas pinturas logran hablar a su público como ninguna otra obra abstracta lo había hecho antes. Son obras maestras del minimalismo llenas de pasión; una profunda carga de austeridad en el lienzo con una rica historia humana y emocional que transmitir.

146

Despite interim years of neglect and reduced interest in their work, the Dansaekhwa has recently enjoyed a resurgence of interest, to such an extent that a work selling in December 2014 for $55,000 was overshadowed by the sale of a comparably sized and dated work sold a year later for $830,000. While the regained popularity of abstract art has been credited for this surge of interest, as mirrored by other recent rediscoveries of abstract art trends including Japanese Gutai and Europe’s Zero movement, it is clear that the interest in these works is personal too. For in their exquisitely austere abstract expressions, underpinned by the almost impossible conditions under which they were created, the works of the Dansaekhwa speak to their audience in a way that comparable abstracts have never done before. Minimalist masterpieces packed full of passion; an austerity on canvas with such a richly human and emotional story to tell.

Since 1958 INTERIOR DESIGN

KITCHEN

DEFINE

YOUR WAY OF LIFE

Mallorca C/. Islas Baleares 37 (Son Bugadelles) 07180 Santa Ponsa Tel.: 971-694 154 www.stork-mallorca.de

Germany Melanchthonstr. 114 75015 Bretten Tel.: +49-(0) 7252-91 40 www.stork-die-einrichtung.de

Con la llegada del verano, las oportunidades para disfrutar al aire libre de una copa de vino blanco o un aterciopelado tinto se multiplican. Para esas noches estivales, o durante todo el día, hemos seleccionado tres vinos tentadores de algunas de las mejores bodegas de España. With the arrival of summer, the opportunities to enjoy an alfresco glass of fragrant white wine or a rich velvety glass of red multiply. For those balmy summer evenings, or sun-drenched lunch times, we have selected three tantalising wines from some of Spain’s best bodegas.

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

La Sibila es un canto de origen medieval que se mantiene vivo desde entonces siendo una de las tradiciones más arraigadas de la cultura mallorquina y se interpreta en la Misa de Gallo en las iglesias de Mallorca Sibila 2011 es un vino elaborado con la variedad autóctona Gorgollassa, una variedad que estuvo a punto de desaparecer, perfectamente adaptada al clima de Mallorca (aguanta muy bien el calor y la sequía) y que no da un excesivo grado alcohólico. Y ante una variedad en peligro de extinción que poco a poco los bodegueros mallorquines han ido recuperando con gran esfuerzo, aparece en Mallorca uno de los enólogos más mediáticos y libres, Raúl Pérez. Un enamorado de las variedades autóctonas que elabora en muchísimas regiones y países (está involucrado en más de 80 proyectos muchos de ellos de menos de 1000 bot.) Raúl Pérez se sumerge en los proyectos arriesgando, rozando el límite, elaborando vinos muy personales, diferentes y este Sibila 2011 no es la excepción. Nos presenta un vino con muy poco color, delicado, suave, equilibrado, con una nariz especiada (comino, curry), hierba seca, pinceladas de buena madera (vainilla y ligeros torrefactos). Un vino diferente y muy sutil que nos emociona tanto como la angelical voz de la Sibila La Sibila is a medieval chant that still lives today, known as one of the oldest, most deeply rooted traditions in Mallorca and sung every Christmas Eve in the “Misa del Gallo”. Sibila 2011 wine is produced with Gorgollassa, an autochthonous grape variety perfectly adapted to the majorcan climate that was once close to extinction. The well-known oenologist Raúl Pérez is passionate about native varieties, he produces numerous local wines in different countries and is currently involved in 80 projects, many of them having a limited run of less than 1000 bottles. Raúl Pérez engages in small risky wine productions, with charismatic and unique stand out results, Sibila 2011 being no exception. This wine presents a soft color, it is delicate, smooth and finely balaced, and carries a spiced aroma (cumin and curry). A different subtle wine that fills with as much emotion as the chant of the angelical voice of the Sibila.

SIBILA 2011

149

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Rafael Palacios ha conseguido con la uva godello en la DO Valdeorras uno de los mejores vinos blancos de España. En el año 2004 decide abandonar su amada Rioja y comprar unos viejos viñedos en el Valle de Bibei. En estos años se ha convertido en un mago de la variedad godello. Luis Guitierrez, catador del vino español para Robert Parker, lo puntuó con 97 puntos y ha definido el Sorte O Soro 2014 como “uno de los mejores vinos blancos producidos de siempre en España, con la excepción de los viejos de Jerez y algunos blancos tradicionales de Rioja Fermentado y envejecido en barricas nuevas de 500 litros de roble francés durante 7 meses con sus lías finas nos ofrece una explosión de elegancia, cremosidad, incursión en el granito, frutas en su punto óptimo de madurez, toque salino, potencia y finura sin estridencias. Puro equilibrio. Un vino para reflexionar. Rafael Palacios has created one of the best white wines of Spain elaborated with the Godello grape. In 2004 he decided to leave his beloved Rioja and buy some old vineyards in the valley of Bibei. During these past years he has become a magician of the Godello variety. Luis Gutierrez, spanish wine-taster for Robert Parker, awarded this wine with 97 points and described the Sorte O Soro 2014 as “one of the best all-time white wines produced in Spain with the exception of the old Jerez and a few other traditional white wines from Rioja”. Fermented and aged in new 500l french oak barrels for 7 months with thin lees it offers an elegant explosion, velvety texture, ripe fruit, a salty touch and a refined finish. Pure balance. A wine on which one can reflect.

SORTE O SORO 2014

150

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Entre los siglos XIII y XIV existía en Pedrosa de Duero una capellanía y los habitantes del lugar donaban pequeñas parcelas de terreno a los capellanes a cambio de misas y oraciones por los difuntos. Con la desamortización de Mendizábal (1855) las propiedades de la iglesia y el clero pasaron a manos del ayuntamiento. A pesar de ello, los habitantes de Pedrosa siguieron llamando al pago, el de los capellanes. La parcela El Nogal tiene seis hectáreas de tinto fino de la que obtienen un rendimiento muy bajo con una gran concentración de color y aromas. Después de una crianza de 22 meses en cuatro tipos de barricas nuevas de roble francés se embotella sin pasar por frío, ni clarificar, ni filtrar. El resultado es un vino de color morado cardenalicio, exultante en nariz (flores, frutas frescas, vainilla, cacao, torrefacto, cuero, tabaco y regaliz). Un vino carnoso e intenso. Un vino para disfrutar ahora y de largo recorrido. Between centuries XIII y XIV stood a small chaplaincy in Pedrosa de Duero, the locals would offer small pieces of land to the chaplains in exchange for mass and prayers for the deceased. With the confiscation of Mendizábal (1855) the clergy’s properties passed on to the town hall. El Nogal’s Parcel has 6 hectares of fine red from which they obtain a limited production with intense colour and aroma. After 22 months of crianza in 4 different types of french oak barrel it is bottled without cooling, clarifying or filtering. The result is a pure purple wine with an exultant bouquet (flowers, fresh fruit, vanilla, coco, leather, toast, tobacco and liquorice).

PAGO DE LOS CAPELLANES Parcela EL NOGAL 2011

151

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

152

RUDOLF NUREYEV Dance to freedom No es exagerado afirmar que Rudolf Nureyev (19381993), bailarín, director y coreógrafo, fue uno de los más grandes y más famosos bailarines rusos del siglo XX, se podría decir que fue el más grande de todos los tiempos. Destacó por su prodigioso talento, su poderosa presencia en el escenario y su extravagante y sorprendente personalidad ya sea sobre el escenario o no. Su habilidad fue cultivada desde una temprana edad, hecho que le llevó a ser aclamado en su debut con el famoso Ballet Kirov. Sin embargo, su marcada fama se forjó en la Unión Soviética, donde su talento fue inevitablemente reprimido tras el implacable telón de acero. Y así se habría mantenido si el bailarín no hubiese dado un paso decisivo que cambiaría su destino para siempre.

It is no exaggeration to declare Rudolf Nureyev (1938-1993), the Russian ballet dancer and latterly director and choreographer, to be one of the greatest and most celebrated dancers of the 20th Century, if not of all time. Remarkable for his prodigious talent, his powerful stage presence and his strikingly flamboyant personality both on and off the stage, his was a skill nurtured from a young age and débuted to high acclaim in the famous Kirov Ballet. However, Nureyev’s early fame was founded in the Soviet Union, where his talent was inevitably repressed behind the triple-locked doors of the iron curtain. And so it would have remained were it not for one decisive action by the dancer that would change his fate forever.

153

It was a move that is now the stuff of legend. 16 June 1961, and following a Kirov ballet promotional tour in Paris during which the behaviour of the famously rebellious Nureyev had given rise to concern, Soviet KGB agents, who had been hired to relentlessly guard the dancer, were just about to lead the star onto a plane back to the Soviet Union and to his potential imprisonment. Just at that moment, escaping his bodyguards in a split-second’s hesitation, Nureyev threw himself into the arms of waiting French Police and into the custody of the West. This brave act, which one triumphant headline in the Daily Express described as his “dance to freedom”, saw the ballet dancer become as much a sensation in the likes of the Grand Ballet du Marquis de Cuevas, and the Royal Ballet in London, as he had been in his native Russia.

El 16 de junio de 1961 marcó una fecha decisiva en la vida de Nureyev, hoy considerado toda una leyenda. Tras una gira promocional del ballet Kirov en París, la rebeldía habitual del bailarín incitó su intento de arresto por parte de los agentes de la KGB. Decididos a mandarle de regreso a la Unión Soviética para ser encarcelado, los agentes encargados de vigilar a Nureyev fueron burlados por el hábil bailarín quien rápidamente se lanzó a los brazos de la policía francesa, quedando así en custodia occidental. Este valiente acto, que el periódico británico Daily Express describió en su titular como una “danza hacia la libertad”, permitió al bailarín convertirse en la sensación de compañías como el Grand Ballet du Marquis de Cuevas y el Royal Ballet de Londres. Una vez en Occidente, Nureyev pudo desarrollar su talento como nunca antes, revelando una icónica aptitud para la danza que le convirtió no solo en el favorito del público, sino también en un pionero del ballet del siglo XX. Nureyev, por ejemplo, fue el primero en atreverse a introducir estilos de danza moderna en la esfera del ballet clásico, una disciplina que hoy en día es un elemento básico en la formación de bailarines de ballet. Su poderosa influencia y espectaculares coreografías marcaron un antes y un después en la percepción de los papeles masculinos, hasta entonces secundarios, cambiando así el trascurso de la historia para los hombres de esta exígete profesión. Quienes le vieron bailar junto con algunas de las bailarinas más famosas del mundo, entre ellas la admirada Margot Fonteyn, aseguraban percibir la impactante química que establecía con sus parejas de baile en casa movimiento.

Once in the West, Nureyev was able to realise his full potential like never before, to revel in an iconic aptitude for dance which made him not just the beloved of his audience, but a pioneer of 20th century ballet. It was Nureyev, for example, who first dared to mix modern dance styles into the classical ballet sphere, a dual discipline which is a staple of today’s modern ballet training. It was also he whose choreography enhanced traditionally more limited male roles, changing the historical perception of male dancers and creating some of the best male choreography ever known. Meanwhile, few who ever saw him dance with some of the world’s most famous female dancers, key among them the iconic Margot Fonteyn, could ever deny the arresting magical chemistry which he created with his partners. 154

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

Singular por su extraordinario talento, su poderosa presencia y su extravagante personalidad, su habilidad como bailarín alcanzó su máxima potencia cuando logró escapar de la opresión de la Unión Soviética huyendo hacia la libertad de occidente. “Remarkable for his prodigious talent, his powerful stage presence and his strikingly flamboyant personality both on and off the stage, his was a his was a skill which only realised its full potential when he dramatically escaped from the clutches of Soviet Russia to the freedoms available in the West.”

155

CAPPUCCINO GRAND PAPIER

El cambio de oriente a occidente también le aportó una gran riqueza a nivel personal. Le concedió libertad para disfrutar de una intensa relación homosexual de 25 años con el bailarín danés, Erik Bruhn, amorío que le hubiese supuesto fatales consecuencias en la Unión Soviética. De la misma forma le permitió poner fin a su carrera con un sensacional colofón como director del Ballet de la Ópera de París, marcando uno de los períodos más innovadores de su historia. En pocas palabras, fue una libertad que permitió a la estrella deslumbrar al mundo sin límites, una luz que brilló hasta su prematura muerte en París a causa del SIDA en 1993. Allí se encuentra ahora, un alma rusa enterrada en Occidente, con sus zapatillas de ballet y un único lirio blanco enterrados a su lado para su último baile.

Nureyev’s flight to the West also brought the star satisfaction at a personal level too. It gave him the freedom to pursue a 25-year-long gay relationship with Danish dancer, Erik Bruhn, something for which punitive consequences would have been due in the Soviet Union. Likewise it enabled him to end his career with a sensational spell as Director of the Paris Opera Ballet, marking one of the most ground-breaking periods of its history. In short, it was a freedom which enabled the star to dazzle the world without limit, a brilliance which shone on right up until his untimely death from AIDS in 1993 in Paris. There he now lies, a Russian soul interred in the West, his ballet shoes and a single white lily buried by his side for his one last dance to freedom.

156

Somos una pequeña empresa de albañilería en la que confía grupo Cappuccino para todos sus proyectos. We are a small construction company, working with the Cappuccino Group for a number of their most exciting projects.

construccions & reformes integrals

Calle Pío XII N29. Inca. Baleares T. 678 436 428

La Gaia Restaurant, Ibiza Gran Hotel Flotando majestuosamente en el agua con colores fluorescentes que seducen con un increíble brillo que parece proceder de otro mundo, las medusas son tan hermosas como peligrosas. La belleza de sus formas frágiles y efímeras se exhibe ahora con un impactante efecto en el nuevo espacio interior del restaurante La Gaia. Situado en el Ibiza Gran Hotel, que ha sido maravillosamente reformado, justo frente al Cappuccino Marina Ibiza, este restaurante con un concepto único de “Japeruvian cuisine” prioriza tanto la calidad de sus instalaciones artísticas como la de su oferta gastronómica. Titulada sencillamente Life, esta composición de delicadas medusas es obra de la artista danesa Katrin Kirk. Una creación que refleja en todos los aspectos la belleza sensual de estas criaturas marinas tan misteriosas. Las piezas han sido trabajadas de forma tridimensional con una técnica escultórica empleando el uso de malla de alambre galvanizado para crear formas y transparencias, con estos materiales la artista la logrado plasmar efectos traslúcidos y jugar con luces y las sombras. La forma corpórea de las esculturas resulta tan bella como las alegres sombras que estas proyectan sobre la pared; una panoplia de formas y tamaños que da una sensación de profundidad y abundancia. El ambiente que surge de estas obras sumerge al espectador en las profundidades contemplativas del mar Mediterráneo, siendo a la vez bien atendido en el restaurante más innovador de Ibiza.

Floating majestically through the water, their neon colouring arresting the eyes with its other-worldly brilliance, the jelly fish is as beautiful as it is dangerous. But now the beauty of its transient, fragile form is exhibited to stunning effect in the magical new interiors of La Gaia Restaurant. Situated in the ravishingly refurbished Ibiza Gran Hotel, just over the road from Cappuccino Marina Ibiza, the restaurant, which serves a unique offering of “Japeruvian cuisine” is as dedicated to the quality of its art installations as it is to its food. Entitled simply “Life”, this installation of ephemeral jelly fish is the work of Danish artist Katrin Kirk, a creation which in every respect reflects the sensuous beauty of this most delicate of marine creatures. Working three-dimensionally, with a sculptural technique that employs the use of galvanised wire mesh to create form and transparency, enabled the artist both to capture the innate pellucidity of the jelly fish, but also to play with light and shadow. For just as beautiful as the corporeal form of the sculptures are the playful shadows they cast upon the nearby wall; a panoply of shapes and sizes which give an impression of both depth and number. The effect is to submerge the viewer within the contemplative depths of the Mediterranean sea, all the while remaining dry and well pampered in this most innovative of Ibiza restaurants.

158

GRUPO CAPPUCCINO STORES MALLORCA

MADRID

CAPPUCCINO BORNE PZA. JUAN CARLOS I, 9 · T. 971 717 151

CAPPUCCINO MADRID PLAZA DE LA INDEPENDENCIA, 5 T. 91 545 73 20

CAPPUCCINO SAN MIGUEL SAN MIGUEL, 53 · T. 971 719 764

CAPPUCCINO LA MORALEJA C/ ESTAFETA, 2 · T. 91 529 52 54

CAPPUCCINO PALAU MARCH CONQUISTADOR, 13 · T. 971 717 272

IBIZA CAPPUCCINO MARINA IBIZA AVDA. JUAN CARLOS I, SN T. 971 312 628

CAPPUCCINO PASEO MARÍTIMO PASEO MARÍTIMO, 1 · T. 971 282 162

ORGANIC MARKET IBIZA MARINA BOTAFOCH, 316 T. 971 192 726

CAPPUCCINO TAKE AWAY COLÓN PZA. MARQUÉS DEL PALMER, 1 T. 971 714 309

VALENCIA CAPPUCCINO VALENCIA C/ DE LA PAZ, 1 · T. 963 152 143 ESQUINA CON PLAZA DE LA REINA

CAPPUCCINO VALLDEMOSSA PLAZA RAMON LLULL, 5 VALLDEMOSSA · T. 971 616 059

MARBELLA

CAPPUCCINO PUERTO PORTALS PUERTO PORTALS, 1 · T. 971 677 293

CAPPUCCINO MARBELLA C/ DE JOSÉ MELIÁ S/N · T. 952 868 790 (HOTEL GRAN MELIÁ DON PEPE)

CAPPUCCINO PUERTO ANDRATX AVDA. MATEO BOSCH, 31 PUERTO ANDRATX · T. 971 672 214

TAHINI MARBELLA C/ JOSÉ MELIÁ S/N · T. 952 902 936

CAPPUCCINO PALMANOVA PASEO DEL MAR, 18 PALMANOVA · T. 971 681 368

BEIRUT (LEBANON)

CAPPUCCINO PUERTO POLLENSA ANGLADA CAMARASA, 77 PUERTO POLLENSA · T. 971 865 254

CAPPUCCINO ACHRAFIEH 627 SIOUFI STREET - HAJJ MRAD

CAPPUCCINO ZAITUNAY BAY BEIRUT MARINA

CAPPUCCINO ANTELIAS CRESUS STREET - ANTELIAS

TAHINI MALLORCA PUERTO PORTALS, 2 · T. 971 676 025

JEDDAH (SAUDI ARABIA)

WELLIES RESTAURANT PUERTO PORTALS · T. 871 902 306

CAPPUCCINO JEDDAH SARI ROAD

www.grupocappuccino.com 161

Staff edita

Cappuccino Grand Café director

Juan Picornell director de arte y marketing

Nicholas de Lacy-Brown publicidad

Marina Llull [email protected] diseño y maquetación

Ramón Giner equipo cappuccino

Marina Llull, Elisabet Aisher, Nicholas de Lacy-Brown, Ramón Giner, Marta Jiménez, Pepe Link. han colaborado en este número

Joan Cabot, Isabel Blokker, Juan Luis Perez de Eulate, Oliver Trusgnach y Bárbara Vidal. imprime

C-UNO IMPRESIONES Depósito Legal PM 354-2015 ISSN: 2340-0498 Grupo Cappuccino Calle San Miguel 53. Palma de Mallorca 07002, España. Tel. 971 72 87 77 www.grupocappuccino.com © De las fotografías: los fotógrafos © De los textos: los autores © De las traducciones: los traductores

162

C/PARAIRES, 10 PALMA DE MALLORCA

w w w.0 0 3 9 i ta l y -s h o p .c om

PARIS

·

FLORENCE

·

BERLIN

·

PALMA ·

MUNICH

·

DÜSSELDORF

·

FRANKFURT ·

HAMBURG

·

SYLT