@mauriciomacri Disfrutemos de este Festival del que todos, artistas y espectadores, somos protagonistas. Bienvenido #10FIBA

@mauriciomacri Let’s enjoy this Festival whose main figures are the artists and the audience. Welcome #10FIBA!

@horaciorlarreta La Ciudad celebra el Festival que se consagró como uno de los más importantes de América latina: llegó #10FIBA @horaciorlarreta Our City is home to the Festival that has become one of the major theatre events in Latin America. #10FIBA has arrived. @herlombardi Orgullosos de presentar la décima edición del Festival Internacional de Buenos Aires. Acompañanos a vivirlo. #10FIBA @herlombardi We are proud to present the tenth edition of the Festival Internacional de Buenos Aires. Let’s enjoy it together. #10FIBA Darío Lopérfido Festejemos los 10 años de este gran encuentro de las artes escénicas en Buenos Aires, ciudad de teatro. #10FIBA

Darío Lopérfido Let’s celebrate the 10 years of this great performing arts event in Buenos Aires, city of theatre. #10FIBA

@festivalesgcba Nos esperan dos semanas para vivir lo mejor del teatro y la danza del mundo en la Ciudad. #10FIBA @festivalesgcba Two weeks ahead of us to enjoy the world’s best theatre and dance in the City. #10FIBA

Here is the tenth edition of the Festival we founded in 1997 with the desire to bring theatre from across the world to Buenos Aires, a city with a rich and diverse theatrical scene. Ever since then, key figures and artists at the forefront of contemporary performing arts have visited us every two years. On this occasion, we are once again committed to delivering high quality programming, one that blends different aesthetics and includes established artists performing here for the first time. One that features a variety of national stage productions: works selected, works invited, works in progress, a focus on a local creator, the premiere of two dance shows – winners of the FIBA - Festival Buenos Aires Danza Contemporánea Co-Production Prize. And one that reflects partnerships with Panorama Sur, a platform for creation and reflection, which presents a much-awaited Latin American premiere; with Chilean festival Santiago a Mil, and with Artes del Sur, which brings foreign critics to engage in a discussion fueled by diversity. As usual, the Festival offers activities to take a close look at theatre and think about it from different perspectives. Discussions, open events, workshops, films, book presentations, and tributes will provide a space for exchange. And to stimulate the expansion of our artists, we bring back The Market, with networking sessions for local artists and foreign programmers. I would like to give my thanks to the City Festivals staff for their drive and commitment, and to local government authorities for their trust and the freedom they gave me.

Darío Lopérfido Artistic Director 10 Festival Internacional de Buenos Aires

Llega la décima edición del Festival que fundamos en 1997 con el deseo de que Buenos Aires, una ciudad con actividad teatral rica y diversa, recibiera al teatro del mundo. Desde entonces, referentes de la escena contemporánea y figuras renovadoras nos visitaron cada dos años. En esta ocasión, volvemos a apostar a una programación de gran nivel en la que conviven estéticas diferentes y que incluye a artistas consagrados que por primera vez actuarán aquí. La producción nacional está presente en su variedad: obras seleccionadas, obras invitadas, work in progress, un foco sobre un creador local, el estreno de los dos espectáculos de danza ganadores del Concurso de Proyectos de Coproducción FIBA - Festival Buenos Aires Danza Contemporánea. Y además, la articulación con la plataforma de creación y reflexión Panorama Sur con un esperado estreno iberoamericano, con el festival chileno Santiago a Mil, y con Artes del Sur que invita a críticos extranjeros para generar un diálogo desde la diversidad. Como siempre, todas las actividades que permiten acercarse al teatro y pensarlo desde distintas perspectivas. Charlas, encuentros abiertos, talleres, películas, presentaciones de libros y homenajes como espacios para el intercambio. Y para estimular la proyección de nuestros artistas, volvemos a realizar la sección El Mercado con jornadas de encuentro entre artistas locales y programadores extranjeros. Quiero agradecer al equipo de Festivales de la Ciudad por su empuje y compromiso, y a las autoridades del gobierno porteño por la confianza y la libertad de trabajo.

Darío Lopérfido Director Artístico 10 Festival Internacional de Buenos Aires

GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES Jefe de Gobierno Mauricio Macri Jefe de Gabinete de Ministros Horacio Rodríguez Larreta Ministro de Cultura Hernán Lombardi Dirección Festivales de Buenos Aires Vivi Cantoni Dirección Artística 10 FIBA Darío Lopérfido Producción General Cecilia Kuska Asistencia Artística Carolina Prieto Cecilia Kuska Jurados Las Nacionales Seleccionadas Darío Lopérfido Carolina Prieto Andrea Servera Alejandro Ullúa Gerencia Operativa de Producción Festivales Silvia Tissembaum Producción Ejecutiva Coordinación Luciana Saffores Equipo Natalia Colás Pía Ruiz Luque Las Internacionales Carolina Arandia Rodrigo de la Fuente Macarena Herrera Bravo Mónica Pérez

Las Nacionales Coordinación Nicolás González Asistencia Sol Montaldo Equipo Pía Bertoldi María Belén Chaud Diego Silva Garrido Encuentros y Workshops Alejandro Ullúa Asistencia Mónica Pérez Intérprete Alejo Magariños Las Películas Victoria Oleaga El Mercado María João Machado Lionel Braverman IX Premio Germán Rozenmacher Jurado Jimena Aguilar Jorge Dubatti Santiago Loza Producción Técnica Coordinación Jose Luis Fiorruccio Pablo Calderón Noelia González Mariana Castelucci

Equipo Pablo Alfieri Martín Arcidiácono Verónica Cámara Magalí Fischtein Esteban Lahuerta Pablo Rodino Alejandro Zambrano Aldana Illán Utilería María José Crivella Gerencia Operativa de Logística Festivales Romina Marson Equipo Ariel Cáceres Correa Florencia Blanca Pablo Dadone Ayelén Decuzzi Damián García Luis Madril Jimena Takuhi Berberian Oficina de Invitados Coordinación Paz Canessa Asistencia Denise Menache Equipo María Luz Varela Grau Maggie Perkins Relaciones Institucionales Mercedes Saloña

Asistentes de Compañías Extranjeras Coordinación Ximena Belgrano Rawson Asistencia Juan Pedro Fernández Argento Equipo María Betania Antico Carolina Basaldúa Giulia Foschia Marina Lacarta Tomás Landa Fanny Ribes Enzo Romano Francisco Luis Scarponi Laura Scot Producción de Sedes José Andrukowicz Miranda Barron Nicolás Carnavale Florencia Falconi Martín Frosio Julia Marcovich Laura Mazzei Xavier Mercado Lucila Piffer Martín Rea Punto de Encuentro Agustina Morales Imagen y Comunicación Coordinación Lourdes Lima Asesoría Carolina Stegmayer

Equipo Nicole Goldszmidt Carolina Sturla Constanza Zarnitzer Diseño Gráfico Agustina Periale Lucas Panichella

Prensa Pablo Medina Luciana Zylberberg

Diseño Web y Programación Alejandro Duarte - Kood Studio

Informes Coordinación Fernanda Moreira

Redes Sociales Gustavo Lamas Redacción de Noticias Guillermo Pintos Video Gaby Starna - Borde Chino Fotografía Fernando Dvoskin Gustavo Correa Ignacio Arnedo Adán Jones Margarita Fractman Jade Sívori Catálogo Coordinación de contenido Carolina Prieto Diseño Editorial Verónica Roca Cecilia Loidi Corrección Gabriela Berajá Traducción Cecilia Zabaleta

Producción Comercial Cayetano Vicentini Asistencia Juan Pedro Fernández Argento

Gerencia Operativa Gestión de Operaciones Aída Barbara Equipo Lucas Rosa Albanese Adriana Alonso Maximiliano Betti Patricia Latorre Cecilia Gómez Padilla Jorge Ribezuk Deborah Rapoport Paola Romanín Carina Stanzione Recepción Claudia Klappenbach Sistemas Eduardo Desanze

Agradecimientos | Acknowledgements

Embaixada de Portugal em Buenos Aires

índice contents Sedes Venues

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Actividades Gratuitas - Venta de Entradas - Puntos de Venta Free Activities - Ticket Sale - Ticket Outlets 9 LAS INTERNACIONALES international productions

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LAS NACIONALES | seleccionadas national productions | selected

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las nacionales | invitadas national productions | invited Concurso de proyectos de Coproducción FIBA-festival buenos aires danza contemporánea FIBA-Festival buenos aires Danza Contemporánea co-production prize

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FIBA EN CHILE fiba in chile

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PANORAMA SUR

125

HOMENAJE A TADEUSZ KANTOR Tribute to Tadeusz Kantor

135

ENCUENTROS Y WORKSHOPS events & workshops

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LAS PELíCULAS the films

149

LOS LIBROS the books

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EL MERCADO. WORK IN PROGRESS. EXPLORACIONES escénicas the market. work in progress. stage Explorations

181

sedes venues Teatro Coliseo Marcelo T. de Alvear 1125

Sportivo Teatral Thames 1426

Av. Corrientes 1681

Alianza Francesa Av. Córdoba 936

ElKafka Espacio Teatral Lambaré 866

Teatro San Martín Av. Corrientes 1530

Centro Cultural Rector Ricardo Rojas Av. Corrientes 2038

Teatro Beckett Guardia Vieja 3556

Punto de Encuentro

Teatro Regio Av. Córdoba 6056 Teatro Sarmiento Av. Sarmiento 2715 El Cultural San Martín Paraná, esq. Sarmiento Teatro 25 de Mayo Av. Triunvirato 4444 Teatro Colón Tucumán 1171

Espacio Callejón Humahuaca 3759 La Carpintería Teatro Jean Jaures 858 Teatro del Abasto Humahuaca 3549 Teatro del Pueblo Av. Pres. Roque Sáenz Peña 943

Patio de Actores Lerma 568 Teatro Anfitrión Venezuela 3340 Santos 4040 Santos Dumont 4040 Defensores de Bravard Bravard 1178 Margen del Mundo Concepción Arenal 4865

Anfiteatro del Parque Centenario Av. Ángel Gallardo y Leopoldo Marechal, entrada por Lillo

Teatro El Brío Av. Álvarez Thomas 1582

Casa de la Lectura Lavalleja 924

La Ideal Suipacha 384

Zelaya Zelaya 3134

Parque Sarmiento Av. Ricardo Balbín 4750

Apacheta Sala / Estudio Estados Unidos 1840

Teatro Buenos Aires Rodríguez Peña 411

Actividades gratuitas Free Activities Con entrada libre y gratuita, el FIBA ofrece una serie de actividades especiales que dialogan con las artes escénicas desde distintas perspectivas. FIBA offers a series of special activities that explore the performing arts from different perspectives, with free admission.

Homenaje a TadeuSz Kantor Tribute to Tadeusz Kantor Encuentros y Workshops events & Workshops Las Películas The Films Los Libros The Books Exploraciones Escénicas stage Explorations

venta de entradas ticket sale Desde el jueves 3 de septiembre, podés adquirir tus entradas y abonos a través de buenosaires.gob.ar/festivales o personalmente en los PUNTOS DE VENTA. Starting on Thursday, September 3, you can purchase your tickets and packages online at buenosaires.gob.ar/festivales or in person at TICKET OUTLETS.

puntos de venta ticket outlets Del 3 al 17 de septiembre / From September 3 to 17 n Casa de la Cultura (Av. de Mayo 575), de Lun a Vie de 10 a 20 h / Mon-Fri: 10 AM-8 PM n

Teatro Colón, de Lun a Sáb de 10 a 20 h y Dom de 10 a 17 h / Mon-Sat: 10 AM-8 PM and Sun: 10 AM-5 PM

A partir del 18 de septiembre / Starting on September 18 Teatro San Martín, de Lun a Dom de 10 a 22 h / Mon-Sun: 10 AM-10 PM n Teatro Regio, de Lun a Dom de 10 a 22 h / Mon-Sun: 10 AM-10 PM n Teatro Colón, de Lun a Sáb de 10 a 20 h y Dom de 10 a 17 h / Mon-Sat: 10 AM-8 PM and Sun: 10 AM-5 PM n

las internacionales international productions

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las internacionales El 10 FIBA recibe a dos grandes artistas europeos que por primera vez actúan en esta Ciudad. El belga Ivo van Hove, director de Toneelgroep Amsterdam, la compañía holandesa más reconocida de ese país, y su compatriota Jan Lauwers con la Needcompany. El primero trae Opening Night, un montaje que articula teatro y cine, basado en el film homónimo de John Cassavetes. Un engranaje de capas superpuestas para reflejar la crisis de una diva, a poco del estreno de una obra teatral. Lauwers presenta dos creaciones que revelan el carácter multidisciplinario de sus propuestas: Isabella’s Room, un cóctel de música en vivo, danza, artes visuales y teatro para dar cuenta del secreto que domina la vida de una mujer ya grande y ciega, y The Blind Poet, que acaba de estrenarse en el Kunstenfestivaldesart con el FIBA como coproductor, una indagación sobre la identidad en la Europa multicultural que se remonta mil años atrás. También debuta la compañía australiana Back to Back Theatre, formada por actores con y sin discapacidades, con Ganesh versus the Third Reich. De España llegan dos propuestas muy atractivas. La compañía catalana Agrupación Señor Serrano, ganadora del León de Plata 2015 en la Bienal de Venecia, con Brickman Brando Bubble Boom: un formato dinámico que mixtura performance, texto, videos, sonido e instalaciones para escenificar dos vidas en apariencia distantes, la del constructor que inspiró el primer sistema hipotecario de la historia y la del actor Marlon Brando, en busca de un hogar. La coreógrafa Sol Picó regresa al Festival con We Women, trabajo que FIBA coproduce junto

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al Festival Grec, en el que bailarinas de culturas diversas dibujan un retrato de la mujer contemporánea. Francia está presente con tres espectáculos. El Groupe F abre el Festival con À Fleur de Peau, un impactante montaje al aire libre de imágenes computarizadas, sonido y fuegos artificiales. El argentino Rodrigo García, actual director del Centre Dramatique National de Montpellier, hará Gólgota Picnic, un espectáculo desmesurado, radical, poblado de referencias bíblicas pero que se mete en otros terrenos. El director y actor Arthur Nauzyciel ofrecerá una lectura del KADDISH de Allen Ginsberg, aquel largo poema que el autor beat escribió tras la muerte de su madre. Mención aparte para la versión de la ópera Macbeth, de Verdi, a cargo del director sudafricano Brett Bailey: un espectáculo tan conmovedor como lúcido y colorido, que traslada el drama shakespereano al África, donde las tiranías locales y las fuerzas multinacionales hacen estragos, y cuyos cantantes han sido ellos mismos víctimas de la violencia que la obra describe. La argentina radicada en Berlín, Constanza Macras, trae uno de sus últimos trabajos, The Past, en el que los bailarines exploran la relación entre espacio y memoria. Cuba nos visita con Antigonón. Un contingente épico, de Rogelio Orizondo, un referente de la nueva dramaturgia isleña que está dando que hablar en los festivales europeos; Chile y Perú con Castigo y La cautiva respectivamente, dos puestas que abordan distintos tipos de violencia, familiar y social. Darío Lopérfido

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international productions 10 FIBA welcomes two great European artists performing in the City for the first time. Belgian Ivo van Hove, director of leading Dutch theatre company Toneelgroep Amsterdam, and fellow countryman Jan Lauwers with the Needcompany. The former brings Opening Night, a production combining theatre and cinema, based on the film of the same name by John Cassavetes. A layered matrix of interlocking elements reflect the crisis of a famed actress, in the run-up to the debut of her new play. Lauwers presents two creations that reveal his multidisciplinary approach to theatre making: Isabella’s Room uses a mix of live music, dance, visual arts and theatre to represent the secret that dominates the life of an old blind woman, and The Blind Poet, recently premiered at Kunstenfestivaldesart and co-produced by FIBA, reflects on identity in today’s multicultural Europe going back a thousand years. Another company debuting this year is Australia’s Back to Back Theatre, composed of actors with and without a disability, who perform Ganesh versus the Third Reich. Two stunning productions come from Spain. Catalan company Agrupación Señor Serrano, winner of a Silver Lion at the Venice Biennale 2015, presents Brickman Brando Bubble Boom: a dynamic format mixing performance, text, video, sound and installations to depict the seemingly distant lives of two people, the builder who inspired the first mortgage system in history, and actor Marlon Brando, who is searching for a home. Choreographer Sol Picó returns to the Festival with We Women, a piece co-produced by

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FIBA and Festival Grec, in which female dancers from diverse cultures paint a portrait of the contemporary woman. France participates with three shows. Groupe F opens the Festival with À Fleur de Peau, a stunning open-air spectacle combining projected images, sound and fireworks. Argentine Rodrigo García, current director of Centre Dramatique National de Montpellier, presents Gólgota Picnic, a radical, excessive show ridden with biblical references but exploring other territories. Director and actor Arthur Nauzyciel offers a reading of Allen Ginsberg’s KADDISH, the long poem that the Beat author wrote after his mother’s death. Special mention must be made of the version of Verdi’s opera Macbeth created by South African director Brett Bailey: a touching, brilliant and colorful show that relocates the Shakespearean drama to Africa, where local tyrants and multinationals are wrecking havoc, and whose singers have been themselves victims of the violence depicted on stage. Argentine-born, Berlin-based Constanza Macras brings one of her most recent works, The Past, in which dancers explore the relationship between space and memory. Cuba visits us with Antigonón. Un contingente épico, by Rogelio Orizondo, a leading figure of the country’s new drama who is getting a lot of attention at European festivals; while Chile and Peru bring Castigo and La cautiva, respectively, which deal with family and social violence. Darío Lopérfido

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las internacionales | francia

función de apertura / opening night

À Fleur de Peau Skin on Fire / a flor de piel À Fleur de Peau es una balada telúrica, un paseo curioso y espectacular entre los tesoros de la vida, un cuento fulgurante que explora la compleja relación entre los humanos y su entorno. La obra conduce al espectador a los confines del mundo contemporáneo, en un universo mágico y asombroso cuyos excesos cuestionan constantemente la precariedad del hombre y su entorno. À Fleur de Peau is a telluric ballad, a curious and spectacular stroll amid the treasures of life, a dazzling tale exploring the complex relation between humans and their environment. It leads the spectator to the confines of the contemporary world, in a magical and breathtaking universe whose excesses constantly question the precariousness of man and his environment.

Christophe Berthonneau A partir de una constante experimentación en nuevos territorios escénicos, artísticos y técnicos, crea obras contemporáneas en el campo del teatro y los eventos. Sus creaciones son aptas para todo público. Constantly experimenting in new scenic, artistic and technical territories, he creates contemporary works in the field of theatre and event. His creations are open to all audiences. Autor y director: Christophe Berthonneau / Compañía: Groupe F / Elenco: Barbara Amar, Didier Bonnardel, Johanna Bortuzzo, Rachel Cronier, Nicolas Leras, Sylvain Man / Música: Scott Gibbons / Producción: Groupe F / Duración: 45’

Jue 17/9, 21 h / Sáb 19/9, 19:30 h / Dom 20/9, 19:30 h Thu 9/17, 9 PM / Sat 9/19, 7:30 PM / Sun 9/20, 7:30 PM Parque Sarmiento

ph Christophe Berthonneau: © H.Hote-Agence Caméléon PH À fleur de peau: © Daniel Roblin

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international productions | cuba

Antigonón. Un contingente épico Antigonon. An Epic Contingent Rogelio Orizondo, uno de los autores jóvenes más interesantes de Cuba, lleva los célebres versos de Martí a un ámbito moderno. En muchas escenas breves, intérpretes y bailarines crean un caleidoscopio de encuentros absurdos. La idea de libertad que expresa el poeta choca con la dura realidad, pero también con las múltiples voces de un pueblo capaz de contrarrestar esta misma realidad con ingenio y gracia, dignidad y el deseo de sobrevivir. Rogelio Orizondo, one of the most interesting young Cuban authors, transposes Martí’s famous verses into a modern setting. In many brief acted scenes, performers and dancers create a kaleidoscope of absurd encounters. José Martí’s idea of freedom clashes with tough reality, but also with the manifold voices of a people able to counter this reality with wit and grace, dignity and the will to survive.

CARLOS DÍAZ Director General del Teatro El Público, es uno de los nombres más celebrados y polémicos de la escena cubana. Su teatro mezcla discursos y lenguajes contemporáneos en una dimensión multidisciplinaria. General Director of Teatro El Público, he is one of the most celebrated and controversial names on the Cuban scene. His theatre combines contemporary discourses and languages within a multidisciplinary framework. Autor: Rogelio Orizondo / Dramaturgia: Rogelio Orizondo y Carlos Díaz / Asesoría dramática: Norge Espinosa / Compañía: Teatro El Público / Director: Carlos Díaz / Asistentes de dirección: Adolfo Mena Cejas y Osvaldo Hernández / Elenco: Giselda Calero, Daysi Forcade, Luis Manuel Álvarez, Roberto Espinosa, Linnet Hernández / Coreografía y movimiento escénico: Xenia Cruz, Sandra Ramy / Composición musical: Bárbara Llánes / Diseño de iluminación: Oscar Bastanzuri / Diseño de escenografía: Robertiko Ramos / Diseño de vestuario: Celia Ledón, Robertiko Ramos / Material audiovisual: Marcél Beltrán - Cortesía de la Embajada de Polonia en La Habana / Producción: Jorge Luis Guerrero y Jorge Luis Ramírez / Duración: 80’ Esta obra contiene desnudos. This production contains nudity.

Vie 25/9, 21:30 h + Q&A / Sáb 26/9, 21:30 h / Dom 27/9, 17 h Fri 9/25, 9:30 PM + Q&A / Sat 9/26, 9:30 PM / Sun 9/27, 5 PM Teatro 25 de Mayo PH: © Lessy Montes de oca

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las internacionales | españa

Brickman Brando Bubble Boom Brickman, Brando y el estallido de la burbuja Un poblado de chabolas ardiendo. Funky a todo volumen. La crisis del sistema hipotecario. La Inglaterra victoriana. Nidos, madrigueras, cuevas y mansiones. Más de 150.000 desalojos en 2012. Un banquero sonriendo. Mucho video en directo. Paraísos tahitianos. El derecho a la vivienda. El derecho al aire acondicionado. Y Marlon Brando haciendo de John Brickman. Ni más ni menos. A shantytown on fire. Funky music playing loud. The mortgage crisis. Victorian England. Nests, dens, caves and mansions. More than 150,000 foreclosures in 2012. A banker smiling. A lot of live video. Tahitian paradises. The right to housing. The right to air conditioning. And Marlon Brando playing John Brickman. No more, no less.

Agrupación Señor Serrano Fundada por Àlex Serrano en 2006, la compañía crea espectáculos multimedia sobre aspectos discordantes de la experiencia humana de nuestros días. León de Plata 2015 de la Bienal de Venecia. Founded by Àlex Serrano in 2006, the company creates multimedia productions based on discordant aspects of today’s human experience. Winner of the Silver Lion at the 2015 Venice Biennale. Compañía, autoría y dirección: Agrupación Señor Serrano / Idea original: Àlex Serrano y Pau Palacios / Creación y performance: Diego Anido, Àlex Serrano, Pau Palacios, Alberto Barberá / Dramaturgista: Ferran Dordal / Creación y desarrollo tecnológico: Martí Sánchez-Fibla / Video-creación: Jordi Soler / Iluminación: cube.bz / Movimiento: Diego Anido / Diseño de sonido y banda sonora: Roger Costa Vendrell y Diego Anido / Arquitecto asesor: Pau Vidal / Maquetas: Nuria Manzano / Vestuario: Alexandra Laudo / Asesor del proyecto: Víctor Molina / Management: Iva Horvat / Agente129 / Producción: Agrupación Señor Serrano, Festival TNT (Terrassa Noves Tendències), Centre d’Arts Escèniques de Terrassa / Producción ejecutiva: Barbara Bloin / Coproducción: Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural - Departament de Cultura; Beca a la creación del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA); Ayuda a la Creación Dramatúrgica en residencia de Iberescena; Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música; Institut Ramon Llull; Centre National des Écritures du Spectacle La Chartreuse; Beca Odyssée del Ministerio de Cultura Francés / Duración: 60’

Mié 23/9, 21 h / Jue 24/9, 21 h + Q&A / Vie 25/9, 20 h Wed 9/23, 9 PM / Thu 9/24, 9 PM + Q&A / Fri 9/25, 8 PM Teatro San Martín, Sala Casacuberta ph Agrupación Señor Serrano: © Nacho Gómez PH Brickman Brando Bubble Boom : © Alfred Mauve

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international productions | chile

Castigo Punishment Castigo es la puesta en escena de un episodio de infancia relatado por el sueco August Strindberg en su novela autobiográfica El hijo de la sierva, escrita a fines del siglo XIX. Se trata de un retrato arquetípico que pretende dar cuenta de los vicios y abusos enquistados en esta intangible institución moral llamada familia. Castigo brings to the stage a story from the childhood of Swedish author August Strindberg, narrated in his autobiographical novel in the late 19th century. It is an archetypal portrait that aims to expose the vices and abuses ingrained in this “intangible moral institution” called family.

Cristián Plana Es actor de formación, luego ingresó al Seminario de Dirección Teatral del Centro de Investigación La Memoria. El trabajo de Plana se ha caracterizado por crear atmósferas asfixiantes. Originally trained as an actor, he then attended the theatre directing seminar at the Centro de Investigación La Memoria. A major characteristic of his work is the creation of suffocating atmospheres. Dramaturgia y dirección: Cristián Plana, a partir de un texto de August Strindberg / Elenco: Rodrigo Soto, Alexandra von Hummel, Daniela Ropert, Diego Salvo, Natalia Ríos / Música: Diego Noguera / Diseño de escenografía: Fernando Quiroga, Sandro Compayante, Cristian Canales / Diseño integral: Belén Abarza / Producción: Carla Casali / Coproducción: Teatro de la Memoria & Fundación Teatro a Mil / Duración: 60’

Jue 24/9, 20:30 h / Vie 25/9, 21:30 h + Q&A / Sáb 26/9, 20 h Thu 9/24, 8:30 PM / Fri 9/25, 9:30 PM + Q&A / Sat 9/26, 8 PM Teatro Regio

ph: © Fundación Teatro a Mil

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las internacionales | australia

Ganesh Versus The Third Reich Ganesha versus el Tercer Reich Comienza con el viaje de Ganesha, deidad con cabeza de elefante, a través de la Alemania nazi para recuperar un antiguo símbolo hindú. Mientras este intrépido héroe se embarca en este recorrido, se revela una segunda línea narrativa: los propios actores comienzan a sentir el peso de la responsabilidad que tienen como narradores y cuestionan la ética de la apropiación cultural. Liderada por un elenco único de actores con discapacidad, la compañía da voz a problemáticas sociales y políticas que apelan al público en general. It begins with the elephant-headed god Ganesh traveling through Nazi Germany to reclaim an ancient Hindu symbol. As this hero embarks on his journey, a second narrative is revealed: the actors themselves begin to feel the weighty responsibility of storytellers and question the ethics of cultural appropriation. The company is led by a unique ensemble of actors with a disability, giving voice to the social and political issues that speak to all people.

Bruce Gladwin Artista y creador australiano. Su trabajo en la compa-

ñía desde 1999 es reconocido por su innovación y excelencia. Se presenta en importantes instituciones y festivales de arte internacionales. Australian artist and performance maker. His work with the company since 1999 is recognized for innovation and excellence, touring to major international arts festivals and institutions.

Coautores: Mark Deans, Marcia Ferguson, Bruce Gladwin, Nicki Holland, Simon Laherty, Sarah Mainwaring, Scott Price, Kate Sulan, Brian Tilley, David Woods / Compañía: Back to Back Theatre / Director: Bruce Gladwin / Elenco: Mark Deans, Simon Laherty, Scott Price, Brian Tilley y David Woods / Música: Jóhann Jóhannsson / Diseño de iluminación: Andrew Livingston, Bluebottle / Diseño de sonido: Lachlan Carrick / Operador de sonido: Marco Cher Gibard / Diseño y construcción de escenografía: Mark Cuthbertson / Diseño de vestuario: Shio Otani / Jefa de escena: Alice Fleming / Coproducción: La primera temporada contó con el apoyo de Keir Foundation, Melbourne Festival, Malthouse Theatre, National Theatre Studio (Londres) y ANZ Trustees. / Duración: 100’ (sin intervalo) Contiene temas para público adulto y lenguaje vulgar. Es una ficción y no pretende ser una representación exacta de un hecho histórico o de las escrituras sagradas. This production contains adult themes and course language. It is a work of fiction and does not purport to be an accurate representation of historical fact or scripture.

Vie 25/9, 21 h / Sáb 26/9, 20:30 h + Q&A / Dom 27/9, 16 h Fri 9/25, 9 PM / Sat 9/26, 8:30 PM + Q&A / Sun 9/27, 4 PM Teatro Coliseo

ph: © Jeff Busby

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international productions | francia

Gólgota Picnic “Rodrigo García escudriña nuestro mundo y da de él una visión radical y perturbadora, a veces chocante, siempre pertinente. La intensidad del texto abre el camino del arte del retrato, íntimo, personal, marcado por el desasosiego. El director orquesta un mundo suspendido a su consumo donde el arte no es más que un adorno, y nos recuerda las notas de Joseph Haydn como para abrir mañanas apaciguadas”. Jacky Ohayon “Rodrigo García examines our world and gives a radical, disturbing view of it, at times shocking, yet always relevant. The intensity of the text paves the way for the art of the portrait – intimate, personal, marked by helplessness. The director orchestrates a world dependent on consumerism, where art is nothing but an ornament, and reminds us of the tunes of Joseph Haydn to begin the day peacefully.” Jacky Ohayon

Rodrigo García Reconocido autor, escenógrafo y director. Consolidó un lenguaje personal alejado del teatro tradicional. Su escritura es una extensión de lo real cuya fuerza reside en su dimensión poética. He is a renowned playwright, set designer and director, who has forged a personal language away from traditional theatre. His writing is an extension of reality, with a powerful poetic dimension. Autor y director: Rodrigo García / Compañía: hTh - CDN Montpellier / Elenco: Gonzalo Cunill, Núria Lloansi, Juan Loriente, Juan Navarro, Jean-Benoît Ugeux / Música: Joseph Haydn / Pianista: Marino Formenti / Diseño de iluminación: Carlos Marquerie / Creación sonora en videos: Daniel Romero / Diseño de escenografía: Rodrigo García / Diseño de vestuario: Belén Montoliu / Video creación: Rodrigo García / Asistente de dirección: John Romão / Espacio sonoro: Marc Romagosa / Asesor técnico: Roberto Cafaggini / Producción: Centro Dramático Nacional - Madrid, Theatre Garonne - Toulouse / Producción ejecutiva: hTh CDN Montpellier / Coproducción: Festival d’Automne à Paris / Duración: 130’ Esta obra es un proyecto realizado en el marco del programa TransArte del Institut Français, que favorece la circulación y la promoción de propuestas artísticas nacidas de la hibridación de procesos y disciplinas. Diseñado como un sello, este programa innovador fue creado en 2012 en Europa y América latina, y se desarrolla desde entonces con numerosos socios a través del mundo. Esta obra contiene desnudos y escenas que pueden afectar la sensibilidad del público. This production contains nudity and scenes that the audience may find disturbing.

Vie 2/10, 19 h / Sáb 3/10, 19 h + Q&A / Dom 4/10, 18 h Fri 10/2, 7 PM / Sat 10/3, 7 PM + Q&A / Sun 10/4, 6 PM Teatro San Martín, Sala Casacuberta

ph Rodrigo García: © Marc Ginot ph gólgota picnic: © Christian Berthelot

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las internacionales | bélgica

Isabella’s Room La habitación de Isabella Isabella’s Room guarda un secreto. Es el lugar de una mentira. Es el lugar de la mentira que domina la existencia de Isabella. Es la hija de un príncipe del desierto que desapareció en una expedición. Así comienza la historia de vida de la ciega y anciana Isabella. Pero pronto es evidente que una verdad terrible e indescriptible se esconde debajo de la historia del príncipe del desierto. Isabella’s Room contains a secret. It is the location of a lie. It is the location of the lie that dominates Isabella’s existence. She is the daughter of a desert prince who disappeared on an expedition. This is how the life story of the blind old Isabella begins. But it soon becomes clear that a terrible, unutterable truth lies hidden beneath the story of the desert prince.

Jan Lauwers La formación de Lauwers como artista visual es fundamental para su manejo del medio escénico y lo lleva a desarrollar un lenguaje teatral muy personal y vanguardista que se pregunta por el teatro y su significado. Lauwers’ training as a visual artist is decisive in his handling of the theatre medium and leads to a highly individual and in many ways pioneering theatrical idiom that examines the theatre and its meaning. Autor, director y diseño de escenografía: Jan Lauwers / Compañía: Needcompany / Elenco: Viviane De Muynck, Anneke Bonnema, Hans Petter Dahl, Julien Faure, Benoît Gob, Misha Downey (reemplaza a Ludde Hagberg), Grace Ellen Barkey (reemplaza a Tijen Lawton), Yumiko Funaya (reemplaza a Louise Peterhoff), Maarten Seghers, Jan Lauwers, Elke Janssens / Música y dirección musical: Hans Petter Dahl y Maarten Seghers / Diseño de iluminación: Marjolein Demey y Jan Lauwers / Sonido: Marc Combas / Diseño de vestuario: Lemm&Barkey / Producción: Needcompany / Coproducción: Festival d’Avignon, Théâtre de la Ville (París), Théâtre Garonne (Toulouse), La Rose des Vents (Scène Nationale de Villeneuve d’Ascq), Brooklyn Academy of Music (Nueva York), welt in basel theaterfestival. Con la colaboración del Kaaitheater (Bruselas). Con el apoyo de autoridades de Flandes. / Duración: 120’ (sin intervalo)

Sáb 19/9, 20 h / Dom 20/9, 20 h Sat 9/19, 8 PM / Sun 9/20, 8 PM Anfiteatro del Parque Centenario

ph: © Maarten Vanden Abeele

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international productions | francia

Kaddish Kadish Una página tras otra, la ternura del poema de Allen Ginsberg escrito en 1959, bajo el efecto de anfetaminas, impresiona nuestros sentidos. Canto de amor, cruel, irónico y doloroso, donde la narración despiadada sobre el descenso a los infiernos de su madre Naomi está atravesada por una poesía mística, KADDISH es una obra maestra del autor de Howl, considerado uno de los fundadores de la Generación Beat. One page after another, the tenderness of the poem of Allen Ginsberg wrote in 1959, on amphetamines, impresses our senses. Cruel love song, ironic and painful, where the ruthless narration of the descent into hell of his mother Naomi is crossed with pure mystical poetry, KADDISH is a masterpiece from the author of Howl, who is considered a founding member of the Beat Generation.

Arthur Nauzyciel Comenzó su carrera como actor y luego se dedicó a la dirección teatral. Se convirtió en uno de los directores franceses más importantes de las últimas décadas. Desde 2007, se desempeña como director del Centre Dramatique National Orléans/ Loiret/Centre. He began his career as an actor and then turned to stage directing. He became one of the most important French directors of the last decades. Since 2007 he has been the director of the Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre. Autor: Allen Ginsberg (fragmentos de Kaddish y Journal 1952-1962) / Compañía: Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre / Director e intérprete: Arthur Nauzyciel / Música: Étienne Daho (canto y voz del diario de Allen Ginsberg) / Video: Valérie Mréjen / Diseño de iluminación y dirección técnica: Jean-Marc Hennaut / Diseño de sonido: Xavier Jacquot y Florent Dalmas / Cocina: Régine Nauczyciel / Producción: Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre / Coproducción: Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme / Duración: 80’

Lun 28/9, 20 h + Q&A Mon 9/28, 8 PM + Q&A Alianza Francesa

ph: © GERALDINE ARESTEANU

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las internacionales | perú

La Cautiva The Captive Perú, Ayacucho 1984, una sala de morgue. María Josefa despierta en un lugar que nunca imaginó para comprender que será presa del horror. El capitán y su tropa la van a violar. El técnico auxiliar es el responsable de prepararla para el festejo de sus verdugos. En un acto de compasión, el joven se apiada de la cautiva transformando la realidad en su fiesta de 15 años. A morgue room in Ayacucho, Peru, in 1984. María Josefa wakes up in an unimagined place to realize that she will be a victim of horror. The captain and his troop will rape her. The technical assistant is in charge of getting her ready for the celebration of her executioners. Moved by compassion, the young man takes pity on her and transforms reality into her fifteenth birthday party.

Chela de Ferrari Prestigiosa directora limeña, es fundadora y directora artística del Teatro La Plaza, que desde 2003 ofrece una programación que combina textos clásicos bajo una mirada contemporánea y nueva dramaturgia. A prestigious director from Lima, she is the founder and artistic director of Teatro La Plaza, which since 2003 has been staging classic texts from a modern perspective as well as new works. Autor: Luis Alberto León / Compañía: Teatro La Plaza / Directora: Chela de Ferrari / Director asistente: Carlos Galiano / Elenco: Nidia Bermejo (cautiva), Alain Salinas (auxiliar), Carlos Victoria (médico), Emilram Cossio (capitán), Jesús Tantaleán (soldado), Rodrigo Rodríguez (senderista) / Coreografía: Ana Correa / Investigación: Luis Rodríguez Pastor / Producción sonora: José Balado / Charango: Martín Choy / Diseño de iluminación: Jesús Reyes / Diseño de escenografía: Chela de Ferrari y Luis Alberto León / Diseño de vestuario: Chela de Ferrari y Luis Alberto León / Producción general: Teatro La Plaza / Productora de gira: Mariana Soria / Duración: 105’ Esta obra contiene desnudos. This production contains nudity.

Jue 1/10, 20 h + Q&A / Vie 2/10, 21 h / Sáb 3/10, 17 h Thu 10/1, 8 PM + Q&A / Fri 10/2, 9 PM / Sat 10/3, 5 PM Teatro Regio

ph la cautiva: © CARLOS GALIANO

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international productions | sudáfrica

Macbeth En esta recreación, un grupo de refugiados congoleses se topa con un baúl lleno de partituras, vestuarios y discos de vinilo del Macbeth de Verdi. Esta parafernalia teatral sirve de disparador para reinterpretar la historia de Shakespeare, donde los Macbeth aparecen como líderes militares, las tres hermanas como empresarios estafadores y Dunsinane como la región de los Grandes Lagos de África Central. In this recreation, a group of Congolese refugees stumble upon a trunk filled with sheet music, costumes and gramophone recordings of Verdi’s Macbeth. This theatrical paraphernalia becomes the catalyst for a dramatic retelling of Shakespeare’s tale with the Macbeths as warlords, the three sisters as double-crossing businessmen and Dunsinane as the Great Lakes region APLICACIÓN of Central Africa. PARA TAPAS

Brett Bailey Es dramaturgo, diseñador, director teatral, curador de festivales y director artístico de Third World Bunfight. Sus trabajos se han presentado en Europa, Australia y África, y han recibido varios premios. He is a playwright, designer, play director, festival curator and the artistic director of Third World Bunfight. His works have been staged in Europe, Australia and Africa, and won several awards. Autores: Giuseppe Verdi, Brett Bailey, Fabrizio Cassol / Compañía: Third World Bunfight / Director, diseño de vestuario y escenografía: Brett Bailey / Elenco: Macbeth: Owen Metsileng; Lady Macbeth: Nobulumko APLICACIÓN PARA PÁGINAS DE AUTORIDADES / CARTELERÍA Mngxekeza; Banquo: Otto Maidi; Coro: Sandile Kamle, Jacqueline Manciya, Monde Masimini, Siphesihle Mdena, Bulelani Madondile, Philisa Sibeko, Thomakazi Holland / Música: Fabrizio Cassol, a partir de la obra de Verdi / Orquesta: Natalia Shishmonina (violín); Ángel Randazzo (violín), Gabriel Falconi (viola), Stanimir Todorov (violoncello), Elián Ortiz Cárdenas (contrabajo), Fabio Mazzitelli (flauta y pícolo), Guillermo Astudillo (clarinete y clarinete bajo), Diego Armengol (fagot y contrafagot), Werner Menger (trompeta), Enrique Schneebeli (trombón y trombón bajo) / Dirección musical y diseño de sonido: Premil Petrovic / Diseño de iluminación: Felice Ross / Producción: Barbara Mathers - Third World Bunfight / Coproducción: Con el apoyo del EU Culture Fund y el National Lottery Distribution Fund de Sudáfrica. Una coproducción de APLICACIÓN VARIAS Barbican, KFDA/KVS, Wiener Festwochen, Theaterformen Festival et La Ferme du Buisson. / Duración: 100’

Dom 4/10, 17 h + Q&A / Lun 5/10, 15 h Sun 10/4, 5 PM + Q&A / Mon 10/5, 3 PM Teatro Colón ph: © Nicky Newman

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las internacionales | holanda

Opening Night Noche de estreno Opening Night muestra a una compañía de teatro durante los agitados días previos a la noche de estreno de una nueva obra llamada The Second Wife. Tras ser testigo de la muerte de una joven admiradora, Myrtle Gordon, la primera actriz de la compañía, empieza a confundir la vida real con el teatro. No puede deshacerse de las imágenes del accidente y su personaje empieza a vincularse con la muerte de Nancy. It portrays a theatre company during the hectic run-up to the opening night of a new play entitled The Second Wife. When she witnesses the death of a young fan, Myrtle Gordon, the company’s leading actress, starts to confuse real life with theatre. She cannot rid herself of the images of the accident and her role becomes associated with the death of Nancy.

Ivo van Hove Director de teatro nacido en Bélgica y aclamado internacionalmente. Desde 2001, es director general del Toneelgroep Amsterdam, la compañía de teatro más grande de Holanda. He is an internationally acclaimed Belgian theater director and general director of Toneelgroep Amsterdam, the largest repertory theatre company in the Netherlands since 2001. Autor: John Cassavetes / Compañía: Toneelgroep Amsterdam / Director: Ivo van Hove / Elenco: Elsie de Brauw, Jacob Derwig, Hélène Devos, Lien de Graeve, Hans Kesting, Chris Nietvelt, Alwin Pulinckx, Oscar van Rompay, Bart Slegers, Eelco Smits, Lien Wildemeersch / Traducción: Sam Bogaerts y Gerardjan Rijnders / Dramaturgia: Koen Tachelet / Diseño de iluminación y escenografía: Jan Versweyveld / Diseño de sonido: Marc Meulemans / Diseño de video: Erik Lint / Diseño de vestuario: An d’Huys / Producción: Toneelgroep Amsterdam / NTGent / Duración: 140’ Esta obra contiene desnudos. This production contains nudity.

Vie 2/10, 20 h / Sáb 3/10, 20 h + Q&A / Dom 4/10, 15 h Fri 10/2, 8 PM / Sat 10/3, 8 PM + Q&A / Sun 10/4, 3 PM Teatro San Martín, Sala Martín Coronado

ph: © Jan Versweyveld

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international productions | bélgica

The Blind Poet El poeta ciego Es la última obra de Jan Lauwers, en estrecha colaboración con el compositor Maarten Seghers, que se estrenó en el Kunstenfestivaldesarts en 2015 coproducida por FIBA. Lauwers parte del árbol genealógico de los intérpretes y escribe una nueva historia basada en la diversidad de nacionalidades, culturas e idiomas de estos. Retrocede mil años para reflexionar sobre la noción de identidad en la Europa multicultural de la actualidad. It is the latest play by Jan Lauwers, in close cooperation with composer Maarten Seghers, which premiered at the Kunstenfestivaldesarts in 2015 and was co-produced by FIBA. Lauwers starts out from the performers’ family trees and is writing a new story based on their various nationalities, cultures and languages. He goes back a thousand years to ponder the notion of identity in today’s multicultural Europe.

Jan Lauwers La formación de Lauwers como artista visual es fundamental para su manejo del medio escénico y lo lleva a desarrollar un lenguaje teatral muy personal y vanguardista que se pregunta por el teatro y su significado. Lauwers’ training as a visual artist is decisive in his handling of the theatre medium and leads to a highly individual and in many ways pioneering theatrical idiom that examines the theatre and its meaning. Autor: Jan Lauwers / Compañía: Needcompany / Director y diseño de escenografía: Jan Lauwers / Elenco: Grace Ellen Barkey, Jules Beckman, Anna Sophie Bonnema, Hans Petter Melø Dahl, Benoît Gob, Maarten Seghers, Mohamed Toukabri, Elke Janssens, Jan Lauwers / Música y dirección musical: Maarten Seghers / Diseño de iluminación: Marjolein Demey y Jan Lauwers / Diseño de sonido: Ditten Lerooij / Diseño de vestuario: Lot Lemm (Vestuario: Mohamed de Bachir bin Ahmed bin Rhaïem El Toukabri) / Producción: Needcompany / Coproducción: Kunstenfestivaldesarts, Kunstfestspiele Herrenhausen, FIBA, Künstlerhaus Mousonturm. Con el apoyo de las autoridades de Flandes. / Duración: 140’ (con intervalo)

Jue 24/9, 20 h / Vie 25/9, 19 h + Q&A / Sáb 26/9, 18 h Thu 9/24, 8 PM / Fri 9/25, 7 PM + Q&A / Sat 9/26, 6 PM Teatro San Martín, Sala Martín Coronado

ph: © Maarten Vanden Abeele

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las internacionales | Alemania

The Past El pasado de Constanza Macras | DorkyPark y Oscar Bianchi The Past explora el arte de la memoria o ars memoriae, en el cual los recuerdos están fuertemente asociados con lugares físicos. La obra investiga los espacios arquitectónicos como instrumentos narrativos de nuestra historia: en su reescritura, para superar las heridas del pasado y para comprender los acontecimientos actuales como parte de un ciclo constante que vivimos como el paso del tiempo. The Past explores the art of memory, or ars memoriae, in which memories are strongly associated with physical locations. The piece examines architectonic places as narrative instruments of our history – in the rewriting of history, for overcoming the wounds of the past, and for understanding contemporary events as part of a constant cycle that we experience as the passing of time.

Constanza Macras Nació en Buenos Aires. Es coreógrafa y desde 1995 vive y trabaja en Berlín, donde tiene base su prestigiosa compañía internacional, Constanza Macras | DorkyPark. She is a Buenos Aires-born choreographer who, since 1995, has been living and working in Berlin, where her internationally acclaimed company Constanza Macras | DorkyPark is based. Autores: Constanza Macras | DorkyPark y Oscar Bianchi / Compañía: Constanza Macras | DorkyPark / Directora: Constanza Macras / Elenco: Louis Becker, Emil Bordás, Fernanda Farah, Susanne Fröhlich, Luc Guiol, Nile Koetting, Johanna Lemke, Ana Mondini, Yuka Ohta, Felix Saalmann, Miki Shoji / Música y dirección musical: Oscar Bianchi / Diseño de iluminación: Sérgio Pessanha / Diseño de sonido: Manuel Horstmann / Diseño de escenografía: Laura Gamberg y Chika Takabayashi / Diseño de vestuario: Alison Saunders / Producción: Constanza Macras | DorkyPark y Hellerau - European Center for the Arts / Coproducción: Schaubühne Berlin. Financiada en el marco del Doppelpass-Program of Kulturstiftung des Bundes. Financiada por el Swiss Arts Council Pro Helvetia. / Duración: 100’

Vie 18/9, 20:30 h + Q&A / Sáb 19/9, 21 h Fri 9/18, 8:30 PM + Q&A / Sat 9/19, 9 PM Teatro San Martín, Sala Martín Coronado

ph Constanza Macras: © Bettina Stöss ph the past: © Thomas Aurin

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international productions | españa

W.W. (We Women) Nosotras, mujeres Muy interesada en la mezcla de lenguajes, Sol Picó cuestiona la condición de la mujer, enriqueciendo su mirada con la de mujeres artistas de otras culturas. Partiendo de las disciplinas que practican sus colaboradoras y de sus orígenes diversos, ofrece un retrato de la mujer contemporánea. Estilos, técnicas y lenguajes varios para plantear los mismos interrogantes y buscar las mismas respuestas. Very interested in the mixture of languages, Sol Picó questions the status of women, incorporating the vision of female artists from other cultures to enrich her own. She delivers a portrait of the contemporary woman based on the disciplines practiced by her collaborators and their diverse origins. A variety of styles, techniques and languages to pose the same questions and look for the same answers.

Sol Picó Coreógrafa y bailarina afincada en Barcelona, es conocedora de danza clásica, española y contemporánea, tres disciplinas que se advierten en su trabajo, enmarcado en la expresión más contemporánea de la danza. A Barcelona-based choreographer and dancer with expertise in classical, Spanish and contemporary dance; influences of the three disciplines are evident in her work, rooted in the most contemporary expression of dance. Dirección: Sol Picó / Dramaturgia: Roberto Fratini / Compañía: Sol Picó cía. de danza / Composición e interpretación coreográfica: Julie Dossavi, Minako Seki, Shantala Shivalingappa, Sol Picó / Composición e interpretación musical: Adele Madau, Lina León, Marta Robles / Asistencia de dirección: Verónica Cendoya / Escenografía y coordinación técnica: Joan Manrique / Diseño de iluminación: Sylvia Kuchinow / Diseño de sonido y concepción sonora: Stéphane Carteaux / Diseño de vestuario: Sol Picó / Producción: Pia Mazuela y Núria Aguiló / Coproducción: Grec 2015 Festival de Barcelona, 10 FIBA, Sol Picó cía. de danza. Con la colaboración de Institut Ramon Llull, L’Animal a l’Esquena, Festival Sismògraf y Teatre Atrium de Viladecans / Fotografía: David Ruano, Erin Bassa Photographer, Carmen Escudero / Video: Mayo Films / Distribución: Agente 129 / Duración: 75’

Vie 18/9, 20:30 h / Sáb 19/9, 20:30 h + Q&A / Dom 20/9, 17 h Fri 9/18, 8:30 PM / Sat 9/19, 8:30 PM + Q&A / Sun 9/20, 5 PM Teatro 25 de Mayo

ph sol picó: © JordiTorrell ph w.w. (we women): © Erin Bassa

las nacionales | seleccionadas national productions | selected

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national productions | selected With every edition of FIBA, the amount of works submitted in response to the call for national productions increases. This year, submissions reached a record number of 460, a much higher figure compared to the past. As a result, the works selected cover a wide range of trends, languages, aesthetics and generations. Text-based, puppet and object theatre, circus, clown, collective creations, dance, dance-theatre, dramatized concerts, music theatre, installations, performances, projects from young to established artists form a mosaic that reflects the variety and vitality of the local scene. It is not easy to select sixteen works out of nearly five hundred, but programming a festival always involves some sort of shortlisting, until the next edition when opportunities arise again. We believe that the pieces selected paint a diverse and highly attractive picture of our theatre. The originality, the venture off the usual paths, the risk, the creativity, the emotion and the treatment of poignant and thought-provoking topics are all present in this selection, inevitably involving the subjectivity of those who curated it, for the enjoyment of everyone.

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las nacionales | seleccionadas En cada edición del FIBA la cantidad de obras presentadas a la convocatoria nacional aumenta. Este año hubo una presentación récord: 460 espectáculos, cifra que supera con creces a las de las ediciones anteriores. El abanico de propuestas resultó muy amplio en cuanto a tendencias, lenguajes, estéticas y generaciones. Teatro de texto, de títeres y objetos, circo, clown, creaciones colectivas, danza, danza-teatro, recitales teatralizados, teatro musical, instalaciones, performances, propuestas de artistas jóvenes, de generaciones intermedias y de consagrados conformaron una trama diversa, reflejo de la vitalidad de la escena local. No es una tarea sencilla seleccionar dieciséis obras de casi quinientas; pero todo festival implica un recorte hasta la próxima edición en que las oportunidades se renuevan. Creemos que las elegidas representan un panorama heterogéneo y muy atractivo. La originalidad, la búsqueda por fuera de los caminos ya transitados, el riesgo, la creatividad, la emoción y el abordaje de temas que conmueven y que promueven la reflexión están presentes en esta selección, inevitablemente subjetiva por parte de quienes ejercimos la curaduría, para el disfrute de todos. Alejandro Ullúa, Andrea Servera, Carolina Prieto y Darío Lopérfido

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las nacionales | seleccionadas

Algo que no era Not What It Had to Be Tres amigos vacacionan en la costa atlántica, uno de ellos asegura ver dentro de la heladera a sus antepasados rusos invitándolo a participar de la revolución de 1917. Sus compañeros de viaje se ven obligados a tomar posición cuando comprueban que lo que creían consecuencia de un brote psicótico o de una ingesta de drogas, es una situación extraordinaria de la que se han erigido como protagonistas. Three friends go on holidays to the Atlantic seaside. One of them claims seeing his Russian ancestors in the fridge, who have invited him to participate in the revolution of 1917. His trip mates are forced to take action when they confirm that what they believed was a consequence of a psychotic break or drug taking is actually an extraordinary situation that has put them in the spotlight.

Pablo Elías Quiroga Buenos Aires, 1981. Dramaturgo egresado de la EMAD, trabajó como actor, director, asistente de dirección y productor en diferentes proyectos teatrales. Born in Buenos Aires in 1981, he is a playwriting graduate of EMAD and has worked as an actor, director, assistant director and producer in several theatre projects. Autor: Pablo Elías Quiroga / Compañía: Algo que no era / Director: Pablo Elías Quiroga / Elenco: Sol Rodríguez Seoane, María Zambelli, Diego López, Juan Pablo Galimberti, Leonardo Odierna / Música: Juan Carzoglio / Asistencia de dirección: Nery Mucci / Diseño de iluminación: Claudio del Bianco / Diseño de sonido: Juan Carzoglio / Diseño de escenografía: Marina Apolino / Diseño de vestuario: Daira Gentile / Producción: Vicky Carzoglio / Duración: 75’ Jue 1/10, 17 h / Vie 2/10, 16 h Thu 10/1, 5 PM / Fri 10/2, 4 PM La Carpintería Teatro

PH ALGO QUE NO ERA: © Pigu GÓmez

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national productions | selected

Cactus Orquídea Orchid Cactus Un hombre pierde a su mujer pero en vez de extrañarla su vida se silencia. A través de su empleado conoce a una mujer, quien le regala una semilla que al plantarla hace volver a la persona que perdió. Cinco historias entrelazadas donde lo cotidiano se encuentra con lo mágico. Es la tercera obra de El Ensamble Orgánico, grupo de investigación y creación formado por estudiantes de actuación de la EMAD. A man loses his wife, but instead of missing her, his life goes silent. He meets a woman through his employee, who gives him a seed that when planted brings the person he lost back to life. Five interwoven stories where daily life meets magic. This is the third production by El Ensamble Orgánico, a company of EMAD acting students dedicated to research and creation in theatre.

Cecilia Meijide Es actriz egresada de la EMAD. Trabajó en Exhibición y desfile y Estado de ira, ambas de Ciro Zorzoli. Es coautora y actriz de Anís. Cactus orquídea es su primer trabajo como dramaturga y directora. She graduated as an actress from the EMAD. She appeared in Ciro Zorzoli’s Exhibición y desfile and Estado de ira. She is co-author and cast member of Anís. Cactus orquídea is her first credit as a playwright and director. Autora: Cecilia Meijide / Compañía: El Ensamble Orgánico / Directora: Cecilia Meijide / Elenco: Ignacio Bozzolo, Laila Duschatzky, María Estanciero, Gastón Filgueira Oria, Lucas Avigliano / Asistencia de dirección: Jimena Ducci / Música original: Guilermina Etkin / Diseño de iluminación: Santiago Badillo / Diseño De Escenografía: Javier Drolas y Soledad Ruiz Calderón / Diseño de objetos: Mariana Meijide / Diseño de vestuario: La Polilla (Gustavo Alderete y Natalia González) / Producción: El Ensamble Orgánico / Duración: 75’ Lun 28/9, 14 h / Jue 1/10, 22 h Mon 9/28, 2 PM / Thu 10/1, 10 PM Teatro Anfitrión

ph cactus orquídea: © Francisco Iurcovich

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las nacionales | seleccionadas

Cinthia interminable Endless Cinthia Cinthia interminable confiesa los sueños violentos y recurrentes de los integrantes de la familia Haber. Sueños que revelan ciertos episodios que han marcado a cada personaje para siempre. La familia Haber no existe, es un espejismo. Sin embargo, la mitología que los funda es una mitología universal y eterna. Fue ganadora dentro de la categoría Proyecto a Desarrollar en la Bienal de Arte Joven 2013. Cinthia interminable confesses the recurring violent dreams of the Haber family members. These dreams reveal certain episodes that have marked the life of each character. The Haber family does not exist; it is a mirage. However, the mythology of their origin is a universal and eternal one. Award winner at the Bienal de Arte Joven 2013 in the Projects for Development category.

Jazmín Titiunik Es bailarina, docente y coreógrafa. Se forma en el I.S.A. Teatro Colón y en la UNA. She is a dancer, teacher and choreographer. She has studied at I.S.A. Teatro Colón and at UNA. Juan Coulasso Es docente y director de teatro. Este año inauguró Roseti, su espacio de investigación. He is an acting teacher and theatre director. Early this year, he opened Roseti, a space for research. Creación colectiva: Eric Mandarina, Germán Botvinik, Gulliver Markert, Jazmín Titiunik, Juan Coulasso, Juan Fernández Gebauer, Marysol Benítez / Compañía: Cinthia Interminable / Idea original: Eric Mandarina / Dirección general: Juan Coulasso y Jazmín Titiunik / Elenco: Eric Mandarina, Germán Botvinik, Juan Fernández Gebauer, Marysol Benítez / Música: “Nocturno en Mi Bemol Mayor Op. 9 Nº 2”, de Frédéric Chopin; “In the beginning”, Statler Brothers; “Libiamo Ne’lieti Calici” (fragmento de La Traviata), de Giuseppe Verdi; “Deep Water”, de Portishead; “Mr. Sandman”, de The Chordettes / Diseño de iluminación: Mariano Arrigoni / Diseño de sonido: Ignacio Sepúlveda / Diseño de escenografía: Ezequiel Galeano / Diseño de vestuario: Ezequiel Galeano / Producción: Juan Coulasso y Jazmín Titiunik / Coproducción: Bienal de Arte Joven Buenos Aires 2013-2014 / Duración: 50’ Mié 30/9, 16 h / Sáb 3/10, 19 h Wed 9/30, 4 PM / Sat 10/3, 7 PM Teatro Beckett

ph Jazmín Titiunik y Juan Coulasso: © Nicolás Colledani ph cinthia interminable: © Akira Patiño

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national productions | selected

EL ORIGEN, siete vidas THE ORIGIN, Seven Lives ¿Qué representa ganar? Siete habitantes de un pueblo se juntan para prepararse para un concurso de poesía. Las fantasías que despierta la posibilidad de ganar y cambiar sus vidas mueven a estos personajes de manera descabellada en el intento por modificar sus destinos. Posicionarse y estar sujeto al poder político, religioso o económico son otros temas que, con ironía, atraviesan esta pieza. What does winning imply? Seven villagers get together to prepare for a poetry contest. The fantasies inspired by the possibility of winning and changing their lives drive these characters into absurd situations in the attempt to change their fate. Themes like taking a stance and being subject to a political, religious or economic power are also treated, with irony, in this piece.

Silvia Gómez Giusto Bailarina, coreógrafa y actriz. Estudia dramaturgia con Javier Daulte, Mariana Chaud y Agustina Gatto. Es curadora de Ciudanza y creadora del Festival Vicente López y del ciclo de lecturas Álbum - Retratos Leídos. A dancer, choreographer and actress, Silvia has studied playwriting with Javier Daulte, Mariana Chaud and Agustina Gatto. She is Ciudanza curator and the creator of Festival Vicente López and the Álbum - Retratos Leídos reading series. Autora y directora: Silvia Gómez Giusto / Elenco: Vanesa Weinberg, Agustín Daulte, Vivi Vázquez, Lisette García Grau, Rafael Solano, Diego Brizuela, Lucía Villanueva / Música: Selección musical del elenco que incluye a Cristhian Basso, Geoffrey Burgon, Max Capote, Agapornis / Diseño de iluminación: Leo D’Aiuto / Diseño de escenografía: Gustavo Coll / Diseño de vestuario: Jam Monti / Duración: 75’ Lun 28/9, 16:30 h / Jue 1/10, 19 h Mon 9/28, 4:30 PM / Thu 10/1, 7 PM Espacio Callejón

ph Silvia Gómez Giusto: © Magdalena Diehl ph EL ORIGEN, siete vidas: © PABLO TESORIERE

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las nacionales | seleccionadas

LA CÉLULA - Acto incompleto y orquestado THE CELL - An Incomplete and Orchestrated Act En un pueblo de la provincia de Buenos Aires, activistas aficionados planean una revolución. El plan se ejecuta desde un boquete clandestino y Radio Chiviboikot que interrumpe la frecuencia con proclamas. Pero, a horas de concretar el operativo, la convicción ideológica se convierte en un laberinto de pasiones cruzadas; el amor y la política se mezclan y una acción imprevisible arrebata el final. In a small town of the Buenos Aires province, amateur activists are planning a revolution. The plan is executed from a secret bunker and Radio Chiviboikot, which interrupts broadcasts to spread revolutionary messages. A few hours before insurrection, however, their ideological convictions are caught in a web of conflicting passions; love and politics become entangled, and an unpredictable action snatches the end away.

Arco Voltaico Teatro Quienes escriben, dirigen y actúan La célula… son licenciados en Actuación, egresados de la carrera de Arte Dramático y formados en distintas instituciones en danza, títeres y música. The writers, directors and performers of La célula… hold a college degree in Acting, are graduates of the Dramatic Arts program, and have received formal training in dance, puppeteering and music. Autoría: Arco Voltaico Teatro / Compañía: Arco Voltaico Teatro / Dirección: Arco Voltaico Teatro / Elenco: Antonella Ipeckchian, Claudio Tornese, Florencia Marsal, Paulina Lita, Lucas Ablanedo, Lucrecia Sacchelli / Música: Arco Voltaico Teatro / Dirección musical: Claudio Tornese / Diseño de iluminación: Juliana Benedictis / Diseño de sonido: Arco Voltaico Teatro / Diseño de escenografía: Arco Voltaico Teatro y Estanislao Ortiz / Diseño de vestuario: Arco Voltaico Teatro / Producción: Javier Torres Dowdall / Duración: 60’ Jue 1/10, 20 h / Sáb 3/10, 20 h Thu 10/1, 8 PM / Sat 10/3, 8 PM ElKafta Espacio Teatral

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La máquina idiota The Idiot Machine Buenos Aires. Cementerio de la Chacarita. Contiguo al Panteón Oficial de la Asociación Argentina de Actores, ha crecido una mutual de figuras menores del espectáculo. Allí un orden repetido, recurrente, los enfila. Proliferan los reclamos y una melancolía plagada de recuerdos sospechosos, de amores crispados los invade. El destino llama a escena una vez más: el sindicato convoca a los festejos de octubre. Buenos Aires. Chacarita Cemetery. Next to the Official Pantheon of the Argentine Association of Actors a mutual society for minor figures of show business has grown. Its members follow a repetitive, recurrent order. Claims proliferate and a melancholy plagued with suspicious memories and strained love affairs invades them. Destiny is calling them to the stage once again: the union is preparing for the October celebrations.

Ricardo Bartís Fundó y dirige desde 1986 el Sportivo Teatral, estudio de entrenamiento actoral y usina de creación y reflexión sobre la actividad. Recibió numerosos premios en los más importantes festivales del mundo. He is the founder and director since 1986 of Sportivo Teatral, an acting training studio and a hub for theatre creation and discussion. He has received several awards at major festivals around the world. Autor: Ricardo Bartís / Compañía: Sportivo Teatral / Director: Ricardo Bartís / Elenco: Fabián Carrasco, Facundo Cardosi, Flor Dyszel, Gustavo Sacconi, Hernán Melazzi, Dana Basso, Luciana Lamoglia, Mariano González, Matías Scarvaci, Martín Kahan, Nicolás Goldschmidt, Lucía Rosso, Pablo Navarro, Rosario Alfaro, Darío Levy, Sebastián Mogordoy, Sol Titiunik / Asistencia de dirección: Clara Seckel, Francisco Alerino, Mariano Saba / Dirección musical: Manuel Llosa / Diseño de iluminación: Ricardo Bartís / Diseño de sonido: Fabricio Rotella / Diseño de escenografía: Ricardo Bartís / Realización de escenografía: Paola Delgado / Vestuario: Paola Delgado / Producción: Sportivo Teatral / Producción en gira internacional: Lorena Regueiro / Duración: 80’ Vie 2/10, 18 h / Dom 4/10, 20 h Fri 10/2, 6 PM / Sun 10/4, 8 PM Sportivo Teatral

ph: © nora lezano

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Las mutaciones Mutations Alguien dijo que el amor es un lugar por donde pasamos. ¿Lo es? Esta obra muestra las veces que nos encontramos y otros momentos en los que no pudimos. Volver a mirar como para saber qué hicimos mal y preguntar “dónde me equivoqué”. Y si volviera a mirar, ¿acaso entendería qué pasó? Y por favor: no vayan a preguntar por qué miro hacia atrás (como al azar) ni por qué vuelvo a pasar por ahí. Someone said that love is a place we go through. Is it? This play shows the times we found each other and other times when we couldn’t. Looking back again to know what we did wrong and asking ourselves “where did I make a mistake?” And if I looked back again, would I be able to understand what happened? And please, don’t go asking why I look back (randomly) or why I revisit that place.

Lorena Ballestrero Es directora teatral, actriz y docente. Dirige Nada más, dentro del Ciclo Teatro Bombón 6. Dirigió Se fue con su padre, de Luis Cano, en el Teatro San Martín (2012-2013). A theatre director, actress and teacher, Lorena currently directs Nada más, in the 6 th Teatro Bombón Series, and formerly directed Luis Cano’s Se fue con su padre at Teatro San Martín (2012-13). Autora: Valeria Correa / Compañía: Las Mutaciones / Directora: Lorena Ballestrero / Elenco: Lorena Vega y Leonardo Murúa / Música: Pablo Bronzini / Diseño de iluminación: Ricardo Sica / Diseño de escenografía y vestuario: Rodrigo González Garillo / Coreografía: Verónica Litvak / Duración: 50’ Mié 30/9, 18 h / Jue 1/10, 21 h Wed 9/30, 6 PM / Thu 10/1, 9 PM Teatro del Abasto

ph: © Antú Martín

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lejos Far Away La actriz busca en su memoria los cuerpos de representaciones biográficas-ficcionales del pasado. A través de un recorrido físico extremo desde la respiración, los cuerpos del pasado aparecen y se actualizan como presente. Lejos se pregunta cómo habitar un espacio vacío y desterrar físicamente cierta memoria en un intento por transformar los mecanismos de la representación y buscar un pequeño gesto de autonomía. The actress is searching in her memory for the bodies of biographical-fictional representations of the past. Through an extreme physical journey that begins with breathing, the bodies of the past appear and update to the present. Lejos explores how to inhabit an empty space and rid the body of certain memory, in an attempt to transform the mechanisms of representation and experience some autonomy.

Marina Sarmiento Licenciada en trabajo social, coreógrafa, bailarina-performer, docente y productora independiente. En sus obras y ensayos aparece el cruce entre lo visual, la danza, el teatro y la performance. She is a graduate social worker, choreographer, dancer-performer, teacher and independent producer. Her works and experiments combine visual arts, dance, theatre and performance. Autores: Marina Sarmiento, Florencia Bergallo, Ezequiel Abregú / Compañía: Lejos / Directora: Marina Sarmiento / Elenco: Florencia Bergallo / Música: Ezequiel Abregú / Dirección musical: Ezequiel Abregú / Diseño de iluminación: Brenda Bianco / Diseño de sonido: Ezequiel Abregú / Diseño de escenografía: Lucio Maselli, Julieta Potenze, Marina Sarmiento / Diseño de vestuario: Belén Parra / Producción: Lejos / Coproducción: Beca Fondo Nacional de las Artes - Fondo Metropolitano - Uocra Cultura / Duración: 55’ Jue 1/10, 16 h / Vie 2/10, 21 h Thu 10/1, 4 PM / Fri 10/2, 9 PM Teatro Beckett

ph lejos: © mariana Roveda

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Mi hijo sólo camina un poco más lento My Son Only Walks a Little Slower Branco padece una enfermedad en la que día a día va perdiendo movilidad. ¿Qué puede hacer él? ¿Qué pueden hacer los que lo rodean? En medio de esta realidad aparecen grietas por donde respirar otro aire. Branco has a medical condition that is reducing his mobility by the day. What can he do? What can people around him do? Cracks in this reality begin to show, from where it is possible to breathe a different air.

Guillermo Cacace Montó obras de autores como Discépolo, Liddell, Huertas, Eurípides, Shakespeare y Molière. Obtuvo numerosos premios: Trinidad Guevara, María Guerrero, Florencio Sánchez y Teatro del Mundo. Enseña en UNA, EMAD y Apacheta. He has staged plays by such authors as Discépolo, Liddell, Huertas, Euripides, Shakespeare and Molière. He has received several awards: Trinidad Guevara, María Guerrero, Florencio Sánchez and Teatro del Mundo. He currently teaches at UNA, EMAD and Apacheta. Autor: Ivor Martinić / Traducción: Nikolina Zidek / Compañía: CITA / Director: Guillermo Cacace / Elenco: Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Paula Fernández Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millán, Juan Tupac Soler / Música: Francisco Casares / Dirección musical: Francisco Casares / Diseño de iluminación: David Seldes / Diseño de sonido: Francisco Casares / Diseño de escenografía y de vestuario: Alberto Albelda / Producción: Carolina Alfonso / Coproducción: Colectivo de Creación Apacheta / Festival Europa+América / Duración: 75’ Sáb 3/10, 11:30 h / Dom 4/10, 11:30 h Sat 10/3, 11:30 AM / Sun 10/4, 11:30 AM Apacheta Sala / Estudio

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Moralamoralinmoral Moralamoralinmoral propone un ensayo de prueba y error en la búsqueda de respuestas a inquietudes sobre la moral y las formas contemporáneas de composición escénica. La obra se construye hasta llegar a la inevitable destrucción de sus escenas en el intento de vaciar y resignificar la moral. Entre globos y guirnaldas empieza, termina y aún no sabemos si asistimos a una fiesta o a un funeral. Moralamoralinmoral is a trial and error exercise seeking answers to questions about moral and contemporary forms of stage composition. The play builds up to the point where its scenes are inevitably destroyed in the attempt to empty them of meaning and resignify their moral. It begins and ends with balloons and garlands, but we are yet to know if we are attending a party or a funeral.

Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini, Marta Salinas, Milva Leonardi Estudiaron Composición Coreográfica en la UNA. Se formaron en danza, teatro y música. Actualmente se desarrollan como intérpretes, productoras y codirectoras en diversos proyectos. They have studied Choreography at UNA and trained in dance, theatre and music. They currently serve as performers, producers and codirectors in diverse projects. Autoría, dirección y elenco: Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini, Marta Salinas, Milva Leonardi / Diseño de iluminación: Matías Sendón / Asistencia de iluminación: Sebastián Francia / Diseño de escenografía y de vestuario: Mariana Tirantte / Asistencia técnica: Camila Fabbri / Diseño gráfico: Pablo Viacava / Prensa: Luciana Zylberberg / Duración: 50’ Mié 30/9, 22 h / Jue 1/10, 18 h Wed 9/30, 10 PM / Thu 10/1, 6 PM ElKafka Espacio Teatral

ph Agustina Fitzsimons, Brenda Carlini, Marta Salinas y Milva Leonardi: © Pablo Viacava ph Moralamoralinmoral: © Nicolás Colledani

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Qué azul que es ese mar That Sea Is Really Blue Qué azul que es ese mar es una ficción que tiene la referencia de una realidad, ya que involucra a Crucero, un cortometraje que contiene imágenes de archivo de una pareja que registra sus viajes desde los 60 hasta los 90. ¿Cómo trasladar a escena la esencia de un video hogareño? ¿Cómo adaptar a un material dramático-corporal el paso del tiempo en los cuerpos? Qué azul que es ese mar is a fiction based on a reality: Crucero, a short film featuring a couple’s footage of their travels between 1960 and 1990. How can we transpose the essence of the homemade video onto the stage? How can we reflect the effects of the passing of time on the body in a dramatic-physical performance?

Eleonora Comelli Licenciada en Composición Coreográfica (Universidad Nacional de las Artes). Sus obras Domingo, Linaje y Qué azul que es ese mar han recibido distinciones y han participado de varios festivales nacionales e internacionales. She holds a degree in Choreography (Universidad Nacional de las Artes). Her productions Domingo, Linaje and Qué azul que es ese mar have won awards and participated at several national and international festivals. Autora y directora: Eleonora Comelli / Compañía: Eleonora Comelli / Elenco: Stella Maris Isoldi, Roberto Dimitrievitch, Laura Figueiras, Matías Etcheverry / Creación coreográfica: Stella Maris Isoldi, Roberto Dimitrievitch, Laura Figueiras, Matías Etcheverry, Eleonora Comelli / Asistencia en escena: Eleonora Capua y Manuel Pallero / Música original: Ulises Conti / Diseño de iluminación: Ricardo Sica / Diseño de banda sonora: Ulises Conti, Pablo Pintor, Eleonora Comelli / Diseño de escenografía y vestuario: Paula Molina / Producción general: Eleonora Comelli / Diseño gráfico y fotos: Oscar Pintor / Realización audiovisual y colaboración creativa: Pablo Pintor / Coproducción: Teatro del Abasto / Duración: 60’ Lun 28/9, 18 h / Sáb 3/10, 21 h Mon 9/28, 6 PM / Sat 10/3, 9 PM Teatro del Abasto

ph Qué azul que es ese mar: © Sebastián Acevedo

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Seré tu madre tranquila I’ll Be Your Quiet Mother Seré tu madre tranquila es una promesa imposible imaginada desde el lugar del hijo. Un ensayo sobre el mundo que rodea a la madre. Las amigas de la infancia, la abuela, la mucama. Es un espectáculo de lo pequeño. Un recital que toma como punto de partida lo cotidiano. El recuerdo. Cantar cuando se sufre, recordar en brazos de otro. Seré tu madre tranquila is an impossible promise imagined from the perspective of the son. An essay about the world surrounding the mother. The childhood friends, the grandmother, the maid. It is a show about small things. A performance inspired by everyday life. Memories. Singing when in pain, remembering in the arms of someone else.

Ariel Gurevich Escribe poesía, teatro y desarrolla guiones para distintos realizadores. Seré tu madre tranquila es su ópera prima como dramaturgo y director. He writes poetry, plays and screenplays for different filmmakers. Seré tu madre tranquila is his debut as a playwright and director. Autor y director: Ariel Gurevich / Elenco: Juan Gabriel Miño y Fernanda Pérez Bodria / Diseño de iluminación: Elías Díaz / Diseño de sonido: Franco Calluso / Diseño de escenografía: Adrián Suárez / Realización de escenografía: Amelio Cardozo Gill y Adrián Suárez / Asistencia de escenografía: Juli Baglietto / Coreografías: Luis Sodá / Diseño de vestuario: Jam Monti / Fotografía: Gerardo Azar / Prensa: Carolina Alfonso / Asistente de dirección: Valentina Rata Zelaya / Producción: Centro Cultural Rector Ricardo Rojas - UBA / Obra seleccionada en el Ciclo Óperas Primas, VIII Edición / Duración: 60’ Jue 1/10, 21 h / Vie 2/10, 17 h Thu 10/1, 9 PM / Fri 10/2, 5 PM CC Rojas

ph Seré tu madre tranquila: © Elías Díaz ph Ariel Gurevich: © Gerardo Azar

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Surmenage Un recorrido teatral y musical que propone un viaje de estímulo a los sentidos, desde la subjetiva perspectiva de una mujer. Construida a partir del juego o disfrute, libre de todas las convenciones que hacen a los géneros teatrales, toma como punto de partida una banda de músicos-intérpretes, y los lleva a contar una historia salida de los mentideros del inconsciente. A sense-stimulating theatrical and musical journey, from the subjective perspective of a woman. Inspired by a sense of play and pleasure, free from all the conventions of theatrical genres, the piece follows a band of musicians-performers as they tell a story born of the voice of the unconscious.

Fernando Tur Miembro del grupo Krapp. Desde 2007, dirige e integra Cocktail Tour Musique. Como actor y compositor musical se desarrolla en cine, teatro, publicidad y danza. Krapp group member. Since 2007, he is director and part of Cocktail Tour Musique. He works as an actor and composer in film, theatre, dance shows and commercials. Autores: Milagros Almeida y Fernando Tur / Compañía: Les Manontroppo / Director: Fernando Tur / Asistente de dirección: Sofía Ciravegna / Elenco: Milagros Almeida, Gonzalo Álvarez, Yanina Ferraro, Andrea Mango, Eduardo Penney, Omar Possemato, Maia Prieto, Hernán Sánchez, Matías Zawadzki / Música y dirección musical: Milagros Almeida / Diseño de iluminación: Julieta Carrillo / Diseño de escenografía: Fernando Tur y Yanina Ferraro / Diseño de vestuario: Milagros Almeida / Producción: Les Manontroppo / Duración: 60’ Mar 29/9, 20 h / Mié 30/9, 17 h Tue 9/29, 8 PM / Wed 9/30, 5 PM Patio de Actores

ph surmenage: © sofía ciravegna

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Terrenal. Pequeño misterio ácrata Earthly. Little Anarchic Mystery En un viejo loteo fracasado Caín, Abel y su versión conurbana del mito. Dos hermanos en pelea en un terreno partido al medio al que nunca podrán volver morada común. Ellos y Tatita, el abuelo folclorista, completarán los pasos del relato bíblico: el del primer asesinato, el del triunfo del hacer sobre el ser, del propietario sobre el desposeído. El de la condena. In an old unresolved lot division, Cain, Abel and their suburban version of the myth. Two brothers fight over a piece of land divided in half that won’t ever be their common home again. With Tatita, their folk musician grandfather, they will follow every step of the biblical narrative: the first murder, the superiority of doing over being, of the owner over the squatter. The punishment.

Mauricio Kartun Dramaturgo y director con más de treinta piezas estrenadas. Entre otras: La Madonnita, El niño argentino, Ala de criados, Salomé de chacra y Terrenal, la obra que aquí presenta. He is a playwright and director with more than thirty productions staged, including La Madonnita, El niño argentino, Ala de criados, Salomé de chacra and Terrenal, the play he presents here. Autor: Mauricio Kartun / Compañía: Terrenal / Director: Mauricio Kartun / Elenco: Claudio Da Passano, Claudio Martínez Bel, Claudio Rissi / Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez / Diseño de sonido: Eliana Liuni / Diseño de escenografía: Gabriela Aurora Fernández / Diseño de vestuario: Gabriela Aurora Fernández / Duración: 90’ Mar 29/9, 16 h / Mié 30/9, 16 h Tue 9/29, 4 PM / Wed 9/30, 4 PM Teatro del Pueblo

ph mauricio kartun: © SERGIO PARRELLA

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Todo piola S’All Good En una esquina oscura, dos amigos de un barrio cualquiera se saludan con un “todo piola” y a partir de ahí se abren las puertas de un mundo inesperado. Todo piola parte de un momento de soledad para convertirse en un encuentro fantástico y efímero. La intimidad se dispara a un estado de imaginación desatada en una combinación desquiciada de romance, teatro físico y fantasmagoría. At a dark corner, two neighborhood friends greet each other saying “s’all good”, opening the doors to an unexpected world. Todo piola starts off from a moment of loneliness until it turns into a fantastic, fleeting encounter. Intimacy gives way to a state of wild imagination, in a crazy mix of romance, physical theatre and phantasmagoria.

Gustavo Tarrío Entre sus trabajos se cuentan Afuera, Kuala Lumpur (2002), Decidí canción (2004), LB.tv (2009) y los films Foto Bonaudi (2006), Súper (2007) y Una canción coreana (2014). Vive en Buenos Aires. His credits include Afuera, Kuala Lumpur (2002), Decidí canción (2004), LB.tv (2009) and the films Foto Bonaudi (2006), Súper (2007) and Una canción coreana (2014). He lives in Buenos Aires. Autores: Mariano Blatt, Gustavo Tarrío, Eddy García / Compañía: Todo Piola / Director: Gustavo Tarrío / Elenco: Eddy García, Carla Di Grazia, Guadalupe Otheguy / Música: Guadalupe Otheguy / Dirección musical: Guadalupe Otheguy / Diseño de iluminación: Agnese Lozupone / Diseño de vestuario: Ana Press y Cristian Bonaudi / Diseño de movimiento y asistencia de dirección: Virginia Leanza / Asistencia general: Francisco Benvenuti / Producción ejecutiva: Eleonora Pascual / Duración: 60’ Mar 29/9, 18 h / Vie 2/10, 23:30 h Tue 9/29, 6 PM / Fri 10/2, 11:30 PM Teatro del Abasto

ph Gustavo Tarrío: © Laura Ortego ph todo piola: © Eleonora Pascual

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Vago Lazy Es el final de los 90. El que tiene un poco más que el otro manda. El día a día es una incertidumbre. El mañana no está garantizado. En el conurbano bonaerense, un segmento de población consigue como puede su plato de comida pasando por encima del otro y sobre su propia dignidad, si es que les queda. “Nadies” que tratan de sobreponerse a las condiciones precarias que tiñen lo cotidiano. It’s the late ‘90s. The one who owns more has control. The day-to-day is uncertain. Tomorrow is not guaranteed. In the suburbs of Buenos Aires, a segment of the population struggles to get something to eat, stepping over others and on their own dignity, if there is any left. “Nobodies” trying to overcome the poor conditions of everyday life.

Yoska Lázaro Madrid, 1979. Vive en Buenos Aires desde 2003. Es director teatral (graduado en la EMAD), dramaturgo, actor y docente, especialista en Técnica Meisner. Dirige la compañía Teatro A Tres Velas desde 2007. Born in Madrid in 1979 and based in Buenos Aires since 2003, Gustavo is a theatre director (EMAD graduate), playwright, actor, teacher, and a Meisner Technique expert. He’s been Teatro A Tres Velas company’s director since 2007. Autor: Yoska Lázaro / Compañía: Teatro A Tres Velas / Director: Yoska Lázaro / Elenco: Fernando García Valle, Romina Oslé, Marcelo Saltal, Federico Minervini, Magalí Gadea Lara / Diseño de iluminación: Paula Fraga / Diseño de sonido: Marcelo Medina y Fernando García Valle / Diseño de escenografía: Teatro A Tres Velas / Producción artística: Teatro A Tres Velas / Dirección de producción: Estanislao Otero / Producción ejecutiva: Miguel Ángel Ludueña / Duración: 80’ Lun 28/9, 21 h / Vie 2/10, 14 h Mon 9/28, 9 PM / Fri 10/2, 2 PM Teatro del Abasto

ph Yoska Lázaro: © Mariana Medina

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national productions | invited FIBA’s Artistic Board invites a series of plays to be part of the national programming, serving as a co-producer in many cases. These are works that come from different horizons: from agreements with theatre-related institutions such as El Cultural San Martín and Complejo Teatral de Buenos Aires; from the decision of showing the works of an artist in a more comprehensive format (Claudio Tolcachir’s productions in 2011, the Alejandro Acobino Retrospective and the Rafael Spregelburd Series in 2013, and the Focus on Fernando Rubio this year), or from a particular interest in a specific project (such as the new work of Nahuel Cano).

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las nacionales | invitadas La Dirección Artística del FIBA invita a una serie de obras a que integren la programación nacional, en muchos casos asumiendo la coproducción. Son trabajos que provienen de distintos horizontes: a través de acuerdos con instituciones afines como El Cultural San Martín y el Complejo Teatral de Buenos Aires; aquellas propuestas que decide mostrar en un formato más integral dando cuenta de la producción de un artista (las de Claudio Tolcachir en 2011, la retrospectiva Alejandro Acobino y el ciclo Rafael Spregelburd en 2013 y el Foco Fernando Rubio en esta edición), o por el interés particular que despierta un proyecto puntual (como el caso de lo nuevo de Nahuel Cano).

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LAS NACIONALES | invitadas Presentadas por El Cultural San Martín

Artaud, Invocación IV Artaud, Invocation IV Un manicomio reducido en la actualidad a una oficina, cuyos pabellones se han convertido en una playa de estacionamiento. Médico, enfermeras, internos y ex internos conviven. Los signos sobre la vida y la obra de Artaud, especialmente sus años psiquiátricos, fueron estímulos para generar un mundo autónomo que ocurre en una Buenos Aires decadente, abandonada y donde se reprime a los locos. A former mental institution reduced to an office; its halls have been turned into a parking lot. A doctor, nurses, current and former patients live together. The signs about the life and work of Artaud, especially his years of psychiatric treatment, have inspired the creation of an autonomous world in a run-down, abandoned Buenos Aires where the insane are repressed.

Sergio Boris Dirigió y escribió La Bohemia, El sabor de la derrota, El perpetuo socorro, El cadáver de un recuerdo enterrado vivo y actualmente Viejo, solo y puto. Participó en diferentes festivales internacionales y ha sido reconocido con numerosos premios. His credits as a director and playwright include La Bohemia, El sabor de la derrota, El perpetuo socorro, El cadáver de un recuerdo enterrado vivo and currently running Viejo, solo y puto. He has participated at different international festivals and received several awards. Director: Sergio Boris / Elenco: Diego Cremonesi, Pablo De Nito, Elvira Onetto, Verónica Schneck, Rafael Solano / Diseño de iluminación: Matías Sendón / Diseño sonoro: Carmen Baliero / Ingeniero de sonido: Marcos Zoppi / Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro / Diseño de vestuario: Magda Banach / Asistente de dirección: Adrián Silver / Producción ejecutiva: María Laura Santos / Producción general Ciclo Invocaciones: Carolina Martín Ferro / Idea y curaduría del ciclo: Mercedes Halfon / Coproducción: El Cultural San Martín / Duración: 60’ Jue 24/9, 18 h / Vie 2/10, 18 h Thu 9/24, 6 PM / Fri 10/2, 6 PM El Cultural San Martín, Sala Alberdi

El FIBA recomienda los reestrenos de Meyerhold, de Silvio Lang (Invocación I) los días 3, 4, 10, 11, 18, 24, 25 y 31 de octubre y 1, 7, 8, 21, 22 y 28 de noviembre a las 20 h en el Teatro Margarita Xirgu, y de Jarry. Ubú Patagónico, de Mariana Chaud (Invocación II) los lunes a las 21 h en Teatro Timbre 4.

ph sergio boris: © Guadalupe Gaona y Ramiro González PH Artaud, Invocación IV: © Sandra Cartasso

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Brecht, Invocación III Brecht, Invocation III Un grupo de actores se prepara para representar una versión de El círculo de tiza caucasiano, de Brecht, en el Far West. La llegada sorpresiva de un inspector de la Asociación de Protección Autoral revela que la compañía no cuenta con autorización para representar una versión de la obra. Resuelven, solo por esa noche y con el fin de despistar al inspector, improvisar una función especial. A group of actors is getting ready to perform a Far-West version of Brecht’s The Caucasian Chalk Circle. The unexpected arrival of an inspector of the Copyright Protection Association reveals that the company has no authorization to stage a version of the original play. They decide that, on that night only and for the purpose of deceiving the inspector, they will improvise a special show.

Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu Son dramaturgos, directores y actores. Trabajaron en decenas de obras de teatro y en films. Escribieron y dirigieron en colaboración tres obras: Los talentos, La edad de oro y Capitán. They are playwrights, directors and actors who have worked in numerous theatre productions and films. Together they wrote and directed three plays: Los talentos, La edad de oro and Capitán. Autores y directores: Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu / Elenco: Juan Barberini, Fernanda Bercovich, Valeria Lois, Horacio Marassi, Laura Paredes, Marcelo Pozzi, Pablo Seijo, Daniel Tur, Gabriel Zayat / Asistente de dirección: Gabriel Zayat / Música: Gabriel Chwojnik / Músicos en escena: Gabriel Chwojnik y Fito Reynals / Dirección musical: Gabriel Chwojnik / Diseño de iluminación y operación en escena: Eduardo Pérez Winter / Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro / Diseño de vestuario: María Emilia Tambutti / Producción ejecutiva: Gabriel Zayat / Producción general Ciclo Invocaciones: Carolina Martín Ferro / Idea y curaduría del ciclo: Mercedes Halfon / Coproducción: El Cultural San Martín, Goethe-Institut, Premio S / Duración: 90’ Mar 22/9, 18:30 h / Mar 29/9, 18:30 h Tue 9/22, 6:30 PM / Tue 9/29, 6:30 PM El Cultural San Martín, Sala Alberdi

El FIBA recomienda los reestrenos de Meyerhold, de Silvio Lang (Invocación I) los días 3, 4, 10, 11, 18, 24, 25 y 31 de octubre y 1, 7, 8, 21, 22 y 28 de noviembre a las 20 h en el Teatro Margarita Xirgu, y de Jarry. Ubú Patagónico, de Mariana Chaud (Invocación II) los lunes a las 21 h en Teatro Timbre 4.

ph Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu: © Guadalupe Gaona y Ramiro González

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LAS NACIONALES | invitadas Presentadas por El Cultural San Martín

Cuando vuelva a casa voy a ser otro When I Get Back Home, I’ll Be Another One A lo largo de los años, uno se convierte en un doble de sí mismo. Un ex militante revolucionario encuentra unos objetos que escondió en el pasado y se enfrenta a esa cápsula de tiempo. Un director intenta reconstruir una obra que hizo quince años atrás. Una cantante interpreta las canciones perdidas de su padre. Un político se vuelve literalmente otra persona. ¿Qué pasa cuando uno descubre que es otro? Throughout the years, we become our own double. A former revolutionary activist stands before a time capsule after finding a series of objects he hid in the past. A director attempts to revive a play he staged fifteen years ago. A singer performs her father’s lost songs. A politician turns literally into a different person. What happens when we realize we are somebody else?

Mariano Pensotti Autor y director de teatro. Entre sus obras, que se presentan en gran cantidad de teatros del mundo, se destacan: Cineastas, El pasado es un animal grotesco, A veces creo que te veo y La marea. Author and theatre director. His works, staged at numerous venues across the world, include Cineastas, El pasado es un animal grotesco, A veces creo que te veo and La marea. Autor y director: Mariano Pensotti / Compañía: Grupo Marea / Elenco: Agustín Rittano, Mauricio Minetti, Santiago Gobernori, Julieta Vallina, Andrea Nussembaum / Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte / Música: Diego Vainer / Luces: Alejandro Le Roux / Producción: Florencia Wasser / Asistencia de escenario: Manuel Guirao y Carlos Etchevers / Coproducción: Grupo Marea, El Cultural San Martín, 10 FIBA, Kunstenfestivaldesarts, Festival D’Avignon, Festival Theaterformen, Mousonturm, HAU Hebbel Am Ufer, Theatre Nanterre Amandiers y Maison des Arts, Scène Nationale de Créteil et du Val-de-Marne. En colaboración con Ligne Directe / Judith Martin / Duración: 80’ Dom 27/9, 20:30 h / Vie 2/10, 21 h Sun 9/27, 8:30 PM / Fri 10/2, 9 PM El Cultural San Martín, Sala AB

ph Mariano Pensotti: © carlos furman ph Cuando vuelva a casa voy a ser otro: © Beniamín Boar

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national productions | invited Presented by El Cultural San Martín

Las ideas The Ideas Las ideas trabaja los límites entre realidad y ficción. Pone en escena la intimidad de un proceso de creación, similar al que Federico León (autor y director) podría atravesar en sus obras junto a Julián Tello (actor y colaborador). Las ideas podrían ser sus ideas pero no son necesariamente sus ideas. Ellos son ellos pero al mismo tiempo hacen de sí mismos. Las ideas explores the limits between reality and fiction. It offers an intimate look at a creative process, similar to the one Federico León (author and director) may embark on to develop works with Julián Tello (actor and collaborator). The ideas could be his ideas but are not necessarily his. They are themselves, but at the same time they play themselves.

Federico León Reconocido autor y director de teatro y cine. Creador de obras como Cachetazo de campo, Yo en el futuro, Las multitudes (teatro), Todo juntos, Estrellas y Entrenamiento elemental para actores (cine). A renowned writer and director for theatre and film. His credits include Cachetazo de campo, Yo en el futuro, Las multitudes (theatre), Todo juntos, Estrellas and Entrenamiento elemental para actores (film). Texto y dirección: Federico León / Actores: Julián Tello y Federico León / Escenografía: Ariel Vaccaro / Música y diseño de sonido: Diego Vainer / Diseño de luces: Alejandro Le Roux / Vestuario: Paola Delgado / Coordinación técnica: Matías Iaccarino / Casting: María Laura Berch / Fotografía: Ignacio Iasparra / Actor en ensayos: Ignacio Rogers / Asesoramiento técnico: Paula Coton y Agustín Genoud / Cámara & fotografía: Guillermo Nieto / Gaffer: Guillermo Saposnik. Dirección de arte: Mariela Ripodas / Realización de objetos: David D’Orazio / Sonido: Diego Vainer / Edición: Andrés Pepe Estrada / Post-producción: Alejandro Soler / Asistencia: Malena Juanatey / Actores en video: Alejandra Manzo, Maitina De Marco, Pablo Gasloli, Alejandro Ini, Bárbara Irisarri, Ana María Monti, Patricia Russo, María Laura Santos, José María Seoane, Alfredo Staffolani, Martín Tchira, Emanuel Torres, Antonella Querzoli, Gabriel Zayat / Agentes: Judith Martin y Carlota Guivernau / Prensa: María Laura Lucini Monti / Diseño: Alejandro Ros / Asistencia general: Melisa Santoro Aguirre y Antonella Saldicco / Asistencia de dirección: Rodrigo Pérez y Rocío Gómez Cantero / Producción: Rodrigo Pérez y Rocío Gómez Cantero / Coproducción: Kunstenfestivaldesarts (Bélgica), Iberescena (España), FIBA (Buenos Aires), El Cultural San Martín (Buenos Aires), Fundación Teatro a Mil (Santiago de Chile), La Bâtie - Festival de Genève (Suiza), Festival D’Automne à Paris - Théâtre de la Bastille, La Villette - Residence d’Artistes 2014 (Francia) / Duración: 60’ Vie 18/9, 21 h / Lun 28/9, 21 h Fri 9/18, 9 PM / Mon 9/28, 9 PM Zelaya

ph Federico León: © Malena Juanatey ph las ideas: © Ignacio Iasparra

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LAS NACIONALES | invitadas Presentadas por El Cultural San Martín

La niña, el diablo y el molino The Girl, the Devil and the Mill Inspirada en un cuento de los hermanos Grimm, esta obra es la historia de un padre ingenuo que hace un pacto con el diablo sin ver que está sacrificando a su hija. La joven huye y comienza un viaje lleno de peligros y pruebas que le permiten al director tocar esos temas de los que los niños no se atreven a hablar: la muerte, el diablo, el amor. Un viaje iniciático que le habla al niño que hay en cada uno. Inspired by a tale of the Grimm brothers, this play tells the story of an unsuspecting father who makes a pact with the devil, unaware he is sacrificing his daughter. The young girl escapes and embarks on a journey full of dangers and challenges that allows the director to tackle those topics that children are afraid to talk about: love, death, the devil. A coming-of-age journey appealing to our inner child.

Olivier Py Autor, director y actor. Actual director del Festival d’Avignon. Ha sido también director del Centre Dramatique National/Orléans-LoiretCentre y del Théâtre National de l’Odéon, Théâtre de l’Europe. Author, director and actor. He is the current director of the Festival d’Avignon and a former director of the Centre Dramatique National/Orléans-LoiretCentre and the Théâtre National de l’Odéon, Théâtre de l’Europe. Autor: Olivier Py, en base a cuentos de los hermanos Grimm / Director: Olivier Py / Asistente de dirección: Leo Muscat / Elenco: Jenny Williams, Fabián Carrasco, Ian Guinzburg, Martín Portela / Música: Stéphane Leach / Diseño de iluminación: Bertrand Killy / Escenografía y vestuario: Pierre-André Weitz / Producción: Festival d’Avignon, Théâtre de la Ville-Paris, El Cultural San Martín, Furgang Comunicaciones / Duración: 50’ Sáb 26/9, 16 h / Dom 27/9, 18 h Sat 9/26, 4 PM / Sun 9/27, 6 PM El Cultural San Martín, Sala 3

ph La niña, el diablo y el molino: © Nestor Barbita

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LAS NACIONALES | invitadas Presentada por el Complejo Teatral de Buenos Aires

El hambre de los artistas The Hunger of Artists Una antigua troupe de artistas detenida en algún lugar del pasado. Por las entrañas, un viaje en el tiempo. Del otro lado, un grupo de arrogantes que trama el desconcierto: la cosa, una trampa. Los Nuevos y Los Antiguos. Teatro. Fantasmas. El hambre de los artistas, una tragicomedia polifónica. Una obra de Alberto Ajaka y del Colectivo Escalada. A senior troupe of artists is stuck somewhere in the past. A journey back in time, through the bowels. On the other side, a group of arrogant performers are plotting a shocking act: the thing, a trap. New and Old Performers. Theatre. Ghosts. El hambre de los artistas, an ensemble tragicomedy. A production by Alberto Ajaka and Colectivo Escalada.

Alberto Ajaka Actor, director y dramaturgo. Cada una de las cosas iguales y ¡Llegó la música! son algunas de las obras realizadas junto al Colectivo Escalada, compañía teatral que dirige desde 2008. Actor, director and playwright. Cada una de las cosas iguales and ¡Llegó la música! are some of the productions created with theatre company Colectivo Escalada, under his direction since 2008. Autor y director: Alberto Ajaka / Compañía: Colectivo Escalada / Elenco: Leonel Elizondo, Sol Fernández López, Karina Frau, Rodrigo González Garillo, Georgina Hirsch, Luciano Kaczer, Gabriel Lima, Julia Martínez Rubio, Luciana Mastromauro, Andrés Rossi, Alberto Suárez, María Villar / Asistencia artística: Hernán Ghioni / Música: José Ajaka y Alberto Ajaka / Diseño de iluminación: Andrés Grimozzi / Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo / Diseño de vestuario: Betiana Temkin / Producción: Complejo Teatral de Buenos Aires / Duración: 105’ Dom 27/9, 20 h / Vie 2/10, 21 h Sun 9/27, 8 PM / Fri 10/2, 9 PM Teatro Sarmiento

ph: © carlos furman

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LAS NACIONALES | invitadas Nahuel Cano

La vida breve The Short Life Una reescritura, una opinión contemporánea, mutante y caótica del universo narrativo y temático de León Tolstói y Antón Chéjov, una reflexión crítica acerca de la ficción y sus limitaciones para dar cuenta del drama privado del amor y la muerte, al tiempo que expresa la urgencia de una reinvención. A rewrite; a contemporary, changing and chaotic view of the narrative and thematic universe of Leo Tolstoy and Anton Chekhov; a critical examination of fiction and its limitations to account for the private drama of love and death that also expresses the urgent need for reinvention.

Nahuel Cano Es actor, director y docente. Ha trabajado en cine, teatro y televisión, y participó en numerosos festivales. Desde 2010 investiga y crea junto a la compañía ESTUDIO|EL CUARTO|. He is an actor, director and teacher, who has worked in film, theatre and TV, and participated at numerous festivals. He has been researching and creating new work with ESTUDIO |EL CUARTO| since 2010. Autores: Esteban Bieda y Nahuel Cano / Compañía: Estudio|ELCUARTO| / Dirección: Nahuel Cano / Elenco: María Abadi, Anabella Bacigalupo, Florencia Bergallo, Diego Echegoyen, Leonardo Murúa, Javier Pedersoli, Mariano Sayavedra / Diseño de iluminación: Matías Sendón y Rocío Caliri / Diseño de escenografía: Julieta Potenze / Diseño de vestuario: Belén Parra / Diseño gráfico: Sonia Basch / Registro en video: Martín Berra / Preparación vocal: Claudia Cano / Asistencia coreográfica: Laura Aguerreberry / Asistencia de dirección: Gastón Guanziroli / Producción ejecutiva: Julieta Potenze y Laura Loredo Rubio / Coproducción: FIBA y ESTUDIO|ELCUARTO|. Con el apoyo de la Embajada de Rusia en Argentina y El Brío Teatro / Agradecimientos: Pablo Seijo, Nayla Pose, Santos 4040 y Maite Caballero, Juan Mako, Sebastián Arpesella, Martín Berra, Lupe Lafuente, Tomás Bieda, “El Moro” González, Leo Prat, Belén Fasulis, Panal de Ideas / Duración: 80’ Lun 28/9, 16 h / Vie 2/10, 17 h Mon 9/28, 4 PM / Fri 10/2, 5 PM Santos 4040

ph La vida breve: © SEBASTIÁN ARPESELLA

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national productions | invited focus on fernando rubio In the last few editions, FIBA has aimed to show the work of a local artist in its finest light. This mission is not only a way to pay tribute to our artists, to give them more exposure, but also an opportunity for the public to discover or see them again in a more comprehensive way. In this opportunity, the artist selected is director, playwright and visual artist Fernando Rubio. He is a multidisciplinary creator, whose works bring together elements of theatre, visual arts, literature, installation and cinema, redefining the relationship with the space and with the spectators. “In my works I seek to realize the utopia of establishing deep, unshakable bonds between actors, spectators and props through the dialogue between theatre, visual arts and thoughts about the construction of cities and the spaces of nature. Creating spaces and stories that offer new ways to express ourselves. Taking familiar elements and objects, and placing them in a new context with different parameters from those of reality, to discover the possibility to build a web of relationships, previously unnoticed, between the space and the human.” Fernando Rubio

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las nacionales | invitadas foco fernando rubio En las últimas ediciones, el FIBA busca reflejar la producción de un artista local de la manera más acabada posible. Una forma no solo de homenajear a nuestros artistas, de darles una mayor visibilidad, sino también de que el público pueda descubrirlo o volver a visitarlo de modo más global. En esta oportunidad, el elegido es Fernando Rubio, director, dramaturgo, artista visual. Un creador multidisciplinario cuyas obras articulan lenguajes como el teatro, las artes visuales, la literatura, la instalación y el cine reformulando la relación con el espacio y con los espectadores. “En mis obras busco concretar la utopía de establecer lazos de profundas e inalterables conexiones entre los actores, los espectadores y los objetos utilizados a través del diálogo entre el teatro, las artes visuales y el pensamiento sobre la construcción de las ciudades y los espacios de la naturaleza. Creando espacios y relatos que habiliten nuevas formas de reflejarnos. Tomando elementos y objetos reconocibles, y ubicándolos en un nuevo contexto con parámetros diferentes a los de la realidad, para descubrir así la posibilidad de construir un tejido de vinculaciones entre lo espacial y lo humano, antes no percibido.” Fernando Rubio

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LAS NACIONALES | invitadas Foco Fernando Rubio

Pueden dejar lo que quieran You Can Leave What You Want Cuenta la historia de un hombre que pierde a su familia en un accidente y decide reconstruirla a partir de las historias que escribirá sobre sus ropas. Silenciosa y extrañamente, encontrará la posibilidad de volver a vincularse con el mundo, con las ropas e historias de los otros, con la posibilidad de juntar gente que no se conoce pero que por alguna razón él elige para que ingresen en esta historia. This is the story of a man who loses his family in an accident and decides to reconstruct it with stories he will write about their clothes. Silently and strangely, he will find the opportunity to reconnect with the world, with the clothes and stories of others, and bring together a group of strangers that for some reason he has decided to incorporate into this story.

Fernando Rubio Sus proyectos buscan la reformulación del espacio escénico y del vínculo con los espectadores. Presentó obras en más de veinte países. Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos y El tiempo entre nosotros son sus recientes trabajos. His projects seek to rethink the theatre space and the relationship with the audience. He has staged productions in more than twenty countries. His latest works include Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos and El tiempo entre nosotros. Autor y director: Fernando Rubio / Elenco: Julián Calviño, Juliana Muras, Natalia Salmoral, Pablo Gasloli, Lourdes Pingeon, Jorge Prado, Martín Urruty / Música y diseño de sonido: Pablo Dacal / Diseño de escenografía: Fernando Rubio / Realización de escenografía: Santiago Rey / Realización de video: Gabriel Lichtman / Iluminación: Lucía Feijoo / Producción general: Martín Grosman / Producción: Ramón Barranco y Marion Ecalle / Asistencia de dirección: Santiago Pianca / Coproducción: Kiblos SARL (Francia-España), Fira Tàrrega (Catalunya-España), VIII FIBA y CCEBA. Con el apoyo de AECID y del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de Argentina / Duración: 70’ Vie 25/9, 21 h / Sáb 26/9, 21 h / Dom 27/9, 17:30 h Fri 9/25, 9 PM / Sat 9/26, 9 PM / Sun 9/27, 5:30 PM Teatro San Martín, Sala Cunil Cabanellas

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national productions | invited Focus on Fernando Rubio

Todo lo que está a mi lado Everything by My Side La obra nace después de un sueño. Con el recuerdo olvidado de una historia de la infancia alojada en algún lugar de la mente y el cuerpo durante veinticinco años. Ese espacio concreto e imaginario da cuerpo a un nuevo pensamiento estético sobre la intimidad, el movimiento sutil, el vínculo con los otros, nuestra presencia en el tiempo y la extraña forma que tenemos de habitar espacios afectivos en relación a lo desconocido. The play is born after a dream. Trying to remember a childhood memory lost somewhere in the mind and body for twentyfive years. This concrete and imaginary space fleshes out a new aesthetic concept about intimacy, subtle movement, the relationship with others, our presence in time, and the strange way in which we inhabit spaces of affection in relation to the unknown.

Fernando Rubio Sus proyectos buscan la reformulación del espacio escénico y del vínculo con los espectadores. Presentó obras en más de veinte países. Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos y El tiempo entre nosotros son sus recientes trabajos. His projects seek to rethink the theatre space and the relationship with the audience. He has staged productions in more than twenty countries. His latest works include Todo lo que está a mi lado, Cuando éramos chicos and El tiempo entre nosotros. Autor y director: Fernando Rubio / Elenco: María Abadi, Vanina Falco, Milagros Gallo, Laura Limp, Marta Lubos, Andrea Nussembaum, Lucrecia Oviedo, Lourdes Pingeon, Natalia Salmoral, Julieta Vallina, Lorena Vega / Diseño espacial: Fernando Rubio / Producción: Martín Grosman / Duración: 15’ Mar 29/9, 16 h / Mié 30/9, 16 h Tue 9/29, 4 PM / Wed 9/30, 4 PM Teatro Colón, Plaza Vaticano

ph: © María Baranova

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LAS NACIONALES | invitadas Foco Fernando Rubio

La distancia real The Real Distance Los encuentros para la creación en residencia en el estudio El Jardín Sahel del argentino Fernando Rubio apuntan a fomentar obras en colaboración entre creadores argentinos y extranjeros promoviendo la experimentación, el diálogo y la búsqueda de encuentros entre lenguajes en el marco de la naturaleza. En este caso, los artistas son la argentina Luciana Acuña y el norteamericano Nick Hallet. The creative in-residence sessions at El Jardín Sahel, the studio of Argentine artist Fernando Rubio, are meant to encourage collaborative work between Argentine and foreign creators, promoting experimentation, dialogue and combination of disciplines while surrounded by nature. In this opportunity, the artists are Argentine Luciana Acuña and American Nick Hallet.

Luciana Acuña Es bailarina, coreógrafa y actriz. Sus obras se presentaron en festivales nacionales y extranjeros. She is a dancer, choreographer and actress. Her works have been staged at many festivals in the country and abroad. Nick Hallett Es compositor, productor cultural y vocalista, codirector de Darmstadt Contemporary Music Series. He is a composer, cultural producer and vocalist, co-director of Darmstadt Contemporary Music Series. Autores y directores: Luciana Acuña y Nick Hallett / Dirección de proyecto de residencias: Fernando Rubio / Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux / Diseño de escenografía: Mariana Tirantte / Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández / Producción: Martín Grosman / Coproducción: El Jardín Sahel (Residencias de artistas y encuentros para la creación. Un proyecto de Fernando Rubio) - Richard B. Fisher Center for the Performing Arts - Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC). El Jardín Sahel cuenta con el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. / Duración: 50’ Mié 30/9, 20 h Wed 9/30, 8 PM Teatro Colón, CETC ph Luciana Acuña: © Carolina Bartolomé ph Nick Hallett: © Reuben Radding

Concurso de Proyectos de Coproducción FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea co-production prize

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FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea co-production prize Two contemporary dance shows will premiere this year at the Festival as a result of winning the Co-Production Prize held jointly by 10 FIBA and VIII Festival Buenos Aires Danza Contemporánea. The jury consisting of Andrea Servera, Gustavo Lesgart and Darío Lopérfido has selected the following projects: La comunidad, by Nicolás Rosés Ponce, and Diógenes al sol, by Celia Argüello Rena and Juan Pablo Gómez. “It gives us great satisfaction to accompany these projects all the way until their debut. These are bold and original works by brilliant, open-minded young artists, interested in experimentation with movement and at its intersection with other languages and disciplines,” they claim.

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Concurso de Proyectos de Coproducción FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea Dos espectáculos de danza contemporánea se estrenan en esta edición como resultado del Concurso de Proyectos de Coproducción entre el 10 FIBA y el VIII Festival Buenos Aires Danza Contemporánea, del que resultaron ganadores. El jurado integrado por Andrea Servera, Gustavo Lesgart y Darío Lopérfido eligió los proyectos La comunidad, de Nicolás Rosés Ponce, y Diógenes al sol, de Celia Argüello Rena y Juan Pablo Gómez. “Es una gran satisfacción acompañar estos proyectos hasta su estreno. Son propuestas arriesgadas y originales de artistas jóvenes, desprejuiciados y lúcidos, interesados en experimentar con el movimiento y sus cruces con otros lenguajes y disciplinas”, aseguran.

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LAS NACIONALES Concurso de Proyectos de Coproducción FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea

Diógenes al Sol Diogenes in the Sun Una casa tomada por el síndrome de Diógenes es el punto de partida para crear un territorio donde los objetos invaden cada rincón, las personas se confunden con las cosas y el movimiento se abre camino entre montañas de desechos inútiles. La mujer que habita esta madriguera abre las puertas de su hogar donde con paciencia, hace crecer su jardín hasta convertirlo en una selva sin fin. A house taken over by the Diogenes syndrome is the starting point to create a territory where objects invade every corner, people are confused with stuff, and movement emerges from piles of useless trash. The woman living in this lair opens the door to her home, where she is patiently growing her garden into an endless jungle.

Juan Pablo Gómez y Celia Argüello Rena Colaboran desde 2012 alternando diferentes roles en cada proyecto. En su trabajo cruzan los lenguajes del movimiento, la instalación y el teatro. They have collaborated since 2012 alternating between different roles in each project. Their work combines the languages of movement, installation and theatre. Autores y directores: Celia Argüello Rena y Juan Pablo Gómez / Equipo Diógenes: Andrés Molina, Pablo Castronovo, Ollantay Rojas, Teli Ortiz, Macarena Orueta, Roberta Blazquez Caló, Diego Rosental, Jimena Pérez Salerno, Josefina Gorostiza / Actriz: Maitina De Marco / Asistencia general: Diego Demarchis / Diseño de iluminación: Pigu Gómez / Gaffer: Carolina Rolandi / Diseño sonoro: Pablo Chimenti / Diseño espacial: Norberto Laino / Asistente escenográfica: Sofía Eliosoff / Dirección de arte y vestuario: Eugenia Foguel / Diseño y realización de vestuario: Nacho Fabio / Dibujos: Ezequiel García / Fotografía: VOLCÁN / Marianela Laura Depetro, Leticia Bobbioni, Eugenia Foguel / Producción general: Proyecto Diógenes / Coproducción: 10 FIBA, Proyecto Diógenes y Cooperativa El Correcamino / Duración: 45’ aprox. Dom 27/9, 21 h / Sáb 3/10, 20 h Sun 9/27, 9 PM / Sat 10/3, 8 PM Teatro El Brío

PH Diógenes al Sol: © volcán

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NATIONAL PRODUCTIONS FIBA-Festival Buenos Aires Danza Contemporánea co-production prize

La Comunidad The Community La comunidad es un concierto que oscila entre una práctica espiritual, artística y política. Una obra que puede ser clasificada como un trabajo de danza, teatro o de carácter performático. Gira en torno al concepto de comunidad y explora las posibilidades de las personas que, aun formando parte de un grupo, son capaces de tomar sus propias decisiones individualmente. La comunidad is a concert oscillating between a spiritual, artistic and political practice. It can be classified as a dance, theatre or performance piece. Revolving around the concept of community, it explores the possibilities of those who, even when being part a group, are capable of making their own decisions individually.

Nicolás Roses Estudió en la School for New Dance Development de Ámsterdam. Su trabajo se basa en la investigación y en la premisa de que la danza no es solo una disciplina artística, sino también una disciplina de orden espiritual y político. He has studied at the School for New Dance Development in Amsterdam. His work is based on research and on the premise that dance is not simply an artistic discipline, but a spiritual and political one. Autor: Nicolás Roses / Compañía: La Comunidad / Director: Nicolás Roses / Elenco: Camila Malenchini, Bárbara Hang, Hernán Martínez, Gonzalo Lagos, Joaquín Wall, Esteban Esquivel, Liza Rule Larrea, Juan Salvador, María Aguirregomezcorta, Lucia Rabinovich, Alina Marinelli, Natalí Chino Faloni, Sebastián Soares, Rodolfo Opazo / Producción: Rocío Alonso / Duración: 60’ aprox. Jue 24/9, 22 h / Jue 1/10, 22 h Thu 9/24, 10 PM / Thu 10/1, 10 PM La Ideal

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fiba in chile A selection of FIBA productions arrive for the third time in Santiago, Chile, after successful performances in previous editions, thanks to an agreement between our local Festival and FITAM (Fundación Internacional Teatro a Mil). The plays to be staged at Teatro Municipal de Las Condes this year are: Australia’s Ganesh versus the Third Reich, directed by Bruce Gladwin; South Africa’s Macbeth, directed by Brett Bailey; and from Argentina, Mi hijo sólo camina un poco más lento, directed by Guillermo Cacace, and Querido Ibsen: Soy Nora, directed by Silvio Lang.

· Ganesh Versus the Third Reich, see p. 26 · Macbeth, see p. 36 · Mi hijo sólo camina un poco más lento, see p. 68

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fiba en chile Una selección de espectáculos del FIBA llega por tercera vez a Santiago de Chile tras la notable recepción que las obras programadas han tenido en las ediciones pasadas, gracias al acuerdo firmado entre el Festival porteño y FITAM (Fundación Internacional Teatro a Mil). Este año desembarcan en el Teatro Municipal de Las Condes la producción australiana Ganesh versus the Third Reich, dirigida por Bruce Gladwin; la sudafricana Macbeth, dirigida por Brett Bailey; y las argentinas Mi hijo sólo camina un poco más lento, dirigida por Guillermo Cacace, y Querido Ibsen: Soy Nora, dirigida por Silvio Lang.

· Ganesh Versus the Third Reich, ver p. 26 · Macbeth, ver p. 36 · Mi hijo sólo camina un poco más lento, ver p. 68

panorama sur

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Panorama Sur En su décima edición, el FIBA recibe a Panorama Sur, una plataforma de teatro, danza y performance con sede en Buenos Aires, Argentina, creada y dirigida por Cynthia Edul y Alejandro Tantanian, que este año tendrá su sexta edición y que contará con un espectáculo internacional creado por artistas latinoamericanos, a estrenarse en el marco del Festival, coproducido por ambas instituciones. Panorama Sur ofrece a los artistas de la región el espacio y el tiempo para desarrollar un nuevo trabajo a la vez que es un ámbito para poder construir conocimiento y reflexión crítica sobre las artes contemporáneas. A su vez, la plataforma ofrece al público en general un contacto con trabajos de artistas internacionales con una fuerte marca de experimentación. El objetivo de Panorama Sur, que tiene lugar todos los años, es fomentar la colaboración y el intercambio entre los artistas de América latina, construyendo una doble red: tanto de artistas como de instituciones. Este programa intensivo in-

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cluye, durante tres semanas, una residencia para autores de teatro en habla hispana, la presentación de espectáculos internacionales, un ciclo de clases sobre estéticas contemporáneas (en teatro y danza) y workshops de artistas internacionales. Cada año, alrededor de veinte autores de diferentes países latinoamericanos, además de artistas locales y de todas partes del mundo, se reúnen en Buenos Aires durante tres semanas para desarrollar un nuevo trabajo, para intercambiar ideas en un diálogo con la escena internacional y para construir red con otros artistas. Porque uno de los factores esenciales de Panorama Sur es fomentar el lazo social entre los artistas para promover una red entre las personas que dure más allá del tiempo de la plataforma. En su sexta edición, el seminario de autores de Panorama Sur recibe a veintiún autores de Cuba, México, Colombia, Brasil, Chile, Uruguay, Perú, Bolivia, España y de diferentes provincias de la Argentina.

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panorama sur In its tenth edition, FIBA welcomes Panorama Sur, a Buenos Airesbased theatre-dance-performance platform, created and directed by Cynthia Edul and Alejandro Tantanian. This year, it celebrates its sixth edition with an international show created by diverse artists from Latin America, which was co-produced by the two institutions and will premiere at the Festival. Panorama Sur provides space and time for artists from the region to develop a new project, as well as an immersive environment for learning and reflecting on contemporary arts. Also, the platform brings audiences closer to the work of international artists who strongly lean on experimentation. The aim of the annually held Panorama Sur is to promote collaboration and exchange between Latin American artists, creating a network that integrates both talent and institutions from the region. This intensive three-week program

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includes playwright-in-residence sessions in Spanish, the presentation of international shows, a series of lectures on contemporary aesthetics (in theatre and dance) and workshops conducted by international artists. Every year, around twenty authors from different countries in Latin America, in addition to local and worldwide artists, meet in Buenos Aires over three weeks to develop new projects, to exchange ideas in a dialogue with the international scene and to network with other artists. One of the quintessential characteristics of Panorama Sur is to encourage social interactions between artists in order to establish lasting relationships beyond this platform. In its sixth edition, Panorama Sur’s seminar welcomes twenty-one authors from Cuba, Mexico, Colombia, Brazil, Chile, Uruguay, Peru, Bolivia, Spain and different provinces of Argentina.

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panorama sur

Las noches vencidas. Palimpsesto the nights vanquished. palimsest Una niña juega al borde una piscina. Se acerca al trampolín y observa. Salta. Y el salto es un salto a la ficción. Esta niña toma parte en el juego y rompe las historias, las cambia o las hace estallar. Las noches vencidas. Palimpsesto es un texto construido entre nueve autores de países latinoamericanos, España y Estados Unidos, con la dirección de tres directores de tres países: Argentina, Bolivia y Chile. A girl is playing at the edge of a swimming pool. She goes near the springboard and observes. She jumps. She jumps into fiction. This girl takes part in the game; she tears the stories apart, changes them, blows them up. Las noches vencidas. Palimpsesto is a text created by nine authors from Latin America, Spain and the United States, and directed by three directors from Argentina, Bolivia and Chile.

Eduardo Calla Es director y autor boliviano, fundó y dirige el colectivo Escena 163. He is a Bolivian director and author, founder and director of Escena 163 collective. Fernando Ocampo Es arquitecto, dramaturgo y director mexicano residente en Chile. He is a Mexican architect, playwright and director who resides in Chile.

Agostina López Es argentina y dirigió Mi propia playa y La laguna. She is an Argentine director. Her credits include Mi propia playa and La laguna. Autores: Catalina Landívar (Argentina), Erik Leyton (Colombia), Martín López Brie (México), Julián Mesri (Estados Unidos), José Manuel Mora (España), Gerardo Oettinger (Chile), José Pagano (Uruguay), Fabián Suárez Ávila (Cuba), Paloma Vidal (Brasil) / Compañía: Panorama Sur / Directores: Eduardo Calla (Bolivia), Agostina López (Argentina), Fernando Ocampo (México/Chile) / Elenco: María Alché, Susana Pampin, Patricio Aramburu, Esteban Bigliardi / Diseño sonoro: Valentín Pelisch / Diseño de iluminación: David Seldes / Asistencia de iluminación: Facundo David / Diseño de escenografía: Fernando Ocampo / Diseño de vestuario: Paola Delgado / Producción: Mónica Paixao, Maxi Gallo (productores) / Panorama Sur / Casting de la niña: María Laura Berch / Coproducción: 10 FIBA / Duración: 90’

Vie 2/10, 21 h / Sáb 3/10, 21 h / Dom 4/10, 19 h Fri 10/2, 9 PM / Sat 10/3, 9 PM / Sun 10/4, 7 PM Teatro San Martín, Sala Cunil Cabanellas ph Fernando Ocampo: © Gonzalo Donoso ph Las noches vencidas. Palimpsesto: © MOODLAB

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Lecture Series on Performing Arts presented by Panorama Sur, 10 FIBA & Malba Literatura This is a series of four lectures based on the Ciclo Invocaciones, created by Mercedes Halfon and Carolina Martín Ferro, in which four theatre directors from Buenos Aires engage in a dialogue with four other directors of 20th century theatre; that means that they have worked “with”, “inspired by” and “rewriting” authors, directors and aesthetics that preceded them. At these sessions, each director will share their reflections on the rewriting and reading done: Sergio Boris will talk about Artaud; Silvio Lang, about Meyerhold; Agustín Mendilaharzu and Walter Jakob, about Brecht; and Mariana Chaud, about Jarry. All lectures are admission free and will take place at the Salón Dorado of Teatro Colón on September 14, 16, 21 & 23 at 5:30 PM.

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Ciclo de clases sobre Artes Escénicas presentado por Panorama Sur, 10 FIBA y Malba Literatura Una serie de cuatro clases focalizadas en el Ciclo Invocaciones, creado por Mercedes Halfon y Carolina Martín Ferro, en el que cuatro directores de teatro de Buenos Aires entran en diálogo con otros cuatro directores de la historia del teatro del siglo XX; es decir que trabajaron “con”, “a partir de”, “reescribiendo a” autores, directores, estéticas que los precedieron. En los encuentros, cada director desplegará sus reflexiones sobre la reescritura y la lectura que hizo: Sergio Boris expondrá sobre Artaud; Silvio Lang, sobre Meyerhold; Agustín Mendilaharzu y Walter Jakob, sobre Brecht; y Mariana Chaud, sobre Jarry. Las charlas se realizarán con entrada libre y gratuita en el Salón Dorado del Teatro Colón, los días 14, 16, 21 y 23 de septiembre a las 17:30 h.

homenaje a tadeusz kantor tribute to tadeusz kantor

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tribute to tadeusz kantor

In the year commemorating the 100th anniversary of the birth of Tadeusz Kantor, FIBA joins the celebration of the life and work of the great Polish artist with various activities, jointly with the Embassy of Poland in Buenos Aires. This is a very special year for the Polish theatre scene since Kantor’s anniversary coincides with the 250th anniversary of the debut of the National Theatre Company, founded by King Stanisław Poniatowski in Warsaw. For this reason, 2015 was declared the Year of Theatre in that country.

Theatre Is Not to Be Watched A program presenting four short pieces. El lugar de Kantor, an interactive videoinstallation by Silvia Maldini; La habitación de la infancia, an object theatre piece created and directed by Susana Villalba; Evocaciones, a video-performance by Jehymy Vasco; and Concierto para equipaje, a performance created and directed by Tatiana Sandoval. Sat 9/19 and Sat 9/26, 7 PM / Casa de la Lectura

Free admission, limited capacity.

Conference on His Visual and Theatrical Work Participants: Ana Alvarado, Sergio Sabater and Katarzyna Cytlak Wed 9/30, 7:30 PM / Casa de la Lectura

Free admission, limited capacity.

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homenaje a tadeusz kantor

En el año de los festejos por el centenario del nacimiento de Tadeusz Kantor, el FIBA se suma a la celebración de la vida y la obra del genial artista polaco con diversas propuestas junto a la Embajada de Polonia en Buenos Aires. Es un año muy especial para la escena polaca dado que el aniversario de Kantor coincide con el 250º aniversario del primer estreno realizado por la Compañía Nacional de Teatro, fundada por el rey Stanisław Poniatowski en Varsovia. Por este motivo, en ese país, el 2015 fue declarado Año del Teatro.

El teatro no se mira Multiespectáculo que consta de cuatro obras breves. El lugar de Kantor, una videoinstalación interactiva de Silvia Maldini; La habitación de la infancia, pieza de teatro de objetos creada y dirigida por Susana Villalba; Evocaciones, videoperformance de Jehymy Vasco; y Concierto para equipaje, una performance con dramaturgia y dirección de Tatiana Sandoval. Sáb 19 y Sáb 26/9, 19 h / Casa de la Lectura

Entrada gratuita hasta agotar la capacidad de la sala.

Conferencia sobre su obra plástica y teatral Participantes: Ana Alvarado, Sergio Sabater y Katarzyna Cytlak Mié 30/9, 19:30 h / Casa de la Lectura

Entrada gratuita hasta agotar la capacidad de la sala.

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Exposición de fotografías de Stanislaw Ignacy Witkiewicz Witkacy El dramaturgo elegido por Kantor fue también uno de los innovadores del encuadre, el close up y la concepción general del uso de la cámara. Contemporáneo del surrealismo, el dadaísmo y el absurdo, su visión del arte y de la realidad se aprecian en este recorrido por su obra fotográfica. Jue 24, Vie 25, Sáb 26/9, Jue 1, Vie 2 y Sáb 3/10, de 17:30 a 21 h / Margen del Mundo

Entrada libre y gratuita.

Conferencia de Marcos Rosenzvaig Las características generales del Teatro de la Muerte de Kantor. Una aproximación a su particular estética acompañada de una performance teatral. Jue 24/9, 19 h / Margen del Mundo

Entrada libre y gratuita.

Photo Exhibit by Stanislaw Ignacy Witkiewicz Witkacy The playwright chosen by Kantor also had an innovative approach to framing, close-ups and the general use of the camera. He was contemporaneous with Surrealism, Dada and the Absurd. This journey through his photographic work reflects his vision of art and reality. Sept 24, 25, 26, Oct 1, 2 and 3, 5:30 PM-9 PM / Margen del Mundo

Free admission.

Conference by Marcos Rosenzvaig General characteristics of Kantor’s Theatre of Death. An approach to his singular aesthetics followed by a theatrical performance. Thu 9/24, 7 PM / Margen del Mundo

Free admission.

encuentros y workshops events & workshops

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Events & Workshops This section is an opportunity to come into direct contact with the creators, learn about their working methods, their obsessions, and their creative universes. For this reason, at the end of international performances, there will be post-show discussions where the main figures (performers and directors) will take the stage to converse with the audience. In addition, the section will offer open talks, performing experiences and workshops.

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Encuentros y Workshops Esta sección es un espacio para entrar en contacto con los creadores de manera directa, descubrir sus formas de trabajo, sus obsesiones, sus universos creativos. Por eso, una vez terminados los espectáculos internacionales, habrá charlas post-función en las que los protagonistas (intérpretes y directores) saldrán a escena para dialogar con los espectadores. Además, se llevarán a cabo charlas abiertas a todo público, experiencias escénicas y talleres.

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POST-SHOW EVENTS Immediately after the performance, the protagonists (cast members and directors) will engage in a dialogue with the audience.

THE PAST , by Constanza Macras | DorkyPark & Oscar Bianchi Fri 9/18, 8:30 PM / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado

GANESH VERSUS THE THIRD REICH ,

W.W. (We Women), by Sol Picó cía. de danza

Mon 9/28, 8 PM / Alianza Francesa

Sat 9/19, 8:30 PM / Teatro 25 de Mayo

BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM , by Agrupación Señor Serrano Thu 9/24, 9 PM / Teatro San Martín, Sala Casacuberta

ANTIGONÓN. UN CONTINGENTE ÉPICO , by Rogelio Orizondo Fri 9/25, 9:30 PM / Teatro 25 de Mayo

CASTIGO , by Cristián Plana Fri 9/25, 9:30 PM / Teatro Regio

THE BLIND POET , by Jan Lauwers

by Back to Back Theatre Sat 9/26, 8:30 PM / Teatro Coliseo

KADDISH , by Arthur Nauzyciel LA CAUTIVA , by Teatro La Plaza Thu 10/1, 8 PM / Teatro Regio

gólgota picnic , by Rodrigo García Sat 10/3, 7 PM / Teatro San Martín, Sala Casacuberta OPENING NIGHT , by Ivo van Hove Sat 10/3, 8 PM / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado MACBETH , by Brett Bailey Sun 10/4, 5 PM / Teatro Colón

Fri 9/25, 7 PM / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado Also, there will be a Q&A session after the screening of the film Die Letzten Zeugen (The Last Witnesses), by Doron Rabinovici and Matthias Hartmann, with the participation of a protagonist, Ari Rath, a renowned Austrian journalist and writer based in Israel. Thu 10/1, 7 PM and Sun 10/4, 7 PM / El Cultural San Martín, Sala 2

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ENCUENTROS POST-FUNCIÓN Una vez concluidas las funciones, los protagonistas de las obras (intérpretes y directores) dialogarán con los espectadores que asistieron a la función.

THE PAST , de Constanza Macras | DorkyPark y Oscar Bianchi Vie 18/9, 20:30 h / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado

GANESH VERSUS THE THIRD REICH ,

W.W. (We Women) , por Sol Picó cía. de danza

Lun 28/9, 20 h / Alianza Francesa

Sáb 19/9, 20:30 h / Teatro 25 de Mayo

BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM , de Agrupación Señor Serrano Jue 24/9, 21 h / Teatro San Martín, Sala Casacuberta

ANTIGONÓN. UN CONTINGENTE ÉPICO , de Rogelio Orizondo Vie 25/9, 21:30 h / Teatro 25 de Mayo

CASTIGO , de Cristián Plana Vie 25/9, 21:30 h / Teatro Regio

THE BLIND POET , por Jan Lauwers

por Back to Back Theatre Sáb 26/9, 20:30 h / Teatro Coliseo

KADDISH , por Arthur Nauzyciel LA CAUTIVA , por Teatro La Plaza Jue 1/10, 20 h / Teatro Regio

gólgota picnic, por Rodrigo García Sáb 3/10, 19 h / Teatro San Martín, Sala Casacuberta OPENING NIGHT , por Ivo van Hove Sáb 3/10, 20 h / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado MACBETH , por Brett Bailey Dom 4/10, 17 h / Teatro Colón

Vie 25/9, 19 h / Teatro San Martín, Sala Martín Coronado También habrá un Q&A tras la proyección del film Die Letzten Zeugen (Los últimos testigos), de Doron Rabinovici y Matthias Hartmann con la presencia de Ari Rath, uno de los protagonistas, reconocido periodista y escritor nacido en Austria y radicado en Israel. Jue 1/10, 19 h y Dom 4/10, 19 h / El Cultural San Martín, Sala 2

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OPEN EVENTS JAN LAUWERS The multi-faceted Belgian artist will talk with 10 FIBA’s Artistic Director Darío Lopérfido about his work as a theatre director and about the two productions he presents at the Festival, in a discussion open to the public.

THEATRE PROGRAMMING, PRODUCTION AND MANAGEMENT TODAY Prominent programmers and curators from different parts of the world will share their experiences and stories of success and failure in performing arts production and programming.

Tue 9/22, 5:30 PM / Teatro Colón, Salón Dorado

Fri 10/2, 10 AM-12:30 PM / Teatro Buenos Aires

Free Admission Limited capacity.

Free Admission Limited capacity.

MATÍAS FELDMAN The pianist, actor, director, playwright, founder and general director of the Compañía Buenos Aires Escénica will present two of his experimental works, part of a series called Proyecto de Pruebas.

Prueba I: El espectador

Prueba II: La desintegración

Research and reflection on the role of the spectator in the theatrical event. What happens when the spectator watching is watched? And what happens when that which watches the spectator is fiction?

What do we disintegrate? A few scenes? A story? A model of representation? A realistic model? What is realism? In the presence of failure, when order, times and correspondences break, what do we see? Something begins to vibrate. This is not about what we see, but what resonates.

Thu, 9/24, 2:30 PM and 4 PM Thu, 10/1, 2:30 PM and 4 PM Teatro Defensores de Bravard

Free Admission Advance online registration is required.

Sun, 9/20, 3 PM and 4:30 PM Sun, 10/4, 3 PM and 4:30 PM Teatro Defensores de Bravard

Free Admission Advance online registration is required.

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ENCUENTROS ABIERTOS JAN LAUWERS El multifacético artista belga discutirá junto con Darío Lopérfido, director artístico del 10 FIBA, sobre su trabajo como director teatral y sobre sus dos obras presentes en esta edición en una charla abierta al público en general.

PROGRAMACIÓN, PRODUCCIÓN Y GESTIÓN TEATRAL EN EL CONTEXTO ACTUAL Destacados programadores y curadores de distintos sectores del mundo darán a conocer sus experiencias, triunfos y fracasos al producir y programar artes escénicas.

Mar 22/9, 17:30 h / Teatro Colón, Salón Dorado

Gratis Hasta agotar la capacidad de la sala.

Vie 2/10, de 10 a 12:30 h / Teatro Buenos Aires

Gratis Hasta agotar la capacidad de la sala.

MATÍAS FELDMAN El pianista, actor, director, dramaturgo, fundador y director general de la Compañía Buenos Aires Escénica, presenta dos de sus pruebas, como parte del Proyecto de Pruebas.

Prueba I: El espectador

Prueba II: La desintegración

Investigación y reflexión acerca del lugar del espectador en el hecho teatral. ¿Qué sucede cuando el espectador que mira es mirado? ¿Y qué ocurre cuando aquello que mira al espectador es la ficción?

¿Qué desintegramos? ¿Unas escenas? ¿Un relato? ¿Un modelo de representación? ¿Ese modelo sería el realismo? ¿Qué realismo? ¿Qué es el realismo? Ante la falla, ante la ruptura del orden, los tiempos y las correspondencias, ¿qué vemos? Algo empieza a vibrar. No se trata de lo que se ve, sino de lo que resuena.

Jue 24/9, 14:30 h y 16 h Jue 1/10, 14:30 h y 16 h Teatro Defensores de Bravard

Gratis Requiere inscripción previa vía web.

Dom 20/9, 15 h y 16:30 h Dom 4/10, 15 h y 16:30 h Teatro Defensores de Bravard

Gratis Requiere inscripción previa vía web.

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WORKSHOPS CONSTANZA MACRAS DANCE IN ACTION *

NICK HALLETT - OPEN SOURCE SINGING METHOD *

The Argentine-born, Berlin-based dancer, director of dance company Dorky Park, and one of her dancers, Emil Bordás, will share a theoreticalpractical training session.

American musician Nick Hallet will conduct a workshop for performers seeking to gain a deeper awareness of their voices and information on vocal acoustics and biomechanics to increase their creativity.

Sat 9/19, 11 AM-2 PM / Teatro Coliseo

Fri 10/2, 2 PM-5 PM / Teatro Colón, CETC

THE BODY IN THE WORKS OF JAN LAUWERS * The Belgian director will conduct a workshop for dancers and actors with movement training in which they will perform intense physical work. Mon 9/21, 11 AM-3 PM / Teatro Coliseo

BACK TO BACK THEATre: EXPLORING NEW TECHNOLOGIES IN CREATIVE PROCESSES *

NAHUEL CANO - FICCIÓN A MARTILLAZOS | Laboratory of Stage Experiences * The lab intends to explore the forces, the ways of action, and the ways fiction enters the scene to build a map, a personal approach to the imaginary, projected and overlapping onto the real, material map – the scene. Sat, 9/26, 2 PM-5 PM / Teatro Coliseo

The Australian company shares, with workshop participants, a preview of their research on the use of sound, specifically binaural, which will be part of their upcoming production, to premiere in late 2016. Sun 9/27, 10 AM-12:30 PM / Teatro Coliseo

*

Free admission / Advance online registration is required.

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WORKSHOPS CONSTANZA MACRAS DANZA EN ACCIÓN *

NICK HALLETT - ESCUCHAR NUESTRAS VERDADERAS VOCES *

La bailarina argentina radicada en Alemania, directora de la compañía Dorky Park, junto a uno de sus bailarines, Emil Bordás, compartirán un entrenamiento teórico-práctico con bailarines locales.

El músico norteamericano Nick Hallet dictará un taller para intérpretes que quieran lograr una conciencia más profunda de sus voces y contar con información sobre acústica vocal y biomecánica para potenciar su creatividad.

Sáb 19/9, de 11 a 14 h / Teatro Coliseo Vie 2/10, de 14 a 17 h / Teatro Colón, CETC

EL CUERPO EN LAS OBRAS DE JAN LAUWERS * El director belga dará un taller para bailarines y actores con dominio corporal en el que desarrollarán un intenso trabajo físico. Lun 21/9, de 11 a 15 h / Teatro Coliseo

BACK TO BACK THEATre: EXPLORACIÓN DE LAS NUEVAS TECNOLoGíAS EN LOS PROCESOS CREATIVOS * La compañía australiana anticipa con los participantes de este workshop el proceso de investigación sobre el uso del sonido, en particular el binaural, que desarrolla y formará parte de su próximo espectáculo a estrenarse a fines de 2016. Dom 27/9, de 10 a 12:30 h / Teatro Coliseo *

Gratis / Requiere inscripción previa vía web.

NAHUEL CANO - FICCIÓN A MARTILLAZOS | Laboratorio de Experiencias Escénicas * El laboratorio pretende investigar las potencias, los modos de acción y los modos de aparición de la ficción en escena para de esta manera construir un mapa, una aproximación personal a lo imaginario, que se proyecta y superpone sobre el mapa real, material, de la escena. Sáb 26/9 de 14 a 17 h / Teatro Coliseo

Muebles - Diseño Interiores

las películas the films

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the films After a successful first edition in the last FIBA, the film section returns to serve as a bridge between two arts that are very much related. In this opportunity, there will be a good amount of local offerings by young filmmakers featured at Bafici, and a number of gems from abroad. Germany brings a focus on Andres Veiel. Austria offers Die Letzten Zeugen (The Last Witnesses), a filmed version of the stage production that recovers the voices of Holocaust victims. From France come a documentary about Ariane Mnouchkine and the Théâtre du Soleil, and the version of Racine’s classic Phèdre made by Patrice Chéreau. In addition, the section premieres a documentary about the ninth FIBA, featuring Darío Lopérfido in interviews with several participating foreign directors and excerpts from their shows.

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las películas Tras el éxito de su primera edición en el FIBA pasado, la sección cinéfila vuelve a tender puentes entre dos artes tan ligadas. Esta vez, habrá una buena dosis de propuestas locales a cargo de creadores jóvenes que pasaron por el Bafici y una serie de joyas que vienen del exterior. Alemania trae un foco sobre Andres Veiel. Austria ofrece Die Letzten Zeugen (Los últimos testigos), versión filmada de la obra teatral que recupera las voces de aquellas personas que sufrieron el Holocausto. De Francia, un documental sobre Ariane Mnouchkine y el Théâtre du Soleil, y la versión realizada por Patrice Chéreau sobre el clásico Phèdre, de Racine. Además, se estrenará el documental sobre el IX FIBA, con entrevistas de Darío Lopérfido a varios de los directores extranjeros que participaron y con fragmentos de los espectáculos.

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Anagramas, de Santiago Giralt Argentina, 2014, 82’ Una pareja sin hijos, un matrimonio con tres hijos y una pareja gay con un hijo de un matrimonio anterior se entremezclan en cuatro cuentos como las letras de un anagrama. A couple without children, a married couple with three children and a gay couple with a son from a previous marriage are mixed together in four short stories like letters in an anagram puzzle.

Santiago Giralt Es cineasta, escritor, actor y dramaturgo. Escribió, dirigió y produjo una decena de películas, que recorrieron los principales festivales del mundo. Socio fundador de Los Griegos Films y finalista de los Premios Nacionales, Konex, Cóndor de Plata, Sur y Premio Planeta de Novela. He is a filmmaker, writer, actor and playwright. He has written, directed and produced over ten films, screened at major festivals worldwide. A founding partner of Los Griegos Films and an award finalist for Premios Nacionales, Konex, Cóndor de Plata, Sur and Premio Planeta de Novela. Jue 24/9, 20 h / Vie 2/10, 21 h Thu 9/24, 8 PM / Fri 10/2, 9 PM El Cultural San Martín, Sala 2

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Ariane Mnouchkine. L’Aventure du Théâtre du Soleil, de Catherine Vilpoux - Francia, 2009, 75’ La cámara de Catherine Vilpoux registró a Ariane Mnouchkine y su compañía, el célebre Théâtre du Soleil, desde 2010 en su actividad cotidiana: desde funciones en Taipei y en Nueva York hasta el trabajo y la creación de cada día en el espacio teatral donde funciona este elenco, la Cartoucherie de Vincennes, ubicado en las afueras de París. El resultado es una biografía teatral e íntima que combina ensayos, fragmentos de espectáculos, testimonios diversos y a la propia Mnouchkine evocando su infancia, su amor por el cine, su concepción del teatro, su militancia y su compromiso político, entre otras cuestiones. Catherine Vilpoux has captured the artistic activity that Ariane Mnouchkine and her company, the famous Théâtre du Soleil, have been carrying out since 2010: from performances in Taipei and New York to the daily work and creative routines at the company’s base, the Cartoucherie de Vincennes, on the outskirts of Paris. The result is an intimate theatrical biography combining rehearsals, extracts from performances, various testimonies and featuring Mnouchkine as she evokes her childhood, her passion for cinema, her conception of theatre, and her political activism and commitment.

Catherine Vilpoux Es editora de varios documentales así como de películas para televisión. Ariane Mnouchkine. L’Aventure du Théâtre du Soleil es su primera producción como directora, editora y fotógrafa. She has edited several documentaries as well as telefilms. Ariane Mnouchkine. L’Aventure du Théâtre du Soleil is her first film as a director, editor and cinematographer. Sáb 26/9, 22:20 h / Vie 2/10, 19 h Sat 9/26, 10:20 PM / Fri 10/2, 7 PM El Cultural San Martín, Sala 2 Se presenta con el apoyo del Institut Français d´Argentine. Presented with the support of the Institut Français d’Argentine.

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El infierno de Beatriz, de Marcos Migliavacca Argentina, 2015, 16’ El infierno de Beatriz es un viaje fantasmal por la mente y las sensaciones de la dramaturga y directora teatral Beatriz Catani durante una función de la obra Infierno, adaptación libre de La divina comedia. El riesgo y la imposibilidad de control, junto a lo efímero de lo teatral, y lo inevitable de la muerte que interrumpe el amor son ideas de un paisaje sonoro dantesco donde la intimidad de la voz de Beatriz sobrevuela en un itinerario melancólico. El infierno de Beatriz is an eerie journey through the mind and senses of playwright and theatre director Beatriz Catani during a performance of the play Infierno, a free adaptation of The Divine Comedy. Ideas such as risk and impossibility to control, along with the ephemeral about theatre, and love interrupted by the inevitability of death are part of a Dantesque soundscape layered with the intimacy of Beatriz’s floating voice on a melancholic excursion.

Marcos Migliavacca Nació en La Plata. Estudió comunicación audiovisual en la UNLP. Fue codirector del largometraje Al cielo (2012), dirigido por Diego Prado, y junto con Nahuel Lahora dirigió Rocío Recorder (2014). Es programador del Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata, FestiFreak. Born in La Plata, he studied audiovisual communication at UNLP. He co-directed the feature film Al cielo (2012), with Diego Prado, and with Nahuel Lahora he directed Rocío Recorder (2014). He is a programmer of La Plata International Independent Film Festival, FestiFreak. Sáb 26/9, 20 h / Sáb 3/10, 19 h Sat 9/26, 8 PM / Sat 10/3, 7 PM El Cultural San Martín, Sala 2

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Phèdre, de Patrice Chéreau Francia, 2003, 140’ Patrice Chéreau ha elegido mostrar su Fedra en un decorado desnudo rodeado de murallas de piedra de los Atelier Berthier. De la tragedia de deseo y de muerte de Racine, nos presenta el retrato de una mujer con el cuerpo y el alma quemados por un amor prohibido. Dominique Blanc encarna a esa mujer, perdida, fuera de sí, escándalo viviente más allá de toda razón y de toda moral, representación carnal del enigma del deseo femenino. Patrice Chéreau shows his Phaedra in a bare space surrounded by the stone walls of the Atelier Berthier. In his version of Racine’s tragedy of desire and death, he presents a portrait of a woman physically and spiritually scarred by a forbidden love. Dominique Blanc plays this woman, lost, desperate, a living disgrace beyond all reason, a fleshand-blood incarnation of the enigma of female desire.

Patrice Chéreau (1944-2013) Fue director de cine, teatro y ópera además de productor, actor y guionista. (1944-2013) He was a film, theatre and opera director as well as a producer, actor and scriptwriter. Jue 24/9, 17 h / Sáb 26/9, 17 h Thu 9/24, 5 PM / Sat 9/26, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2

Se presenta con el apoyo del Institut Français d´Argentine. Presented with the support of the Institut Français d’Argentine.

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focus on Andres Veiel

Balagan, de Andres Veiel - Alemania, 1993, 96’ Un actor judío ortodoxo, la hija de un superviviente de un campo de concentración y un palestino elaboran juntos una obra de teatro sobre la presencia del Holocausto en la sociedad israelí. Una experiencia que visibiliza las dolorosas contradicciones de la sociedad israelí al mismo tiempo que personifica una gran esperanza. An orthodox Jewish actor, the daughter of a concentration camp survivor and a Palestinian create a play together about the presence of the Holocaust in the Israeli society. An experience that reflects the painful contradictions of the Israeli society while giving great hope.

Andres Veiel Multipremiado director de cine y teatro, guionista y autor nacido en 1959 en Stuttgart, Alemania. Estudió psicología y luego dirección y dramaturgia con Krzysztof Kieślowski. Es miembro de las Academias de Cine alemana y europea. Enseña en diferentes universidades de cine. Su filmografía incluye Black Box BRD (2001) y Quién sino nosotros (2011). An award-winning film/theatre director and writer born in 1959 in Stuttgart, Germany. He studied psychology first and then directing and playwriting with Krzysztof Kie ślowski. He is a member of the German and European Film Academies and a teacher at different film schools. His filmography includes Black Box BRD (2001) and If Not Us, Who? (2011). Jue 1/10, 17 h Thu 10/1, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2 Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut. Presented with the support of the Goethe-Institut.

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foco Andres Veiel

Der Kick (El golpe), de Andres Veiel Alemania, 2006, 82’ En la noche del 13 de julio de 2002 fue asesinado Marinus Schöberl de 16 años por tres jóvenes neonazis. La película es una adaptación fílmica de la obra de teatro homónima, que representa lo ocurrido en lecturas escénicas. Fue estrenada en la Berlinale 2006. On the night of July 13, 2002, 16-year-old Marinus Schöberl was murdered by three neo-Nazi teenagers. The film is an adaptation of the play of the same name, in which real events are presented in a stage-reading style. It premiered at the Berlinale 2006. Dom 4/10, 17 h Sun 10/4, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2

Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut. Presented with the support of the Goethe-Institut.

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focus on Andres Veiel

Die Spielwütigen (Pasión por actuar), de Andres Veiel Alemania, 2003, 108’ Durante siete años Veiel acompañó a cuatro jóvenes que quieren estudiar arte dramático en la prestigiosa escuela de Ernst Busch de Berlín. Cuatro vidas y una película sobre el pasaje de la adolescencia a ser adultos, el retrato de una generación. Premio del Público y de la Crítica Alemana en la Berlinale 2003. For seven years, Veiel has followed four young drama students at the prestigious Ernst Busch academy in Berlin. Four lives and a movie about the passage from adolescence to adulthood, the portrait of a generation. Winner of the Audience Choice Award and German Critics’ Prize at the Berlinale 2003.

Andres Veiel Multipremiado director de cine y teatro, guionista y autor nacido en 1959 en Stuttgart, Alemania. Estudió psicología y luego dirección y dramaturgia con Krzysztof Kieślowski. Es miembro de las Academias de Cine alemana y europea. Enseña en diferentes universidades de cine. Su filmografía incluye Black Box BRD (2001) y Quién sino nosotros (2011). An award-winning film/theatre director and writer born in 1959 in Stuttgart, Germany. He studied psychology first and then directing and playwriting with Krzysztof Kie ślowski. He is a member of the German and European Film Academies and a teacher at different film schools. His filmography includes Black Box BRD (2001) and If Not Us, Who? (2011). Dom 27/9, 17 h Sun 9/27, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2 Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut. Presented with the support of the Goethe-Institut.

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foco Andres Veiel

Winternachtstraum (Sueño de una noche de invierno), de Andres Veiel Alemania, 1991-92, 84’ Inka Köhler-Rechnitz termina su formación de actriz en 1928, pero por motivos familiares y políticos recién sesenta años más tarde vuelve a las tablas, ámbito que debía haber sido el primer peldaño de su carrera. Sueño de una noche de invierno relata los sueños de su juventud y el intento de realizar una parte de ellos en la vejez. Inka Köhler-Rechnitz completed her training as an actress in 1928, but due to family and political reasons it was not until sixty years later that she returned to the stage, the place that was supposed to be the first step in her career. Winter Night’s Dream narrates the dreams of her youth and the attempt to fulfill a part of them during old age. Vie 25/9, 17 h Fri 9/25, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2

Se presenta con el apoyo del Goethe-Institut. Presented with the support of the Goethe-Institut.

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La princesa de Francia, de Matías Piñeiro Argentina, 2014, 70’ Luego de un año en el extranjero, Víctor regresa a Buenos Aires con dos nuevos proyectos para su compañía de teatro: adaptar Shakespeare para la radio y reconquistar amores perdidos. After a year living abroad, Víctor returns to Buenos Aires with two new projects for his theatre company: adapting Shakespeare for radio and winning back lost loves.

Matías Piñeiro Nacido en Buenos Aires en 1982. Estudió en la Universidad del Cine, donde enseñó dirección, guión e historia del cine. Sus películas incluyen El hombre robado, Todos mienten, Rosalinda y Viola. Actualmente está terminando la cuarta película de su serie Las Shakespeareadas: Hermia y Helena, su primera película hablada en inglés. Born in Buenos Aires in 1982, he studied at Universidad del Cine, where he taught Directing, Screenwriting and Film History. His films include El hombre robado, Todos mienten, Rosalinda and Viola. He is currently finishing the fourth film of his series Las Shakespeareadas: Hermia y Helena, his first English-language movie. Sáb 26/9, 20 h / Sáb 3/10, 19 h Sat 9/26, 8 PM / Sat 10/3, 7 PM El Cultural San Martín, Sala 2

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Llamas de nitrato, de Mirko Stopar Argentina-Noruega, 2015, 65’ El film cuenta la historia de Renée Falconetti, la actriz francesa que interpretó el rol principal en la mítica película La pasión de Juana de Arco, de Carl Dreyer. El documental se centra en la colaboración entre Falconetti y Dreyer durante el rodaje y en cómo esta performance impactó en la vida de la intérprete. Además, muestra el derrotero del film de Dreyer, censurado, quemado y perdido durante años, hasta la azarosa aparición de un negativo original en un manicomio noruego en los 80. The film tells the story of Renée Falconetti, the French actress that starred in Carl Dreyer’s epic film The Passion of Joan of Arc. The documentary centers on the collaboration between Falconetti and Dreyer during the shooting, and on how this performance affected the life of the actress. It also shows the tragic fate of Dreyer’s film, censored, burnt and lost for years, until an original negative was discovered at a Norwegian mental institution in the 1980s.

Mirko StopaR Nació en Buenos Aires, en 1974. Allí estudió cine y realizó cortometrajes y videos musicales. Trabajó en TV y publicidad. Desde 2001 reside parte de su tiempo en Noruega, donde trabaja como director y guionista de cine y TV con su productora Ferryman Film. He was born in 1974 in Buenos Aires, where he made a series of short films and music videos, and worked in TV and commercials. Since 2001, he has been based in Norway, where he has worked as a director and writer for film and TV with his production company, Ferryman Film. Vie 2/10, 17 h / Sáb 3/10, 17 h Fri 10/2, 5 PM / Sat 10/3, 5 PM El Cultural San Martín, Sala 2

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Die letzten Zeugen (Los últimos testigos), de Doron Rabinovici y Matthias Hartmann Austria, 2013, 134’ ¿Qué pasará cuando se agoten las voces de los últimos testigos del Holocausto para siempre? Un grupo de jóvenes actores lee los testimonios mientras los testigos mayores legitiman cada palabra con su presencia. Lo importante es recibir sus mensajes y compartir la carga del recuerdo para el futuro. El film se mostró en el Burgtheater en Viena y en el Theatertreffen en Berlín. En Buenos Aires se exhibe gracias al apoyo de la Embajada de Austria y de la Radiotelevisión Austríaca ORF, y contará con la presencia de Ari Rath, uno de los protagonistas del film, reconocido periodista y escritor nacido en Austria y radicado en Israel. What will happen when the voices of the last witnesses of the Holocaust ran out forever? A group of young actors read testimonies while older eyewitnesses legitimize each word with their presence. The important thing is to receive their messages and share the burden of the memory for the future. The film was screened at the Burgtheater in Vienna and the Theatertreffen in Berlin. Its exhibition in Buenos Aires is made possible by the support of the Embassy of Austria and the ORF Austrian Broadcaster and will feature the participation of a protagonist, Ari Rath, a renowned Austrian journalist and writer based in Israel. Mié 23/9, 20 h Wed 9/23, 8 PM Teatro Colón, Plaza Vaticano Jue 1/10, 19 h + Q&A / Dom 4/10, 19 h + Q&A Thu 10/1, 7 PM + Q&A / Sun 10/4, 7 PM + Q&A El Cultural San Martín, Sala 2

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Doron Rabinovici Nació en 1961 en Tel Aviv y vive en Viena desde 1964. Escritor, historiador con numerosas distinciones, entre otras del Archivo de Documentación de la Resistencia Austríaca (DÖW). He was born in 1961 in Tel Aviv and has lived in Vienna since 1964. A writer and historian recognized with numerous honors, including one from the Documentation Centre of Austrian Resistance (DÖW).

Matthias Hartmann Nació en 1963 en Osnabrueck y vive en Salzburgo. Director de teatro y ópera. Dirigió instituciones como Schauspielhaus Bochum, Schauspielhaus Zuerich y Burgtheater Viena. He was born in 1963 in Osnabruck and lives in Salzburg. He is a theatre and opera director, and former Director of Schauspielhaus Bochum, Schauspielhaus Zuerich and Burgtheater Viena.

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Una canción coreana, de Gustavo Tarrío y Yael Tujsnaider Argentina, 2014, 78’ An Ra Chung llegó a la Argentina hace más de treinta años, vive con su familia en el barrio coreano de Buenos Aires. Es esposa, madre, cristiana devota, maestra de canto y además es cantante lírica. En un momento de su vida se cruza con los directores que le proponen ser protagonista de una obra de teatro y de una película. An Ra Chung arrived in Argentina more than thirty years ago and lives with her family in the Korean neighborhood of Buenos Aires. She is a wife, mother, devoted Christian, singing teacher, and also a lyric singer. At some point in her life she meets the directors who ask her to star in a stage production and in a film. Vie 25/9, 22:20 h / Dom 27/9, 20 h Fri 9/25, 10:20 PM / Sun 9/27, 8 PM El Cultural San Martín, Sala 2

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Gustavo Tarrío Se graduó en el CERC (actual ENERC) del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales). Entre sus creaciones teatrales figuran Afuera, Kuala Lumpur, Decidí canción, LB.tv y en cine dirigió los films Foto Bonaudi, Súper y Una canción coreana (2014). He graduated from CERC (now ENERC) of INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales). His credits as a theatre maker include Afuera, Kuala Lumpur, Decidí canción, LB.tv, and as a film director, Foto Bonaudi, Súper and Una canción coreana (2014). Yael Tujsnaider Es licenciada en Artes, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Trabaja como productora audiovisual y gestora cultural independiente. En 2008 comienza a trabajar con la comunidad coreana argentina, asesorando en contenidos audiovisuales a la empresa coreano­argentina BizDragon, promoviendo el diálogo y difundiendo ambas cinematografías. She holds a degree in Arts from UBA’s Faculty of Philosophy and Letters. She works as a freelance cultural manager and audiovisual producer. In 2008, she began working with the Korean-Argentine community, providing advice on audiovisual materials to Korean-Argentine company BizDragon, fostering dialogue, and promoting films from both countries.

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Documental IX FIBA, realizado por Baraka Producciones con la colaboración de Eugenio Zanetti Argentina, 2013-2015, 90’ Un recorrido por la novena edición del Festival Internacional de Buenos Aires con entrevistas realizadas por su director artístico, Darío Lopérfido, a los directores extranjeros que participaron. Una oportunidad única para volver a ver fragmentos de los espectáculos que marcaron la edición y, sobre todo, para acercarse al pensamiento y la reflexión de sus protagonistas. A journey through the ninth edition of the Festival Internacional de Buenos Aires featuring interviews by its artistic director, Darío Lopérfido, with foreign directors who participated. A unique opportunity to see again excerpts from its most stunning productions, and especially to take a closer look at the views and reflections of their makers. Vie 25/9, 20 h / Sáb 3/10, 21 h Fri 9/25, 8 PM / Sat 10/3, 9 PM El Cultural San Martín, Sala 2

los libros the books

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The books The Festival continues to publish books that offer an opportunity to reflect on stage-related topics, immerse oneself in fictional stories all over again and reconnect with theatre through imagination as many times as wanted. For this reason, books are still a source of interest. 10 FIBA presents four new releases: Nueva Dramaturgia Cubana, an anthology compiled by Argentine critic Federico Irazábal; the traditional publication of the two winning pieces of the Rozenmacher Prize for New Playwriting in a quadrilingual edition, jointly with the Centro Cultural Ricardo Rojas; Casa que arde. Teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados, by Emilio García Wehbi, and Lo incapturable. Puesta en escena y dirección teatral, by Rubén Szuchmacher.

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los libros El Festival sigue abocado a publicar libros que permitan repensar cuestiones vinculadas a la escena, volver a sumergirse en ficciones y retomar el contacto con lo teatral de manera imaginaria tantas veces como uno quiera. Por eso, los libros siguen siendo motivo de interés y en el marco del 10 FIBA habrá cuatro presentaciones: Nueva Dramaturgia Cubana, una flamante antología realizada por el crítico argentino Federico Irazábal; la habitual edición de las dos obras ganadoras del Premio Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, en versión cuatrilingüe, junto con el Centro Cultural Ricardo Rojas, Casa que arde. Teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados, de Emilio García Wehbi, y Lo incapturable. Puesta en escena y dirección teatral, de Rubén Szuchmacher.

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nueva dramaturgia cubana El 10 FIBA edita Nueva Dramaturgia Cubana, volumen que reúne siete obras de tres jóvenes autores cubanos, representantes de la nueva dramaturgia isleña, en un momento en que poco se conoce de la prolífica creación teatral de ese país. Esta antología, realizada por el crítico argentino Federico Irazábal, incluye las siguientes piezas que fueron escritas y estrenadas en los últimos años: Talco y Mecánica, de Abel González Melo (n. 1980); Semen y Pasaporte, de Yunior García Aguilera (n. 1982); Perros que jamás ladraron, Ayer dejé de matarme y Antigonón. Un contingente épico, de Rogelio Orizondo (n. 1983). Una aproximación a una escritura intensa y de fuerte carga política que se aleja de los lugares comunes, las proclamas demagógicas o los alegatos. Por el contrario los tres autores evidencian un tratamiento formal muy elaborado y extremo, en las antípodas del realismo, a través del cual abordan distintos aspectos dolorosos de la realidad y la vida cotidiana cubana.

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Dice Irazábal: “Leído desde la extranjería, que es lo único a lo que podemos aspirar, se podría decir que el protagonista de estos siete textos es el mismo: la isla. Y es que como no ocurre en otros territorios, la isla, Cuba, la república, es una suerte de organismo que se mueve, se desarrolla, crece, se transforma, oprime y libera. No se trata jamás de un objeto estanco, establecido, firme. Es puro dinamismo que resiste a ser convertido en objeto estanco pero que sabe que algo de ese estancamiento le ha ocurrido. Una sociedad fragmentada que mira y habla de dos países que son el mismo precisamente porque son diferentes: la Cuba que construyen los hijos de la revolución no es la misma que la que construyen los hijos del período especial (que se inicia en 1991 con la caída de la URSS y se extiende a lo largo de la década). Entre la mirada idealizada y la cruel realidad, el teatro es un ámbito de debate, de pulsión, de creatividad feroz que busca darle forma a una palabra siempre silenciada, postergada”. Sáb 26/9, 15 h / Margen del Mundo

Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.

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nueva dramaturgia cubana 10 FIBA releases Nueva Dramaturgia Cubana, a book with seven plays by three Cuban authors, who represent the island’s new drama, at a time when very little is known about the prolific theatrical creation in the country. This anthology, compiled by Argentine critic Federico Irazábal, includes the following pieces, written and premiered in recent years: Talco and Mecánica, by Abel González Melo (b. 1980); Semen and Pasaporte, by Yunior García Aguilera (b. 1982); Perros que jamás ladraron, Ayer dejé de matarme and Antigonón. Un contingente épico, by Rogelio Orizondo (b. 1983). The book is an overview of an intense, politically charged writing that stays away from commonplaces, demagogic claims or pleadings. On the contrary, the three authors evince a very elaborate and extreme formal treatment, opposed to realism, through which they explore painful aspects of Cuban reality and everyday life.

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Irazábal says, “After reading these texts from abroad, which is the only thing we can aspire to do, we could say that the protagonist of these seven texts is one and the same: the island. And different from what happens in other territories, the island, Cuba, the republic, is a sort of organism that can move, develop, grow, transform, oppress and liberate. It is never a stagnant, fixed, firm object. It is pure dynamism refusing to be made into a stagnant object but knowing that it has been affected by some degree of stagnation. A fragmented society that looks and talks about two countries that are one and the same precisely because they are different: the Cuba built by the children of the revolution is not the same as the one built by the children of the Special Period (beginning in 1991 with the fall of the USSR and running through the decade). Between an idealized view and a cruel reality, theatre is a space for discussion, stimulus, and fierce creativity seeking to shape a word always silenced, postponed.” Sat 9/26, 3 PM / Margen del Mundo

Free admission, limited capacity.

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IX Germán Rozenmacher Award for New Playwriting Book Presentation & Award Ceremony Created in 1999, the Germán Rozenmacher Award for New Playwriting is organized by the Centro Cultural Rector Ricardo Rojas of the Universidad de Buenos Aires and FIBA, under the authority of the Buenos Aires City’s Ministry of Culture. It takes the name of Germán Rozenmacher (Buenos Aires, 1936 - Mar del Plata, 1971) in homage to the memory of the great playwright and short-story writer, author of Requiem for a Friday Night and Little Black Head. It is offered and awarded every two years, in each new edition of FIBA. Its aim is to stimulate the production of authors born or based in Argentina who are under 36 years of age. In 2015, the jury for the ninth edition of the Award included Jimena Aguilar (2013 Rozenmacher Award winner), critic Jorge Dubatti and author Santiago Loza, who selected the following prize and mention winners: 1st Prize: Todo tendría sentido si no existiera la muerte, by Mariano Tenconi Blanco 2nd Prize: Todo lo cercano se aleja, by Laura Paredes Mentions (in no order of merit): Abrakadabra, by Leandro Matías Airaldo; B, by Giuliana Kiersz; Chongo triste, by Alberto Antonio Romero; and Los cautivos, by Jimena Repetto The First Prize and Second Prize winning plays are published by Los Libros del Rojas in a quadrilingual edition, with translation into English, French and Portuguese to facilitate their reading and staging in other contexts. Translations were by Laura Guidi (English), Sandra Andreoli (Portuguese) and Valeria Castelló-Joubert (French). Just like in previous years, this ninth edition displays the great quality, poetic diversity and huge output of the new generation of playwrights, as well as the originality, the value of the new and the experimentation in their writings. Authorities: UBA Rector: Dr. Alberto Edgardo Barbieri; Secretary of International Relations, Culture and Communication: Jorge Biglieri; General Coordinator of Culture: Cecilia Vázquez. Fri 9/18, 7 PM / CC Rojas

Free admission, limited capacity.

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Presentación del libro y entrega de premios del IX Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia Creado en 1999, el Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia es organizado por el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, de la Universidad de Buenos Aires, y el FIBA, que depende del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Lleva el nombre de Germán Rozenmacher (Buenos Aires, 1936 - Mar del Plata, 1971) en homenaje a la memoria del gran dramaturgo y cuentista, autor de Réquiem para un viernes a la noche y Cabecita negra. Se convoca y entrega cada dos años, en ocasión de cada nueva edición del FIBA. Su objetivo es estimular la producción de autores argentinos o radicados en la Argentina que no hayan cumplido 36 años. En 2015, en su novena edición, el Premio contó con un jurado integrado por Jimena Aguilar (ganadora del Premio Rozenmacher 2013), el crítico Jorge Dubatti y el autor Santiago Loza, quienes eligieron a los siguientes ganadores y mencionados: 1er Premio: Todo tendría sentido si no existiera la muerte, de Mariano Tenconi Blanco 2do Premio: Todo lo cercano se aleja, de Laura Paredes Menciones (sin orden de mérito): Abrakadabra, de Leandro Matías Airaldo; B, de Giuliana Kiersz; Chongo triste, de Alberto Antonio Romero; y Los cautivos, de Jimena Repetto Las obras ganadoras del Primer Premio y del Segundo Premio son publicadas por la editorial Los Libros del Rojas en edición cuatrilingüe con traducciones al inglés, al francés y al portugués, para favorecer su lectura y puesta en escena en otros contextos. Las traducciones han sido realizadas por Laura Guidi (inglés), Sandra Andreoli (portugués) y Valeria Castelló-Joubert (francés). Como sucedió en años anteriores, esta novena edición pone en evidencia la calidad, la diversidad poética y la cantidad de producción de la nueva generación de dramaturgos, así como la originalidad, el valor de lo nuevo y el carácter experimental de sus escrituras. Autoridades: Rector de la UBA: Dr. Alberto Edgardo Barbieri; Secretario de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación: Lic. Jorge Biglieri; Coordinadora General de Cultura: Lic. Cecilia Vázquez. Vie 18/9, 19 h / CC Rojas

Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.

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casa que arde. teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados This book, by Emilio García Wehbi, was published by Ediciones DocumentA/ Escénicas 2015. The text was written for the recent staging of the production of the same name at the state-run Konzert Theater Bern, in Switzerland, which was co-directed by the author and Maricel Álvarez. In the play, Emilio García Wehbi takes Federico García Lorca’s The House of Bernarda Alba as a starting point to depict the family home as a microfascist space where women are subject to a phallic-logocentric and religious structure that takes away their power and will. Casa que arde is a modern look at a male-ruled society that takes control of the female body. The verbal strength of his writing is born of the combination of Lorca’s play with many other elements, such as lists of pharmaceutical products, Greek myths, Lévi-Strauss, Faust, fragments from the book Male Fantasies, by German sociologist Klaus Theweleit, as well as the visual and textual universe of American artist Henry Darger, music by Gustav Mahler, and the American reality show Little Miss Perfect, among others. True to his style, Wehbi works up a rewrite entailing a two-way process where texts detach themselves from their context while they create a new setting with echoes of their origin.

Emilio García Wehbi He is an interdisciplinary artist whose work combines different performing disciplines. In 1989, he founded El Periférico de Objetos, a leading experimental theatre group in Argentina. His shows, operas, performances and urban installations have been presented in the Americas, Europe, Oceania and Asia. His most recent productions include Herodes reloaded (2015), Artaud 1: lengua madre (2015), Vértigo (2014), 58 indicios sobre el cuerpo (2014), Rey Lear (2013), Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta (2012), Hécuba o el gineceo canino (2011), among others. Wed 9/23, 7:30 PM / Teatro Buenos Aires

Free admission, limited capacity.

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10 fiba recomienda

casa que arde. teatro para niñas anarquistas y animales embalsamados Este libro, de Emilio García Wehbi, fue publicado por Ediciones DocumentA/ Escénicas 2015. El texto fue escrito con motivo del reciente montaje escénico del mismo nombre realizado en el Konzert Theater Bern, el teatro estatal de Berna, Suiza, y que contó con la codirección del autor y Maricel Álvarez. En la obra, Emilio García Wehbi hace una apropiación literaria de La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, para tomar al hogar como un espacio microfascista en el cual la mujer se ve sometida a una estructura falo-logocéntrica y religiosa que suprime su potestad y voluntad. Casa que arde propone un acceso contemporáneo a una sociedad dominada por los hombres que toma de rehén el cuerpo femenino. La escritura está marcada por una fuerza verbal donde además de Lorca juegan un papel importante listas de productos farmacéuticos, mitos griegos, Lévi-Strauss, Fausto, textos de Fantasías masculinas, del sociólogo alemán Klaus Theweleit, así como el universo visual y textual del artista estadounidense Henry Darger, la música de Gustav Mahler o el reality americano Little Miss Perfect, entre otros. Siendo fiel a su estilo, Wehbi habita el espacio de la reescritura proponiendo un juego donde los textos van perdiendo su contexto al mismo tiempo que componen un paisaje nuevo en el cual el origen no deja nunca de resonar.

Emilio García Wehbi Artista interdisciplinario que trabaja en el cruce de lenguajes escénicos. En 1989 funda El Periférico de Objetos, grupo paradigmático del teatro experimental argentino. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas han sido presentados en América, Europa, Oceanía y Asia. Algunos de sus últimos trabajos son Herodes reloaded (2015), Artaud 1: lengua madre (2015), Vértigo (2014), 58 indicios sobre el cuerpo (2014), Rey Lear (2013), Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta (2012), Hécuba o el gineceo canino (2011), entre otros. Mie 23/9, 19:30 h / Teatro Buenos Aires

Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.

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10 fiba recommends

lo incapturable Puesta en escena y dirección teatral This book, by Rubén Szuchmacher, was published by Reservoir Books (Random House Mondadori) is an invitation to reflect on the performing arts without complacency. Just like in life, in the performing arts events, significant or trivial, happen: they become history immediately after they occur. Different from other arts, where objects remain practically identical to themselves and last through the passing of time and material deterioration, performing arts are impossible to capture. This book presents every aspect of the theatrical event: from the arts involved (architecture, visual arts, sound arts, literature) to the role of the director, including questions regarding staging and tensions between art and entertainment. Argentine director Rubén Szuchmacher, one of the most renowned in the country, stages a unique and vital piece: a critical understanding and interpretation of what is at stake in a stage production. PH: © Alejandra López

Rubén Szuchmacher He is an actor, director, teacher, playwright, translator, choreographer, social psychologist and performing arts manager. In his vast artistic career, he has worked as an actor in theatre and film, and directed plays by major local and foreign authors, including Euripides, Brecht, Shakespeare, Heiner Müller, Arthur Miller, Discépolo and Griselda Gambaro, among others. He has taught acting and directing in Argentina, Brazil, Uruguay, Mexico, Chile, Germany and Spain. He carries out cultural management projects at diverse institutions, notably in ElKafka Espacio Teatral and Teatro Payró, alternative venues for artistic creation. Also, he was Director of FIBA in 2009. Fri 10/2, 5:30 PM / Teatro Colón, Salón Dorado

Free admission, limited capacity.

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LO INCAPTURABLE

Diseño de tapa: Alejandro Ros

Puesta en escena y dirección teatral Este libro, de Rubén Szuchmacher, editado por Reservoir Books (Random House Mondadori) invita a pensar las artes performáticas sin complacencia. En las artes escénicas –como en la vida misma– los hechos, trascendentes o banales, pasan: apenas se producen ya son historia. A diferencia de otras artes, en las que los objetos permanecen prácticamente idénticos a sí mismos y perduran a pesar del paso del tiempo y del deterioro de su materialidad, las artes escénicas son incapturables. Este libro presenta cada uno de los aspectos del hecho teatral: de las artes intervinientes (arquitectura, artes visuales, artes sonoras, literatura) al lugar del director, pasando por los interrogantes de una puesta y las tensiones entre arte y entretenimiento. Rubén Szuchmacher, uno de los directores argentinos más reconocidos en su país, pone en escena una obra única e indispensable: comprender e interpretar críticamente lo que se juega en una producción escénica.

Rubén Szuchmacher Es actor, director, docente, dramaturgo, traductor, coreógrafo, psicólogo social y gestor en artes performáticas. Su vasta producción artística incluye actuaciones en teatro y cine, y la dirección de obras de grandes autores locales y extranjeros como Eurípides, Brecht, Shakespeare, Heiner Müller, Arthur Miller, Discépolo y Griselda Gambaro, entre otros. Ha desarrollado su trabajo docente, tanto en el campo de la actuación como en el de la puesta en escena, en Argentina, Brasil, Uruguay, México, Chile, Alemania y España. Lleva adelante proyectos de gestión cultural en diversas instituciones, especialmente en ElKafka Espacio Teatral y en el Teatro Payró, ámbitos alternativos de creación artística. Además, fue director del FIBA en 2009. Vie 2/10, 17:30 h / Teatro Colón, Salón Dorado

Entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.

EL MERCADO the market

WORK IN PROGRESS EXPLORACIONES escénicas STAGE Explorations

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After a successful first edition of The Market, FIBA repeats and enhances this experience aimed at exporting local theatre and promoting its growth beyond national borders. In addition to attending performances of national productions during the second week of the Festival, programmers will have an opportunity to meet and network over two days with the local artists programmed this year. Also, there will be a session about new modes of production and management of stage projects aiming to perform beyond the local scene. And a new new section joins us: Work in Progress, a selection of works currently under development that the programmers will get to see before their debut. They are: Condición de buenos nadadores, directed by Camila Fabbri and produced by Brenda Carlini; El asalto, directed by Gerardo Naumann and produced by Rocío Gómez Cantero; Hedda Gabler, directed by Cristian Drut and produced by Drut and Belén Blanco; Mátate amor, directed by Martín Flores Cárdenas and produced by Lola Silberman; and Sólo la noche, directed and produced by Jorge Eiro. In addition to foreign programmers, 10 FIBA will be graced with the presence of theatre critics from different countries within the framework of the Stage Explorations, an international program aimed at promoting exchange between cultures, carried out by Artes del Sur/Teatro al Sur. These expert professionals – mostly members of the International Association of Theatre Critics (Unesco) – were invited to discover and explore the City’s performing arts. They will attend performances of national productions showing at FIBA to later reflect on them and engage in a dialogue with Argentine theatre makers and professionals in the field. Stage Explorations is a co-production of 10 FIBA and Artes del Sur. Design and Direction: Halima Tahan / Production: Alina Mazzaferro Assistance: Manuel Leiva

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Luego del éxito de la primera edición de El Mercado, el FIBA repite y potencia esta experiencia destinada a la exportación del teatro local, a impulsarlo a crecer más allá de las fronteras. Además de asistir a los espectáculos nacionales durante la segunda semana del Festival, los programadores contarán con un ámbito para encontrarse y dialogar con los artistas locales programados durante dos jornadas de intercambio. Habrá también un encuentro sobre nuevos modos de producción y gestión de proyectos escénicos que aspiran a circular más allá de los ámbitos locales. Y se suma una nueva propuesta: la sección Work in Progress, una selección de trabajos en proceso de creación que los programadores conocerán antes de su debut. Estos son: Condición de buenos nadadores, dirigido por Camila Fabbri y producido por Brenda Carlini; El asalto, dirigido por Gerardo Naumann y producido por Rocío Gómez Cantero; Hedda Gabler, dirigido por Cristian Drut y producido por Drut y Belén Blanco; Mátate amor, dirigido por Martín Flores Cárdenas y producido por Lola Silberman; y Sólo la noche, dirigido y producido por Jorge Eiro. Además de los programadores extranjeros, el 10 FIBA contará con la visita de críticos especializados de distintos países en el marco de Exploraciones Escénicas, un programa de carácter internacional destinado a fomentar el intercambio entre culturas, impulsado por Artes del Sur/Teatro al Sur. Estos profesionales de la crítica teatral –en su mayoría, miembros de la Asociación Internacional de Críticos de Teatro (Unesco)– fueron invitados para conocer y explorar las artes escénicas de la Ciudad. Asistirán a espectáculos argentinos programados por el FIBA para luego reflexionar sobre ellos, entrando en diálogo con los realizadores argentinos y con profesionales del medio. Exploraciones Escénicas es una coproducción de 10 FIBA y Artes del Sur. Diseño y dirección: Halima Tahan / Producción: Alina Mazzaferro Asistencia: Manuel Leiva