ZIORTZAKO KONTZERTUAK 2008 CONCIERTOS DE ZENARRUZA 2008

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Argitaratzailea / Edita: Bizkaiko Foru Aldundia - Kultura Saila Diputación Foral de Bizkaia - Departamento de Cultura Koordinazioa / Coordinación: Kultura Garatu eta Zabaltzeko Atala Sección de Promoción y Difusión Cultural Azala / Portada: ABIGAIL LAZKOZ Legezko Gordailua / Deposito Legal: BI-1389-08 Diseinua eta Inprimaketa / Diseño e impresión: Flash Composition SL www.flashcomposition.com

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Aurkezpena

Presentación

ZIORTZAKO KONTZERTUEN aurtengo emanaldia, 2008koa, Bizkaiko Foru Aldundiko Kultura Sailak kudeatuta, musikaren hedapenerako egitarau honetako hogeigarrena da. Bizkaiko leku paregabe batean egiten da, Oiz mendiaren oinean, bi toki zoragarritan: Ziortzako Kolegiata historikoan eta Markina-Xemeingo Santa Maria elizan, Bizkaiko tenplurik handiena.

La edición correspondiente al presente año 2008 de estos ZIORTZAKO KONTZERTUAK que gestiona el Departamento de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia, significa la vigésima de este programa de difusión musical que tienen lugar en una zona privilegiada de Bizkaia, situada bajo el monte Oiz en dos extraordinarios recintos: la histórica Colegiata de Ziortza y la Iglesia de Santa Maria de Markina-Xemein, el mayor templo de Bizkaia.

Kontzertu hauek hasi zirenetik helburua bai lanak bai interpreteak lehen mailakoak izatea izan da, baita interesgarriak ere zaletu handientzat eta musika emanaldietara joan ohi direnentzat zein, arrazoi desberdinak direla eta, kontzertuetara noizean behin bakarrik joan ahal direnentzat. Zorionez, entzule ugari egotea eta kontzertu hauek duten harrera ona egitarauaren egokitasunaren adierazle dira.

Desde el inicio de estos conciertos se ha pretendido que la programación posea obras e intérpretes de excelente nivel, al mismo tiempo que sea tan interesante para grandes aficionados y miembros habituales en audiciones musicales como a personas que, por diversas razones, sólo pueden acudir ocasionalmente a conciertos. Por fortuna, la amplia presencia de oyentes y la buena acogida de estos conciertos van confirmando el acierto del programa.

Aurtengo emanaldia, hain zuzen, Gustav Leonhardten errezitaldiarekin zabaltzen da, musikologo entzutetsua, organista, orkestra zuzendaria eta, batez ere, munduko klabezinistarik onenetariko bat azken urteetan. Horrexegatik aukeratu dugu bere kontzertua musika tresna horrekin izatea, XVII. eta XVIII. mendeetako musikagile handien lanak interpretatuko baititu. Horren ondoren, kontzertuak María Espadaren eskutik etorriko dira, Euskal Barrokoensemlerekin, Enrique Solinís bilbotarraren zuzendaritzapean, aldi berean lauta ere joko duena; Bilboko Koral Elkarteak Amadeus Kameratarekin eta ahots bakarlari entzutetsuekin abestuko du Iñaki Morenoren zuzendaritzapean. La Petite Bande Ensemblea musika barrokoan espezialista europarra Sigiswald Kuijken entzutetsuaren agindupean egongo da. Kolegiatako emanaldiak Ensemble La Risonanzarekin bukatuko dira, Fabio Bonizzoni zuzendari eta klabean. Ikus daitekeenez, mundu mailan ezagunak diren talde zein bakarlarien emanaldiak eta interprete euskaldunenak tartekatzen dira, betiere nolabaiteko entzutea dutenak eta kasu batzuetan benetako adituak direla argi agertzen dutenak.

La actual edición se abre precisamente con un recital a cargo de Gustav Leonhardt, famoso musicólogo, organista, director orquestal y, sobre todo, uno de los mejores clavecinistas del mundo, desde hace ya bastantes años. Por ello, se ha elegido que su actuación sea con este instrumento, con el que interpretará obras de grandes autores del XVII y XVIII. Tras éste, los siguientes conciertos estarán a cargo de la soprano María Espada, con Euskal Barrokensemble, dirigido por el bilbaíno Enrique Solinís, quien actuará también con el laúd; Bilboko Koral Elkartea junto con Amadeus Kamerata Ganbara Orkestra y con reconocidos solistas vocales, bajo la dirección de Iñaki Moreno; Ensemble La Petite Bande, gran especialista europeo de música barroca, a la orden del reconocido Sigiswald Kuijken, para finalizar las funciones de la Colegiata con el concierto del Ensemble La Risonanza, con Fabio Bonizzoni como director y clave. Tal y como puede apreciarse, se intenta siempre alternar actuaciones de renombrados grupos o solistas mundiales con intérpretes vascos que posean ya fama de su buen hacer o que van mostrando con claridad su especialización, en algunos casos.

Jaialdia Markina-Xemeingo Elizan emango diren bi orkestra kontzerturekin bukatuko da: Sinfonietta Ricercare, Alain David Sancho musikari bilbotarraren batutapean, barrokotik europar erromantizismora doazen lanekin; eta Pilsengo (edo Plzeñ, hiri txekiarra) Filarmonika, Jaroslav Krcekek zuzendariarekin eta Stepán Prazák biolinista bakarlari, Rossiniren, Mendelssohnen eta Mozarten oso lan ezagunez osatutako egitaraua interpretatuko dutenak.

El festival se clausurará con dos actuaciones orquestales en la Iglesia de Andra Mari de Markina-Xemein, donde actuarán la Sinfonietta Ricercare, dirigida por el músico bilbaíno Alain David Sancho, con obras que van desde el barroco al romanticismo europeo, y la Filarmónica de Pilsen (o Plzeñ, ciudad checa) dirigida por Jaroslav Krcek, actuando como solista el violinista Stepán Prazák, que interpretarán un programa configurado por obras muy conocidas de Rossini, Mendelssohn y Mozart.

Oraingoan ere, aurreko emanaldietan izan ziren bezalaxe, kontzertuak bikainak izango direlakoan nago; halaber, kontzertu hauen aniztasun aberatsa berriz ere jendearen gustukoa izatea espero dut. Aldi berean, bertaratuko direnei onena opa diet, hau bezalako kultura ekintzak norberaren aberastasunerako direlakoan, gureganaino heldu den kultura ondareaz gozatzeko bide ezin hobea baitira.

Confío, como ha sido norma en ediciones que anteceden a la actual, en que las actuaciones sean excelentes, así como deseo que la rica variedad de estos conciertos continúe agradando al público en general, a la vez que expreso mis mejores deseos a todos los asistentes en la confianza de que acciones culturales como la presente redundan en nuestro propio enriquecimiento personal, así como son un modo ideal para poder disfrutar del patrimonio cultural que nos ha sido legado.

MIREN JOSUNE ARIZTONDO AKARREGI Kulturako Foru Diputatua

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Ziortzako Zizterko Fraileei esker aurrera eroan ahal izan dira kontzertuak. La realización de los conciertos ha sido posible gracias a la colaboración de la Comunidad Cisterciense de Ziortza

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ZIORTZAKO KOLEGIATAN 18:00etan Maiatzak 4 Mayo GUSTAV LEONHARD (Klabea) Maiatzak 10 Mayo EUSKAL BARROKENSEMBLE María Espada (sopranoa) Zuzendaria: Enrique Solinís Maiatzak 11 Mayo BILBOKO KORAL ELKARTEA AMADEUS KAMERATA GANBERA ORKESTRA Nuria Orbea (sopranoa) David Sagastume (kontratenorea) María Fe Nogales (mezzosopranoa) Jesús María Aréjula (baxua) Zuzendaria: Iñaki Moreno Maiatzak 17 Mayo ENSEMBLE LA PETITE BANDE Sara Kuijken (biolina) Peter Van Heyghen (txirula) Zuzendaria: Sigiswald Kuijken Maiatzak 18 Mayo ENSEMBLE LA RISONANZA Raffaella Milanesi (sopranoa) Zuzendaria: Fabio Bonizzoni

ANDRA MARIAREN ZERURATZEA PARROKIAN (MARKINA - XEMEIN) 18:00etan Maiatzak 24 Mayo ORQUESTA SINFONIETTA RICERCARE Zuzendaria: Alain David Sancho Maiatzak 25 Mayo ORQUESTA FILARMÓNICA DE PILSEN Stepán Prazák (biolina) Zuzendaria: Jaroslav Krcek

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L. Couperin (1626-1661)

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Maiatzak 4 Mayo

GUSTAV LEONHARDT (Klabea)

Egitaraua / Programa

Lehen Zatia / Iª Parte

L. Couperin (1626-1661)

* Pavane

L. Couperin

* Suite en Re mayor Prélude, Allemande, Courante Sarabande, Gaillarde, Chaconne

L. Couperin

* 2 Fantasías

M. Weckmann (1616-1674)

* Suite en re menor Allemande, Courante, Sarabande, Gigue

J. Pachelbel (1653-1706)

* 3 Fugas

J. Pachelbel

* Mi bemol mayor

G. Leroux (1660-1707)

* Suite en Fa mayor (1705) Prélude, Allemande, Courante Menuet, Chaconne

Bigarren Zatia / IIª Parte

* Allemande por la muerte de Carlos XI de Suecia (1697) * Aria variata alla maniera italiana, BWV 989 (¿1703?)

C. Ritter (1645-1725) J. S. Bach (1685-1750)

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Gustav Leonhardt

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Gustav Leonhardt mundu osoan da ezaguna “klabezinistarik bikainena” bezala (Musikari buruzko Grove Hiztegian). Organo, klabe eta musikologia ikasketak egin zituen Basilean. Urte askoan irakaslea izan zen Amsterdameko Sweelinck Kontserbatorioan. 1969 eta 1970ean katedra hartu zuen Harvardeko Unibertsitatean. Gaur egun Amsterdameko Nieuwe Kerken ere da organista.

Gustav Leonhardt es conocido en el mundo entero como “el clavecinista por excelencia” (Diccionario Grove de Música). Estudió órgano, clave y musicología en Basilea. Durante muchos años fue profesor en el Conservatorio Sweelinck en Ámsterdam. En 1969 y 1970 ocupó una Cátedra en la Universidad de Harvard. Hoy en día es también organista en la Nieuwe Kerk de Ámsterdam.

Gustav Leonhardtek kontzertuak eman ditu Europako herri guztietan, baita Estatu Batuetan, Japonian eta Australian ere. 1967an Johann Sebastian Bachen pertsonaia interpretatu zuen Jean-Mari Strauben Anna Magdalena Bachen kronika izeneko filmean. Orkestra barroko garrantzitsuenak zuzendu ditu, horien artean Orchestra of the Age of Enlightenment.

Gustav Leonhardt ha actuado en concierto en todos los países europeos y en Estados Unidos, Japón y Australia. En 1967 interpretó el papel de Johann Sebastian Bach en la película de Jean-Marie Straub Crónica de Anna Magdalena Bach. Gustav Leonhardt ha dirigido la mayoría de las principales orquestas barrocas, entre ellas la Orchestra of the Age of Enlightenment.

Grabaketa ugari egin ditu disko zein Cdan (200 baino gehiago), Bachen ia lan guztiak biltzen dituztenak. Jan Pieterszoon Sweelincken lan osoen I Bolumena argitaratu du (teklatuan jotzeko lanak). Halaber, Claudio Monteverdiren eta Jean-Philippe Rameauren operen ekoizpenetan zuzendari lanak egin ditu. 1980an Erasmus saria eman zioten eta Honoris Causa Doktore izendatu zuten 1983an, 1984an, 1998an eta 2000an Ansterdam, Dallas, Harvard, Metz eta Paduako unibertsitateetan hurrenez hurren.

Gustav Leonhardt ha realizado numerosas grabacionjes en disco y en Cd (más de 200) que incluyen prácticamente toda la obra de Bach. Ha editado el Volumen I (obras para teclado) de la obra completa de Jan Pieterszoon Sweelinck, y dirigido producciones de óperas de Claudio Monteverdi y Jean-Philippe Rameau. Fue galardonado con el Premio Erasmus en 1980 y ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en 1983, 1984, 1991, 1998 y 2000, por las Universidades de Ámsterdam, Dallas, Harvard, Metz y Padua respectivamente.

Egitarauari buruz

Notas al programa

2008ko Ziortzako Kontzertuei hasiera emateko Gustav Leonhardt-ek eskainiko duen programak XVII. mendeko klabezin musikan jartzen du batez ere arreta; eta, jakina denez, mende horren azken herenean jaio eta XVIII. mendearen erdialdean hildako J. S. Bach handiaren musikarekin amaituko du. Kontzertu horren azken urratsean Bachen musikaren agerpena adierazgarria da oso, baina ez bakarrik haren artearen maisutasunagatik, baita musikagile eta interpreta handi hark bere garaiko eta aurreko garaietako estilo handi guztiak bereganatu zituelako ere: italiarra, frantsesa eta alemana. Azken bi estilo horiek erabili zituzten, hain zuzen ere, Bachek idatzitako italiar estiloko lanekin amaituko den kontzertu honetan bildutako musikagileek.

El programa que ofrece Gustav Leonhardt en este inicio de los Ziortzako Kontzertuak 2008 se centra en la música de clave del siglo XVII para finalizar con la de J. S. Bach, nacido ya en el último tercio de esa centuria y fallecido a mitad del XVIII, como es sabido. La presencia bachiana en el último paso de este concierto resulta más que significativa, no sólo por su arte magistral sino también porque este gran compositor e intérprete llegó a asumir todos los grandes estilos de su época y precedentes: el italiano, el francés y el alemán, siendo precisamente estos dos últimos los utilizados por los músicos de este concierto que finalizará con el italiano escrito por Bach.

Louis Couperin musikagilearen lanekin ekingo zaio saioari. Izan ere, musikagile hori hartzen da Jacques de Chambonniéres-ekin batera, klabezin eskola frantsesaren “buru”. Louis Couperin izan zen, halaber, XVII. mendearen erdialdeaz geroztik eta XIX. mendea arte Parisko Saint-Gervais elizako organoaren titulartasuna izan zuen Couperin “dinastia” historikoaren lehenengo kidea. Familia horretako organista ezagunena haren iloba François izan zen, Le Grand Couperin deitua. 1685ean hartu zuen Françoisek Saint-Gervais elizako organoaren ardura, 17 urte zituela alegia. Dena dela, gogora ekarri behar da Louis Couperinen ondoren hamaika senidek (emakumezko zein gizonezko) bete zutela kargu hori bera: François eta Charles anaiak, aipatutako François Le Grand iloba, Marie-Madeleine, Marguerite-Antoinette, Marguerite-Louise, Nicolas, Armand-Louis, Pierre-Louis, Gervais-François eta Céleste-Thérése. 1655 eta 1860 bitartean egon zen Couperin familiaren esku kargua.

Se inicia la sesión con obras de Louis Couperin, a quien precisamente se le considera, junto con Jacques de Chambonniéres, como el “jefe” de la escuela francesa de clavecín. Como es sabido, Louis Couperin es asimismo el primer miembro de esa histórica “dinastía” de los Couperin que han sido titulares del órgano de la iglesia parisiense de Saint-Gervais desde mediados del s. XVII hasta los del s. XIX. De hecho, el más reconocido organista de esta familia fue su sobrino François, a quien se le denomina le grand Couperin , quien en 1685, a sus 17 años, tomó ya posesión del órgano de SaintGervais, pero hay que recordar que a partir de Louis serían once descendientes familiares (hombres y mujeres) los que asumirían este cargo: sus hermanos François y Charles, el citado sobrino François le grand, Marie-Madeleine, Marguerite-Antoinette, Marguerite-Louise, Nicolas, Armand-Louis, PierreLouis, Gervais-François y Céleste-Thérése. Un cargo generacional que sucedió desde1655 hasta 1860.

Jacques de Chambonniéresek Louis Couperin, merkataritzan ziharduen organista amateur baten semea, ezagutu zuenerako, Louisek hainbat lan zituen idatzita. Louis Chaumes-en-Briko etxean bizi zela ezagutu zuten elkar; orduz geroztik, Jacquesek laguntza handia eman zion Louisi: eskolak eman zizkion eta Parisa joatera bultzatu zuen, besteak beste. Hiri horretan, 1655. urte inguruan, Saint-Gervaiseko organoaren titulartasuna ez ezik, biola postua ere lortu zuen errege taldean. Gazterik hil bazen ere, 35 urte baino ez zituela, ospe handia lortu zuen bai organista gisa bai musikagile gisa. Klabezinerako baino lan gehiago idatzi bazituen ere organorako eta biolarako, balio handiagoa ematen zaie lehenengoei, Hugo Riemann-ek dion bezala “batez ere, jakin-min bizia dute, eta horrek forma berritzaileak bilatzera bultzatu zuen musikagilea”. Hori nabarmena da Pavane lanaren estiloan (nahiz eta pabana zen barrokoko musika instrumentalean gehien erabiltzen zen antzinako dantza) eta batez ere Gustav Leonhardt-ek kontzertu honetan berregingo duen bi Fantaisiesetan eta Suite en Re mineur lanean.

Hijo de un organista amateur, dedicado al comercio, Louis Couperin había escrito ya algunas obras cuando fue conocido –siendo aún joven en su domicilio de Chaumes-en-Bri— por Jacques de Chambonniéres, quien le apoyó dándole lecciones y aconsejándole que marchara a Paris, donde hacia 1655 no sólo logró la titularidad de Saint-Gervais sino también el puesto de viola en el conjunto real. A pesar de que moriría tempranamente, a los 35 años, logró una gran fama como organista y como compositor. Aunque sus obras para clavecín sean menos abundantes que las de órgano y viola, se les aplica mayor valía pues, como dice Hugo Riemann, “testimonian sobre todo una más viva curiosidad de espíritu, lo que hace que su autor busque formas novedosas”. Esto queda claro ya en el estilo de la Pavane (aunque la pavana fuera una de las danzas antiguas más utilizadas en la música instrumental barroca) y sobre todo en las dos Fantaisies y la Suite en Re mineur que recrea en este concierto Gustav Leonhardt.

Matthias Weckmann ahaztuta egon bada ere denbora luzean, organista nabarmenekotzat eta XVII. mendeko Alemaniako organorako musikagile handienetakotzat hartzen da gaur egun. Oppershausen (Turingia) hirian jaio zen, eta Heinrich Schütz musika-

Aunque durante mucho tiempo quedara semiolvidado, hoy día es considerado Matthias Weckmann como uno de los más grandes organistas y compositores para órgano de la Alemania del s. XVII. Nacido en Oppershausen (Turingia) fue alumno de Hein-

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gile eta organistaren ikasle izan zen; hark bidali zuen Hanburgora. Han aritu zen lanean 1640. urtea arte, eta esaten dutenez, han ezagutu zituen, harrigarria badirudi ere, herbeheretar eskolako ereduak; hala ere, eskola alemaneko garrantzizko kidetzat hartzen da Weckmann. 1641ean printze hauteslearen gorteko organista izendatu zuten (Dresdenen); 1642an Kopenhagera joan zen, daniar printze oinordekoaren gortera, baina hura berehala hil zenez, 1949an Dresdenera itzuli zen. Weckmann Froberger musikagile ospetsuaren adiskidea zen, alegia, ordurako Schütz musikagileak oso maila nabarmenean jarria zuen eskola alemaneko kide aipagarrienetako baten adiskide handia. Azkenik, 1655ean, Hanburgora itzuli zen, eta han Collegium Musicum sortu zuen.

rich Schütz, quien le envió a Hamburgo. Se dice que en esta ciudad, donde trabajó hasta 1640, conoció curiosamente modelos procedentes de la escuela holandesa, si bien él ha quedado como importante miembro de la escuela alemana. En 1641 es nombrado organista de la corte del príncipe-elector, en Dresde, pero en 1642 pasa a Copenhague, a la corte del príncipe heredero danés, mas como éste fallece pronto, vuelve a Dresde en 1649. Mantuvo gran amistad con el célebre músico Froberger, otro de los grandes de la escuela alemana ya colocada en gran altura por Schütz. Retorna, al fin, a Hamburgo, en 1655, donde fundará el Collegium Musicum.

Organista eta klabezin jotzaile handitzat hartua bada ere, denbora luzean pentsatu zen ez zela haren lanik argitaratu, baina hainbat eskuizkribu iritsi dira, kantata erlijiosoekin, organo koralekin, 3 eta 4 tresnatarako sonatekin, etab., eta klabezinerako lanekin (lan horiek guztiak balio handikoak dira eta Berlingo, Dresdeneko, Luneburgeko liburutegietan eta Upsalako Unibertsitatean, daude, besteak beste, gordeak). Hainbat menderen ondoren argitaratu dira horietako zenbait. Klabezinerako lanen artean, aipagarriak dira, besteak beste, bost toccata, bost canzoni eta beste hainbat suite (Luneburgeko Liburutegian aurkituak): teknika berezia dute teklatuari dagokionez, eta baita arte bikaina ere. Hori guztia eta zer garaitakoak diren kontuan hartuta, garrantzi historiko handia ematen zaie lan horiei.

Reconocido como gran organista y clavecinista, sin embargo durante mucho tiempo se pensó que nada se había publicado de él, pero se conservaron manuscritos, con cantatas religiosas, corales de órgano, sonatas a 3 y 4 instrumentos, etc., y piezas de clavecín (obras todas de gran valor, guardadas en bibliotecas de Berlín, Dresde, Luneburg y Universidad de Upsala, entre otros lugares.) Siglos más tarde se han publicado algunas. Entre sus piezas para clavecín destacan, entre otras, cinco toccatas, cinco canzoni y otras tantas suites, obras encontradas en la Biblioteca de Luneburg, que revelan una especial técnica de teclado y un consumado arte por lo que, dada su época, se da a estas piezas una importancia histórica considerable.

Johann Pachelbel aurretik aipatutako bi musikagileak baino ezagunagoa da gure artean. Lan ugari idatzi zituen eta ibilbide konplexua izan zuen: Nurenbergen jaio eta hil zen, Vienako San Esteban katedraleko organista izan zen, Eisenacheko gortekoa (Bachen sorterria), Erfurteko, Stuttgarteko gortekoa (Gothan), eta, azkenik, 1695. urteaz geroztik, Nurenbergeko San Sebald elizakoa. Joan-etorri horiei esker, Pachelbelek oso ondo ezagutu zituen Alemania hegoaldeko eta erdialdeko organisten estiloak. Horregatik esan izan da, behin baino gehiagotan, J. S. Bachek oso ondo bereganatu zuela musikagile horren lana, nahiz eta egia den, Bachek lurralde horretako iparraldeko musika ezagutu bezala (batez ere Lubeckera, Buxtehude ezagutzera, egindako “bidaian”), estilo aleman guztiak bereganatu zituela.

La figura de Johann Pachelbel es más conocida entre nosotros que las de los dos anteriores. Músico de amplia obra así como de una carrera un tanto compleja, ya que, nacido y muerto en Nuremberg, sería organista en la catedral de San Esteban de Viena, en la corte de Eisenach (patria de Bach), en Erfurt, en la corte de Stuttgart –en Götha— y, finalmente a partir de 1695, en la iglesia San Sebald de Nuremberg. Gracias a estos desplazamientos, Pachelbel conoció bien los estilos de los organistas del Sur y de la Alemania central. Por ello se ha comentado más de una vez que J. S. Bach asumió bien la obra de este músico, si bien es cierto que, tal y como conoció Bach la del norte de esta tierra (sobre todo con su “viaje” a Lübeck, para conocer a Buxtehude) se apropió de todas las formas estilísticas germanas.

Gaur egun arte iritsi diren Pachelbelen lanak balio handikoak dira, eta askotarikoak. Haren txakonek eta toccatek nolabaiteko ahaidetasuna dute J. S. Bachek egindakoekin, baina, horrez gainera, Pachelbelen hainbat formula, Froberger eta Kerll musikagileek erabilitako estiloen aurrekari eta horien garapena dira besteak beste. Gauza jakina da, halaber, Pachelbelek nahiko sakon ezagutu zituela eskola frantsesak zein italiarrak. Are gehiago, klabezinerako idatzitako lanak (dantzen izena dutenak) XVII. mende erdialdeko klabezin jotzaile frantsesen lanekin lotu ohi dira estu-estu. Klabezinerako idatzitako fantasia, txakona, preludio, koral, eta abarrez gainera, ospetsuak dira haren 15 suiteak eta Max Seiffert-ek argitaratutako 5 fugak.

La obra conservada de Pachelbel es valiosa y de género diverso y se ha comentado sobre algunas de sus fórmulas que, además de que sus chaconas y toccatas muestren ya algún parentesco con las de J. S. Bach, otras obras pertenecen al desarrollo y avance de estilos ya empleados por Froberger y Kerll, por ejemplo. Se sabe también que Pachelbel conoció con cierta profundidad la escuela italiana y la francesa. De hecho, sus piezas de clavecín, las que llevan título de danzas, se vinculan estrechamente con las de los clavecinistas franceses de mediados del s. XVII, por su poder expresivo. Además de fantasías, chaconas, preludios, corales, etc., para clave, son renombradas sus 15 suites así como las 5 fugas publicadas por Max Seiffert.

Gaspard Leroux (edo Le Roux) klabezinaren maisutzat eta balio handiko musikagiletzat hartu izan da, eta Parisen ospe handia lortu zuen bere garaian.

A Gaspard Leroux (o Le Roux) se le ha calificado sobre todo como un maestro de clavecín de gran fama en París y como compositor valioso. André

André Pirrok L’esthétique de J.S. Bach lanean estilo frantsesak Bachengan izan zuen eraginaz hizketan ari dela adierazten du Leipzigeko Kantorrak ere ezagutu zituela Lerouxen zenbait lan, eta horietako batzuk ere landu zituela; egile horrek berak Grigny, Dieupart eta François Couperinen lanak aztertu zituen. Egia da, bestalde, nolabaiteko antzekotasuna dagoela Lerouxen Giga, la maiorrean, eta Bachen Suite Ingelesaren Preludioa, tonalitate horretan bertan, lanen artean; dena dela, antzekotasun hori dela eta, Dieupart musikagilea ere aipatu izan da. Dieupart Frantziatik Londresa joan zen, eta 1701. urtean suite ingeles batzuk argitaratu zituen.

Pirro dice en su “L’esthétique de J.S. Bach” que el “Kantor de Leipzig” también conoció ciertas obras de Leroux y hasta utilizó algunas como temas, cuando habla de la influencia del estilo francés en Bach, quien examinaría también obras de Grigny, Dieupart y François Couperin. También es cierto que se aprecia una cierta similitud entre el tema de una Giga en La mayor de Leroux y el Preludio de la Suite Inglesa bachiana en esa misma tonalidad, aunque sobre este parentesco se haya citado también a Dieupart, músico que marchó de Francia a Londres y que publicó en 1701 unas Suites Inglesas.

Hain zuzen, 1705ean, Leroux hil baino urte gutxi batzuk lehenago, haren Piéces de clavessin argitaratu ziren Frantziako hiriburuan. Lan horiek direla-eta honela idatzi da: “Chambonniéresen estiloan daude txertatuta, baina italiar erako idazketa berrikuntzekin eta sentimendu melodiko pertsonalarekin”. Lan horiek klabezin batentzat edo birentzat idatziak dira eta klabezinerako musikaren gailurtzat hartzen dira, nahiz eta egileak berak argitalpenaren atarikoan adierazten duen beste musika-tresnak ere erabil litezkeela horiek interpretatzeko.

De hecho, en 1705, pocos años antes de la muerte de Leroux, se publicaron en la capital francesa sus “Piéces de clavessin”. Se ha escrito que estas obras “están integradas en el estilo de Chambonniéres pero añadiendo novedades escriturales italianas y un sentimiento melódico muy personal”. Estas piezas son para uno o dos clavecines y están consideradas como algunas de las cimas de la música para este instrumento, si bien en el preámbulo de la edición indica el autor que .pueden ser también interpretadas por otros instrumentos.

Christian Ritter musikagileak Suediako Karlos XI.aren heriotza zela-eta idatzi zuen Allemande, eskandinaviar herrialde horretan bertan, han aritu baitzen, 1688. urteaz geroztik, gorteko kaperako lehen maisu gisa. Aurretik, Ritter Halleko organista nagusi izan zen, eta baita Dresdeneko gorteko organista ere. 1704. Urtean, Hanburgon hartu zuen bizilekua, eta bertan bizi izan zen hil artean. Bizi zela ez bazuen ere lanik argitaratu, haren musika oso ezaguna eta aintzat hartua zen, Johann Mattheson musikagile eta teorikoaren idatzi batean ikus daitekeenez. "Allemande" lanari dagokionez, gogoan hartu behar da dantza mota bat dela, erritmo moderatukoa eta bitariko egitura edo formakoa; lasaia eta triste samarra da, hau da, heriotzaren aipamen soinudun gisa erabil daiteke, eta hala gertatzen da Ritterren kasuan, esate baterako. J. S. Bachen suiteetan, allemandea preludioaren ondoren agertzen da, eta horrek ematen dio hasiera suitearen atal segidari; aurreko preludioa eta allemanderen ondorengo atala baino mantsoagoa eta lasaiagoa izaten da, oro har.

La Allemande por la muerte de Carlos XI de Suecia, de Christian Ritter, es una obra compuesta en ese país escandinavo en el que a partir de 1688 ejercía como primer maestro de la capilla de la Corte. Con anterioridad, Ritter había sido primero organista en Halle y después en la Corte de Dresde. En 1704 se instaló en Hamburgo, donde permanecería hasta su muerte. Si bien no había publicado obras en vida, su música era muy conocida y apreciada, tal como puede reconocerse en un escrito del músico y teórico Johann Mattheson. En cuanto a la “Allemande”, recuérdese que es un tipo de danza de ritmo moderado y de estructura o forma binaria, de carácter sereno y algo triste, por lo que podía utilizarse como invocación sonora de una muerte, como es el caso de esta obra de Ritter. En las suites de J. S. Bach, la Allemande aparece tras el Preludio e inicia la lista de las piezas de la suite, normalmente ofreciendo una audición más lenta y serena que el precedente preludio y que el siguiente número a la Allemande.

Aria variata alla maniera italiana lanean urrats zuhur eta sendoz sartzen da Johann Sebastian Bach italiar barrokoaren estiloan barrena. La minorrean egina da, eta hamar bariazioz osatua, ariaren azalpenaren ondoren. Horietako azkena da luzeena, eta “finale” izaera du. Ez dugu lan honen datari buruzko berririk. Batzuek 1703. urtearen ingurukoa dela diote, hau da, Weimar edo Arnstadt hirietan bizi zela (urte horretan joan zen Bach hiri batetik bestera), eta beste batzuek, aldiz, 1709koa dela diote, hau da Weimarren egina, bertan egon baitzen Bach 1708tik 1717ra (urte horretan Leipzigera joan zen eta han gelditu zen hil artean). Lanari dagokionez, batek baino gehiagok aipatu dute biolin eta baxu jarraiturako idatziriko lan bat badela, aurretik egina, baina ez da horri buruzko inolako eskuizkriburik aurkitu. Aria variata hori, halaber, Goldberg BWV 988 bariazio ospetsuen aurrekaria dela esaten da, nahiz eta lan hori askoz ere geroagokoa den, 1741. urtekoa hain zuzen ere.

El Aria variata alla maniera italiana es una de las obras en que el universal Johann Sebastian Bach se adentra con sabio y firme paso en este claro y brillante estilo del barroco italiano. Obra en La menor, compuesta por diez variaciones tras la exposición del Aria. La última de ellas es la más extensa, con carácter de “finale”. Se desconoce la fecha de esta pieza. Algunos la sitúan en 1703, por lo que sería en Weimar o Arnstadt (en ese año pasó Bach de uno a otro lugar), y otros en 1709, donde el músico permaneció desde 1708 hasta 1717, año en que ya se quedaría en Leipzig hasta el final de su vida. Sobre la obra, hay también quien considera que pudo haber una primera escritura para violín y bajo continuo, pero no se ha encontrado ningún manuscrito sobre ello. Lo que sí se suele indicar es que esta Aria variata es un precedente de las célebres Variaciones Goldberg BWV 988, si bien esta obra es mucho más tardía, de 1741.

J.A.Z.

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Marin Marais (1656-1728)

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Maiatzak 10 Mayo EUSKAL BARROKENSEMBLE María Espada (sopranoa) Pavel A. Ayala (biolin barrokoa) Juliano Buosi (biolin barrokoa) Josetxo Obregón (txelo barrokoa) María Asua (kontrabaxua) Asier Arabolaza (biola di braccio) Aarón Zapico (Klabea eta organoa) Lina Tur Bonet (biolin barrokoa) Pedro Estevan (perkusioa) Zuzendaria: Enrique Solinís Egitaraua / Programa Lehen Zatia / Iª Parte * Suite de danzas de la opera “El burgués gentilhombre”

Jean B. Lully (1632-1687)

Marche pour la Cérémonie Turque Premiere Air des Espagnols Second Air des Espagnols Canaries Chaconne des Scaramouches G. F. Händel (1685-1759)

* Antífona HWV 235 Haec est Regina Virginum * Concerto para laud , 2 violines y B.c RV 93

A. Vivaldi (1678-1741)

Allegro, Largo, Presto * Motete RV 626 In furore iustissimae irae Miserationum Pater piissime Tunc meus fletus Alleluia Bigarren Zatia / IIª Parte * Suite de danzas de la Opera Alcyone

Marin Marais (1656-1728)

Prelude del acto III Marche pour les Matelots Air des Matelots I y II Ritornello Chaconne pour les Tritons * Arias de Opera

G. F. Händel

E un un foco quell d`amore (Agrippina) Tu preparati a morire (Ariodante) Ah mio cor schernito sei (Alcina) Neghittosi or voi che fate ( Ariodante)

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Euskal Barrokensemble

2006. urtearen hasieran jaiotako talde gaztea da eta izenak sortu zen tokia eta gaur egun egoitza duen tokiari egiten dio erreferentzia. Kideak aldatzen badira ere, antzinako musikaren arloan nazioarte mailako musikaririk garrantzitsuenek (bakoitza bere espezialitatean) osatzen dute. Zuzendari eta sortzailea Enrique Solinís da. Izan ere, Antzinako musikaren interpretazioaren arloan nazioarteko karrera luzea egin du talderik garrantzitsuenekin, besteak beste Hesperion XXI, Le Concert des Nations, Concerto Vocale, le Concert d’Astrée, etab. Ondoren, aurreko mendeetako musikako errepertoriorik baliotsuenak berreskuratzea erabaki zuen, ukitu berria emateko, gizakiaren pasio eta bizipenetatik gertuago.

Es un joven grupo que nació a principios del año 2006, cuyo nombre hace referencia al lugar en el que fue creado y en el que tiene su actual sede. De formación variable, está conformado por los músicos más destacados del panorama internacional de la música antigua cada uno en su propia espacialidad, siendo su director y fundador Enrique Solinís, que tras desarrollar una carrera internacional en las formaciones más importantes dedicadas a la interpretación de la música antigua como Hesperion XXI, Le Concert des Nations, Concerto Vocale, le Concert d`Astreé etc... Decide dedicarse a rescatar los repertorios más valiosos de la música de siglos anteriores, dándoles una nueva visión, más cercana a las pasiones y vivencias del ser humano.

Ensemblea honako hauek osatzen dute: Pavel A. Ayala (biolin barrokoa), Juliano Buosi (biolin barrokoa), Josetxo Obregón (txello barrokoa), María Asua (kontrabaxua), Asier Arabolaza (viola di braccio), Aarón Zapico (Klabea eta organoa), Lina Tur Bonet (biolin barrokoa) y Pedro Estevan (perkusioa).

El Ensemble lo componen: Pavel A. Ayala (violín barroco), Juliano Buosi (violín barroco), Josetxo Obregón (cello barroco), María Asua (contrabajo), Asier Arabolaza (viola di braccio), Aarón Zapico (clave y órgano), Lina Tur Bonet (violín barroco) y Pedro Estevan (percusión).

María Espada

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Meridan jaioa (Espainian), Mariana You Chi eta Alfredo Krausekin ikasi du besteak beste. Halaber ikastaroak egin ditu Charles Brett, Thomas Quasthoff, Hilde Zadek, Helena Lazarska, Montserrat Caballé, Manuel Cidekin etab. Madrilgo Goi Kontserbatorioak ematen duen “Lucrecia Arana” saria irabazi du. Horrez gain, saritua izan da “Alfredo Kraus Nazioarte Kantu Lehiaketan”.

Nacida en Mérida (España), ha estudiado canto con Mariana You Chi y con Alfredo Kraus, entre otros. Ha asistido a cursos con Charles Brett, Thomas Quasthoff, Hilde Zadek, Helena Lazarska, Montserrat Caballé, Manuel Cid, etc. Ha obtenido el Premio “Lucrecia Arana” otorgado por el Conservatorio Superior de Madrid. Además ha sido premiada en el “Concurso internacional de canto Alfredo Kraus”.

1996an hasi zen bakarlari lanetan eta ordutik honako areto hauetan abestu du: Vienako Konzerthaus, Madrilgo Teatro Real, Amsterdameko Concertgebow, Utrechteko Vredenburg, Romako Santa Cecilia, Bartzelonako Teatro del Liceo, Madrilgo Auditorio Na-

Desde 1996, año en que comenzó su carrera como solista, se ha presentado en salas como Konzerthaus de Viena, Teatro Real de Madrid, Concertgebow de Amsterdam, Vredenburg de Utrecht, Santa Cecilia de Roma, Teatro del Liceo de Barcelona, Auditorio

cional, Bartzelonako Palau de la Musica Catalana, Bartzelonako L’Auditori, Madrilgo Teatro de la Zarzuela, Sevillako Maestranza, Zaragozako Auditorioa, Galiziako Auditorioa, Iruñako Baluarte, Cuencako Auditorioa eta beste batzuk.

Nacional de Madrid, Palau de la Música Catalana de Barcelona, L’Auditori de Barcelona, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Maestranza de Sevilla, Auditorio de Zaragoza, Auditorio de Galicia, Baluarte de Pamplona, Auditorio de Cuenca y otros.

Halaber zuzendari ugarirekin abestu du, besteak beste Frans Brüggen, Andrea Marcon, Ciego Fasolis, Fabio Bonizzoni, Aldo Ceccato, Jesús López Cobos, Josep Pons, Antoni Ros Marbá, Pablo González, Tamás Vásáry, Alberto Zedda, Eduardo López Banzo, Juanjo Mena, Giuseppe Mega, Alexander Rahbari eta Emil Simon.

Ha cantado con directores como Frans Brüggen, Andrea Marcon, Diego Fasolis, Fabio Bonizzoni, Aldo Ceccato, Jesús López Cobos, Josep Pons, Antoni Ros Marbá, Pablo González, Tamás Vásáry, Alberto Zedda, Eduardo López Banzo, Juanjo Mena, Giuseppe Mega, Alexander Rahbari, Emil Simon, etc.

Ganbera musikaren arloan egindako lanak barrokotik XX. mendera doaz, bai pianoarekin egindako errezitaldietan bai ganbera talde txikiekin.

Sus intervenciones en el ámbito de la música de cámara le han llevado a interpretar obras desde el barroco hasta el siglo XX, tanto en recitales con piano como con pequeñas formaciones camerísticas.

Grabatutako diskoen artean Harmonia Mundi zigiluarentzat egindakoak bereizten dira.

Entre sus grabaciones discográficas destacan las realizadas para el sello Harmonia Mundi.

Enrique Solinís Bilbon jaioa.Gitarra eta antzinako musika goi mailako ikasketak Bilboko J. C. Arriaga kontserbatorioan eta Catalunyako Escola Superior de Musican egin zituen hurrenez hurren. Kontzertugile graduondokoa cum laude lortu zuen José Tomás maisu entzutetsuaren eskutik Xavier Díaz-Latorre, Alex Garrobé eta Arnaldur Arnanson irakasleekin lan egin ondoren. Musika arloan trebatze aldera, Bizkaiko Foru Aldundiak beka eman zion 2002, 2003 eta 2004 urteetan.

Nace en Bilbao. Realiza los estudios superiores de guitarra y de música antigua en el Conservatorio J. C. Arriaga de Bilbao y en la Escola Superior de Música de Catalunya respectivamente. Obtiene el “Postgrado de Concertista Cum Laude” de las manos del insigne maestro José Tomás, habiendo trabajado con los profesores Xavier Díaz-Latorre, Alex Garrobé y Arnaldur Arnanson. La Diputación Foral de Bizkaia, a efectos de su perfeccionamiento musical, le concedió beca en los años 2002, 2003 y 2004.

Nazioarte mailako hainbat gitarra lehiaketetan saritua izan da, besteak beste “Concurso Internacional de Comillas”, “Concurso Internacional Ataulfo Argenta”, “Concurso Internacional Andrés Segovia”, etab. Gitarra klasikoan bakarlari moduan du ibilbidea eta sarritan gonbidatzen dute jaialdi zein lehiaketetara epaimahaikide eta irakasle moduan. Era berean, antzinako musikaren arloan ere lan asko egiten du bakarlari zein kontinuista moduan talde desberdinekin, besteak beste, Hesperion XXI, Le Concert des Nations eta Catalunyako Capella Reial Jordi Savallen zuzendaritzapean, Concerto Vocale eta Akademie for Alte Musik René Jacobsen zuzendaritzapean, Le Concert D’Astrée Emmanuelle Haimen zuzendaritzapean, etab.

Premiado en varios concursos internacionales de guitarra, “Concurso Internacional de Comillas”, “Concurso Internacional Ataulfo Argenta”, “Concurso Internacional Andrés Segovia” etc… desarrolla su carrera como solista de guitarra clásica, siendo requerida su presencia tanto en festivales como en concursos en calidad de jurado o profesor, para posteriormente compaginarla con una intensa actividad dentro de la música antigua en la que es requerido en su faceta tanto de solista, así como de continuista en importantes formaciones como Hesperion XXI, Le Concert de Nations y la Capella reial de Catalunya dirigidos por Jordi Savall, Concerto Vocale y Akademie for Alte Musik dirigido por René Jacobs, Le Concert D´astrée dirigido por Emmanuelle Haim etc…

Parte hartu ohi du Europa eta Amerikako nazioarteko lehiaketa eta aretorik garrantzitsuenetan: New Yorkeko Carnegie Hall, Berlingo Koncerthaus, Pariseko Champs Elysées, Vienako Theater an der Wien, Londreseko Barbican Center, Mexiko DFko Sala Nezahualcoyotl. Ganbera talde eta orkestra entzutetsuetan ere parte hartu du: The rare fruits council Manfredo Kraemeren zuzendaritzapean, Gabriel Garridoren Ensemble Elyma, Forma Antiqva Aarón Zapicoren zuzendaritzapean, Laberintos Ingeniosos Xavier Díaz-Latorreren zuzendaritzapean, Pulsata3...

Participa habitualmente en los festivales internacionales y salas más importantes de Europa y América, Carnegie Hall en New York, Koncerthaus de Berlin, Champs Elysées de París, Theater an der Wien en Viena, Barbican Center en Londres, Sala Nezahualcoyotl de México D.F etc…, formando parte de prestigiosos grupos de cámara y orquestas como The rare fruits council dirigido por Manfredo Kraemer, Ensemble Elyma de Gabriel Garrido, Forma Antiqva dirigido por Aarón Zapico, Laberintos Ingeniosos dirigido por Xavier Díaz-Latorre, Pulsata3…

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Egitarauari buruz

Notas al programa

1658an, elkartu egin ziren Jean Baptiste Poquelin, Moliére, antzezle eta antzerkigilea (hamahiru urtez probintzietan komediante ibiltari gisa aritu eta gero Parisa itzuli ondoren) eta Jean Baptiste Lully musikagilea. Haien asmoa zen opera genero berri bat sortzea, ballet-komedia izenekoa; Les Fâcheux lanarekin ekin zioten ibilbide horri. Hamabi urtez jardun zuen Molière-Lully bikoteak lanean, antzerkian bakarkako sartu-irten gutxi batzuk salbu, eta hainbat lan sortu zituen (L’Impromptu de Versailles, Le Mariage forcé, L’Amour médecin, Georges Dandin, Monsieur de Pourceaugnac, Les amants magnifiques, etab. ), 1670. urtean azken lankidetza lana, hamargarrena, egin zuen arte: Le Bourgeois gentilhomme. Lan horretan, musika, dantza, testua eta antzezpena maila berean jartzen dira, eta kontsonantzia perfektuan funtzionatzen dute; horixe da, hain zuzen, ballet-komedia delakoaren funtsa. Chambord hirian estreinatu zen, 1670eko urriaren 14an, eta Parisko estreinaldia ere urte horretan bertan izan zen, azaroaren 29an.

En 1658, fecha de su regreso a París tras haber actuado como cómico de la legua durante trece años en provincias, Jean Baptiste Poquelin, Molière, se asocia con el músico Jean Baptiste Lully. Ambos intentarán crear, desde el principio con Les Fâcheux, un nuevo género operístico, la comedia-ballet. A lo largo de doce años, fuera de las solas incursiones dramáticas, el dúo Moliére-Lully creará varias obras (L’Impromptu de Versailles, Le Mariage forcé, L’Amour médecin, Georges Dandin, Monsieur de Pourceaugnac, Les amants magnifiques, etc. ) hasta que en 1670 tiene lugar su décima y última colaboración: Le Bourgeois gentilhomme, obra en la que la música, la danza, el texto y la actuación se equiparan y funcionan en perfecta consonancia, clave esencial de la comedia-ballet. Se estrenó en Chambord, el 14 de octubre de 1670, y en París el 29 de noviembre del mismo año.

Ikuskizuna, besteak beste, Luis XIV.ari atsegin emateko sortu zen, eta erregeak berak egindako zenbait aginduri jarraitu behar izan zioten: testuaren eta argumentuaren egileari, hau da Moliéreri, adierazi zion azken bi ekitaldietan hainbat egintza sartu behar zituela, hala nola, turkiarrak eszenatokira irteten direnekoa, Ate Sublimeko enbaxadorearen kontrako mendekua erakusteko, hark frantziar gortea erdeinuz epaitzeagatik. Era horretara, lehenengo hiru ekitaldiak komedia hutsa badira ere, azken biak, genero horretako hainbat espezialistaren arabera, fartsa dira; aditu horien beren ustez, antzerki lana, oro har, balio handikoa da.

El espectáculo se creó, entre otros objetivos, para esparcimiento de Louis XIV, pero fue también el propio rey quien impuso ciertas órdenes. Así, le manifestó al autor del texto y argumento, Moliére, que en los dos últimos actos incluyera ciertas acciones, como la de los turcos que salen a escena para expresar su venganza contra el embajador de la Puerta Sublime, quien había juzgado a la corte francesa con desdén. Así, si los tres primeros actos son pura comedia, los dos últimos tienen carácter de farsa, según algunos especialistas de este género, quienes aseguran también que el arte teatral en general resulta de gran valor

Ballet-komediak aipatutako osagai horiek guztiak bateratzearen ondorioz du indarra, baina musika bera ere, huts-hutsean, liluragarria da. Gaurko kontzertuan pasarte hautaketa bat interpretatuko da: martxak, espainiarren airak, kanariar dantzak eta txakona; lan honen erakusgarri egokiak guztiak, izan ere, gaur egun nahiko maiz agertzen dira programetan lan horretako suiteak.

Si la comedia-ballet tiene esa fuerza por la conjunción de los ya antes citados elementos, la música en sí sola también resulta encantadora. Así, en el concierto de hoy se interpreta una selección con marchas, “airs” de los españoles, música de baile canario y chacona, números que realizan una buena identificación de esta obra cuyas suites en la actualidad se están programando con cierta abundancia.

Haec est Regina Virginum HWV 235 antifona bat da, sol maiorrean, sopranoarentzat, hariekin (2 biolin, altu), eta organorako idatzia. Testuaren egilea ezezaguna da. G. F. Händel protestantea bazen ere, hainbat lan eskaini zizkion Andre Mariari. Antifona hau –genero honetako lan ederrenetako bat, zalantzarik gabe– Haendelen lan “jatortzat” hartzen da. 1707. urtean idatzi zuen, karmeldarren ordenaren festa gorena ospatzeko.

Haec est Regina Virginum HWV 235 es una antífona en sol mayor para soprano con cuerdas (2 violines, alto) más órgano. El autor del texto es desconocido. A pesar de que G. F. Händel fuera protestante germánico, compuso un buen número de obras marianas. Esta antífona, que es sin duda una de las más bellas piezas de este género, está considerada como “genuina” obra händeliana. Fue escrita en 1707 para la celebración de la fiesta suprema de la orden carmelitana.

RV 93 (Ryom) edo P 209 Kontzertua (Pincherle), lauterako, 2 biolinetarako eta baxu jarraiturako, da Antonio Vivaldik solista horretarako idatzi zuen bakarra. Michael Talbot idazleak, veneziar musikagileari buruzko liburu baten, honela zioen: “Ganbera kontzertuak, hiru, lau, bost eta sei musika-tresnatarako eta baxu jarraiturako idatziak, 22 dira guztira. Horietako batzuk haizezko tresnetarako baino ez dira; are gehiago, haizezko musika-tresnarik batere ez duen adibide bakarra RV93 Kontzertua, lauterako, da (kontuan hartu gabe musikagileak berak zenbait

El Concerto para laúd, 2 violines y B.c. RV 93 (Ryom) o P 209 (Pincherle) es el único de Antonio Vivaldi para este solista. Michael Talbot, en su libro sobre el músico veneciano, indica lo siguiente: “Los conciertos de cámara, escritos para tres, cuatro, cinco y seis instrumentos y continuo, son 22. Varios son sólo para instrumentos de viento; de hecho, el único ejemplo en el que no se incluye por lo menos un instrumento de viento es el concierto para laúd RV93 (sin tener en cuenta las posibles sustituciones de instrumentos de viento por otros de cuerda que indica el compositor

partituretan haizezko musika-tresnen ordez harizko musika-tresnak erabiltzeko aukera aipatzen duela)”. Geroago, Talbotek dio kontzertu horiek Vivaldiren heldutasun garaikoak direla.

en algunas partituras)”. Algo después asegura Talbot que estos conciertos pertenecen a la época madura de Vivaldi.

Eta hala da, inolako zalantzarik gabe. Gauza jakina da Vivaldi Bohemian izan zela 1730. urte inguruan. Talbotek berak adierazten duenez, 1724. eta 1734. urteen bitartean, Veneziako konpainia batek, Antonio Denzio zuzendari zela, 57 opera muntatu zituen Franz Anton von Sporck kondearen antzokian, Pragan. “Vivaldi, seguru asko, garaiz iritsiko zen Farnace ezaguna berriz eman zutenerako (1730eko udaberria). Pragako girora ohitu zenean, opera berri bat osatu zuen, Argippo (1730eko udazkena), eta hainbat aria idatzi zituen Alvilda, Regina dei Goti (1731ko udaberria) operarako”. “Vivaldi Bohemian egon zela erakusten duten frogak noiznolakoak dira. La costanza trionfante opera, L’odio vinto dalla Constanza izenburu berriarekin, 1731ko inauterietan Sant’Angelon eszenaratzeak (A. Galeozziren musika moldaketekin) adierazten digu Vivaldi ez zela bertan, jakin baitakigu Ferraran egingo zituen ondorengo proiektuen arabera, oso arduratsua zela musika moldaketak egiteko pribilegioei dagokienez. Argiagoak dira, dena dela, laut, biolin eta baxurako bi hirukoteren eta lauterako, bi biolinetarako eta baxurako partituren eskuizkribuetako argibideak, Turingo bildumetan bilduak guztiak. Lan horiek oso paper berezian daude idatzita, Veneziakoa ez den paperean zehazki, eta horietako bakoitzak, lehenengo orrialdean, honako hau du idatzita: “Per Sua Eccelenza Signor Conte Wrttbij” (hitz laburtuak eta letreiatuak). Aipatutako noblea Bohemian garrantzizko goi karguak (errege gobernadorea, apelazioko auzitegiaren lehendakaria eta oinordetzako diruzaina, besteak beste) izan zituen Johann Joseph von Wrtby (1669-1734) kondea dela antzeman liteke (ez, ordea, ziurtasunez, familia horrek hainbat adar baitzituen)”. (…) Wrtby kondearekin Pragan elkartu izanak azalduko liguke bai agindua bai partituretan erabilitako paper berezia”. Pentsa liteke, beraz, Vivaldik lauterako idatzitako kontzertu hau heldutasunean idatzia zuela, musikagileak berrogeita hamar urteak beteta zituela; kontuan hartu behar da 63 urterekin hil zela.

Así lo es, sin duda. Se sabe que Vivaldi visitó Bohemia hacia 1730. De hecho, como explica Talbot, entre 1724 y 1734 una compañía veneciana dirigida por Antonio Denzio montó un total de 57 óperas en el teatro del conde Franz Anton von Sporck, en Praga. “Probablemente Vivaldi llegó a tiempo para la reposición de la popular Farnace (primavera de 1730). Cuando se familiarizó con el ambiente de Praga compuso una nueva ópera, Argippo (otoño de 1730) y escribió arias para Aleida, Regina del’Goti (primavera de 1731)”. “Las pruebas de la estancia de Vivaldi en Bohemia son circunstanciales. El hecho de que La costanza trionfante, con el título nuevo de L’odio vinto dalla Constanza, fuera escenificada en Sant’Angelo durante el carnaval de 1731 con la música arreglada por A. Galeozzi, indica la ausencia de Vivaldi, ya que sabemos por sus proyectos posteriores para Ferrara que era extremadamente celoso de sus privilegios en el arreglo de la música. Una indicación más clara nos la dan las partituras manuscritas de dos tríos para laúd, violín y bajo y de un concierto para laúd, dos violines y bajo, todas en las colecciones de Turín. Estas obras están escritas en un papel singular, de procedencia no veneciana, y cada uno de ellos lleva en la primera página el siguiente sobrescrito: “Per Sua Eccelenza Signor Conte Wrttbij” (palabras resumidas y deletreadas). Se puede identificar a este noble (no con certeza, porque su familia tenía varias ramas) con el conde Johann Joseph von Wrtby (1669-1734), que ocupó algunos de los cargos más elevados en Bohemia, entre ellos los de gobernador real, presidente del tribunal de apelaciones y tesorero hereditario”.(…) Un encuentro con Wrtby en Praga podría explicar tanto el encargo como el papel singular usado en las partituras”. Es de suponer, por tanto, que este concierto para laúd de Vivaldi está escrito en plena madurez, a los cincuenta y tantos años del músico, quien fallecería a los 63.

Vivaldiren In furore iustissimae irae RV 626 motetea da, musikagileak idatzitakoen artean, indar erakargarri handien duen ahotserako lana. Operez gainera, ahotserako musika asko osatu zuen veneziar musikagileak: mezak eta meza zatiak, salmoak, ereserkiak, moteteak, antifonak, “Introduzioni” delakoak (harizko laguntzarik gabeko lanak), soprano eta kontralto solistentzako kantatak, etab. Lan gehienak, hala ere, izaera erlijiosoa dute. Moteteak hamabi dira guztira, solista soprano eta altuentzat idatziak.

El motete In furore iustissimae irae RV 626 es una de las piezas vocales de mayor fuerza atractiva de Vivaldi. Además de las óperas, el veneciano compuso una amplia colección de música vocal: misas y partes de misa, salmos, himnos, motetes, antífonas, las “Introduzioni” (obras sin acompañamiento adicional de cuerda), cantatas para sopranos y contraltos solistas, etc., siendo la mayor parte de estas obras de identidad religiosa. Los motetes son en total una docena, para sopranos y altos como solistas.

In furore… jainkozko judizioaren oroipena edo adierazpena da, eta bere musikak, zenbaiten ustez, “efektu piktorikoak” ditu; beste batzuen ustez, aldiz, musikaren ezaugarri nagusia haserrea da, izenburuak berak eta lehenengo ariako testuak adierazten dutenaren arabera. Bi iritziak badira ere baliozkoak, motete honen egiturak hainbat jarrera psikikotara eramaten gaitu, nahiz eta ez den haserrearen zentzua erabat desagertzen. Allegroaren hasierako aria, nota labur-laburretan eskala lasterrak, etab.

In furore… es una evocación o expresión del juicio divino y su música contiene, según algunos, “efectos pictóricos”, mientras que otros manifiestan que su carácter es esencialmente furioso, tal y como indica el título y el texto de la primera aria. Ambas opiniones son válidas, pero puede detectarse asimismo que, aunque no se desvanezca el sentido de la furia, este motete posee también una estructura que conduce a diversas estancias psíquicas. Así, el aria inicial en Allegro, las aceleradas escalas en bre-

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haserrearen erakusgarri dira guztiak; Miserationum Pater piissime errezitatiboa, berriz, otoitz labur bat da, Tunc meus fletus ariaren (Largo) aurretik doana, eta nolabaiteko baretasunez kantatzera behartzen du. Alleluia (Allegro), azkenik, motete honen amaiera pozgarria da.

vísimas notas, etc., ponen en vivo el carácter furios o, pero el recitativo Miserationum Pater piísime es una breve oración, que precede al aria Tunc meus fletus, en Largo, lo que impone una emisión vocal de cierta serenidad. El Alleluia, en Allegro, es la conclusión jubilosa de este motete.

Marin Marais aipatzen denean, viola da gambako espezialista handienetako bat izan zela eta musika-tresnetarako lan izugarriak idatzi zituela hartzen da gogoan. Hala ere, ez da ahaztu behar, paristar musikagileak lau opera idatzi zituela, eta bere garaian arrakasta handia lortu zuela, gainera, horiekin: Alcide ou le Triomphe d’Hercule (1693), Ariane et Bacchus (1696), Sémelé (1709) eta Alcyone (1706). Azken hori da guztietan ospetsuena, eta aipagarriak ditu egitura melodikoak batetik (André Campraren eraginez), eta bestetik, pasarte instrumentaletan egoki erabiltzen dituen dantzak, izan ere, Marais viola da gamba jotzaile eta musikagile handia izateaz gainera, orkestrarako lanen egile ere bada zituen. Lan horietan arreta handia jartzen zuen bai tinbre aberastasunari bai efektu handiei dagokienez.

Al hablar de Marin Marais se recuerda, ante todo, su condición de haber sido el más grande especialista de viola de gamba, con sus magníficas obras instrumentales. Pero ha de recordarse asimismo que este músico parisino es autor de cuatro óperas que en su tiempo tuvieron buen éxito: Alcide ou le Triomphe d’Hercule (1693), Ariane et Bacchus (1696), Sémelé (1709) y Alcyone (1706). Esta última es la más famosa y se distingue precisamente por sus especiales facturas melódicas (por influencia de André Campra) y por su apropiado empleo de las danzas en los pasajes instrumentales ya que además de ser gran intérprete y compositor de viola de gamba era también un compositor orquestal muy atento a la riqueza tímbrica y creador de grandes efectos.

Alcyone (edo Alcione) lanaren musika kalitatea guztiz aitortua da; gaur egun, opera honetatik ateratako suite asko erabiltzen dira kontzertuetan, dena dela, arietakoak eta dantzetakoak txertatzen dira batez ere programetan. Oraingo honetan interpretatutako den suitean argi eta garbi antzeman daiteke horietako bakoitzaren nortasuna, Marin Maraisek zehaztasun handienaz erabilia. Zalantzarik gabe, suite honi amaiera ematen diona da ospetsuena: La Chaconne pour les Tritons, hain zuzen ere.

Reconocida la calidad musical de Alcyone (o Alcione), en la actualidad se utilizan en conciertos muchas de las suites extraídas de esta ópera, pero ante todo se programan las de las arias y las de las danzas. En la suite que se interpreta en esta ocasión puede apreciarse con claridad la identidad de cada una de ellas, empleada con la mayor propiedad por Marin Marais. Sin duda, la más célebre es la que concluye esta suite, la Chaconne pour les Tritons.

Jardunaldi honetako kontzertua G. F. Händel musikagilearen hiru operatako lau ariarekin amaitzen da. Lehena, E un foco quell d’amore, Agrippina lanekoa da. Lan horretan, Neron enperadoreak (castratoa) bere bi lagunekin dituen arazoak aipatzen dira (Agrippina eta Poppea sopranoak dira). Jakina denez, Haendelek Hanburgon ekin zion operaren ibilbideari, 1704. eta 1706. urteen bitartean, hain justu, eta bertako antzokian estreinatu ziren musikagilearen lau opera; baina “liskar” baten ondoren, Italiara joan zen, eta han estreinatu zituen Rodrigo (Florentzia, 1707) eta Agrippina (Veneziako San Giovanni Grisostomo Antzokia, 1909ko abenduak 26). Manfred F. Bukofzer idazlearen arabera, “Agrippina operan, Haendelek mota eta forma aukera harrigarria erakusten du, besteak beste, bat-batekotasunez betetako bakarkakoak, taldeko errezitatiboak, laguntza duten errezitatibo afektiboak, da capo hanpatsuen erako koloratura handiko ariak, doinu itsaskor eta herrikoiko dantza abesti soilak. Agrippina operak berehalako arrakasta izan zuen, batetik asmazio melodikoaren freskotasunagatik, eta bestetik, ideia konbentzionalak modu jostarian bereganatzeko moduagatik.

El concierto de esta jornada finaliza con cuatro arias de tres óperas de G. F. Händel. La primera, E un foco quell d’amore, pertenece a Agrippina, obra que habla del problema del emperador Nerón (un castrato) con sus compañeras (los personajes Agrippina y Poppea son dos sopranos). Como es sabido, Händel había iniciado su labor operística en Hamburgo, entre 1704 y 1706, en cuyo teatro se estrenaron cuatro óperas del sajón, pero tras un “desacuerdo” marchó a Italia, donde en 1707 se estrenó su Rodrigo en Florencia y en 1909 su Agrippina, en el Teatro San Giovanni Grisostomo de Venecia, el 26 de diciembre. Según Manfred F. Bukofzer, “en Agrippina, Händel despliega una asombrosa variedad de tipos y formas que van desde los solos de carácter espontáneo y los recitativos de conjunto, hasta los recitativos de carácter afectivo con acompañamiento, grandes arias de coloratura en la forma grandilocuente da capo y sencillas canciones de danza de tono pegadizo y popular. El éxito inmediato de Agrippina se debió a la frescura de invención melódica y al modo, deliberadamente juguetón del autor de apoderarse de las ideas convencionales.”

Haendelek opera horietako bi baino ez zituen estreinatu Italian; ordurako, maisutasunez menderatzen zuen bel cantoa. Agrippina estreinatu ondoren, Londresa joan zen, eta han bizi izan zen hil artean. Urte askoan jardun zuen operak idazten, harik eta arreta oratorian jarri zuen arte. Ingalaterrako hiriburuan estreinatu zuen lehen opera Rinaldo izan zen, 1711. urtean. Italiar generoko lana da, eta hala izan ziren hurrengoak ere; dena dela, egilearen nortasuna

En Italia, Händel estrenó sólo las dos citadas óperas, ya con gran dominio del bel canto. Tras Agrippina marchó a Londres, donde residiría hasta su muerte dedicando muchos años a la òpera, hasta que se centraría en el oratorio. Su primera ópera estrenada en la capital inglesa fue Rinaldo, en 1711, obra de género italiano, como serían las siguientes, aunque con identidad personal del autor. Entre las más de 40 óperas händelianas estrenadas en la capital in-

nabarmen-nabarmena da. Händelek 40 opera baino gehiago estreinatu zituen Londresen 1745. urtea bitartean (Hercules izan zen azkena), eta horietako bi, Ariodante eta Alcina, 1736. urtekoak dira. Horren aurretik, 1729an, Italiara bidaiatu zuen, Londresa abeslari berriak eramateko asmoz, eta Florentzian, Venezian, Milanen eta Erroman ibili zen. Italian igaro zituen bost hilabeteetan, italiar operaren estiloa aldatzen ari zela ohartu zen, gogoratzen errazagoak ziren doinuak eta herrikoiagoak bilatzen zirela ohartu zen, eta orobat ikusi zuen orkestra idazkera soiltzen ari zela. Haendelek ideia berri horiek bere gain hartu eta bere lanera egokitzen asmatu zuen. Beraz, hurrengo operetan estilo berri hori erabiltzen saiatu zen, baina aurreko forma egokiak alde batera utzi gabe, nortasun bereziko bi opera horietako arietan ikus daitekeenez. Ariodante “opera erromantiko aparta” dela esan izan da; Alcina, berriz, Händelek operaren alorrean lortutako azken garaipen handia izan zen, kontuan hartu behar baita 18 emanaldi egin zirela jarraian.

glesa hasta 1745 (la última sería Hercules), Ariodante y Alcina pertenecen al mismo año: 1736. Con anterioridad, y para encontrar nuevos cantantes para llevarlos a Londres, en 1729 el músico había viajado de nuevo a Italia, visitando Florencia, Venecia, Milán y Roma. En esos cinco meses de estancia, apreció que el estilo de ópera italiano estaba evolucionando, pues se veía que se intentaban usar melodías más fáciles de retener y más populares, al tiempo que simplificaban la escritura orquestal. Händel supo asumir esas nuevas ideas y acomodarlas a su propia obra. Así, en sus siguientes óperas utilizaría de alguna manera este nuevo estilo, pero sin abandonar las buenas formas anteriores, como se aprecia en las arias de estas dos óperas, ambas de personalidad propia. Se ha juzgado a Ariodante como “una excepcional ópera romántica” y Alcina fue el último gran triunfo operístico del autor, alcanzando 18 representaciones.

J.A.Z.

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H. Purcell (1659-1695)

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Maiatzak 11 Mayo BILBOKO KORAL ELKARTEA AMADEUS KAMERATA GANBERA ORKESTRA Nuria Orbea (sopranoa) David Sagastume (kontratenorea) María Fe Nogales (mezzosopranoa) Jesús María Aréjula (baxua) Zuzendaria: Iñaki Moreno Egitaraua / Programa

Lehen Zatia / Iª Parte H. Purcell (1659-1695) * “Música para el funeral de la Reina Mary II” I.-Marcha II.-Man that is born of woman III.-Canzona IV.-In the midst of life V.-Canzona VI.–Thou Knowest, Lord, the secrets of ou hearts VII.–Marcha * “Jubilate Deo” * “Te deum”

Bigarren Zatia / IIª Parte G. F. Händel (1685-1759) * “Coronation Anthems” I –Zadock The Priest (HWV 258) * “Oda para el cumpleaños de la Reina Ana” I.–Eternal source of light divine (contratenor) II.–The day that gave great Anna birth (contratenor/coro) III.–Let all the winged race with joy (soprano/coro) IV.–Let flocks and herds (contatenor/coro) V.–Let rolling streams (dúo contratenor-bajo/coro) VI.–Kind health descends (dúo soprano-contratenor) VII.–The day that gave great Anna birth (dúo soprano-contratenor/coro) VIII.–Let envy then conceal her head (bajo/coro) IX.–United Nations shall combine(contratenor/doble coro)

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Bilboko Koral Elkartea

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Sociedad Coral de Bilbao-Bilboko Koral Elkartea 1886an sortu zen musikaren garapenerako orokorrean eta bereziki abesbatzen garapenerako. Ehun eta hamar urtetan arrakastak, sariak eta ospe handia lortu ditu espainiar estatu osoan.

La Sociedad Coral de Bilbao-Bilboko Koral Elkartea se fundó en 1886 para el desarrollo de la música en general y de la coral en particular. A lo largo de cien años fueron sumando éxitos, galardones y un gran prestigio en todo el Estado español.

Cleto Zabalarekin hasi zenetik, abesbatza zuzendu duten maisuen artean honako hauek daude: Aureliano Valle, Jesús Guridi, Arturo Inchausti, Timoteo Urrengoechea, J. M. Olaizola, Modesto Arana, Rafael Frühbeck de Burgos, Juan cordero, Urbano Ruiz Laorden, Julen Ezkurra eta 1984tik 2006ra Gorka Sierra, gaur egun Iñaki Morenoren eskutan egonik.

Entre los maestros que han dirigido sus coros desde sus comienzos con Cleto Zabala, están Aureliano Valle, Jesús Guridi, Arturo Inchausti, Timoteo Urrengoechea, J. M. Olaizola, Modesto Arana, Rafael Frühbeck de Burgos, Juan Cordero, Urbano Ruiz Laorden, Julen Ezkurra y desde 1984 hasta 2006 Gorka Sierra, asumiendo esta función en la actualidad Iñaki Moreno.

Espainian oso lan garrantzitsuak estreinatu ditu, besteak beste: Wagneren Apostoluen afaria, Brahmsen Requiem alemaniarra, Mozarten Confesoren bezpera ospatsuak, Verdiren Requiem, Mendelssohnen Elias oratorioa, Smithen Salmoa, Francken Dohatsutasunak, Borodinen Igor Printzearen dantzak, Orffen Carmina Burana, Vaughan-Williamsen Hodie eta Ligetiren Requiem. Mundu mailan egindako estreinaldien artean Arambarriren Castilla, Escuderoren Illeta kantata, Gorka Sierraren Gernika oratorioa eta Karmelo Bernaolaren Euskadi. Euskarari abestia lana azpimarratu behar dira.

Ha estrenado en España obras tan importantes como el oratorio La cena de los Apóstoles de Wagner, Un Requiem Alemán de Brahms, Vísperas Solemnes de Confesor de Mozart, el Requiem de Verdi, el oratorio Elías de Mendelssohn, Salmo de Smith, Las Bienaventuranzas de Franck, Danzas del Príncipe Igor de Borodin, Carmina Burana de Orff, Hodie de VaughanWilliams y Requiem de Ligeti. Entre sus estrenos mundiales hay que destacar el poema Castilla de Arámbarri, la cantata Illeta de Escudero, el oratorio Gernika de Gorka Sierra y la obra de Karmelo Bernaola Euskadi. Euskarari Abestia.

Arlo lirikoan ere lan handia egin dute. Haiei zor zaizkie, alegia, honako estreinaldi oso hauek: Colínen Maitena opera, Usandizagaren Mendi mendiyan, Santos Intxaustiren Lide eta Txidor, Guridiren Mirentxu eta Amaia eta Escuderoren Gernika. 1991n Mikis Theodorakisen Medea lanaren munduko estreinaldian parte hartu zuten.

También en el campo lírico han desarrollado una gran actividad. A ella se deben entre otros los estrenos absolutos de la óperas Maitena de Colín, Mendi Mendiyan de Usandizaga, Lide eta Txidor de Santos Intxausti, Mirentxu y Amaya de Guridi y Gernika de Escudero. En 1991 participaron en el estreno mundial de Medea de Mikis Theodorakis.

1994an Gorka Sierrak hartu zuen abesbatzaren zuzendaritza eta horrekin etapa berri bati ekin zioten Espainiako jaialdi eta kontzertu aretorik garrantzitsuenetan parte hartuz. 2007ko hasieran Iñaki Moreno izendatu zuten lanpostu horretarako, 1995etik zuzendariorde izan zena. Espainiako ia orkestra guztiek lagunduta abestu dute, baita beste hauekin ere: Moskuko Sinfonikoa, Portugaleko Orquesta Radio-Difusión, Bordele-Akitaniako Orkestra Nazionalak, du Capitole de Toulouse, Lyon, Royal Philarmonic Orcestra, Budapesteo Orkestra Sinfonikoa, Berlingo Orkestra Sinfonikoa, Akisgrango Orkestra Sinfonikoa, Pariseko Ganbera Orkestra, Orquesta Lamoureux, Wiener Akademie Orkestra, Szegedeko Orkestra Sinfonikoa eta Tokyo Metropolitan Symphonic Orchestra.

En 1984 asume la dirección de la Coral Gorka Sierra, iniciándose una nueva etapa en la que han actuado en los principales festivales y salas de conciertos de España. A principios de 2007 fue nombrado para este cargo Iñaki Moreno que desde 1995 desempeñaba las labores de subdirector del coro. Han actuado acompañados de la práctica totalidad de las orquestas españolas así como con la Sinfónica de Moscú, Orquesta Radio-Difusión Portuguesa, Orquestas Nacionales de Burdeos-Aquitania, du Capitole de Toulouse, Lyon, Royal Philarmonic Orchestra, Orquesta Sinfónica de Budapest, Orquesta Sinfónica de Berlín, Orquesta Sinfónica de Aquisgrán, Orquesta de Cámara de París, Orquesta Lamoureux, Orquesta Wiener Akademie, Orquesta Sinfónica de Szeged y la Tokyo Metropolitan Symphonic Orchestra.

Argitaratu dituzten azken lanak honako hauek dira: Pucciniren Turandot opera, Malagako Orkestra Filarmonikoa eta horren zuzendaria den Alexander Rahbarirekin batera NAXOS zigiluarentzat; Euskadiko Orkestra Sinfonikoa eta zuzendari duen Cristian Mandealekin Pablo Solozabalen zenbait lan CLAVESekin; Guridiren El Caserio zarzuela Bilboko Orkestra Sinfonikoa eta Juanjo Mena zuzendariarekin MARCO POLOrekin; Espainiar Konstituzioaren XXV. Urteurrena ospatzeko Senatuarentzat egindako kontzertua, a capella eliz musikako egitarau batean.

Sus últimos trabajos editados son: la ópera Turandot de Puccini, grabada junto a la Orquesta Filarmónica de Málaga y su director Alexander Rahbari para NAXOS; otro junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y su director Cristian Mandeal, en el que interpretan varias obras de Pablo Sorozabal, con CLAVES; la zarzuela El Caserío de Guridi, junto a la Orquesta Sinfónica de Bilbao y su director Juanjo Mena, con MARCO POLO; y el Concierto para el Senado Conmemorativo del XXV Aniversario de la Constitución Española, con un programa de Música Sacra a capella.

Bilboko Koral Elkarteari Arte Ederretako Urrezko Domina (1986), San Fernandoko Arte Ederretako Errege Akademiaren Ohorezko Domina (2005) eta Bilbo Hiriko Urrezko Domina eman dizkiote beste sari batzuen artean.

La Sociedad Coral de Bilbao ha sido reconocida con la Medalla de Oro en las Bellas Artes (1986), la Medalla de Honor de la Real Academia de las Bellas Artes de San Fernando (2005) y la Medalla de Oro de la Villa de Bilbao (2007) entre otros galardones.

"Amadeus Kamerata" Ganbera Orkestra

2003. urtean sortu zen Bilboko Orkestra Sinfonikoaren irakasle talde baten ekimenez, bere esperientzia beste errepertorio mota batean garatu ahal izateko helburuarekin, jorratu ohi dutenaz gain, orkestra sinfoniko handia alegia. Hau da, ganbera errepertorioa, hau edozein musikariren garapenean ezinbestekoa eta oinarrizkoa delako.

La Orquesta de Cámara AMADEUS KAMERATA fue creada en el año 2003 por iniciativa de un grupo de profesores de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa con el objetivo de desarrollar su experiencia profesional en otro tipo de repertorio, además del que con asiduidad lo vienen haciendo: el de una gran orquesta sinfónica. Es decir el repertorio de cámara, puesto que éste resulta fundamental y básico para el desarrollo de cualquier músico.

AMADEUS KAMERATA BOSaren irakasle bakarlariek osatzen dute eta Azer Lyutfaliev biolinista eta zuzendari ospetsua dute zuzendari, musikaren arloan esperientzia luze bezain bikaina duena.

AMADEUS KAMERATA está formada por profesores solistas de la BOS, siendo su director el afamado violinista y director Azer Lyutfaliev, que cuenta con una dilata y extraordinaria experiencia en el ámbito musical.

Talde honek gaztetasuna eta esperientzia biltzen ditu eta hori dela-eta musikarien artean konplizitate handia dago, kontzertuetan entzuleei helarazten diotena.

Esta formación aúna experiencia y juventud, lo que permite que exista una gran complicidad entre los músicos que se transmite al público en sus conciertos.

Urte gutxi izan arren, AMADEUS KAMERATA taldeak errepertorio zabala eta aberatsa du eta XVII mendetik XX.era doazen lanak biltzen ditu.

A pesar de su corta edad, la AMADEUS KAMERATA tiene un extenso y variado repertorio con obras del siglo XVII hasta obras del siglo pasado.

Taldea osatzen duten musikarien kalitateak, esperientziak eta gogo biziak musika klasikoa jendearengan asko hurbiltzen dute.

La gran calidad, experiencia y entusiasmo de los músicos integrantes permite una interesante popularización de la música clásica.

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Nuria Orbea 1972an jaio zen Bilbon. Bere jaioterrian hasi zen kantu eta flautako musika ikasketak egiten. Urte batzuk geroago, 1999, 2000 eta 2001ean, hain zuzen ere, Salzburgeko Mozarteum Unibertsitatera joan zen Bizkaiko Foru Aldundiaren bekarekin eta Lied eta Oratorio espezialitateetan graduatu zen. Milanen operako ikasketak hobetu zituen Gianni Mastinorekin. Kantuko ikastaroetan parte hartu zuen Isabel Penagos, Ana Luisa Chova eta Helena Lazarskarekin; Ileana Cotrubas eta Teresa Berganzaren maisu eskolak hartu zituen eta Alejandro Zabala, Barbara Bonney eta Roger Vignolesen Lied eskolak.

Nace en Bilbao en 1972, ciudad donde comienza sus estudios musicales de canto y flauta, trasladándose años más tarde, becada por la Diputación Foral de Bizkaia, años 1999, 2000 y 2001, a la Universidad Mozarteum de Salzburgo donde se gradúa en la especialidad de Lied y Oratorio. En Milán perfecciona sus estudios operísticos con Gianni Mastino. Participa en cursos de canto con Isabel Penagos, Ana Luisa Chova y Helena Lazarska; recibe clases magistrales de Ileana Cotrubas y Teresa Berganza, y clases de Lied de Alejandro Zabala, Barbara Bonney y Roger Vignoles.

2002an, Bartzelonako Francisco Viñas Nazioarteko Kantu Lehiaketako hirugarren saria, Lied eta Oratorio interprete onenaren saria eta Musika Espainiarreko interprete onenaren saria lortu zituen; Logroño Hiriko Nazioarteko Kantu Lehiaketan hirugarren saria lortu zuen eta Iruñako Julian Gayarre Nazioarteko Kantu Lehiaketan Opera Espainiar eta Zartzuela interprete onenaren saria.

En el 2002 gana el tercer premio, premio a la mejor intérprete de Lied y Oratorio y mejor intérprete de Música Española en el Concurso Internacional de Canto Francisco Viñas de Barcelona; el tercer premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño; y el premio a la mejor intérprete de Ópera Española y Zarzuela en el Concurso Internacional de Canto Julián Gayarre de Pamplona.

Bakarlari gisa errezitaldiak eta oratorioak eskaini ditu Espainian, Austrian, Alemanian eta Frantzian. Aipagarriak dira, beste batzuen artean, honako jaialdi hauetan izan zituen parte-hartzeak: Alemaniako Chimgau Musikfestivalen, Bartzelonako El primer Palau zikloan, Frantziako Roque d’Anthéron Nazioarteko Piano Lehiaketan, Nantesko La Folle Journée jaialdian eta Bilboko Musika jaialdian. Oratorioko bakarlari gisa, honako lan hauek interpretatu ditu: Rossiniren Petite Messe Solennelle, Mozarten Requiema, Pergolesiren Stabat Mater, Mozarten Aitorlearen Bezperak eta Vivaldiren Gloria. Valleseko Orkestra Sinfonikoak, Leongo Orkestra Barrokoak, Madrilgo Orkestra Akademikoak eta Bilboko Orkestra Sinfonikoak lagundu diote Manuel Valdivieso, Iñigo Pírfano eta Juanjo Menaren zuzendaritzapean.

Ha actuado como solista ofreciendo recitales y oratorios en España, Austria, Alemania y Francia, destacando su participación en el Chimgau Musikfestival de Alemania, en el ciclo El Primer Palau de Barcelona, el Festival Internacional de Piano de la Roque d’Anthéron de Francia, en el Festival La Folle Journée de Nantes y el Festival MusikaMúsica de Bilbao, entre otros. Como solista de oratorio ha interpretado la Petite Messe Solennelle, de Rossini; el Requiem, de Mozart; el Stabat Mater, de Pergolesi; las Vísperas de Confesor, de Mozart y el Gloria, de Vivaldi. Le han acompañado orquestas como la Orquesta Sinfónica del Vallés, la Orquesta Barroca de León, la Orquesta Académica de Madrid y la Orquesta Sinfónica de Bilbao; bajo las batutas de Manuel Valdivieso, Iñigo Pírfano y Juanjo Mena.

Antzoki garrantzitsuetan abestu du, esaterako, Bartzelonako Gran Teatre del Liceun eta Palau de la Músican, Bilboko Euskalduna jauregian, Madrilgo Círculo de Bellas Artesen, Nantesko Auditorioan, Logroñoko Auditorioan, Salzburgeko Wiener Saalen, Bilboko Guggenheim museoan, Córdobako Meskitan, Bartzelonako Caixa-Forum Auditorioan eta Europako beste hainbat kontzertu aretotan.

Actúa en teatros como el Gran Teatre del Liceu y el Palau de la Música de Barcelona, el Palacio Euskalduna de Bilbao, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Auditorio de Nantes, el Auditorio de Logroño, la Wiener Saal de Salzburgo, el Museo Guggenheim de Bilbao, la Mezquita de Córdoba, el Auditorio Caixa-Forum de Barcelona y otras salas de concierto europeas.

David Sagastume Gasteizen jaio zen 1972an. Biolontxeloko ikasketak egin zituen Arabako hiriburuko “Jesús Guridi” Musikako Goi-mailako Kontserbatorioan Gabriel Negoescu eta François Monciero irakasleekin eta Sari berezia lortu zuen espezialitateko azken azterketan. Aldi berean, klabezin, zango-biola, ganbera musika eta konposizioko ikasketak egin zituen. Gainera, hainbat irakasle ospetsuren aholkuak ere jaso ditu, besteak beste, Sigfried Palm eta Laurentis Sbarciarenak.

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Nacido en Vitoria-Gasteiz en 1972, cursó estudios de violoncello en el Conservatorio Superior de Música “Jesús Guridi” de la capital alavesa con los profesores Gabriel Negoescu y François Monciero, obteniendo el Premio extraordinario en el examen final de esta especialidad. Paralelamente realiza estudios de clave, viola de gamba, música de cámara y composición. Asimismo, ha recibido consejo de profesores del prestigio de Sigfried Palm, Laurentis Sbarcia.

Ikasketekin jarraitzen duen bitartean, “Jesús Guridi” talde instrumentalarekin jotzen du eta Euskal Herri osoan egiten diren hainbat eta hainbat jaialditan parte hartu du, esaterako, Errenteriako Musikasten edo Donostiako Musika Hamabostaldian. Horietako askotan, enkarguko lanen aldeko apustua egin du. Gasteizko Orkestra Gazteko kide izan zen eta, hainbat urtez, baita EGO Euskal Herriko Gazte Orkestrakoa ere. EOS Euskadiko Orkestra Sinfonikoarekin ere askotan aritu da.

Compagina sus estudios con sus intervenciones como instrumentista miembro del conjunto instrumental “Jesús Guridi” con el cual ha actuado en numerosas oc asiones en festivales de todo el País Vasco, como Musikaste, en Renteria o la Quincena Musical de San Sebastián, apostando, en muchos de ellos, por obras de encargo. Fue miembro de la Joven Orquesta de Vitoria-Gasteiz y, durante varios años, ha pertenecido a la Joven Orquesta de Euskalherria EGO. Ha colaborado con regularidad con la O.S.E.

Kontratenorra izateko ikasketak egiten hasi zen Isabel Alvarez irakaslearekin baina R. Levitt eta Carlos Menarekin ikasteari utzi gabe. Gaur egun horiekin jarraitzen du hobetzen. Peñaflorida Kaperako kidea da. Gaur egun, Catalunyako Capella Reial izenekoarekin aritzen da Jordi Savalen zuzendaritzapean. Bestalde, honako talde hauetan bakarlari gisa abestu du: Los Ministriles de Marsias, Salamancako Orkestra Barrokoa, Galiziako Ganbera Orkestra, Victoria Musicae Abesbatza eta Camerata Ibérica. Duela gutxi Philippe Pierlotek zuzentzen duen Ricercar Consort Belgikako taldearekin ere hasi da abesten.

Paralelamente, inicia estudios de contratenor con la profesora Isabel Álvarez, continuando con R. Levitt y Carlos Mena con quienes sigue perfeccionándose en la actualidad. Es miembro de la Capilla Peñaflorida. Actúa habitualmente con la Capella Reial de Catalunya bajo la dirección de Jordi Savall. De igual manera ha cantado como solista con los grupos: Los Ministriles de Marsias, Orquesta Barroca de Salamanca, Orquesta de Cámara Gallega, Coro Victoria Musicae y Camerata Ibérica. Recientemente ha comenzado a colaborar con el grupo belga Ricercar Consort dirigido por Philippe Pierlot.

Grabazio ugari egin ditu taldean nahiz bakarlari gisa. Honako hauek dira aipagarrienak: Johannes de Antxietaren Misa Sine Nomine, Juan Bautista Comesen In Festo Corporis Christi, Juan Vázquezen Agenda Defunctorum, F. Guerreroren Puer natus est meza eta abar. Europako hainbat irratitarako grabazioak ere egin ditu (Radio France, R2….).

Ha realizado multitud de grabaciones tanto en grupo como de solista, entre las que cabe destacar: La Misa Sine Nomine, de Johannes de Antxieta; In Festo Corporis Christi, de Juan Bautista Comes; la Agenda Defunctorum, de Juan Vázquez; la misa Puer natus est, de F. Guerrero y otras, además de las realizadas para diferentes radios europeas (Radio France, R2….).

Mª Fé Nogales Andoainen, Gipuzkoan, jaio zen. Jose Ramón Artetaren eskutik ekin zion ahots-hezkuntzari. Geroago, kantua ikasi zuen Nekane Lasarterekin. Ondoren, kantuko goi ikasketak amaitu zituen Musikenen Maite Arruabarrenarekin.

Nace en Andoain, (Gipuzkoa). Inicia su educación vocal con Jose Ramón Arteta. Más tarde estudia canto con Nekane Lasarte. Posteriormente finaliza sus estudios superiores de canto en Musikene con Maite Arruabarrena.

Isabel Rey, Ileana Cotrubas eta Ricardo Visusen maisu eskoletara joan da, besteren artean.

Ha asistido a clases magistrales de Isabel Rey, Ileana Cotrubas, Ricardo Visus,…

Donostiako Musika Hamabostaldian eta Granadako Musikaldian abestu du. Horretaz gainera, Bilboko Alfredo Kraus Elkarteak Euskal Herri osoan zehar antolatutako errezitaldiak eskaini ditu. Oratorioaren alorrean Bachen Si txikiko Meza, Mozarten Requiema, Vivaldiren Gloria, Charpentierren Te Deum eta, duela gutxi, Bachen Pasioa San Mateoren arabera —Frederich Haiderrek Oviedoko auditorium Principe Felipe entzunlekuan zuzendutakoa— abestu ditu.

Ha cantado en los Festivales de la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival de Música de Granada. Así mismo ha ofrecido recitales por toda la geografía vasca organizados por la Asociación Alfredo Kraus de Bilbao. En el campo del oratorio ha interpretado la Misa en Si menor de Bach, el Requiem de Mozart, el Gloria de Vivaldi, el Te Deum de Charpentier y recientemente la Pasión Según San Mateo de Bach en el auditórium Príncipe Felipe de Oviedo bajo la dirección de Frederich Haider.

Antzertiaren alorrean berriz, hainbat zarzuela abestu ditu: Musuaren Elezaharra, Marina, Faraoiaren gortea, Gran vía, El dúo de la Africana eta abar. Horretaz gaindi, aurten bertan Oviedoko opera sasoian debuta egin du, Macbeth obran abestuz.

En el campo escénico ha interpretado las zarzuelas La leyenda del beso, Marina, La corte del Faraón, La Gran vía, El dúo de la Africana… Así mismo este mismo año ha hecho su debut en la temporada de ópera de Oviedo interpretando Macbeth.

Figaroren Ezteiak (Cherubino) eta Traviata (Flora) operatan parte hartu du ere, Irunen.

También ha intervenido en las óperas Las bodas de Fígaro (Cherubino) y Traviata (Flora) en Irún.

Frederich Haiderrek zuzendutako Verdiren Otello opera (Emiliaren papera) irarri du.

Ha grabado la ópera Otello de Verdi (rol de Emilia) bajo la dirección de Frederich Haider.

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Jesús Mª García Aréjula

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Industria Ingeniaritza ikasketak egin zituen Nafarroako Unibertsitatean eta Donostiako Orfeoieko kide da 1979az geroztik. Elkarlanean aritu ohi da beste taldeekin, hala nola, Capilla Peñaflorida, Conductus Ensemble, Músicos de Su Alteza, Nova Lux taldeekin eta, oraintsu, Forma Antiqua taldearekin.

Ingeniero Industrial por la Universidad de Navarra, pertenece al Orfeón Donostiarra desde 1979. Colabora habitualmente con otros grupos como la Capilla Peñaflorida, Conductus Ensemble, Músicos de Su Alteza, Nova Lux y más recientemente con el grupo Forma Antiqua.

Hainbat jaialditan hartu du parte: Kanariar Uharteak, Granada, Santander edo Donostiako Musika Hamabostaldia, Pereladako Musikaldia, Madrilgo Unibertsitate Autonomoaren Zikloa, Madril eta Salamancako Urrezko Mendeen Zikloa, Madrilgo Bachen III. Kantata Zikloa eta Frantziako Dax eta Fontevraud hirietako Jaialdiak.

Ha intervenido en diversos festivales: Canarias, Granada, Santander o Quincena Musical de San Sebastián, Festival de Perelada, Ciclo de la Universidad Autónoma de Madrid, Ciclo de los Siglos de Oro en Madrid y Salamanca, III Ciclo de Cantatas de Bach en Madrid, Festival de Dax y Festival de Fontevraud, ambos en Francia.

Abeslari bakarlari gisa, Oratorio musikari —musika barrokoa bereziki nabarmenduz— eskaintzen dion denbora azpimarratu behar da. Bere errepertorioan Fauré, Mozart eta Durufléren Requiemak; Saint-Saens, Bach eta Graunen Gabonetako Oratorioak; Bachen baxurako kantatak, eta Stainerren The Crucifixion; R. Keiserren Pasioa San Markosen arabera; Händelen Mesias; Bachen Si txikiko Meza eta abar aurki ditzakegu.

Como cantante solista, destaca su dedicación a la música de Oratorio con especial énfasis en la música barroca. En su repertorio figuran, Requiem de Fauré, Mozart y Duruflé; Oratorios de Navidad de Saint-Saens, Bach y Graun; Cantatas para bajo, de Bach, The Crucifixión, de Stainer; Pasión según S.Marcos, de R.Keiser; Mesías, de Händel; Misa en Si menor, de Bach; etc.

2005ean Brahmsen Requiema abestu zuen Úbedan eta Espainian izan zen J. Rutterren Children Mass lanaren lehen emanaldian parte hartu zuen, Bilboko Euskalduna Jauregian, hain zuzen ere.

En 2005 interpretó el Réquiem de Brahms en Úbeda y participó en el estreno en España de la Children Mass, de J.Rutter, en el Euskalduna de Bilbao.

2006an Mozarten Requiema abestu zuen Donostiako Kursaalean; Euskaldunan Durufléren Requiema eta Iruñean King Arthur abestu zituen.

En 2006 interpretó el Requiem, de Mozart, en el Kursaal de San Sebastián y el Réquiem, de Duruflé, en Euskalduna, así como el King Arthur en Pamplona.

2007ko martxoan R. Keiserren Pasioa San Markosen arabera obran Jesus antzeztu zuen, Madrilgo Auditorio Nacionalean; pertsonaia berbera antzeztu zuen ere Bachen Pasioa San Joanen arabera lanean, Logroñoko entzunlekuan. Pertsonaia berbera antzeztu zuen maiatzean, Zenarruzako antzinako musikako jaialdian. Donostiako Musika Hamabostaldiko zikloan parte hartu zuen. Irailean Vienan dagoen Musikvereineko urre-koloreko aretoan abestu zuen Vienako Orkestra Sinfonikoarekin batera, opera eta zarzuela biltzen zituen egitarauan. Madrilgo Kantaten IV. Zikloan eta Bilboko Euskalduna Jauregiko Organo zikloan parte hartu zuen. Naxos, Arsis, K617 eta RTVE etxeek ekoiztutako hainbat irarketetan ere hartu du parte bakarlari gisa.

En marzo de 2007 interpretó el papel de Jesús en la Pasión según S.Marcos, de R.Keiser, en el Auditorio Nacional de Madrid y el mismo rol en la Pasión según San Juan, de Bach, en el auditorio de Logroño, papel que ha repitió en mayo en el festival de música antigua de Zenarruza. Participó en el ciclo de Música Antigua de la Quincena Musical donostiarra. En Septiembre actuó en Viena con la Orquesta Sinfónica de Viena en la sala dorada de la Musikverein con un programa de ópera y zarzuela. También participó en el IV Ciclo de Cantatas de Madrid y en el ciclo de Órgano de Euskalduna, en Bilbao.También ha participado como solista en varias grabaciones con los sellos Naxos, Arsis, K617 y RTVE.

Iñaki Moreno Navarro

Bilbon jaio zen 1972. urtean. Piano eta violoncello musika ikasketak bertako kontsertatorioan egin zituen, eta Filosofiako Ikasketak Deustuko Unibertsitatean. 1995etik Bilboko Koral Elkarteko zuzendariordea eta Euskeria abesbatzako zuzendaria da, entitate beraren gazteen taldea. Halaber, 1999tik Deustuko Unibertsitateko abesbatzaren zuzendari titularra da.

Nació en Bilbao en 1972. Ha realizado sus estudios musicales de piano y violoncello en el Conservatorio de su ciudad natal, así como la carrera de Filosofía en la Universidad de Deusto. Desde 1995 es subdirector de la Sociedad Coral de Bilbao y director del Coro Euskeria, formación juvenil perteneciente a esta misma entidad. Asimismo, desde 1999 es director titular del Coro de la Universidad de Deusto.

Euskeria Abesbatzarekin kontzertu ugari zuzendu ditu Frantzian, Anjou, Loira eta Paris inguruetan alegia, eta baita Hamburgon eta Alemaniako iparraldeko beste eskualde batzuetan ere.

Al frente del Coro Euskeria ha dirigido numerosos conciertos por la región de Anjou, el Loira y París en Francia, así como en Hamburgo, y otras regiones del norte de Alemania.

Abeslari bakarlari moduan (baritonoa) Brittenen El diluvio de Noé operan parte hartu du Cuencako Musika Erlijiosoko Jaialdian eta Soriako Otoño Musical jaialdian. Halaber, honako lan hauetan ere abestu du: Pergolesiren Magnificat, Mozarten Misa Brevis re maiorren, Schuberten Meza do maiorren, Liszten Via Crucis eta Bachen Pasioa Mateoren liburutik. Honako antzoki hauetan abestu du: Bilboko Arriaga, Malagako Cervantes, Madrilgo Alcobendaseko Auditorioan, Lisboako Centro Cultural de Belem. Gorka Sierra, Odón Alonso eta Juanjo Mena bezalako zuzendarien agindupean lan egin du.

Como cantante solista (barítono) ha participado en la ópera El Diluvio de Noé de Britten en el Festival de Música Religiosa de Cuenca y en el Otoño Musical Soriano. Ha cantado también el Magnificat de Pergolesi, la Misa Brevis en Re Mayor de Mozart, la Misa en Do Mayor de Schubert, el Vía Crucis de Liszt y la Pasión según San Mateo de Bach . Ha actuado en los Teatros Arriaga de Bilbao, Cervantes de Málaga, Auditorio de Alcobendas en Madrid, Centro Cultural de Belem en Lisboa. Ha trabajado a las órdenes de directores como Gorka Sierra, Odón Alonso y Juanjo Mena.

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Egitarauari buruz

Notas al programa

Maria Erreginaren hileta zela-eta idatzitako musika hartzen da gaur egun Henry Purcellen musika erlijiosoaren gailurtzat; halaber, full-anthem azpigeneroaren barruan sartu ohi da (antifona osoa edo estilo polifonikoko motetea, lau, bost edo ahots gehiagotarako idatzia). Aipatutako erreginaren hileta elizkizunetarako idatzi zuen Purcellek lan hori; 1695eko martxoaren 5ean izan ziren elizkizunak, baina hileta musika horren zenbait pasarte Purcellek berak aurreko urteetan idatzitako lanetatik hartu eta berregin ziren. Adibidez, bigarren pasartea, Man that is born of woman, eta laugarrena, In the midst of life, 1682. urtearen aurretik idatzitakoak dira, eta The Libertine lanetakoak dira, berriz, Martxa eta Canzona (Thomas Shadwellen testua zuen tragikomedia, Purcellek 1692an amaitua).

La Música para el funeral de la Reina Mary está considerada como una de las cumbres de la producción religiosa de Henry Purcell y se la incluye dentro del subgénero full-anthem (antífona completa o motete del estilo polifónico tradicional a cuatro, cinco o más voces). El compositor elaboró la obra para los funerales de la citada soberana, actos que tuvieron lugar el 5 de marzo de 1695, pero algunos de los números de esta música fúnebre fueron extraídos y reelaborados de obras compuestas por el propio Purcell en años anteriores. Así, se sabe que el segundo número Man that is born of woman y el n. IV In the midst of life datan de obras escritas antes de 1682, así como la Marcha y la Canzona provienen de The Libertine, una tragic-comedia con texto de Thomas Shadwell que Purcell había acabado en 1692.

Henry Purcellek ez bazion ere denbora asko eskaini musika osatzeari (36 urte zituela hil baitzen), lan asko eta kalitate handikoak idatzi zituen. Zortzi urte zituela ahotserako idatzi zuen lan txiki bat iritsi da gaur egunera. Musikagile ez ezik, besteak beste Errege Kaperako musika-tresnen zaintzaile izan zen 14 urte bete zituenetik, Westminsterreko Abadiako kopista, errege organoen eta errege musika-tresnen gozatzaile eta organista (Westminsterren, 1679az geroztik, eta Errege Kaperan) ere izan zen. Hala eta guztiz ere, Purcellek lan ugari idatzi zituen eta maila handikoak; horregatik guztiagatik hartzen da, gaur egun, Ingalaterran jaiotako musikagile handienetakotzat.

A pesar del reducido período en que Henry Purcell se dedicó a componer (pues no vivió más que 36 años), sus obras son tan numerosas como de impresionante calidad. Se conserva incluso alguna pequeña composición a voces escrita por él a los ocho años. Además de compositor, ejerció desde los 14 años cargo de conservador de los instrumentos de la Capilla Real, tuvo también tarea de copista de la Abadía de Westminster, fue afinador de órgano y más tarde de los instrumentos reales, organista (en Westminster, desde 1679, y en la Capilla Real), entre otros quehaceres. Sin embargo, su creación es tan amplia como de altísimo nivel, por lo que es considerado como el más genial músico entre los nacidos en Inglaterra.

Oso ondo ezagutu zuen aurreko garaietako musika, baina baita eskola berri garrantzizkoenak ere (bere osaba Thomas Purcellen ikasle izan ondoren, Pelham Humphrey izan zuen irakasle, Frantzian, hau da J. B. Lully, Henry Cooke eta John Blow-ren artea bereganatu zuena). Horregatik guztiagatik, 24 urte zituela (1683an), lehen aldiz bere lanen bilduma bat argitaratu zuenean, Trio Sonatas –hamabi sonata hirukotean–, adierazi zuen bere idazketaren bitartez saiatzen ari zela italiar maisuen artea imitatzen; Giovanni B. Vitalirena “imitatzeaz” gainera, Arcangelo Corelliren azken lan eskasak ere ezagutzen eta jarraitzen zituela ikusten da.

Tuvo un perfecto conocimiento de la música anterior y de las más importantes escuelas recientes (así, tras haber sido discípulo de su tío Thomas Purcell lo fue también de Pelham Humphrey, quien había asumido en Francia el arte de J. B: Lully, de Henry Cooke y de John Blow). Por ello, cuando en 1683, a sus 24 años, publica por primera vez una recopilación de obras suyas: Trío Sonatas –doce sonatas en trío— declara estar intentando imitar con su escritura el arte de los maestros italianos: además de “imitar” la de Giovanni B. Vitali se nota que conocía y seguía la de las recientes y pocas obras de Arcangelo Corelli.

Purcellek musikaren ia moldaera guztiak menderatu zituen: kantuetarako eta dantzarako musika –txiki-txikitatik egin zuena–, musika-tresnetarako eta ahotserako musika, hainbat eremutan. Era horretara, musika-tresnetarako musikaren barruan, 21 urte zituenerako eginak zituen Biolarako fantasiak (1680) lan bikainak. Lan horiek “isabeldar musikaren amaiera loratua” osatzen dutela esan izan da. Purcellek musika erlijiosoaren alorrean egin zuen, hala ere, sorkuntza lan handiena; anthemen generoan, esaterako (Purcellentzat bere gogoari atxikitako zerbait ziren, Bachentzat kantatak izan ziren bezalaxe: ikerketa eta musika esperientzien eremua), 200 lanetik gora osatu zituen, eta horietatik hirurogeita hamar bat inguru gelditzen dira. Baina, horrez gainera, 1676. urteaz geroztik, antzerki lanetan jardun zuen. Jakina denez, garai horretan Ingalaterran ez zen operarik egiten; baina Purcellek ariak eta beste pasarte batzuk idazten zituen…

Lo cierto es que Purcell dominó prácticamente todas las vertientes musicales, desde la música para cantos y bailes que había hecho desde casi niño hasta la instrumental y vocal en distintas áreas. Así, dentro de lo instrumental se aprecian ya, a los 21 años, las excelentes Fantasías para viola (1680), que han sido calificadas como “final florido de la música isabelina”. La religiosa será una de sus mayores creaciones, ya que tan sólo en el género de los anthems (para Purcell era algo incrustado en su mente, como lo serían las cantatas en Bach: un campo de investigación y experiencias musicales) compuso más de 200 obras, de las que quedan algo más de setenta. Pero no sólo eso, sino que también se dedicó, a partir de 1676, a las obras teatrales. Como se sabe, no existía en ese momento en Inglaterra la ópera, pero Purcell escribía arias y otros números... y en el segundo quinquenio de 1680 y primero del 90

eta 1680ko hamarraldiaren bigarren bost urteetan eta 90eko lehenengo bostetan aurrerakuntza handia egin zuen antzerkirako musikaren alorrean. Musika jarri zien King Arthur, The Fairy Queen, Dioclesian lanei, besteak beste; lan horiek gaur egun operatzat hartzen badira ere, garai hartan ez zen opera bere horretan existitzen. 1689an Dido and Aeneas idatzi zuen, lehenengo opera ingelestzat hartu ohi dena.

realizaría un gran avance en la composición musical para teatro, poniendo en música a King Arthur, The Fairy Queen, Dioclesian, etc. obras que hoy se consideran prácticamente como óperas, si bien en esa época no existía allí la ópera como tal. En 1689 compuso Dido and Aeneas, la primera ópera inglesa.

Hala eta guztiz ere, Purcellen heldutasun maila 90eko hamarraldian izan zela aitortu ohi da, musikagileak hogeita hamar urtetik gora zituela, alegia. Garai horretakoak dira, hain zuzen ere, gaurko programako lanak: Maria erreginaren hileta-elizkizunetarako musika, Te Deum eta Jubilate Deo, Maria erreginaren urtebetetzerako idatzitako sei oda (1694koa da aipagarriena), Hailbright Cecilia (1692) oda, Come ye, sons of Art, etab.

Así y todo, se reconoce que la mayor madurez de su arte se produjo en la década de los 90, cuando había llegado ya a los treinta y tantos años. A ese período pertenecen precisamente las obras del programa de hoy: la ya citada Música para el funeral de la Reina Mary, el Te Deum y el Jubilate Deo, junto con las seis odas escritas para los aniversarios o cumpleaños de la Reina Mary (la de 1694, es la más destacada), la oda Hailbright Cecilia (1692), el Come ye, sons of Art, etc.

Aipatutako Te Deum da musika-tresnen laguntzarekin jotzeko idatzi zuen izen bereko lehenengo ereserki edo antifona ingelesa. 1693an idatzi zuen, Zezilia Santuaren jairako (Jubilate Deo bezala), eta 1712. urtea bitartean urtero-urtero interpretatzen zen St. Paul katedralean (urte horretako abuztuan izenpetu zen Frantzia eta Espainiaren eta Britainia Handiaren arteko armistizioa), urte horretan Haendelen Utrecht Te Deum and Jubilate lanarekin txandakatzen hasi baitzen. 1743. urtean bi lan horien ordez, Händelen Dettingen Te Deum lana interpretatzeari ekin zioten. Indar dramatiko hori, Purcellen esperimentazioa dela-eta, Haendelen oratorioek hartuko dute, besteak beste.

El citado Te Deum es el primer himno o antífona inglés de ese nombre compuesto con acompañamiento instrumental. Escrito en 1693 para la fiesta de Santa Cecilia (al igual que el Jubilate Deo) en 1693, este Te Deum se iría interpretando en la catedral de St. Paul todos los años, hasta el 1712 (en agosto de ese año se había declarado el Armisticio de Francia y España con Gran Bretaña) en que empezó a alternarse con el Utrecht Te Deum and Jubilate, de Händel); estas dos obras serían reemplazadas en 1743 por el asimismo händeliano Dettingen Te Deum. Fuerza dramática, precisamente por la experimentación purcelliana, que luego acogerán los oratorios händelianos, por ejemplo.

Zadock (edo Zadok) the Priest antifona da G. F. Händelek Jurgi II.a britainiar erregearen koroatzea ospatzeko osatu zituen lau antifonen artean lehena. King James Bible izan zen testuaren egilea, eta korurako eta orkestrarako idatzia da (bi oboe, bi fagot, hiru tronpeta, tinpanoa, hariak eta baxu jarraitua). Musika honek orkestraren sarreran tentsio handia eragiten duela esaten da, hainbat osagairi esker: aldi berean erabiltzen ditu kortxeak eta kortxea erdiak, eta horien ondoren, koroa hasten denean, aldatu egiten da zentzu dramatikoa, kortxeak baino nota luzeagoekin, etab.

Zadock (o Zadok) the Priest es la primera de las cuatro antífonas compuestas por G. F. Händel para la coronación del monarca británico George II. Con texto de King James Bible, la obra está escrita para coro y orquesta (dos oboes, dos fagots, tres trompetas, timpani, cuerdas y continuo) Se suele comentar que esta música genera una alta tensión en su introducción orquestal por utilizar al mismo tiempo corcheas y semicorcheas y que luego, cuando entra el coro, cambia el sentido dramático al cantar con notas más largas que las corcheas, etc..

Testu laburrak honela dio:

El breve texto dice así:

“Zadock, the Priest, and Nathan, the Prophet, anointed Solomon King; And all the people rejoic’d, and said: God save the King, long live the King, may the King live for ever! Amen! Alleluja!”

"Zadock, the Priest, and Nathan, the Prophet, anointed Solomon King; And all the people rejoic’d, and said: God save the King, long live the King, may the King live for ever! Amen! Alleluja!"

Atal nagusia (“And all the people…”) ¾eko dantzaren imitazioa da, batez ere koroak paraleloan kantatzen duenean eta hariarekin markatzen denean erritmoa. Azken atalean, God save the King zatian, akordeak dira nagusi, eta Amen tartekatzen da. Kadentzian amaitzen da, Alleluiarekin, Largoan. Jurgi II.aren koroatze ospakizunean estreinatu ondoren, orduz geroztiko ingeles subiranoen koroatze guztietan interpretatuta da Zadok the Priest.

La sección central (“And all the people…”) es una imitación de danza en ¾, sobre todo con el coro cantando en paralelo y dando ritmo con la cuerda. En la sección postrera, la parte God save the King va en acordes e interpuesto por el Amen . Finaliza en cadencia con el Alleluia, en Largo. Tras estrenarse en la de George II, el Zadok the Priest se ha interpretado en todas las coronaciones de los soberanos ingleses, desde entonces.

Haendelen espezialista den Christopher Hogwood musikologoak dionaren arabera, musikagile saxoniarra ez bazen ere mirabekeriaren zale izan, Italian ikasi zuen kortesano izaten. Mediterraneoko

Tal y como describe Christopher Hogwood, musicólogo especialista en Händel, el músico sajón, aunque nunca fue servil, había aprendido a ser cortesano en Italia. Así que, cuando dejó el país mediterráneo y

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lurraldea utzi eta Britainia Handira joan zenean, “eta Burlingtoneko ‘artista sariduna’ posizioa irabazi zuenean, Ana erreginari eskumuinak ematera joan zen, eta baita elizako ingeles musikaren tradizioei ere”. Händelek Italia utzi zuen, Londresen bizitzeko asmoz; Hannoverren etenalditxo bat egin ondoren, 1712an iritsi zen Londresa. Gogoz hasi zen lanean, karguari tinko eusteko asmoz. Horretan, Utrechteko Te Deum konposatu zuen (“Hannoverreko Gorteko mendeko izanik, Hautesleak berak kontra egindako ituna nola ospatu zuen, ezin azal daiteke erraz”, dio Hogwoodek), eta urte horretan bertan, 1713an, Ode for the Birthday of Queen Anne idatzi zuen (Ana erregina hurrengo urtean hil zen); otsailaren 6an Londresko Royal Palace antzokian estreinatu zen. Kontuan hartuta Haendelek urtarrilean Teseo opera zuzendu zuela, eta aipatutako Utrechteko Te Deum ere urte horretan bertan idatzi zuela, harrigarria da ikustea zein denbora gutxian osatzen zituzten aurreko mendeetako musikagileek goi mailako lanak.

subió a residir a Gran Bretaña “y por su posición recientemente ganada de ‘pensionado artístico’ de Burlington se dispuso a presentar sus respetos tanto a la reina Ana como a las tradiciones de la música inglesa de iglesia”. Cuando Händel deja Italia y, tras un intermedio en Hannover, llega a Londres en 1712 para residir en esta capital. Comienza a trabajar de forma que se mantenga con firmeza en un cargo. Así, compone el Te Deum de Utrecht (“cómo un súbdito de la Corte de Hannover pudo celebrar un tratado al que el propio Elector se había opuesto, no es fácilmente explicable”, dice Hogwood) y en el mismo año, 1713, escribe la Ode for the Birthday of Queen Anne (reina que moriría al año siguiente), proyectada para su interpretación en el Royal Palace de Londres el 6 de febrero. Teniendo en cuenta que Händel había dirigido en enero su ópera Teseo y había escrito también el citado Te Deum de Utrecht, se queda hoy uno asombrado al observar que en siglos anteriores los grandes compositores creaban obras de alto nivel en períodos muy breves.

Ode for the Birthday of Queen Anne kantata sekularra da, eta Ambrose Philips poeta eta antzerkigilearen libretoa du. Lan horren atal guztien amaieran errepikatzen da esaldi-lelo bera: The day that gave great Anne birth/ Who fixed a lasting peace on Herat (“Ana jaio zen eguna, lurrean bake iraunkorra ezarri zen eguna”).

Ode for the Birthday of Queen Anne es una cantata secular con libretto de Ambrose Philips, poeta y dramaturgo. Cada una de las partes de esta obra finaliza con la frase-estribillo que The day that gave great Anne birth/ Who fixed a lasting peace on Earth. (“el día que dio nacimiento a Ana, que fijó una paz duradera en la tierra”).

Oda honek ondo erakusten du nolakoa zen Händelen estiloa –germaniar eta italiar estiloen batasun nabarmenarekin ordurako–, eta orobat erakusten du saxoniar musikagileak ezagutzen zuela Purcellen musika, nahiz eta ez duen bere nortasuna bazter uzten. Honela dio Hogwoodek: “‘obbligato’ tronpetez eta kontratenorrez, “Eternal source of ligth divine” (jainkozko argiaren betiereko iturri) osatutako duoaren lehenengo konpasetik beretik atzematen da Purcellengan inspiratu zela; Itunarekiko lotura, berriz, ahapaldi bakoitzaren amaieran errepikatzen den leloaren bitartez nabarmentzen da, ‘Ana jaio zen eguna, lurrean bake iraunkorra ezarri zen eguna’ leloaren bitartez lehen esan bezala”. Eta honela jarraitzen du adituak: “Händelek Purcellengandik azentuazioari buruzko zerbait ikasi bide zuen, izan ere, ez Oda honetan ez Te Deumen eta Jubilaten ez da atzematen inolako baldarkeria zentzurik ingelesaren erabilerari dagokionez. Baina Händelek marraztutako aukera zabalagoa da, eta instrumentalizazioa (haizezkoena bereziki) independenteagoa. Purcellen adiskide izandako Thomas Tudwayren ustez, ‘antzerki estilo nabarmenekoa’ zen: ‘Purcell jaunak estilo noble eta jasoagoa du… Eta ez hain aztoratua’”.

A la vez que esta Oda muestra el estilo händeliano, ya con la adquirida unión del estilo germano e italiano, revela también que el músico sajón conocía ya la escritura de Purcell, sin que ello deshaga su personalidad musical. Así, Hogwood escribe: “Su inspiración en Purcell se manifiesta en los primeros compases del dúo entre la trompeta ‘obbligato’ y el contratenor, “Eternal source of ligth divine” (fuente eterna de luz divina); su conexión con el Tratado está enfatizada en un estribillo repetido que celebra ‘el día que dio nacimiento a Ana, que fijó una paz duradera en la tierra’” texto final de cada estrofa, como se ha citado antes. Prosigue el especialista: “Händel debió aprender algo de la acentuación de Purcell, ya que ni esta Oda ni el Te Deum y Jubilate muestran señal alguna de torpeza en el uso del inglés. Pero la gama dibujada por Händel es más extensa y la instrumentación (en especial el viento) más independiente. Thomas Tudway, que había sido amigo de Purcell, encontró el estilo ‘demasiado teatral’: ‘Mr. Purcell tiene un estilo más noble y más elevado…. Y no tan agitado’”.

Jakin badakigu Ana erreginak 200 librako pentsioa eman ziola Händeli, bizi zen artean. Jokabide hori guztiz harrigarria da, izan ere, Manchesterreko dukeak idatzi zuenaren arabera, “erregina lanpetuegi edo uzkurregi zegoen bere orkestra entzuteko, eta ez zuen gogoan interprete berriak entzutea edo haiei ezer ordaintzea, edozein zela ere horien talentua edo trebakuntza”. Baina Hogwoodek azaltzen duenaren arabera, kasu horretan motibazioa beste bat zen: “Erreginaren asmoa Händel atzerriko konpromisoetatik baztertzea zen, baldin eta, Hannoverreko agiriek aditzera ematen dutenez, oraindik ez bazuten

Se sabe que la reina Ana dotó a Händel de una pensión de 200 libras anuales de por su vida. Es algo extraño en el caso de esta reina porque, según escribió el duque de Manchester, ella “estaba demasiado ocupada o demasiado remisa para escuchar a su propia orquesta, y no había pensado en oír o pagar nuevos intérpretes cualquiera que fuera su talento o vasta formación”. Pero, como explica Hogwood, su motivación en este caso “fue con seguridad apartar a Händel de sus compromisos extranjeros (si, como sugieren los documentos de Hannover, aún no había sido relevado de su puesto” en esa corte alemana.

postu hartatik kendu”. Zalantzarik gabe, erreginaren emaitza hori izan zen Händel Londresen hil artean bizitzera bultzatu zuen arrazoi baliagarriena.

Sin duda, esta donación de la soberana fue una de las más útiles razones para que Händel residiera en Londres hasta el final de su vida.

J.A.Z.

G. F. Händel (1685-1759)

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A. Vivaldi (1678-1741)

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Maiatzak 17 Mayo LA PETITE BANDE Sara Kuijken (biolina) Benjamín Alard (klabea eta organoa) Makoto Akatsu (biolina) Peter Van Heyghen (txirula dulzea) Zuzendaria: Sigiswald Kuijken Egitaraua / Programa

A. Vivaldi (1678-1741) Lehen Zatia / Iª Parte * Las Cuatro Estaciones (de “Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione”, op.8) Bakarlaria: Sara Kuijken * Concierto en Mi mayor, op.8 nº1 “La Primavera” Allegro, Largo e pianissimo sempre, Danza pastorale * Concierto en sol menor, op.8 nº2 “El Verano” Allegro non molto, Adagio, Presto: Tempo impetuoso d’estate * Concierto in Fa mayor, op.8 nº3 “El Otoño” Allegro, Adagio molto, Allegro: La Caccia * Concierto in fa menor, op.8 nº4 “El Invierno” Allegro non molto, Largo, Allegro Bigarren Zatia / IIª Parte * La Follia, op.1 n.12 en re menor, Para dos violines y bajo continuo Makoto Akatsu y Sara Kuijken, violines Sigiswald Kuijken, violoncello da spalla Benjamin Alard, clave * Concierto para flauta dulce en Re mayor, RV 428, Il Gardellino Bakarlaria: Peter Van Heyghen (flauta dulce) * Concierto en Re mayor, para violoncello y cuerdas, RV403 Allegro, Andante e spiritoso, Allegro Bakarlaria: Sigiswald Kuijken (violoncello da spalla) * Concierto para flautín en Do mayor, RV444 Allegro non molto, Largo, Allegro molto Bakarlaria: Peter Van Heyghen (flautín)

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La Petite Bande

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Sigiswald Kuijken izan zen La Petite Bande (Belgika) taldearen sortzailea, 1972an. Deutsche Harmonia Mundi diskoetxeak eskatu zion taldea osatzeko, Lullyren Le Bourgeois Gentilhomme grabatu zezan Gustav Leonhardt zuzendariarekin. Lullyk Luis XIV.aren gortean zuzentzen zuen taldetik hartu zuen orkestrak izena. Musikari espezializatuak dira kide guztiak, eta aski ezagunak dira antzinako musikaren munduan.

La Petite Bande (Bélgica) fue fundada en 1972 por Sigiswald Kuijken a petición de la compañía discográfica Deutsche Harmonia Mundi para grabar Le Bourgeois Gentilhomme de Lully, bajo la dirección de Gustav Leonhardt. La Orquesta toma su nombre de la formación de la orquesta que dirigía Lully en la corte de Luis XIV. Todos sus miembros son músicos especializados, reconocidos en el mundo de la música antigua.

Hasierako asmoa ez bazen ere orkestra iraunkor bat osatzea; baina grabazioak izugarrizko arrakasta izan zuenez, kontzertuak ematen hasi ziren erregularki. La Petite Bande frantses musikaren alorrean aritu zen hasieran, baina urteen joanean, errepertorioa zabaltzen joan ziren, eta italiar maisuen eta beste hainbaten lanak interpretatu dituzte, hala nola, Bach, Haendel, Gluck, Haydn, Mozartenak.

Aunque, originalmente, La Petite Bande no fue creada con la intención de ser una orquesta permanente, el éxito de su grabación fue tal, que comenzaron a dar conciertos con mucha regularidad. En un principio se dedicaron sólo a la música francesa pero fueron ampliando el repertorio a lo largo de los años e incluyeron obras de maestros italianos y de Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart entre otros.

La Petite Bande orkestrak musika-tresnetarako lanak zein ahotserakoak grabatu dituzte, aldi barrokoko eta klasikoko operak eta oratorioak barne. La Petite Bandek grabazioak egiten ditu Deutsche Harmonia Mundi, Denon, Accent eta Hyperion etxeentzat.

La Petite Bande ha grabado obras instrumentales y vocales, incluyendo óperas y oratorios de los períodos barroco y clásico. La Petite Bande actualmente realiza grabaciones para Deutsche Harmonia Mundi, Denon, Accent e Hyperion.

Nazioarteko jaialdi ugaritan eta kontzertu zikloetan parte hartzen du, Europan, Japonian, Australian, Hego Amerikan eta Txinan.

También ha actuado en numerosos festivales internacionales y ciclos de conciertos en Europa, Japón, Australia, América del Sur y China.

2006an, La Petite Bandek Pasioa San Joanen arabera lana interpretatu zuen, baina ez koroarekin, lau abeslari solisten bi saiorekin baizik.

En 2006, la Petite Bande vuelve a interpretar La Pasión según San Juan, no con un coro, sino con dos veces cuatro cantantes solistas.

Vivaldiren Lau urtaroak lanaren grabazioan -2005ean Europan egindako bira- nolabaiteko espiritu alaia da nagusi. Urte horretan, Haendelen Concerti Grossi produkzioa egin zuten, eta baita Purcellen antzerkirako musikarena ere (kontzertuak Alemanian, Frantzian eta Belgikan).

Un cierto espíritu alegre predomina en las grabaciones de Las cuatro estaciones de Vivaldi - gira de conciertos por Europa en 2005 - año en el que también hicieron una producción de los Concerti Grossi de Handel y de la música para teatro de Purcell (conciertos en Alemania, Francia y Bélgica).

Urte bereko udan, Bachen Kantatak interpretatu zituzten, izan ere, Bachen kantata liturgiko guztiak grabatzeko agindu izugarria jaso zuen La Petite Bandek ACCENT diskoetxearen eskutik (proiektuak 2010. urtea arte iraungo du).

En el verano del mismo año interpretan las Cantatas de Bach, dado que La Petite Bande comienza el monumental encargo de grabar la integral de las cantatas litúrgicas de Bach para ACCENT (un proyecto que durará hasta 2010!).

Beste behin hemen ere indar mugatuek emango dute Vivaldiren ideia musikal harrigarriak argitara ateratzeko aukera.

Una vez más, aquí también fuerzas limitadas permitirán que salgan a la luz las sorprendentes ideas musicales de Vivaldi.

2007ko martxoan, Petite Bande txiki batek, Cristoph eta Stephan Genz-ekin batera, Monteverdiren Musika Sekularrari eta Schützen Musika Sakratuari buruzko “ensemble kontzertu” askotarikoa aurkeztu zuen.

En marzo 2007, una Petite Band reducida, junto con Cristoph y Stephan Genz, presenta un variado “concierto ensemble” de Música Secular de Monteverdi y Música Sacra de Schütz,

2007ko ekainerako hainbat proiektu dituzte, Bachen Brandenburgoko kontzertu guztiak barne; kontzertu horiek interes handikoak dira da spalla biolontxeloa erabiliko baitute.

En junio 2007 tiene programada una serie de proyectos que incluirán La Integra de los conciertos de Brandenburgo de Bach, lo que será particularmente interesante por la utilización del violoncello da spalla.

2007ko udako denboraldian napolitar intermezzo bat da nabarmenena: G. Sellittoren La Vedova Ingeniosa (Béatrice Cramoix zuzendaria; Letizia Dradi koreografoa).

La temporada de verano 2007 se verá realzada por un Intermezzo Napolitano: La Vedova Ingeniosa de G. Sellitto (dirigido por Béatrice Cramoix; coreografiado por Letizia Dradi).

La Petite Bandek Belgikako Flandestar Erkidegoko Ministerioaren babesa du, eta baita Vlaams-Brabant Probintziakoarena ere, eta 1997. urteaz geroztik, Lovainako Orkestra Egoiliarra izan da.

La Petite Bande está patrocinada estructuralmente por el Ministerio de la Comunidad Flamenca de Bélgica y por la Provincia de Vlaams-Brabant y desde 1997, La Petite Bande ha sido Orquesta en Residencia en Lovaina.

Sigiswald Kuijken 1944an jaio zen Bruselatik hurbil. Biolin ikasketak egin zituen Brujas eta Bruselako kontserbatorioetan eta 1964an azken horretan graduatu zen Maurice Raskinek zuzenduta. Bere anaia Wieland bezala, oso gaztea zela hasi zen antzinako musikaren arloan. Interpretazio teknika berriak eta biolin eta zango biolaren harremanak interesatzen zaizkio, eta horren ondorioz, 1969an interpretazio teknika berriztu zuen biolin barrokoa jotzeko modu historikoari begira, jatorragoa, hau da, biolina aske bermatuko da sorbaldaren gainean, kokotzaren azpian eduki beharrean. Biolina jotzeko modu berri hori musikari ugarik hartu zuten 1970eko hamarkadaren hasieran.

Nace en 1944, en las cercanías de Bruselas; cursa estudios de violín en los conservatorios de Brujas y de Bruselas y en 1964 se gradúa en éste último, bajo la tutela de Maurice Raskin. Entra en contacto con la música antigua siendo muy joven, al igual que su hermano Wieland. Se interesa por nuevas técnicas de interpretación y convenciones de violín y viola da gamba, lo que le lleva a introducir en 1969 una renovación de la técnica interpretativa atendiendo a la manera histórica de tocar el violín barroco, modo más auténtico que consiste en reposar el violín libremente sobre el hombro en vez de mantenerlo debajo de la barbilla. Esta nueva forma de tocar el violín es adoptada por gran número de músicos a principios de 1970.

1986an Kuijken String Quartet sortu zuen (François Fernández, Marleen Thiers eta Wieland Kuijkenekin), aro klasikoko laukote eta boskoteetan espezializatutako taldea (Ryo Terakado biolin nagusi). Salmgai dituzte Mozart eta Haydnen laukote eta boskoteen grabazioak dituzten diskoak Denon zigiluarekin.

En 1986, funda el Kuijken String Quartet (con François Fernández, Marleen Thiers y Wieland Kuijken) grupo especializado en cuartetos y quintetos del Periodo Clásico (con Ryo Terakado como primer violín). Han salido a la venta discos de las grabaciones de cuartetos y quintetos de Mozart y de Haydn, bajo el sello de Denon.

1964tik 1972ra Bruselako Alarius Ensemble taldeko kidea da (Wieland Kuijken, Robert Kohnen eta Janine Rucinlichtekin) eta horrekin Europa osoan eta Estatu Batuetan jo du. 1960. urte bukaeran ganbera musikako bakarkako proiektuetan aritu zen eta musika barrokoan espezializatutako musikari ugarirekin egin

Desde 1964 hasta 1972 es miembro del conjunto de Bruselas Alarius Ensemble (con Wieland Kuijken, Robert Kohnen, y Janine Rubinlicht), con el que actúa por toda Europa y los Estados Unidos. A finales de 1960, se dedica a proyectos individuales de música de cámara colaborando con numerosos músi-

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zuen lan, besteak beste Wieland eta Barthold bere anaiak, Robert Kohnen, Gustav Leonhardt, Frans Brüggen, Anner Bylsma eta René Jacobs.

cos especializados en música barroca, ente los que caben destacar sus hermanos Wieland y Barthold, Robert Kohnen así como Gustav Leonhardt, Frans Brüggen, Anner Bylsma y René Jacobs.

1971n, Deutsche Harmonia Mundik eta Gustav Leonhardtek animatuta, La Petite Bande orkestra barrokoa sortu zuen eta horrek ordutik kontzertu ugari eman ditu Europan, Australian, Hego Amerikan, Txinan eta Japonian. Halaber, grabaketa asko egin ditu Harmonia Mundi, Seon, Virgin, Accent, Denon, Hyperion, etab. zigiluentzat.

En 1971, animado por Deutsche Harmonia Mundi y por Gustav Leonhardt, funda la orquesta barroca La Petite Bande, la cual desde entonces ha dado numerosos conciertos por Europa, Australia, América del Sur, China y Japón. También realiza muchas grabaciones para los sellos Deutsche Harmonia Mundi, Seon, Virgin, Accent, Denon, Hyperion...

1971 eta 1996 bitartean biolin barrokoko eskolak eman zituen La Hayako “Koninklijk Conservatorium”en eta 1993tik irakaslea da Bruselako “Koninklijk Muziekconservatorium”en. Horrez gain, sarritan deitzen dute irakasle gonbidatu moduan Londreseko Royal College of Musicen, Salamancako Unibertsitatean, Sienako Accademia Chigiana, Ginebrako Kontserbatorioan, eta Leipzigeko Musichochschulen.

De 1971 a 1996 da clases de violín barroco en “Koninklijk Conservatorium”, La Haya y desde 1993 es profesor en “Koninklijk Muziekconservatorium”, Bruselas. Además, se halla en gran demanda como profesor invitado en numerosas instituciones como Royal College of Music en Londres, Universidad de Salamanca, Accademia Chigiana en Siena, el conservatorio de Ginebra y Musikchochschule en Leipzig.

1998tik noizean behin orkestra sinfoniko “modernoak” zuzentzen ditu programa erromantikoak interpretatzeko. Horien artean aipagarriak dira Beethoven, Schumann, Brahms eta Mendelssohnen lanak.

Desde 1998, ocasionalmente dirige orquestas sinfónicas “modernas” para interpretar programas románticos entre los que caben mencionar obras de Beethoven, Schumann, Brahms y Mendelssohn.

2004tik aurrera, interpretazio praktikoan sartzen du viola da spalla (sorbaldako txeloa, seguruenik Bachek buruan izan zuen musika tresna txeloan jotzeko sei soloak idatzi zituenean): Bachen eta Vivaldiren kontzertu eta grabaketak.

A partir de 2004, reintroduce en la interpretación práctica La Viola da spalla (el celo de hombro, probablemente el instrumento que tuvo en mente Bach cuando escribió sus seis solos para celo): conciertos y grabaciones de Bach, Vivaldi...

2007ko otsailean Kuijkenek K.U. Leuvenen ohorezko doktoratu titulua hartu zuen.

En febrero 2007, Kuijken recibe el título de doctorado honorario de K. U. Leuven.

Las Cuatro Estaciones de Vivaldi Vivaldiren Lau urtaroak lanaren gure bertsioa bi

Nuestra versión de Las cuatro estaciones de Vivaldi difiere fundamentalmente de otras previas versiones en dos puntos:

Lau urtaroak lana ganbera musikaren erara interpretatzen dugu, hau da, solisten pasarteak ez daude bikoiztuta. Entzuleek ez dute biolin solista bakarreko ganbera orkestra bat entzungo; besterik gabe, 3 biolin (horietatik biolin nagusiak joko du solistaren atala), biola bat eta biolontxelo bat (ondoren deskribatzen dudan motakoa) entzungo dituzte, eta horiek guztiak klabezin bakar batez lagunduak.

1.Interpretamos las cuatro estaciones como música de cámara, es decir, las partes solistas no están dobladas. El público no escuchará una orquesta de cámara con un violín solista, sino sencillamente, 3 violines (de los cuales, el primer violín, toca la parte solista), una viola y un violoncello (del tipo que describo a continuación), todos ellos apoyados tan solo por un clave.

2. Hemen erabilitako biolontxeloa “Violoncello da spalla” edo “Sorbaldako biolontxeloa” deiturikoa da.

2. El violoncello utilizado aquí, es el “Violoncello da spalla” o “violoncello de hombro”.

Orain dela gutxiko ikerketen bitartez argitzen ari da zer esan nahi zuen “Violoncello” terminologiak XVII. mendearen azken zatian eta XVIII. mendearen lehenengo hiru edo lau hamarraldietan.

Investigaciones recientes están arrojando nueva luz sobre el significado de la terminología “Violoncello” en la última parte del siglo XVII y en las tres o cuatro primeras décadas del siglo XVIII.

Orain arte ontzat hartu da –eta beste ikerketarik edo bereizkeriarik egin gabe–, “violoncello” terminoa denok ezagutzen dugun musika-tresnari dagokiola; baina ziurtasun historiko horretan sakonago begiratuz gero ikusten dugu hipotesi hori zalantzan jarri behar dela, berriro ere.

Mientras que siempre se ha dado por hecho, y sin otras investigaciones o diferenciaciones, que el término “violoncello” se refería al instrumento que indudablemente todos conocemos, una mirada más profunda a la evidencia histórica nos revela que esta suposición ha de volver a ser cuestionada.

Auzia hobeto ulertzeko, hainbat gai hartu behar dira kontuan. Lehenbizi, gogoan eduki behar da “violoncello” hitza oso gutxitan agertzen dela garai hartako partituretan, musika-tresna hura ez baitzen oso estimatua. Ohitura dugu XVII. eta XVIII. mendeetako baxu jarraitua interpretatzeko musika-tresna egokientzat “txeloa” hartzeko, baina ohitura hori egokitu egin behar da: izan ere, baxu jarraiturako idatzitako atal gehienek, jarraituaren atalerako diseinatzen dute harizko tresna baxua, “Violone” edo besterik gabe “Kontrabaxu” moduan (Frantzian, “basse de violon”). Termino horrek (violone edo besterik gabe kontrabaxu) zer adierazi nahi zuen ulertzeko baxu jarraituko hainbat musika-tresnari zegokiola (1730-1740 arte, Europa osoan zehar) onartu behar dugu: baina horiek guztiak “gure” txeloa baino maila nabarmen handiagokoak; eta ensemble edo talde handiagoen testuinguruan, termino horrek argi eta garbi adierazten zuen partituran idatzitakoa baino zortzidun baxuagoan jotako tresna (gure kontrabaxuak bezala).

Para una mejor comprensión, el primer hecho relevante a tener en cuenta, es que en las partituras de aquellos años, el término “violoncello” se utilizaba muy rara vez; este instrumento no tenía gran demanda. Nuestra costumbre de ver “el cello” como el instrumento más obvio para interpretar el bajo continuo durante los siglos 17 y 18 ha de ser ajustada: en realidad, casi todas las partes escritas para el bajo continuo, diseñan el anhelado instrumento bajo de cuerda para la parte del continuo como “Violone” o simplemente “Contrabajo” (en Francia: “basse de violon”). Para intentar comprender a lo que se refería este término (violone o solamente contrabajo), tenemos que admitir ahora que se refería (hasta 1730-1740 y por toda Europa) a una variedad de instrumentos de bajo contínuo: pero todos ellos considerablemente de mayor talla que “nuestro” cello; y en el contexto de ensembles o grupos más grandes, este término indicaba claramente un instrumento tocado una octava más baja que la escrita en partitura (como nuestro contrabajo).

Bigarrenik, XVII. mendaren azkenaldiko eta XVIII. mendearen hasierako hainbat hiztegitako deskribapenak eta artikuluak aztertzean kontuan hartu behar da “violoncello” terminoak (erabiltzen zenean) baxu jarraitu/harizko baxu horren oso bestelako musikatresna bat adierazten zuela; normalean, eskuineko sorbaldan bermatuta jotzen zen, eta bularraren aurrealdean edukitzen zen, lepora lotutako uhal baten bitartez edo alkandoraren edo txalekoaren botoi bati lotuta. Horregatik esaten zitzaion “Violoncello da spalla” (edo “viola da spalla”, spalla hitzak sorbalda esan nahi du); baina “violoncello” hitzak 1758. urterako, dirudienez, “sorbaldako txelo” hori ekartzen zuen gogora, J. Adlung-en “Anleitung…” lana irakurtzean egiaztatu ahal izango dugunez.

En segundo lugar, otro hecho a tener en cuenta a la hora de examinar las descripciones y los artículos en varios diccionarios de la última parte del siglo 17 y principios del 18, es que el término “violoncello” (cuando se usaba) hacía referencia a un instrumento claramente diferente a este bajo continuo/bajo de cuerdas; normalmente se tocaba apoyado en el hombro derecho y se mantenía delante del pecho por medio de una correa sujetada al cuello o atado a uno de los botones de la camisa o chaleco. Por esta razón, se le llamaba “Violoncello da spalla” (también “viola da spalla” como sinónimo- spalla que significa hombro), pero tan solo el término “violoncello” parece haber evocado ya en 1758 este “cello de hombro” como podemos comprobar al leer “Anleitung etc” de J.Adlung.

John Matthesonek 1713an Viola da spalla tresnari buruz egindako deskribapenean, tresna horren erresonantzia nabarmendu zuen bereziki: erabat askea eta irekia, inola ere ez ezindua, eta beraz, erresonantzia horren ondorioz, gai da hots garbi eta sarkorra sortzeko.

La descripción de John Mattheson de la Viola da spalla en 1713, resalta especialmente la resonancia de este instrumento: totalmente libre y abierta, para nada impedida, y así, capaz de producir un sonido claro y penetrante como resultado de dicha resonancia.

puntu hauetan bereizten da aurretik egindako beste bertsio batzuetatik:

S. K. Kuijken

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Egitarauari buruz

Notas al programa

Historikoki, “folia” hitza dantza portuges bat eta espainiar dantza bat izendatzeko erabili izan da; dena dela, idatzitakoaren arabera, aurrekoa da dantza portugesa. Jatorrian, landareen emankortasuna sinbolizatzeko erabiltzen ziren lanak ziren; hortaz, oso pieza alaiak eta melodismo errazekoak ziren. Horregatik, XVI. mendearen amaieraz geroztik, foliaren musika Europa osoan zehar zabaldu zen, eta nobleengana eta gorteetako dantzetara iritsi ziren. XVII. mendearen erdialdean, progresio harmoniko handiagoa hartzen hasi zen, eta lan instrumentaletan beste dantzekin bateratu zen, hala nola, sarabanda, biribilketa, ciacona edo chacona, allemande…

Históricamente, el término “folía” se refiere a una danza portuguesa y a otra española, siendo anterior la lusitana, según se ha escrito. Se trataba de piezas populares que en su origen servían para simbolizar la fertilidad vegetal, por lo que poseían un carácter alegre y de fácil melodismo. Por ello, desde finales del s. XVI el tema musical de la folía se extiende por toda Europa, pasando incluso a sociedades nobles y bailes cortesanos. Pero ya a mediados del XVII comienza a adquirir una mayor progresión armónica y se une en las obras instrumentales a otras danzas como la sarabanda, el pasacaille, la ciacona o chacona, la allemande…

XVIII. mendearen hasieran, estilo horretako hainbat lan ezagutzen hasi ziren, izen horrekin berarekin. Arcangelo Corelli musikagileak 1700. urtean genero horretako partiturak argitaratu zituen, eta hurrengo urtean, Marin Marais paristarrak Les folies d´Espagne, ouvre pourgamba et autre instruments lana inprimatu zuen. 1705ean Antonio Vivaldik –bi urte lehenago apaiztu zenak– Duodici suonate da camera a tre, due violini, e Violone o Cembalo (Sonatak, Opus 1, hirukotean) bilduma argitaratu zuen Venezian. 12 sonata horietako azkenak du, hain zuzen ere, La Follia izena; bertan biolontxeloa eta klabea tresna alternatiboak dira, osagarriak izan beharrean.

A comienzos del s. XVIII se empiezan a conocer ya algunas obras con este estilo y hasta con este nombre. Arcangelo Corelli publica en 1700 partituras de este género y al año siguiente el parisino Marin Marais hace imprimir Les folies d´Espagne, ouvre pourgamba et autre instruments. Fue en 1705 cuando Antonio Vivaldi –quien se había ordenado sacerdote dos años antes— publica en Venecia su primera colección de Sonatas en trío opus I, bajo el título Duodici suonate da camera a tre, due violini, e Violone o Cembalo. Precisamente la última de estas 12 sonatas es la denominada La Follia, por su carácter pues, de hecho, el violonchelo y el clave aparecen como instrumentos alternativos en vez de complementarios

Michel Talbotek adierazten duenez Opus 1eko sonata horiek “eredu baten gehiegizko mendekotasunaren –gaztetako lan askok bezala– eta aske izateko saio harrigarri eta sarritan baldarraren artean dabiltza, baina, batez ere, Corelliren eragina dute, seguru asko veneziar imitatzaileen lehenengo belaunaldiak helarazia, Gentili, Ruggieri eta Albinonik besteak beste”. Baina Talbotek eransten du “Follian, teknika instrumentalaren zabalkundeari esker irudimena edertu zaion musikagile baten antzera agertzen zaigu Vivaldi, ondorengo mendeetan Lisztekin eta Ravelekin gertatu bezala”.

Indica Michel Talbot que estas sonatas del op.-1 “oscilan, como muchas composiciones juveniles, entre la excesiva dependencia de un modelo y una sorprendente tentativa, a menudo torpe, por ser libres, y sobre todo muestran la influencia de Corelli, probablemente transmitida por la primera generación de imitadores venecianos como Gentili, Ruggieri y Albinoni”. Pero añade Talbot que “en la follia, Vivaldi se nos muestra, al igual que Liszt y Ravel en siglos posteriores, como un compositor cuya imaginación se ilumina de forma fructífera gracias a la expansión de la técnica instrumental”.

1728an, Michel-Charles Le Cene inprimatzaileak Vivaldiren zehar flautarako sei kontzertu argitaratu zituen, Amsterdamen. Sei concerti a flauto traverso, violino primo e secondo, alto viola e violoncello, opera X du izenburua. RV 435 Kontzertua izan ezik, gainerako lan guztiak ganbera kontzertuen eta Vivaldiren flauta gozorako kontzertuaren lan berreginak dira, zehar flautarako egokituak.

En 1728, el impresor Michel-Charles Le Cene publica en Amsterdam seis conciertos para flauta traversa, de Vivaldi. El título es Sei concerti a flauto traverso, violino primo e secondo, alto viola e violoncello, opera X. Con excepción del concierto RV 435, todos los otros trabajos son reelaboración de conciertos de cámara y un de concierto vivaldiano para flauta dulce, adaptados para la flauta traversa.

J. S. Bachek egin bezala, Vivaldik ere zehaztasunez bereizten ditu musika-tresnak bere kontzertuetan, alderdi terminologikoari dagokionez. Era horretara, honako izendapen hauek erabiltzen ditu: flauto, flauta gozoa; flauto traverso edo traversiere, zehar flauta; flauto grosso, flauta gozo tenorra, seguru asko; eta flautino, flauta gozoa, ohiko flautaren gainetik zortzidun bat gozatua.

Del mismo modo que lo hiciera J. S. Bach, Vivaldi impone una exacta distinción terminológica de los instrumentos que empleó en sus conciertos. Así, las denominaciones son: el flauto, término dado por la flauta dulce; el flauto traverso o traversiere, por la flauta traversa; el flauto grosso, probablemente una flauta dulce tenor; y el flautino, una flauta dulce afinada una octava por arriba de la flauta común.

Amsterdamen argitaratutako kontzertu horietako batzuetan izenburua azalpen modu bat da, eta berregindako lana dela ere adierazten da. Esate baterako, Opus X. RV 433 1. Kontzertuak, fa maiorrean, La tempestá di mare du izenburua; Opus X. RV 439 2. Kontzertuak, sol minorrean, La notte, Kontzertua sol minorrean zehar flautarako, 2 biolinetarako eta fago-

Varios de estos conciertos publicados en Amsterdam poseen un título explicativo, así como se indica que se trata de una reelaboración. Así, el Concierto en Fa mayor RV 433 se titula “La tempestá di mare” Opus X, N° 1; el Concierto en sol menor RV 439 es “La notte” Opus X, N° 2, reelaboración del “Concierto en sol menor para flauta traversa, 2 violines y

terako lanaren berregitea da; Opus X. RV 428 3. Kontzertuak, re maiorrean, Il Gardellino du izenburua, eta RV 90 Kontzertua Re maiorrean, flauta, oboe, biolin eta fagoterako kontzertu berregina da. Karnaba da Il Gardellinoren esanahia. Idatzi bezala, izenburua duten kontzertu horiek, Il Gardellino, Notte eta Tempestá de mare kasu honetan, izaera berezia dute. “Flautaren lilura oso-osorik agertzen zaigu: gauaren misteriozko alderdi barneraezinaren bitartez, itsasoko ekaitzaren zurrunbilo eta asalduraren bitartez, “Karnabaren” txorrotxio ederraren bitartez. Italiar barrokoaren freskotasuna itzultzen digu, bete-betean. Antonio Vivaldiren jeinutasuna ekartzen digu, distiraz beterik.”

fagot” -; El Concierto en Re mayor RV 428 se denomina Il Gardellino Opus X - N° 3. Es reelaboración del “Concierto en Re mayor para flauta, oboe, violín y fagot” RV 90. Il Gardellino significa El Jilguero. Como se ha escrito, estos conciertos “con título”, en este caso, Il Gardellino, la Notte y la Tempestá de mare tienen un carácter especial. “La flauta se nos muestra con todo su encanto, ya sea desde lo misterioso e insondable de la noche, en la turbulencia y agitación de la tempestad del mar o en los bellísimos trinos del “Jilguerillo”. Nos devuelve el barroco italiano en toda su frescura. Nos trae el genio de Antonio Vivaldi en todo su esplendor.”

Da spalla biolontxeloak, aurretik, solista gisa jardun du RV 403 Kontzertuan –lehen aldiz, Kuijken-ek dionaren arabera–, eta emaitza interesgarria izan da, benetan.

Previamente, el violonchelo da spalla ha intervenido como solista -por primera vez, indica Kuijken en el folleto- en el Concierto RV 403 con interesantes resultados.

Antonio Vivaldi biolin irakasle izendatu bazuten ere lehenbizi, harreman handia izan zuen beren lanetan biolontxeloarekin eta fagotarekin. Hugo di Leonadok dion bezala “fagota izan zen Vivaldiren beste musika-tresna kutuna, baina txeloak “zabaltzeko” aukera eman zion: hau da, tenor ahotseko musika-tresna izanik, berdin-berdin izan zitekeen zortzidun bat beherago dagoen biolina, edo irudika zezakeen baxuaren pasartea, halako eran non harmonia eta egitura manten zezakeen orkestraren barruan.

Si bien Antonio Vivaldi fuera en primer lugar nombrado como profesor de violín, poseería también una amplia relación con el violonchelo y el fagot en sus composiciones. Tal y como dice Hugo di Leonardo, “así como lo fuera el fagot, el otro instrumento privilegiado por Vivaldi, el cello, tenía la posibilidad de “desdoblarse”: es decir que podía ser al mismo tiempo un instrumento dotado de una voz tenor, como un violín una octava abajo, o bien representar la parte del bajo, de tal forma que estaba en condiciones de sostener la armonía y la estructura, en el conjunto orquestal.

Vivaldiren lanen katalogoan 27 kontzertu daude txelo solista eta harirako, kontzertu bat bi txelorako, lau biolin eta txelorako, bi bi biolin eta txelorako, bat biolin eta bi txelorako, bi kontzertu bi biolin eta bi txelorako, eta bi kontzertu lau biolin eta txelorako.

El catálogo de obras de Vivaldi registra la cantidad de 27 conciertos para cello solista y cuerdas, un concierto para dos cellos, cuatro para violín y cello, dos para dos violines y cello, uno para violín y dos cellos, dos para dos violines y dos cellos, y dos para cuatro violines y cello.

Vivaldi izan zen, handik zenbait urtera Leonardo Leo (1694-1744) eta Niccoló Porpora (1686-1768) musikagileek egingo zuten erara, txeloari solistaren maila eman zion musikagile handienetakoa, tresna horretarako osatu zuen lan multzoaren bitartez. Cesare Fertonaniren iritziz, txelorako kontzertuen italiar literaturaren abiapuntua izan ziren lan horiek, XVIII. mendearen lehenengo erdialdean.

El conjunto de la obra para cello ubica a Vivaldi como el más importante compositor en otorgar al instrumento jerarquía solista, como años más tarde lo harían Leonardo Leo (1694-1744) y Niccoló Porpora (1686-1768). Cesare Fertonani opina que son el punto de partida de la literatura italiana de conciertos para violoncello en la primera mitad del siglo XVIII.”

RV 403 Kontzertu honen hiru mugimenduek ahalmen berezia dute, baina entzulearentzat Andante e spiritoso mugimendua izango da estimatuena, zalantzarik gabe.

Los tres movimientos de este concierto RV 403 poseen una especial facultad, pero sin duda el más apreciado por el oyente podrá ser el Andante e spiritoso.

Vivaldiren Concerto in C Major, RV444 historian zehar piccolorako osatu den lan egokienetako bat da, nahiz eta lan hau, askotan, orkestra emanaldietan ere interpretatzen den. Izaera sendoko musika du, atsegina zein hezigarria, izan ere, lan hau interpretatzeko eta entzuleari atsegin emateko, ezinbestekoa da lana oso ondo egitea. Vivaldi sortzaile emankorra izan bazen ere, modu perfektuan erabiltzen ditu hainbat musika-tresna. Esate baterako, kasu honetan mugimendu geldiaren (Largo) apaindurak dotore zein apaingarriak dira, baina, aldi berean, lerro melodiko luzeen marrazkia osatzeko balio dute. Eta beste kasu batzuetan, Vivaldik teknika bikaina zuela erakusten du piccoloa erabiltzeko moduan.

El Concerto in C Major, RV444, de Vivaldi, se trata de una de las labores más idóneas ejecutadas a lo largo de la historia para el flautín (piccolo solista), si bien con frecuencia se emplee esta obra también en emisiones de orquesta, en bastantes conciertos. Se trata de una música de muy sólida entidad, que resulta tan grata como educativa, ya que para interpretar esta obra y agradar al oyente hace falta un buen desempeño de este trabajo. Aunque Vivaldi fuera un prolífico creador, su utilización de diversos instrumentos resulta perfecta. Por ejemplo, en este caso los adornos en el lento movimiento, el Largo, son tan elegantes como decorativos, pero al mismo tiempo sirven para ir completando el dibujo de las largas líneas melódicas. Así, como en otros casos, el empleo del flautín en la escritura vivaldiana de muestra ser una técnica magistral.

J.A.Z.

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A. Scarlatti (1660-1725)

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Maiatzak 18 de Mayo

LA RISONANZA Raffaella Milanesi (sopranoa) Nick Robinson (biolina) Carlo Lazzaroni (biolina) Caterina Dell’ Agnello (biolontxeloa) Zuzendaria: Fabio Bonizzoni

Egitaraua / Programa

Lehen Zatia / Iª Parte

* Suonata a due violini e basso continuo en si minore Op. I, nº 11 RV 79

A. Vivaldi (1678-1741)

Preludio largo, Allegro, Giga Allegro, Gavotta

A. Scarlatti (1660-1725)

* “Bella madre de`fiori” (Cantata per soprano, archi e basso continuo)

G. F. Händel (1685-1759)

* “Mi palpita il cor” (Cantata per soprano, archi e basso continuo)

Bigarren Zatia / IIª Parte

* Suonata a due violini e basso continuo in re minore Op. I nº 8 RV 64

A. Vivaldi

Preludio Largo, Corrente Allegro , Grave, Giga Allegro * Notte placida e cheta

G. F. Händel

(Cantata per soprano, archi e basso continuo)

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La Risonanza

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1995ean Fabio Bonizzotik sortutako ahots eta musika tresna taldea da La Risonanza. Hirutik hogeira kide bitarteko taldea da, abeslariak eta musikariak kontuan hartuta, egiten dituen programen arabera. Oinarrizko errepertorioa musika barroko italiarra da, eta orokorrean XVII eta XVIII. mendeetan idatzitako musika, betiere estilo italiarraren eragina duena.

La Risonanza es un conjunto vocal e instrumental fundado en 1995 por Fabio Bonizzoni. Tiene un orgánico variable desde tres hasta veinte músicos, entre cantantes e instrumentistias, en función de los diversos programas que desarrolla. Su repertorio fundamental es la música barroca italiana y, más en general, la musica escrita en los siglos XVII y XVIII influída por el estilo italiano.

La Risonanzak abeslari desberdinekin lan egin ohi du, besteak beste: Roberta Invernizzi sopranoa, Gloria Banditelli mezzosopranoa, Martin Oro kontratenorea, Emanuela galli sopranoa edota Sergio Foresti baxua.

La Risonanza colabora regularmente con cantantes como la soprano Roberta Invernizzi, la mezzosoprano Gloria Banditelli, el contratenor Martin Oro, la soprano Emanuela Galli o el bajo Sergio Foresti.

La Risonanza musika jaialdi garrantzitsuetara gonbidatu ohi dute, besteak beste: Holandako Netwerk vor Oude Muziek, Magonzako il Kupferberg e Villa Musica, Rheingau Musik Festival di Wiesbaden, Lipsiako MDR Musiksommer, Grazeko Styriarte, Musica e Poesia a San Maurizio, Fundación Cajamadriden Los Siglos de Oro, Utrechteko Jaialdia, Fondazione Marco Fodella di Milano, Festival Internazionale di Musica Antica di Cesano Maderno, Semana de Música Religiosa de Cuenca eta beste asko. 2004 urte osoan, H.I.F. Biberren heriotzaren hirugarren mendeurrena zela eta, La Risonanzak kontzertu bira handia egin zuen Espainia osoan zehar (Fundación Cajamadriden Liceo de Cámara, Festival Internacional de Santander, Donostiako Musika Hamabostaldia, Festival Internacional del Camino de Santiago, Pórtico de Semana Santa de Zamora) Biberen Sonatas del Rosario lan osoarekin, arrakasta handia lortuz jendearen eta kritikaren artean. 2005eko Aste Santuan La Risonanzak Espainian kontzertu bira egin zuen Capilla Peñafloridaren laguntzarekin Venezian 1739an ospatu zen Antonio Vivaldiren Vespro Solenne per la Domenica di Pasqua lanaren gaur egungo birmoldaketa aurkezteko.

La Risonanza es regularmente invitada por importantes Festivales musicales como el Netwerk vor Oude Muziek de Holanda, il Kupferberg e Villa Musica de Magonza, el Rheingau Musik Festival di Wiesbaden, MDR Musiksommer de Lipsia, Styriarte de Graz, Musica e Poesia a San Maurizio, Los Siglos de Oro de la Fundación Cajamadrid, Festival de Utrecht, la Fondazione Marco Fodella di Milano, el Festival Internazionale di Musica Antica di Cesano Maderno, Semana de Música Religiosa de Cuenca y muchos otros. A lo largo de todo el año 2004, y en conmemoración del tercer centenario de la muerte de H. I. F. Biber, La Risonanza ha efectuado una gran gira de conciertos por España (Liceo de Cámara de la Fundación Cajamadrid, Festival Internacional de Santander, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional del Camino de Santiago, Pórtico de Semana Santa de Zamora) con la integral de las Sonatas del Rosario de Biber obteniendo un clamoroso éxito de público y de crítica. Durante la Semana Santa de 2005 la Risonanza realizó una gran gira de conciertos por España en la que, con la colaboración de la Capilla Peñaflorida, ofreció en primicia mundial en tiempos modernos la reconstrucción del Vespro Solenne per la Domenica di Pasqua de Antonio Vivaldi celebrado en Venecia en 1739.

1996an CD bat grabatu zuten Girolamo Frescobaldiren lanekin bete-betean Amadeus aldizkariarentzat. Ondoren La Risonanzak CD bat grabatu du Johann Caspar Kerllen “Missa non sine quare” lanarekin

Después de registrar en 1996 un CD enteramente dedicado a Girolamo Frescobaldi para la revista Amadeus, La Risonanza ha grabado un CD con la “Missa non sine quare” de Johann Caspar Kerll para

Symphonia disko etxearentzat (“Le Monde de la Musique”ren CHOC saria irabazi duena) eta beste bat Luigi Rossiren kantatei dedikatua Milango Stradivarius zigiluan. 2000. urtetik La Risonanzak Glossa espainiar zigiluarentzat grabatzen du eta Barbara Strozzi eta Giuseppe Sammartiniri dedikatutako lanak (Concerti per organo Op. IX) egin ditu. Gaur egun G. F. Händelen italiar kantatak grabatzen ari da musika tresnekin lagunduta Glossa zigiluarentzat. Bildumaren lehenengo bolumenak, Le Cantate per il Cardinal Pamphili, 2007ko Stanley Sadier Händel Prize (Händelen 2006ko diskorik onena) izenekoa irabazi zuen, mundu osoan Händeli buruz gehien dakiten musikari, musikologo, kritiko eta adituek ematen duten sari entzutetsua. Bigarren bolumenak (Le Cantate per il Marchese Ruspoli), argitaratu berriak, Gramphone aldizkari ingeles ospetsuak ematen duen Editor’s Choice saria jaso du.

la casa discográfica Symphonia (disco que ha obtenido el premio “CHOC” de “Le monde de la Musique”) y un CD dedicado a las cantatas de Luigi Rossi en el sello milanés Stradivarius. Desde el año 2000 La Risonanza graba para la casa discográfica española Glossa, donde han aparecido registros dedicados a Barbara Strozzi y Giuseppe Sammartini (Concerti per organo Op. IX). En la actualidad La Risonanza está acometiendo la grabación integral de las Cantatas italianas con acompañamiento instrumental de G. F. Händel en el sello Glossa. El primer volumen de la serie, titulado Le Cantate per il Cardinal Pamphili, ha obtenido el Stanley Sadie Händel Prize de 2007 (“mejor disco de Händel de 2006”), un prestigioso galardón concedido por músicos, musicólogos, críticos y especialistas haendelianos de todo el mundo. El segundo volumen (Le Cantate per il Marchese Ruspoli), de reciente aparición, ha recibido la distinción Editor’s choice de la prestigiosa revista inglesa Gramophone.

Ensemblea honako kide hauek osatzen dute: Nick Robinson, Carlo Lazzaroni (biolina), Carlo Lazzaroni (biolina), Caterina Dell’Agnello (biolontxeloa).

Los componentes de la Ensemble son: Nick Robinson, Carlo Lazzaroni (violín), Caterina Dell’ Agnello (violoncello).

Raffaella Milanesi Roman jaio zen 1997an. Santa Cecilia Kontserbatorioan kantu diploma lortu zuen eta Romako Dantza Akademian dantza klasikoa eta garaikidea ikasi zuen. Ondorengo urteetan nazio zein nazioarte mailako zenbait lehiaketatan finalista eta irabazlea izan zen, besteak beste Ginebrako CIEM.

Nacida en Roma en 1997, logra el diploma de Canto del Conservatorio de Sta. Cecilia, así como realiza estudios de danza clásica y contemporánea en la Academia de Danza de Roma. En los siguientes años es finalista y vencedora de algunos concursos nacionales e internacionales, entre ellos el del CIEM de Ginebra.

2000. urtean Salernoko Verdi Antzokian debutatu zuen Figaroren Ezteiak operako “Susanna” bezala. 2001ean La Clemenza di Titoko “Servilla” interpretatu zuen Pierluigi Pizziren zuzendaritzapean Breszian, Comon, Pisan, Milanen eta Cremonan. Urte berean arrakasta handiz debutatu zuen La Bohèmeko “Musetta” bezala, Sant Gallenen, eta Modenan, Piacenzan eta Ferraran errepikatu zuen, kritiko eta entzuleen artean harrera ona izanik.

Debuta en el 2000 en el Teatro Verdi de Salerno como la “Susanna” de Las Bodas de Fígaro. En el 2001 interpreta la “Servilla” de La Clemenza di Tito, bajo la dirección de Pierluigi Pizzi, en Brescia, Como, Pisa, Milán y Cremona. En ese mismo año debuta con éxito como “Musetta” de La Bohème, en Sant Gallen, rol que ha repetido en Módena, Piacenza y Ferrara, con buena aceptación de crítica y público.

2002ko urrian Tomaso Traettaren Antigona operako izen bereko pertsonaia interpretatzen hasi zen arrakasta handiz Paul Dombrechten zuzendaritzapean Brujasen, Salamancan, Amberesen, Amsterdamen eta Bruselako La Monnaien. Ondorengo urteetan honako pertsonaia hauek interpretatu ditu: Martin i Soleren La Capricciosa Corretako “Cilia” (Lausannen, Madrilen, Bordelen eta Vienan); Mozarten Il re pastoreko “Tamiri” La Monnaien eta “Aminta” Anconan. Arrakasta handiz ere, kastrato arien egitarau zaila interpretatu zuen Les Talens Lyriquesekin Ch. Rousseten zuzendaritzapean Paris eta Lausannen. 2004an Donizettiren Don Pasqualeko

A partir de octubre de 2002 fue interpretando con gran éxito el papel de “Antigona”, de la ópera de ese título de Tomaso Traetta, bajo Paul Dombrecht en Brujas, Salamanca, Amberes, Amsterdam y en La Monnaie de Bruselas. En años siguientes ha llevado a cabo roles como el de “Cilia” en La Capricciosa Correta, de Martin i Soler, (en Lausanne, Madrid, Burdeos y Viena); el de “Tamiri” del mozartiano Il re pastore en La Monnaie, así como interpreta a “Aminta”, de la misma ópera, en Ancona. Con buen éxito canta el difícil programa de arias para castrato, con Les Talens Lyriques bajo Ch. Rousset, en París y Lausanne, etc. En 2004 hace el rol de “Norina” del

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“Norina” interpretatu zuen Lausanen eta berriz ere Traettaren “Antigona” Parisen Les Talens Lyriquesekin. 2005ean, besteak beste, Salieriren La Grotta di Trofonion lan egin zuen, baita J. Christian Bachen Temistocleko “Lisimaco” egin zuen Toulousen eta Leipzigen, beti ere Ch. Roussetekin. Rinaldo Alessandriniren zuzendaritzapean L’Incoronazione di Poppean “Ottavia” bezala debutatu zuen. Eisensadteko Haydn Jaialdian Haydnen “Euridice” egin zuen. Geroago arrakasta handia lortu zuen Luxenburgon, Innsbrucken, Montpellieren, Parisen, Potsdamen etab. batez ere Monteverdi, Händel, Gluck eta Mozarten lanekin.

Don Pasquale donizettiano, en Lausanne; de nuevo “Antígona”, de Traetta, en Paris, con Les Talens Lyriques. En el 2005, entre otras obras toma parte en La Grotta di Trofonio, de Salieri, así como hace el papel de “Lisimaco” del Temistocle de J. Christian Bach, en Toulouse, y Leipzig, siempre con Ch. Rousset. Debuta como “Ottavia” en L’Incoronazione di Poppea, bajo Rinaldo Alessandrini, así como hace “Euridice” de Haydn, en el Festival Haydn de Eisenstadt. Posteriormente ha obtenido grandes éxitos en Luxemburgo, Innsbruck, Montpellier, París, Potsdam, etc., sobre todo con óperas de Monteverdi, Händel, Gluck y Mozart.

Aurten Bruselako Monnaien dago programatuta Rossiniren La Cenerentolako “Clorinda” egiteko. Horrez gain, Händelen kantatekin disko bat grabatuko du F. Bonizzoni eta La Risonanzarekin.

En el presente año está programada, entre otras actividades, como la “Clorinda” de La Cenerentola, de Rossini, en La Monnaie, de Bruselas, así como grabará un disco de cantatas de Händel con F. Bonizzoni y La Risonanza.

Fabio Bonizzoni Gure garaiko orkestra barroko garrantzitsuenekin jo ondoren (Tom Koopmanen Amsterdam Baroque Orchestra, Jordi Savallen Le Concert des Nations, Fabio Biondiren Europa Galante), Fabio Bonizzonik gaur egun bakarlari moduan eta La Risonantza bere taldearen zuzendari lanak egiten ditu. Bakarlari eta zuzendari lan bikoitz horrekin kontzertuak eman ditu mundu osoko antzinako musika jaialdirik eta aretorik garrantzitsuenetan.

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Después de tocar con algunas de las principales orquestas barrocas de nuestro tiempo (Amsterdam Baroque Orchestra de Tom Koopman, Le Concert des Nations de Jordi Savall, Europa Galante de Fabio Biondi), Fabio Bonizzoni se dedica actualmente a la actividad solística y a la dirección de su propio conjunto La Risonanza. Con esta doble faceta de solista y director ha ofrecido conciertos en las más importantes salas y en los principales festivales de música antigua de todo el mundo.

Italian organoan eta klabean diplomatuta, trebatze ikasketak egin zituen 1987 eta 1994 bitartean La Hayako Errege Kontserbatorioan Tom Koopmanen zuzendaritzapean, eta berarekin lortu zuen bakarlari diploma organo barrokoan eta klabean.

Diplomado en órgano y clave en Italia, perfecciona sus conocimientos, desde 1987 a 1994, en el Real Conservatorio de la Haya bajo la dirección de Tom Koopman, con quien obtiene el diploma de solista tanto en órgano barroco como en clave.

Grabaketak egin ditu bakarlari moduan Arcana eta Stradivarius zigiluentzat, eta gaur egun Glossa espainiar etxearentzat grabatzen du, besteak beste honako musikagile hauen lanak: Giovanni Salvatore, Giovani Picchi (“Preis der Deutches Schallplattenkritik” saria), Francesco Geminiani (“ffff” di Telerama saria), Bernardo Storace et Domenico Scarlatti (Scherzoren “Excepcional” saria). Azken grabaketak, argitaratu berria Glossan, J. S. Bachen Goldberg Bariazioak biltzen ditu.

Tras haber realizado varias grabaciones como solista para los sellos Arcana y Stradivarius, en la actualidad graba para la casa discográfica española Glossa, para la cual ha registrado obras de Giovanni Salvatore, Giovanni Picchi (disco premiado con el “Preis der Deutches Schallplattenkritik”), Francesco Geminiani (premio “ffff” di Télérama), Bernardo Storace y Domenico Scarlatti (premio “Excepcional” de Scherzo). Su último registro, de reciente edición e igualmente en Glossa, está consagrado a las Variaciones Goldberg de J. S. Bach.

Gaur egun klabe irakaslea da Trápaniko “A. Scontrino” Kontserbatorioan eta La Hayako Errege Kontserbatorioan.

Actualmente es profesor de clave en el Conservatorio “A. Scontrino” de Trápani así como en el Real Conservatorio de La Haya.

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Egitarauari buruz

Notas al programa

Michael Talbotek Vivaldi liburuan adierazten duen bezala, musikagile horren hamabi Suonate da camera a tre, Op 1 (1705) lanean, txeloa (violine) eta klabezina musika-tresna alternatibo gisa izendatzen dira –ganberako sonaten ohiturari jarraituz–, eta ez tresna osagarri gisa; halaber, baliteke horiek izatea gaur egun arte gorde diren Vivaldiren lan zaharrenak. Gaztetako lan asko bezala, eredu baten gehiegizko mendekotasunaren eta aske izateko saio harrigarri eta sarritan baldarraren artean dabiltza lan horiek. Baina, batez ere, Corelliren eragina ikusten da horietan, seguru asko veneziar imitatzaileen lehenengo belaunaldiak helarazia (Gentili, Ruggieri, Albinoni).

Como indica Michael Talbot en su libro “Vivaldi”, las doce “Suonate da camera a tre, Op 1 (1705), en las que el cello (violone) y el clave aparecen designados –siguiendo la práctica normal de las sonatas de cámara— como instrumentos alternativos en lugar de complementarios, puede que sean las composiciones más antiguas de Vivaldi que se han conservado. Oscilan, como muchas obras juveniles, entre una excesiva dependencia de un modelo y una sorprendente tentativa, a menudo torpe, por ser libres. Sobre todo, muestran la influencia de Corelli, probablemente transmitida por la primera generación de sus imitadores venecianos (Gentili, Ruggieri, Albinoni)”.

Kontzertu honetan interpretatuko diren Antonio Vivaldiren Op. 1, biolin hirukoterako eta baxu jarraiturako bi sonatak 1705ean (musikagileak 27 urte zituela) argitaratutako hamabi sonaten (edo “suonate”) bilduma horretakoak dira. Aipatu ohi da, zuzentasunez –aurretik aipatutako Talboten aipamenean ikus daitekeenez–, Vivaldik, bere belaunaldiko beste hainbat musikagilek bezala, Arcangelo Corelli (1653-1713) imitatu zutela genero horretan, hura baitzen sonata aurreklasikoen aitzindari nagusietako bat. Baina argi dago ez dela imitazio zorrotza, genero horren adiera baizik. Veneziar musikagileak, beste hainbat “berezitasunez” gainera, ez du Corellik “de chiesa” sonaten eta gainerakoen artean egiten zuen bereizkuntza zorrotzik erabiltzen. Vivaldiren antze bere-berezkoaren ezaugarria da, halaber, baxu jarraituaren atalari ematen dion garrantzia, ez baitu laguntza soil gisa hartzen, bi biolinen linea melodikoarekin nahasten den linea oparo gisa baizik. Gainera, kontuan hartu behar dira, oro har, Vivaldiren “ausardia” melodikoa (garai hartarako), gaitasun harmonikoa eta eraikuntzen indar adierazkorra. Op. 1 gazte garaiko sonata horietan iragartzen da zein izango zen Vivaldik hil zen arte (63 urte zituela) bere lan oparoan erakutsiko zuen izaera musikala.

Las dos sonatas para trío de violines y bajo continuo de Antonio Vivaldi, que se interpretan en este concierto pertenecen a ese Op.1, colección de doce sonatas (o “suonate”) publicada en 1705, cuando el autor tenía 27 años. Se suele indicar con toda justicia —así como se nota en la cita dada de Talbot— que Vivaldi, así como otros músicos de su generación, imitaron en este género a Arcangelo Corelli (1653-1713), uno de los grandes precursores de la sonata preclásica. Pero está claro que no es esta una imitación rigurosa, sino más bien la acepción de ese género. Entre otras muchas “diversidades”, puede decirse, por ejemplo, que el músico veneciano no emplea aquella rígida distinción que Corelli realizaba entre las llamadas sonatas “de chiesa” y las otras. Como arte muy propio de Vivaldi en estas composiciones puede también señalarse la importancia que concede a la parte del bajo continuo, sin que se le considere como mero acompañamiento, sino como una generosa línea mezclada con la de los dos violines. Además, en el sentido general ha de tenerse en cuenta también su “atrevimiento” melódico (para aquella época), su capacidad armónica y la fuerza expresiva de sus construcciones. Estas juveniles sonatas Op. 1 anuncian ya la personalidad musical que mostraría Vivaldi en la que sería su amplísima obra que iría creando hasta su muerte, a los 63 años.

Era berean, bi “suonate” horietan dagoeneko atzeman daitezke, Corelliren imitazioa bazterrera utzi gabe, egilearen gaitasun erritmikoa eta melodikoa, eta baita kemen biziko urratsen erabilera ere, cantabile fraseatzearekin txandakatuko duena; teknika hori sonatetan ez ezik, “concerti” delakoetan ere erabili zuen.

Así, en estas dos “suonate” puede apreciarse ya, en cierto modo, sin desechar la imitación corelliana, la capacidad rítmica y melódica del autor, así como su uso de pasos de enérgica vitalidad que se combinarán con el empleo de fraseo cantabile, técnica que utilizará tanto en sus sonatas como en los “concerti”.

M. Talbotek dion bezala, Vivaldik bere egin zuen Corelliren teknika. “Mugimenduen estilizazioa Corellirena da, bete-betean: mugimendu abstraktu batek, tempo geldoan eta Preludio delakoaren bitartez, mugimendu sail bati modu bitarrean sarrera emateko balio du. Bi edo hiru mugimendu hautatzen dira mugimendu ezagunen artean: alemanda, corrente, sarabanda, giga eta gavotta”. Gaurko programa osatzen duten bi lanetan garbi igarri ahal izango dira aipatutakoak.

Como expresa M. Talbot, Vivaldi acoge aquí la técnica de Corelli. “La estilización de los movimientos es muy corelliana: un movimiento abstracto, generalmente un tiempo lento y titulado Preludio, sirve para introducir un grupo de movimientos en forma binaria. Dos o tres movimientos son los elegidos entre los tipos familiares: alemanda, corrente, sarabanda, giga y gavotta”. En las dos obras de este programa de hoy pueden ya captarse estas consideraciones.

Neurri egiturari dagokionez, horrek definituko du zer motatakoa izango den sonata bakoitza, maila handi batean. Era horretara, RV 79, 11. Sonata,

En cuanto a la estructura de medida, se notará que ello define en buena parte el tipo de cada sonata. Así, la Suonata n. 11, RV 79, en si menor, posee un primer

si minorrean lanaren lehenengo mugimendua oso luzea da, hiru mugimenduak elkartuta bezain luzea: lau minutu inguru irauten du, Allegro mugimendua (Corrente), berriz, ez da bi minutu eta erdira iristen, Giga-Allegroa minutu eta erdira, eta amaierako Gavotta minututik gora, Prestoan baitago.

movimiento con una extensión casi tan larga como la unión de los otros tres movimientos: aproximadamente, dura unos cuatro minutos, mientras el Allegro (una Corrente) conlleva menos de dos minutos y medio, la Giga-Allegro un minuto y medio y la Gavotta final poco más de un minuto, ya que va en Presto.

RV 64, Op. 1, 8. Sonata lanaren konbinazioa bestelakoa da: Preludio-Largoa hiru minutu eta erdikoa da; Correntea ez da bi minutura iristen; Gravea, minutu eta erdikoa da, eta Giga bi minututik gorakoa.

La Suonata RV 64, Op. 1 n.8 posee una combinación algo distinta, pues el Preludio-Largo es de unos tres minutos y medio; el Corrente dura algo menos de dos minutos; el Grave, minuto y medio y la Giga algo más de dos minutos.

Alessandro Scarlatti (1660–1725), Domenico musikagile ospetsuaren aita, “erreferentziazko musikagilea da XVII. eta XVIII. mende bitarteko Erromako eta Napoliko musikan”, Raffaele Mellaceren hitzetan. Musika erlijiosoa idazteaz gainera –besteak beste, Napoliko Errege Kaperako Maisu kargua zuelako–, opera ugari idatzi zituen, eta Napoliko opera eskolaren aitatzat eta bere garaiko opera egile onenetakotzat hartzen da. Hala ere, idatzitako lanen artean ganbera musikako lan asko daude, eta horien artean sartzen da Bella madre de “fiori” ganberako kantata profanoa. Napoliko musikagileak trebetasun handiz landu zuen genero hori, eta era horretako lan ugari idatzi zituen: seiehun bat lan ezagutzen dira.

Alessandro Scarlatti (1660–1725), padre del también célebre músico Domenico, es una “figura de referencia en la vida musical deRoma y de Nápoles entre los siglos XVII y XVIII”, como califica Raffaele Mellace. Además de la música religiosa, escrita entre otras razones por la de su cargo de Maes tro de la Capilla Real de Nápoles, compuso un gran número de óperas, siendo considerado como uno de los padres de la escuela napolitana de la ópera y uno de los mejores de su tiempo. Pero en su producción hay también un buen porcentaje de música de cámara, en la que se puede incluir Bella madre de “fiori”, cantata profana de cámara, género que el maestro napolitano cultivó con tanto acierto como en gran cantidad, ya que se sabe que compuso unas seiscientas obras de esta clase.

Bella madre de fiori lanak, ahots bakarrerako, bi biolin, txelo eta baxu jarraiturako idatziak, sarrera instrumentala du, eta horren ondotik datoz ariak eta errezitatiboak. Aipatutako R. Mellacek esan bezala, XVII. mendeko gustuei jarraituz, Cloris abandonatuaren auhena izenburua har zezakeen “artelan txikia, barne mundu konplexu baten itzulpen ahostuna” da. Sarreraren ondoren, zeinetan musika-tresnek lanaren doinu adierazkorra erakusten duten, errezitatibo erraz batekin ekiten dio ahotsak, “Bella madre de’fiori” esaldiarekin; “pintura ahostunaren adibide gorena da, testuaren balio semantiko bakoitzean ausardiaz eta zehaztasunez jartzen du arreta, eta modu berezian azpimarratzen du errezitatiboari amaiera ematen dion distikoa” (Mellace). Horren ondoren aria estrofiko bat dator, “Tortorella dai flebili accenti”, ohiko erreferentzia naturalistetan oinarrituta. Alessandro Scarlattik mugatu egiten du ahotsari laguntzeko instrumentalizazioa, “jarraitura” mugatzen du hain zuzen ere, baina amaierako errepikarako, berriz, organiko osora zabaltzen du. Errezitatibo labur baten ondoren, Ah, Fileno, Fileno, aria batera igarotzen da, Vanne o acro su le sponde, biolin nagusiarekin; emozioen adierazpena argiagoa da, eta auhenaren metafora nagusian sakontzen du, Mallacek azaltzen duen bezala. Azken urratsa errezitatibo eta aria bikotea da, Ma folle é con qui parlo—Aborrita lontananza. Errezitatibo lehorraren eta ariaren artean arioso bat dago, eta horrek handitu egiten du lanaren alderdi eta genero dramatikoa.

Bella madre de “fiori” para solo vocal, instrumentación de dos violines, cello y continuo, se abre con una introducción instrumental, a la que siguen arias y recitativos. Como dice el ya citado R. Mellace, podría titularse, según el gusto del siglo XVII, el Lamento de Cloris abandonada, “una pequeña obra de arte de traducción sonora de un complejo mundo interior”. Tras la introducción en la que los instrumentos muestran ya el tono expresivo de la obra , la voz comienza con un recitativo sencillo, iniciado con la frase “Bella madre de’fiori“ que representa “un altísimo ejemplo de pintura sonora, en su atrevida y puntual atención a cada valor semántico del texto, con especial énfasis en el dístico sentencioso que cierra el recitativo”, (Mellace). Tras ello viene un aria estrófica, “Tortorella dai flebili accenti”, fundada en habituales referencias naturalistas. Alessandro Scarlatti limita la instrumentación al “continuo” para acompañar a la voz, y la amplia al orgánico completo para el estribillo final. Tras un recitativo breve, “Ah, Fileno, Fileno”, se pasa a un aria, “Vanne o acro su le sponde”, con violín obligado, de más clara expresión emocional, no sin profundizar en la metáfora central del llanto, como explica Mellace. El último paso es otra pareja de recitativo y aria, “Ma folle é con qui parlo”—“Aborrita lontananza” . Entre el recitativo seco y el aria se da un arioso, lo que hace crecer el aspecto y género dramático de la obra.

Zenbait egilek adierazten dute harrigarria dela nola dauden G. F. Händel musikagilearen italiar kantatak haren lan ezezagunen artean, kontuan hartuta Haendelen lan katalogoaren barruan ehunetik gora kantata daudela eta saxoniar musikagileak trebetasun handia zuela ukitu berezia emateko, oso ondo

Hay algunos autores que declaran que resulta sorprendente que las cantatas italianas figuran aún entre las composiciones menos conocidas de G. F. Händel, ya que en el catálogo händeliano aparece más de un centenar de ellas y, por otra parte, se sabe que el músico sajón poseía una especial ha-

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ezagutzen eta trebetasun eta adierazkortasun handiz erabiltzen baitzuen genero hori. Haendelen italiar kantata horietako gehienak “ahuldurik” zeudela esan izan da, argitaratu gabe baitzeuden; dena dela, horien eskuizkribuak gaur egun arte gorde dira. Azken urteetan horietako asko berreskuratu dira, eta une honetan musikagile horren italiar kantata guztien edizio diskografikoa prestatzen ari dira, datorren urtean, 2009an, musikagilearen heriotzaren 250. urteurrena izango baita.

bilidad para darles un toque muy propio a ellas, ya que conocía perfectamente y utilizaba con gran habilidad y expresividad este género. Se suele indicar que la mayoría de estas cantatas italianas de Händel hasta hace poco habían “languidecido” al no ser publicadas, si bien se conservaban los manuscritos. En los últimos años se han recuperado bastantes y en este momento se está haciendo edición discográfica de todas las cantatas italianas de este músico de cuya muerte se celebrará el 250 aniversario e, próximo año, 2009.

Horrez gainera, garai batean oso garrantzi gutxi “ematen” zitzaien, gehienak Haendelen lehenengo garaikoak edo Italian hiru urtez egin zuen egonaldian sortuak zirela uste baitzen. Gogoan hartu behar da kontzertu honetan interpretatuko den Mi palpita il cor Haendelek Londresen egindako garaikoa dela. Dena dela, ez da ahaztu behar saxoniar musikagile honek lehenengo garaietan ere heldutasun handiko ezaugarriak zituela: bere lanak ondo egiteko grina zuen, bibrazio lirikoa eta dramatikoa sortzeko gaitasuna zuen, maisutasun handia erakusten zuen ahotsaren erabilerari eta idazkera instrumentalari dagokionez. Hona hemen kantata honen atalak:

Además, en cierto período se les “concedia” poca importancia al considerar que la mayoría de ellas habían nacido en la primera época de Händel o en aquella permanencia en Italia durante tres años. Hay que considerar que Mi palpita il cor que se interpreta en este concierto, pertenece a la época londinense. Pero no sólo eso, sino que este músico sajón, incluso en su época temprana – mostraba rasgos de madurez dada su pasión por el buen hacer de las obras, así como su capacidad de crear vibración lírica y dramática, así como su maestría en el uso de la voz y de la escritura instrumental. Las partes de esta cantata son las siguientes: 1. Adagio: “Mi palpita il cor”. 2. Allegro: “Agitata é l’alma mia”. 3. Recitativo: “Tormento e gelosia”. 4. Aria (Largo): “Ho tanti affan in petto”. 5. Recitativo: “Clori dite mi lagno”. 6. Aria (Allegro): “S’un di m’adora la mia crudele”.

1. Adagioa: “Mi palpita il cor”. 2. Allegroa: “Agitata é l’alma mia”. 3. Errezitatiboa: “Tormento e gelosia”. 4. Aria (Largoa): “Ho tanti affan in petto”. 5. Errezitatiboa: “Clori dite mi lagno”. 6. Aria (Allegroa): “S’un di m’adora la mia crudele”. Notte placida e cheta kantatari dagokionez, kantata lirikotzat har daiteke, pertsona maitemindu baten auhena erakusten duen kantatatzat. Lan adierazkor honetan interesgarria da nola gurutzatzen diren errealitatea batetik eta ametsetako sentipenak bestetik. Horretarako, ezinbestekoa da ahotsaren edertasuna erakusteaz gainera, sentipenen eremuetatik barrena ibiltzeko baliabide gisa erabiltzea ahotsa. Jorge Torresek, italiar kantatei buruz ari dela, honela deskribatzen du: “Gauza jakina da, Haendelek izugarrizko maisutasunaz erabiltzen duela ahotsa. Bere operek, kantatek eta ariek, gainera, musikagile barrokoetatik bereizten dituen ezaugarriak dituzte, besteak beste; dotorezia; berezko antzerkizko handitasun moduko bat, zentzurik onenean, eta, horren baitako bihurgune ugarien artean, gizakien sentipen sakonenetako batzuk; sentipen horiek, zenbaitetan, musikatik bertatik abiatuta jartzen zaizkigu agerian”.

En cuanto a Notte placida e cheta se la puede definir como una cantata lírica que expone la queja de una figura enamorada. En esta expresiva obra se produce un interesante cruce entre la realidad y las sensaciones oníricas. Para ello se requiere un manejo vocal que además de mostrar su belleza ha de caminar por diferentes espacios emocionales. Como describe Jorge Torres hablando de las cantatas italianas, “la maestría en el manejo vocal de Händel es bien conocida. Sus numerosas óperas, cantatas y arias muestran, además, rasgos originales que lo distinguen de otros autores barrocos. Entre ellos garbo, si se quiere; una especie de solemnidad teatral propia, en el mejor de los sentidos, que incluye entre sus múltiples vericuetos, algunas de las emociones humanas más hondas, que en ocasiones nos son desveladas desde la misma música”.

Hona hemen kantataren egitura:

La estructura de esta cantata es la siguiente: 1. Recitativo: “Notte placida e cheta” 2. Aria: “Zeffiretti, deh venite” 3. Recitativo: “Momento Fortunato” 4. Aria: “Per un instante” 5. Accompagnato: “Ma gia sento” 6. Aria: “Luci belle, vaghe stelle” 7. Accompagnato: “Oh delizie d”amor“· 8. Aria: “Che non si da”.

1. Errezitatiboa: “Notte placida e cheta” 2. Aria: “Zeffiretti, deh venite” 3. Errezitatiboa: “Momento Fortunato” 4. Aria: “Per un instante” 5. Accompagnatoa: “Ma gia sento” 6. Aria: “Luci belle, vaghe stelle” 7. Accompagnatoa: “Oh delizie d”amor“· 8. Aria: “Che non si da”. J.A.Z.

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Arcangelo Corelli (1653-1713)

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Maiatzak 24 Mayo ORQUESTA SINFONIETTA RICERCARE Zuzendaria: Alain David Sancho Egitaraua / Programa

Lehen Zatia / Iª Parte

Henry Purcell (1659-1695)

* Tres Danzas de “La Reina de las Hadas” Hornpipe Rondeau Jig

Thomas Augustine Arne (1710-1778)

* The Dances in “Comus” Moderate Gigue Tempo Largo Presto

Arcangelo Corelli (1653-1713)

* Concierto Grosso nº 8 Op.6 Vivace, Grave Allegro Adagio, Allegro, Adagio Vivace Allegro, Pastoral

Bigarren Zatia / IIª Parte

* Pequeña Serenata Nocturna KV525

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Allegro Romance, Andante Menuetto, Allegretto Rondo, Allegro * Pizzicato Polka

Johann Strauss (1825-1899) & Josef Strauss (1827-1870)

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Orquesta Sinfonietta Ricercare

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“Sinfonietta Ricercare” 1998. urtean sortu zen, ganbara musika sustatu nahi zuen musikari gazte batzuen ekimenez. “Sinfonietta Ricercare” orkestraren errepertorioa zabala da eta hainbat musika estiloko ditu. Barrokotik hasi eta gaur eguneko lanetara arte.

La “Sinfonietta Ricercare” surge en Octubre de 1998 por iniciativa de un grupo de jóvenes interesados en promover la música de cámara. Su repertorio es variado y abarca los diferentes estilos musicales que se suceden desde el Barroco hasta nuestros días.

Orkestrak 1998.ko Abenduaren 14an egin zuen estreinaldia Bilboko Karmengo elizan, “El Correo” egunkariaren Kultur Gelak antolatu eta babestutako kontzertu batean. Harreskero, ugari kontzertu eman ditu: Bilboko Arriaga Antzokian, Gasteizko Principal Aretoan, Bilboko Euskalduna Jauregian, Miranda de Ebro-ko Kultur Aretoan, Basauriko Antzokian, Deustuko Unibertsitateko Paraninfoan, Santiago Katedral Basilikan, Algortako Erredentore, Durangoko Andra Mari eta Deustuko San Pedro Elizetan, besteak beste. “Sinfonietta Ricercare”-k Bilboko Euskaldunaren Jauregian BOS-eko ganbara musika denboraldian parte hartu zuen, BOS-eko 80. Urteurrena ospatzeko ekitaldian gonbidaturiko orkestra bakarra izan zelarik. Orkestra Bilboko “Ars Viva”-rekin, Basauriko Abesbatza Elkartearekin eta Bilboko Santiago Katedraleko Kapera abesbatzekin aritu da ere. Noizbehinka, ere bai, orkestrak zenbait ganbarako talde txikiez ekitaldi eman du, norbere Sinfoniettako musikariekin.

La orquesta debutó el 14 de Diciembre de 1998 en la Iglesia del Carmen (Bilbao) en un concierto organizado y patrocinado por el Aula de Cultura del periódico “El Correo”. Desde entonces se han dado numerosos conciertos en diversos lugares, entre los cuales pueden destacar el Teatro Arriaga de Bilbao, el Teatro Principal de Vitoria, el Palacio Euskalduna de Bilbao, el Aula de Cultura de Miranda de Ebro, el Antzokia de Basauri, el Paraninfo de la Universidad de Deusto, la Catedral Basílica de Santiago, las iglesias de Santa María de Durango, El Redentor de Algorta o San Pedro de Deusto. Así mismo ha participado en la temporada de Música de Cámara de la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS) en el Palacio Euskalduna de Bilbao, siendo la única orquesta invitada en el 80 Aniversario de esta última. También la orquesta ha colaborado con los coros “Ars Viva” (Bilbao), la Sociedad Coral de Basauri o el coro de Capilla de la Catedral Basílica de Santiago (Bilbao).

“Sinfonietta Ricercare”-k parte hartu duen musika emanaldi zein kontzertu zikloak ugariak izan dira. Haien artean Gasteizko JMSAP-an, Arriaga Antzokiko “El Cuartito del Arriaga” ganbara musika zikloan, Bilboko Eliz Musikako lehen zikloan, Bidebarrieta Kulturgunean, Basauriko Abesbatzen Nazioarteko Emanaldian edota Deustuko Unibertsitateak antolatzen duen “Jóvenes Valores” saioan eskeinitako kontzertuak aipa daitezke.

La “Sinfonietta Ricercare” ha participado en diversos festivales y ciclos de conciertos. Entre ellos cabe mencionar el Festival (JMASP) de Vitoria, el Ciclo de Música de Cámara “El Cuartito del Arriaga” en el teatro Arriaga de Bilbao, el 1º Ciclo de Música Sacra de Bilbao, el Centro Cultural de la Biblioteca Bidebarrieta (Bilbao), el Certamen Internacional de Coros de Basauri o en el Ciclo “Jóvenes Valores” que organiza la Universidad de Deusto.

2005eko urtarriletik orkestraren zuzendaria Alain Sancho da.

Desde enero de 2005 la orquesta está dirigida por Alain Sancho.

Alain David Sancho

Bilbon jaioa 1981ean. Saxofoi ikasketak Getxoko Andres Isasi Erdi Mailako Kontserbatorioan hasi zituen Alfonso Vila irakaslearekin notarik altuenak lortuz. Aldi berean pianoa eta kantua ikasten hasi zen. Ikasketak Bilboko J. C. Arriaga Goi Mailako Kontserbatorioan jarraitu zituen eta bertan goi mailako titulazioa lortu zuen saxofoian.

Nacido en Bilbao en 1981. Comienza sus estudios de saxofón en el Conservatorio de Grado Medio Andrés Isasi de Getxo con el profesor Alfonso Vila, obteniendo las máximas calificaciones. Al mismo tiempo comienza a estudiar piano y canto. Continúa sus estudios en el Conservatorio Superior J.C. Arriaga de Bilbao, obteniendo el Título Superior de Saxofón.

Oso gaztea zelarik piztu zitzaion konposaketagatik duen interesa. Harmonia ikasketak Bolboko Goi Mailako Kontserbatorioan bukatu zituen bikain notarekin eta ondoren harmonia eta konposizio eskola partikularrak hartu zituen Gorka Cuesta musikagile donostiarraren eskutik. Gabriel Brncic eta Laurent Martin musikagileen maisu eskoletara joan zen. Halaber, Jose Luis Campana, Jesús Etxeberria, Milena Perisic, Isabel Urrutia etab. bezalako musikagileen ikasle ofiziala izan da.

Su interés por la composición se remonta a su más temprana edad. Termina los estudios de armonía con sobresaliente en el Conservatorio Superior de Bilbao y posteriormente recibe clases particulares de armonía y composición del compositor donostiarra Gorka Cuesta. Acude a clases magistrales de los compositores Gabriel Brncic, Laurent Martin. Asimismo, ha sido alumno oficial de compositores como Jose Luis Campana, Jesús Etxeberria, Milena Perisic, Isabel Urrutia, etc.

2003an Musikene Euskal Herriko Goi Mailako Kontserbatorioan Orkestra Zuzendaritzara eta Konposiziora sartzeko probetan notarik onenak lortu zituen eta urte berean Bizkaiko Foru Aldundiak emandako beka lortu zuen bertan Orkestra Zuzendaritza ikasteko Enrique García Asensio maisuarekin. Jorma Panula maisua ere izan du irakasle, Eskandinabiako Sibelius Kontserbatorioko Katedraduna. Musikeneko Saxofoi Ensambleko zuzendaria izan da.

En el año 2003 obtiene las mejores calificaciones en las pruebas de acceso a Dirección de Orquesta y a Composición del Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y ese mismo año gana la beca de la Diputación de Bizkaia con la que estudia Dirección de Orquesta en dicho centro con el Maestro Enrique García Asensio.También ha recibido clases del Maestro Jorma Panula, catedrático del Conservatorio escandinavo Sibelius, y ha sido director del Ensamble de Saxofones de Musikene.

The Birthday luzemetraiaren soinu banda zuzendu zuen, Fernando Velázquezek zuzendua eta Cannen estreinatua. 2005eko urtarrilan Sinfonietta Ricercare hari orkestraren Zuzendaritza Artistikoa hartu zuen bere esku eta kontzertu asko eman dute elkarrekin. Orkestra hori aldi berean Euskal Kantu Liriko Berriak proiektuaren atala da. Julen Ezkurrak konposatutako Gorliz bertso sinfoniko-korala (izen bereko herriari omenaldia) zuzendu zuen. 2006ko otsailan Bilboko Ganbera Elkarteko zuzendaritza artistikoa hartu zuen, abesbatzaren zein orkestraren zuzendari izateko. Kontzertuak eman ditu Bilbo eta Bizkaiko toki ugaritan.

Dirige la banda sonora del largometraje The Birthday, compuesta por Fernando Velázquez y estrenada en Cannes. En enero de 2005 se hace cargo de la Dirección Artística de la orquesta de cuerdas Sinfonietta Ricercare con la que ha actuado hasta la fecha de hoy en numerosos conciertos. Simultáneamente, la orquesta es parte integrante del proyecto Euskal Kantu Liriko Berriak. En verano de 2007 dirige el poema sinfónico-coral Gorliz compuesto por Julen Ezkurra en conmemoración a dicha ciudad. En febrero de 2006 asume el cargo de Director Artístico de la Asociación de Cámara de Bilbao, dirigiendo tanto la orquesta como el coro de dicha compañía. Ha dado conciertos en numerosos lugares de Bilbao y de Bizkaia.

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Egitarauari buruz

Notas al programa

The Fairy Queen (Maitagarrien Erregina) Henry Purcellen “erdi opera” edo “masque” bat da. Jakina denez, XVII. mendearen bigarren erdialdeko britainiar egile honek opera bakarra egin zuen, Dido and Aeneas; izan ere, garai hartan, beren tradizioari jarraituz, Britainia Handian ez ziren operarik egiten, “mask” edo “masque” delakoak baizik. Edonola ere, Purcellen balio dramatiko-musikala kontuan hartuta, era horretako lan asko erdi operatzat hartzen dira gaur egun, eta baita operatzat ere. Atal horren barruan sar litezke Diocletian, The Tempest, King-Arthur, The Female Virtuosos, The Married Beau, The Indian Queen (Daniel anaiak amaitu zuena, Henry hil ondoren), Ampytrion, etab. The Fairy Queen lanaren gaia Shakespeareren Midsummer Night’s Dream (Uda gau bateko ametsa) komedia dramatiko eta sinbolikotik hartua da.

The Fairy Queen (La Reina de las Hadas) es una de las “semióperas” o “masque” de Henry Purcell. Como es sabido, este autor británico, de la segunda mitad del siglo XVII, es autor de una sola ópera, Dido and Aeneas, puesto que en aquel tiempo en Gran Bretaña no se componían óperas sino que, siguiendo la tradición propia, se creaba el “mask” “masques”. No obstante, dado el valor dramáticomusical de Purcell, a muchas de sus obras de esa condición se las consideran hoy como semióperas e incluso pueden ser calificados como óperas. En este apartado podrían incluirse Diocletian, The Tempest, King-Arthur, The Female Virtuosos, The Married Beau, The Indian Queen (aunque la concluyó su hermano Daniel, ya que él falleció), Ampytrion, etc. El tema de “The Fairy Queen” se extrajo de la simbólica comedia dramática Midsummer Night’s Dream (El sueño de una noche de verano), de Shakespeare.

The Fairy Queen lanean, “masque” edo erdi opera guztietan bezala, dantza ekitaldiak daude, hori baitzen genero horren ardatzetako bat; pertsonaia mozorrotuek era artifizialean erakusten zuten bai gertakizuna bai esanahia. Ahots musikaz eta dantzaz gainera, “mask”-etan baziren ahozko atalak ere. Hortaz, lan bakoitzak ekitaldi ugari zituen, nahiz eta era horretako lanak ez izan oso luzeak. Atal dantzatuei dagokienez, ugariak dira The Fairy Queen lanean, besteak beste, Maitagarrien dantzak, Gizon Berdeenak, Gauaren Jarraitzaileenak, Chacona, Segalariena… Gaur interpretatuko direnei buruz esan beharra dago Hornpipe aldaera askoko dantza dela, eta Ingalaterran XVII. mendean ezagun egin ziren genero zeltetan duela jatorria. Purcellen Hornpipe hau III. eta IV. ekitaldien arteko “atsedenaldia” da, eta Jig (edo Gija) I. ekitaldiaren amaieran dago. Rondeau Frantziatik datorren generoa da, eta “biribil dantza” esan nahi du; dena dela, erabat musikal bihurtu zen.

Como todas las “masques” o semióperas, “The Fairy Queen” posee muchos números de danza, ya que esta actividad era uno de los ejes teatrales de ese género, en el que figuras enmascaradas mostraban artificialmente la acción y el significado de la obra. Junto a la música vocal y las danzas, la “mask” contenía también partes habladas. Así, los números de cada obra resultan bastante numerosos, a pesar de que estas composiciones no son de muy alta duración. En cuanto a las partes danzadas, The Fairy Queen posee un buen número de ellas, como lo son las varias danzas de las Hadas, las de los Hombres Verdes, de los Seguidores de la Noche, la Chacona, las de los Segadores… Sobre las que se interpretan hoy, cabe decir que la Hornpipe es una danza que tiene muchas variantes y que proceden de los géneros celtas que se popularizaron en Inglaterra en el s. XVII. Esta Hornpipe purcelliana es el “entreacto” entre el III y IV actos, así como el Jig (o Gija) está al final del Acto I. El Rondeau es género que proviene de Francia y significa “danza de círculo” si bien luego se convirtió también en forma meramente musical.

The Fairy Queen 1692an estreinatu zen, London Queen’s Theatre antzokian, eta oso harrera ona izan zuen. Handik urtebetera, Purcellek berrikusi egin zuen lana, eta atal berriak erantsi zizkion. Britainiar musikagile handi honen orkestrazioa (baita ahotserako musika ere) oso aintzat hartua denez, dantza ekitaldi horietako asko, etab., kontzertu sinfonikoetan agertu ohi dira.

The Fairy Queen fue estrenada en 1692, en el London Queen’s Theatre, con gran éxito. Al año siguiente, Purcell hizo una revisión, agregando nuevos números. Como la orquestación (así como la música vocal) de este gran autor británico es muy apreciada, muchos de estos números de danza, etc., figuran en los conciertos sinfónicos.

Thomas Augustine Arne bada ere Rule Britannia ereserki ingeles ospetsuaren egilea, oso gutxitan interpretatu da Ingalaterratik kanpo; hala eta guztiz ere, azken urteetan hainbat diskotan argitaratu dira lan horiek, eta, poliki-poliki, britainiar eremutik kanpo ere ezaguna egiten ari da. Th. A. Arne Covent Garden antzokiaren alboan jaio zen, 1710. urtean. Oso gaztetan egin zuen musikaren aldeko hautua, Eton University-n ari zela, eta, azkenean, musikan jardun zuen, nahiz eta aitak –tapizgintzaren negozioan aberastu zenak– legegizon jardutea nahi izan. Oso gazte zela, 1733an, Rosamund opera osatu zuen. Ondoren, beste batzuk ere idatzi zituen, Artaxerxes, Love in a Village, Faber, The Masque of Alfred, etab., 30 inguru guztira. Lan instrumentalen

Si bien Thomas Augustine Arne es el autor del famoso himno inglés Rule Britannia, su música ha sido muy poco interpretada fuera de Inglaterra pero desde hace unos pocos años esas obras van apareciendo en discos y paulatinamente se va conociendo su música ya fuera del marco británico. Th. A. Arne nació precisamente junto al Covent Garden, en 1710. Se decidió pronto por la música, cuando estaba estudiando en la Eton University y acabó dedicándose a ella, por más que su padre –quien se había enriquecido por el negocio de la tapicería—quería que fuera hombre de leyes. Siendo aún muy joven, compone la ópera Rosamund, en 1733. Además de esta primera, crearía otras, como Artaxerxes, Love in a Village, Faber, The Masque of Alfred, etc. llegando

artean, aipatzekoak dira hainbat kontzertu (organo, arpa, pianorako), pianorako sonatak, etab. Horiez gainera, Judith, Abel oratorioak, kantatak, liederrak eta bestelako hainbat lan egin zituen.

a escribir unas 30 óperas. Entre sus obras instrumentales figuran varios conciertos (de órgano, arpa, piano), sonatas para piano,etc. Además es autor de los oratorios Judith, Abel, de cantatas, lieder y otras obras variadas etc.

1738an Comus argitaratu zen; “masque” bat da. Arnek lotura handia izan zuen, txikitatik, ahotserako musikarekin: Susanne bere arreba ospe handiko kontraltoa izan zen; Thomas Cecilia sopranoarekin ezkondu zen, Young organistaren alaba, eta harengandik bereizi ondoren, beste soprano batekin elkartu zen, Charlotte Brendekin alegia. Emanaldi honetan interpretatuko diren Comus laneko dantzetan ikus daiteke, ahotserako idazkeraz gainera, Th. A. Arnek egikera egokia zuela musika instrumentalari dagokionez.

Comus fue publicado en 1738 y es una “masque”. Arne estaba muy vinculado a la música vocal, ya que su hermana Susanne fue contralto de gran fama y él mismo se casó con la soprano Cecilia, hija del organista Young, de la que se separaría luego y se uniría con otra soprano, Charlotte Brend. Las Danzas de “Comus” que se interpretan en esta función muestran que, además de su escritura para la voz, Th. A. Arne poseía también una buena factura instrumental.

Ez zen Arcangelo Corelli izan “concerti grossi” deituen lehenengo egilea, jakin baitakigu Alessandro Stradella ere aritu zela genero horretan; hala eta guztiz ere, Romagnan jaio eta Erroman bizi izan zen egile handia hartzen da genero horren “aitatzat”, bere lanek izugarrizko kalitatea baitzuten, nahiz eta horietako asko galdu egin diren. Corellik Suediako Kristina erreginaren babesa izan zuen, eta baita Pamphili eta Ottoboni kardinalena ere, garai hartako musikagile garrantzitsuentzat hartzen baitzen.

Arcangelo Corelli no fue el primer autor de los “concerti grossi”, puesto que se sabe que este género lo practicaba ya Alessandro Stradella, pero fue aquel gran autor nacido en la Romagna e instalado en Roma quien ha quedado como el “padre” de este género, dada la calidad de sus composiciones, aunque desaparecieran muchas de sus obras. Como se sabe, Corelli obtuvo en Roma la protección de Cristina de Suecia, así como del cardenal Pamphili y, más tarde, del cardenal Ottoboni, ya que estaba considerado como el músico más importante de ese momento.

Corellik garrantzizko hainbat musikagilerekin izan zituen harremanak. 1708an, esate baterako, Haendel ezagutu zuen, eta Scarlattirekin ere egon zen Napolin. Corelliren ikasle izan ziren, halaber, oso musikagile ezagun bihurtuko ziren hainbat eta hainbat, hala nola Locatelli, Geminiani, Gasparini…

Corelli trató con bastantes músicos asimismo importantes. Así, se sabe que en 1708 conoció a Händel, al igual que conectó en Napoli con Scarlatti. Y entre los discípulos de Corelli se encuentran algunos que luego serían también muy conocidos compositores, como lo son Locatelli, Geminiani, Gasparini, etc.

Corelliren lan asko galdu egin da, baina badakigu Suediako Kristina erreginari –1681ean, Op. 1–, Modenako dukeari, Brandemburgoko Sofia Karlota hautesleari, etab. eskaini zizkiola bere lanak. Op. 1 eta Op. 4 bitarteko lanak Sonate di Chiesa eta Sonate da Camera dira, bi biolinetarako eta baxu jarraiturako (hirukotea). Baina Op. 6 –hil ondoren agertu zena, 1714. urtean, hain zuzen ere–, concerti grossi bilduma bat da; ospe handia lortu zuen harekin, eta, horregatik egin ziren kontzertu horien edizio asko.

No se conservaron muchas de sus obras. Algunos opus fueron dedicados a la reina Cristina de Suecia –en 1681, su Op.1—, al duque de Módena, a la electora Sofia Carlota de Brandemburgo, etc. Las obras del Op. 1 al Op. 4 son Sonate di Chiesa y Sonate da Camera, para dos violines y bajo continuo (trío). Pero el Op. 6 –que apareció en 1714, después de su muerte—, es una colección de concerti grossi, que obtuvo una gran fama, por lo que se realizaron muchas ediciones de estos conciertos.

Concerti grossi hauek bi biolin eta biolontxelo batez osatutako concertino baterako eta bi biolin zatiz, biola batez eta baxu batez ostutako ripieno baterako idatziak dira. Marc Vignalek dioen bezala “antzinako polifoniaren eta estilo homofono berriaren arteko idazketa da”.

Estos concerti grossi están escritos para un concertino de dos violines y un violonchelo y un ripieno de dos partes de violín, una viola y un bajo. Como explica Marc Vignal, “el tipo de escritura oscila entre el de la antigua polifonía y el nuevo estilo homófono.

8. Concerto Grosso, Op. 6 lanari Gabon gauerako Kontzertua izenburua jarri izan zaio. Sei mugimendu ditu guztira; azkena da luzeena (Largo-Pastoral); horixe da Gabon izaera duena, eta Vignalen hitzen arabera, “beste mundu batera garraiatzen gaitu”.

El Concerto Grosso n. 8, Op. 6, se suele titular como “Concierto para la noche de navidad”. Posee seis movimientos, siendo el más amplio el último, el LargoPastoral, que es el que tiene carácter navideño y que, como dice Vignal, ”nos transporta al otro mundo”.

W. A. Mozarten Eine Kleine Nachtmusik (Gaueko Sereneta Txikia) da musika “klasikoaren” barruan ezagunena. Hari bakarrerako dago idatzia, nahiz eta orkestra osoekin eta abarrekin interpretatu izan den. 1787ko udan osatu zuen Mozartek, bere aita Leopold hil eta hilabete gutxira. Salzburgoko jeinuak konposatutako beste serenata batzuen oso bestelakoa denez, “misteriozko edo isilekotzat” dute hainbatek. Alfred Einsteinek idatzi zuen “Mozartek beretzat, bere barne premiak asetzeko, idatzi zuela pentsatuko bagenu, berehala argituko lirateke lan

La Eine Kleine Nachtmusik (Pequeña Serenata Nocturna), de W. A. Mozart, es una de las composiciones más populares de toda la música “clásica”. Esta escrita para cuerda sola, si bien luego se ha interpretado con orquestas enteras, etc. Fue compuesta en verano de 1787, pocos meses después de que había muerto su padre, Leopold. Ya que el carácter de esta serenata es un tanto distinta de otras compuestas por el genial salzburgués, algunos la han considerado como” misteriosa o secreta”. Alfred Einstein escribió que “todos los enigmas pro-

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honen inguruan sortutako enigma guztiak”. Beretzat idatzita izanda ere, egia da horixe dela mundu osoan gehien ezagutzen dena. Esate baterako, hori egia izan gabe ere, gogoratu dezagun Amadeus filma, eta nola kantatzen dion Antonio Salieri musikagileak, eroetxe batean sartuta, bisitan joandako apaizari bere hainbat lanen doinuak, eta bisitariak ez dituen ezagutzen, baina Eine Kleine Nachtmusik lanaren lehenengo mugimendua kantatzen duenean, apaiza ere kantuan hasten dela harekin batera.

vocados por esta obra se resolverían suponiendo que Mozart la escribió para sí mismo, para satisfacer una necesidad interior”. Aunque fuera para sí mismo, lo cierto es que es una de las más conocidas por todo el mundo. Por ejemplo, aunque ello no fuera cierto, recuérdese cómo en la película “Amadeus” el músico Antonio Salieri, ya ingresado en manicomio, canta ante el sacerdote que le visita la melodía de varias obras suyas, y el visitante no las conoce, pero en cuanto entona el inicio del primer movimiento del Eine Kleine Nachtmusik, el sacerdote hasta se le junta en el canto.

Lan hau osatzen duten mugimendu guztiak perfektuak dira, eta antzeko altuera dute. Hasierako Allegro ezagunaren distiraz gainera, Romanza Andanteak serenata baten benetako izaera du, Minuetoa dotore zein bizia da, eta Sotto voce trioa, mugimendu horren barruan, landler eder gisako bat da. Rondo Allegroak modulazioz beteriko ibilbidea egingo du… André Lischkéren hitzetan “maisu lana, orekaz eta dotoreziaz betea” (ezinbestekoa da jatorrizko bertsioa ezagutzea, orkestra talde handiagoek interpretatzen dutena baino poetikoagoa eta arinagoa baita), “Gaueko Musika Txikiaren xarma agortezina da”.

Todos los movimientos de esta obra son perfectos y de muy similar altura. Además del brillo del conocidísimo Allegro inicial, la Romanza Andante cuenta con el carácter verdadero de una serenata, el Minueto es tan elegante como vivo, y el Trío sotto voce, dentro de este movimiento, es una especie de precioso landler. El Rondó Allegro atravesará un camino pleno de modulaciones… Tal y como escribe André Lischké, “obra maestra de equilibrio y elegancia” (a la que es imprescindible conocer en su versión original, más poética y más sobria que la que interpretan formaciones orquestales mayores), “la Pequeña Música Nocturna nunca agota sus encantos”.

Johann Strauss II.aren eta haren anaia Josefen Pizzicato Polka oso lan ezaguna da, Strauss sendiko kideek (Johann, Josef eta Edouard, Johann aitarenak eta hurrengo belaunaldietako batzuk) egindako bals askorekin gertatzen den bezalaxe. Dena dela, ezagunenak Johann Straussen II.arenak dira (Johann Strauss Jr. deitua): hala nola, Danubio Urdin Ederra, Vienako Basoetako Ipuinak, Enperadorearen Balsa, Ardoa, Emakumeak eta Abestia, etab. Horregatik esaten zaio Joahnn Strauss II.ari “Balsen Erregea”, nahiz eta era horretako balsen “aitak” Johann Strauss aita eta Joseph Lanner izan ziren. Johann Strauss II.ak, dantza lan ugariz gainera (balsak, polkak, mazurkak, galopak, koadrilak, etab.), eszenarako musika ere sortu zuen, eta dozenatik gora opereta; horien artean aipagarria da Saguzarra. Josef anaiak (Johann baino bi urte gazteagoa zenak) hartu zuen Johannen lekua munduan barrena zebilen familiaren orkestran, eta era horretara, Johannek buru-belarri konposizioan jarduteko aukera izan zuen. Josefen hainbat lan ere bizirik dirau, bereziki Pizzicato Polka hau, Johannekin batera idatzi zuena, eta Jockey Polka.

La pieza Pizzicato Polka de Johann Strauss II y su hermano Josef es una de las obras más populares, así como lo son muchos de los valses de todos los miembros de la familia straussiana (los de los hermanos Johann, Josef y Edouard, más los de su padre Johann y algunos de la siguiente generación). Sin duda, los más conocidos son los de Johann Strauss II (llamado también Johann Strauss Jr.), como lo son El Bello Danubio Azul, Cuentos de los Bosques de Viena, El Vals del Emperador, Vino, Mujeres y Canto,etc. Por ello, a este compositor se le denomina El Rey del Vals, si bien los “padres” de este tipo de vals fueron su progenitor Johann Strauss y Joseph Lanner . Además de su amplia composición de danzas (valses, polkas, mazurkas, galops, cuadrillas, etc.), Johann Strauss II creó también música escénica, más de una docena de operetas, entre las que destaca El Murciélago. Su hermano Josef, dos años más joven que él, le sustituiría como director de aquella orquesta de la familia que recorría el mundo, cargo que tomó para que Johann se dedicara en exclusiva a la composición. Pero también de Josef permanecen en vivo algunas obras, ante todo este Pizzicato Polka, escrito con Johann, y su Jockey Polka.

Hainbat hamarralditan zehar Pizzicato Polka lanaren ezin konta ahala transkripzio egin dira, entzulearentzako duen erakargarritasunagatik zein lana jotzeko xarmagatik; moldaketa horiek orkestra handi eta “modernizatuenetarako” (era horretara, “xehatutako” nota horiek bibrafonoan, marinban, etab. jotzen dira) zein musika-tresna bakarrerako egin izan dira, esate baterako piano eta gitarra bakarrerako. Baina guztietan erakargarriena, jatorrizko bertsioa da, inolako zalantzarik gabe.

La atracción, tal vez tan grande para el oyente como por la gracia de la ejecución misma del Pizzicato Polka, ha originado que a lo largo de muchas décadas se hayan realizado innumerables transcripciones de esta obra, arreglos destinados a conjuntos que van desde la orquesta más ampliada y “modernizada” (así, esas notas “picadas” suenan también en vibráfono, marimba, etc.) e incluso para instrumentos solos, como lo son las versiones para piano solo e incluso para guitarra. Pero lo más atractivo, la versión original, sin duda.

J.A.Z.

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F. Mendelssohn (1809–1847)

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Maiatzak 25 Mayo

ORQUESTA FILARMÓNICA DE PILSEN Stepán Prazák (biolina) Zuzendaria: Jaroslav Krcek

Egitaraua / Programa

Lehen Zatia / Iª Parte

G. Rossini (1792–1868)

* Italiana en Argel (obertura)

F. Mendelssohn (1809–1847)

* Concierto para violín y orquesta en Mi menor, Op. 64 Allegro molto appassionato Andante Allegretto non troppo Allegro molto vivace Stepán Prazák (biolina)

Bigarren Zatia / IIª Parte

* Sinfonía nº 40 en sol menor KV550

W.A. Mozart (1756–1791)

Molto allegro Andante Minuetto, Allegretto Allegro assai

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Orquesta Filarmónica de Pilsen

Pilsengo Orkestra Filarmonikoa 1919. urtean sortu zen eta orduan orkestra sinfoniko sasiprofesional moduan egiten zuen lan. Oraingo izaera profesionala 1946ko otsailean eskuratu zuen Pilsengo Irratiko Orkestra izenarekin. Mendebaldeko Bohemiako izenik adierazgarrienetako bat da. Atzerrian, halaber, ospe handiko taldea da.

La Orquesta Filarmónica de Pilsen fue fundada en el año 1919; por aquel entonces actuaba como una orquesta sinfónica semiprofesional. Su actual forma plenamente profesional la adquirió en febrero de 1946, recibiendo el nombre de la Orquesta de la Radio de Pilsen. Pertenece a los cuerpos más representativos de la Bohemia Occidental. Sin embargo goza de un gran renombre también en el extranjero.

Txekiar Irratiarentzat grabaketak egin ditu barrokoaren garaitik gaur egunera doazen lanekin, betiere arreta berezia ipiniz gaur egungo musikagile txekiarren musikan. Halaber, CD ugari argitaratu ditu atzerrirako.

Realiza grabaciones para la Radio Checa con obras que abarcan desde el barroco hasta la actualidad, prestando especial acento a la música de los compositores checos contemporáneos, así como ha realizado numerosas ediciones en CD para el extranjero.

Grabaketez gain, orkestrak dedikazio berezia du kontzertuak ematen. Pilsenen bakarrik abonatuentzako hiru ziklo egiten ditu musika sinfonikoaren arloan, horietako bat haurrentzat. Era berean kontzertuak ematen ditu Txekiar Errepublikan, baina bereziki atzerrian, urtean hamarka. Pilsengo Orkestra Filarmonikoak birak egin zituen Alemanian, Suitzan, Austrian, Italian, Frantzian, Espainian, Portugalen eta Estatu Batuetan.

Aparte de las grabaciones, la orquesta tiene principal dedicación en sus actividades concertísticas. Sólo en Pilsen presenta tres extensos ciclos de música sinfónica para abonados, uno de ellos dedicado al público infantil. Igualmente da conciertos en otras ciudades de la República Checa, pero ante todo en el extranjero, sumando varias decenas al año. La Orquesta Filarmónica de Pilsen realizó numerosas giras por Alemania, Suiza, Austria, Italia, Francia, España, Portugal y los EEUU.

Ibilbide osoan zehar orkestra zuzendari entzutetsuekin lan egiteko aukera izan du (V. Talich, A. Jachaturian, R. Benzi, J. Belohlavek, L. Peshek, Sir C. Mackerras, H. Rilling, S. Baudo, O. Dohnányi, V. Sutej, Jirí Stárek, Arnold Katz), baita mundu osoan ezagunak diren bakarlari hauekin ere: R. Kerer, L. Kogan, G. Kremer, I. Oistraj, M. Rostropovich eta operaren munduko izarrekin, R. Vargas edota M. Caballé.

A lo largo de su existencia ha tenido la oportunidad de trabajar con destacados directores de orquesta (V. Talich, A. Jachaturian, R. Benzi, J. Belohlavek, L. Peshek, Sir C. Mackerras, H. Rilling, S. Baudo, O. Dohnányi, V. Sutej, Jirí Stárek, Arnold Katz), así como con los solistas de fama mundial: R. Kerer, L. Kogan, G. Kremer, I. Oistraj, M Rostropovich, y estrellas del mundo operístico como R. Vargas o M. Caballé.

Batetik, ezaugarri artistikoei eta bestetik Txekiako eta munduko musika literaturaren arloan ikertzeko duen profesionaltasuna eta malgutasunari esker, Pilsengo Orkestra Filarmonikoa sarritan gonbidatzen dute kontzertu eta musika jaialdi ugariren eszenatokietara eta lan egiten du goi mailako abesbatzekin, bereziki atzerrian, eta baita bakarlari eta orkestra zuzendariekin ere.

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Gracias a sus cualidades artísticas y a su profesionalidad y flexibilidad en el estudio de la literatura musical checa y mundial, La Orquesta Filarmónica de Pilsen es invitada en numerosos escenarios de conciertos y festivales de música, y colabora con preeminentes coros, sobre todo en el extranjero y también con solistas y directores de orquesta.

Stepan Prazak Pragan jaioa, etorkizun handiko biolinista bikaina eta entzutetsua da. Musika ikasten du 5 urte zituenetik, lehenengo aitarekin eta Vorsilskáko Musika Eskolan eta geroago Pragako Kontserbatorioan R. Kotmelová eta V. Kudelásek irakasleekin. Pilsengo Musika Goi Eskolan Roman Fedchuk izan du irakasle. Biolin eta ganbera musikako ikasketak Meadowmount School of Musicen, Estatu Batuetan, osatu zituen Ch. Afsharian irakaslearekin. Halaber, trebatze ikastaroak egin zituen Txekiar Errepublikan eta Suitzan (Václav Hudecek, R. Ricci, S. Ships irakasleekin).

Nacido en Praga, tiene la fama de ser un excelente violínista con mucho porvenir. Estudia la música desde los 5 años, primero con su padre y en la Escuela de Música de Vorsilská, posteriormente en el Conservatorio de Praga en la clase de los prof. R. Kotmelová y V. Kudelásek. En la Escuela Superior de Música de Pilsen ha sido alumno del prof. Roman Fedchuk. Completó sus estudios de violín y música de cámara en Meadowmount School of Music en los EEUU con el prof. Ch.Avsharian. Participó también en los cursos de perfeccionamiento en la República Checa y en Suiza (prof. Václav Hudecek, R. Ricci, S. Ships).

Nazio zein nazioarte mailako lehiaketetan sarritan irabazi ditu lehenengo eta bigarren sariak; horien artean Alemanian L. Spohr lehiaketan lortutako lehenengo saria bereiz daiteke.

En los concursos nacionales e internacionales ha conseguido varias veces primeros y segundos premios, entre los que cabe destacar el primer premio conseguido en el concurso de L. Spohr en Alemania.

Jarolsav Krcek 1939an jaioa Ceske Budejovicen, Jaroslav Krcekek leku berezia du txekiar musikaren arloan. Musikari bikaina izateaz gain, musikagile eta orkestra zuzendari preziatua da. Halaber, ondo ezagutzen ditu Txekiako eta Europako zentroko musika.

Nacido en 1939 en Ceske Budejovice, Jaroslav Krcek ocupa actualmente un lugar destacado en el mundo de la música checa. Además de ser un excelente intérprete, es muy apreciado como compositor y director de orquesta. Es, también, un gran conocedor de la música checa y centroeuropea.

Ibilbide profesionala Pilsengo Irratiko eta Supraphon disko zigiluko musika zuzendari bezala hasi zuen. Diskoetxe horrekin egindako lanari esker ospe handiagoa lortu du. Zuzendari artistiko lanak egiteko gonbidapen ugari egiten dizkiote eta ganbera talde eta orkestrekin (besteak beste Capella Istropolitana) ez ezik Pragako antzoki askorekin ere egin du lan. Chorea Bohemica taldearen sortzaileetako bat da eta Musica Bohemica orkestraren (Pragako FOK Orkestra Sinfonikoko ganbera taldea) zuzendari artistikoa. Talde horrekin kontzertu ugari eman ditu Europa osoan zehar. 1973tik musikagintzan eta interpretazioan aritzen da bakarrik.

Inició su carrera profesional como director de música de la Radio de Pilsen y del sello discográfico Supraphon. Su colaboración con esta discográfica ha contribuido a aumentar su reputación. Recibe numerosas solicitudes como director artístico y ha colaborado con formaciones de cámara y orquestas (por ejemplo Capella Istropolitana) e importantes teatros de Praga. Es uno de los fundadores del grupo Chorea Bohemica y el director artístico de la orquesta Música Bohemica (agrupación de cámara de la Orquesta Sinfónica de Praga FOK). Con este grupo ha dado numerosos conciertos por toda Europa. Desde 1973 se dedica exclusivamente a la composición e interpretación.

1996tik Ceske Budejoviceko Filarmonikoko zuzendari titularra da. Jaroslav Krcekek interpretazio maila altua, soinu zaindua eta teknika bikaina gordetzen ditu eta horri esker orkestra hau Txekiar Errepublikako garrantzitsuenetako bat da eta Austria, Alemania, Suitza eta Europako beste herri batzuetan egin ditu girak.

Desde 1996 es director titular de la Filarmónica de Ceske Budejovice. Jaroslav Krcek consigue mantener un gran nivel interpretativo, un cuidado sonido y una brillante técnica, hasta el punto que actualmente esta orquesta está considerada como una de las orquestas más importantes de la República Checa, y que cuenta en su haber con diversas giras por Austria, Alemania, Suiza y otros países de Europa.

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Egitarauari buruz

Notas al programa

L’Italiana in Algeri (Italiarra Aljerren) izan zen Gioachino Rossiniren lehenengo opera bufoa. Venezian estreinatu zen, 1813. urteko maiatzean. Urte horretan, Roger Alier-ek Pesaron jaiotako musikagileari buruzko liburuan aipatzen duenez, “arrakasta handiko urtea izan zen Rossinirentzat, eta arrakasta haien ondorioz bihurtu zen bere garaiko musikagile ospetsuena, bere karrera hasi eta hiru urtera, artean hogeita bi urte bete gabe zituela”.

L’Italiana in Algeri (La Italiana en Argel) fue la primera ópera bufa de Gioachino Rossini. Esta obra fue estrenada en Venecia, en mayo de 1813, año en que, como explica Roger Alier en su libro sobre el músico nacido en Pesaro, “fue el de los grandes éxitos de Rossini que incrementaría su fama hasta convertirlo en el compositor más famoso de su tiempo, sólo tres años después de haber iniciado su carrera y antes de cumplir los veintidós de existencia”.

Horren aurretik ere Rossinik idatziak zituen antzeko hainbat lan, baina fartsa hutsak ziren, ekitaldi bakarrean idatziak (opera serio osoak ere eginak zituen, hala nola, Tancredi opera); L’italiana in Algeri operan, bi ekitalditan (hiru orduko musika), ordea, musikaren ibilia aurretik egindako fartsa horietan baino askoz ere bateratuagoa da. Harrigarria bada ere, Rossinik 27 egunetan osatu zuen lan hori, eta 21 urte besterik ez zituela, nahiz eta ordurako lan asko idatziak zituen. Opera honetan, orkestra ez da laguntzaile hutsa, aitzitik, lotura perfektua lortzen du bai ahozko adierazpenekin bai sentimendu aldaketekin, etab. Hainbat teorialarik diote Rossinik orkestrari dagokionez lortutako berrikuntza horrek ez zuela italiar operan jarraipenik izan, harik eta XIX. mendean Puccinik lan mota hori bereganatu zuen arte.

Con anterioridad, Rossini había compuesto otras obras de carácter similar, pero se trataba de simples farsas, escritas además en un solo acto (también había creado ya óperas completas serias, como es el caso del “Tancredi”), pero en “L’italiana in Algeri”, en dos actos (unas tres horas de música) el discurrir de la música resulta mucho más unificado que el de las ya citadas anteriores farsas. Es asombroso que esta labor la realizara Rossini en sólo 27 días, cuando tenía tan sólo 21 años, aunque hubiera escrito ya bastantes obras. En esta ópera, la orquesta no es un mero acompañante, sino que actúa en perfecta conexión con las expresiones verbales así como con el cambio de sentimientos, etc. Algunos teóricos dicen que esta novedad orquestal creada por Rossini en la ópera italiana no tendría continuación en otros compositores, hasta que a finales del siglo XIX Puccini adoptara ese tipo de labor.

Rossiniren teknika inork ez zuela “oinordetzan hartu” dioen baieztapena zalantzan jar badaiteke ere, ezin uka daiteke L’italiana in Algeri operako Obertura guztiz txertatuta dagoela opera honen izaeran zein bertako umore bizian; eta hori lehenengo konpasetik beretik atzeman daiteke, kontakizunaren berezko bizitasuna sumatzen baita hasiera-hasieratik. Pieza honen egitura guztiz egokia da, eta horregatik bihurtu da, aspalditik, L’Italiana in Algeri operaren ohiko pieza Obertura kontzertu programetan.

Aunque eso de que nadie “heredó” de momento esa técnica pudiera discutirse, lo que no se puede negar es que la obertura de L’italiana in Algeri va insertada en el carácter y humor ágil de esta ópera, tal y como se advierte ya en los primeros compases, donde ya se percibe la vitalidad propia del relato. La afortunada construcción de toda esta pieza ha hecho que la Obertura de L’Italiana in Algeri se haya convertido desde hace ya muchos años en un número de frecuente estado en programa de concierto.

Biolinerako lan erromantiko ospetsuenetako bat, zalantzarik gabe, Felix Mendelssohn Bartholdyren Op. 64 Biolin eta orkestrarako kontzertua, mi minorrean, Alemaniar musikagile horrek hainbat kontzertu idatzi zituen, baina hiru dira estimatuenak: aipatutako biolinerako kontzertua, 1844koa; Pianorako kontzertua, sol minorrean, 1831. urtekoa; eta Pianorako kontzertua, re minorrean, 1837koa. John Waterhousek esan bezala, “harrigarria dirudi azkena (biolinerako kontzertua) lehenengo agertzea, oro har esaten baita Mendelssohnen jeinutasunak gainbehera nabarmena egin zuela urteek aurrera egin ahala. Hala eta guztiz ere, iritzi hori ez da guztiz zuzena, izan ere, Mendelssohnek, bere bizitza laburraren azken aldian, inspirazio “bolada berri bat” izan zuen, lehenengo urteetako jeinutasun freskoaren berritzea; dena dela, egia da musikagilea akituta zegoela, gorputzez eta arimaz, jeinutasun boladaren lehenengo agerraldiaren eta bigarrenaren artean etenik gabe aritu baitzen lanean.

Sin duda, una de las más famosas románticas obras para violín es el Concierto para violín y orquesta en Mi menor, Op. 64, de Felix Mendelssohn Bartholdy. Este autor germano escribió varios conciertos, pero los tres mayormente valorados son el ya citado concierto de violín, de 1844, el Concierto para piano en Sol menor, de 1831, y el Concierto para piano en Re menor, de 1837. Tal y como expone John Waterhouse, “parecerá extraño que el último (el concierto para violín) aparezca en primer lugar, dada la opinión generalizada que dice que el genio de Mendelssohn decayó a medida que se hizo maduro. Sin embargo, esta opinión no es muy acertada, pues no hay ninguna duda de que una “segunda ráfaga” de inspiración, una renovación del genio fresco de sus primeros años, sopló en la última fase de la breve vida de Mendelssohn, a pesar de lo agotado que estaba de cuerpo y espíritu debido al incesante trabajo que llenó el tiempo entre un brote y otro de este viento genial”.

Oso denbora laburrean hainbat lan luze osatu bazituen ere, Mendelssohnek ahalegin handia eta barnekoa egin behar izan zuen lan honetan; eta hori oso garbi dago adierazita lan artistiko honetan, izan ere, lanaren freskotasun hori ariketa saiatuaren emaitza

Así como algunas obras extensas las había compuesto en tiempo muy breve, ésta le requirió a Mendelssohn un ejercicio largo y con exigencia de sentido interno, lo que queda bien expreso en esta producción artística, cuya frescura es precisamen-

da. Nortasun hori lehenengo mugimendutik beretik gelditzen da agerian, Allegro molto appassionato; hasierako tema ederra orkestraren sarrera txiki baten ondoren agertzen da, akordean. Azalpen horren ondoren, bigarren tema agertuko da, orkestrazio eder eta ezohikoarekin (klarineteek, esate baterako, flauten gainetik jotzen dute), eta bakarlariaren ibilbide konplexu eta argiarekin. Cadenzaren egitura, lehenengo mugimenduari amaiera ematen diona, benetan berritzailea izan zen garai hartan. Andantea, bigarren mugimendua, sekzio aldaketekin guztiz bat datorren orkestrazioa du. A-B-A egitura du lanak: lehenengo sekzioa (A) doinu bareko melodia bat da, eta B, berriz, urduriagoa.

te el fruto de una cultivada labor. Esta identidad se pone ya de manifiesto en el primer movimiento, Allegro molto appassionato, donde el bello tema inicial aparece ya tras una mínima introducción orquestal en acorde. Tras esa exposición aparecerá un segundo tema, con una preciosa y poco frecuente orquestación (los clarinetes, por ejemplo, van sonando por encima de las flautas) y donde el solista hará un complejo pero claro recorrido. La estructura de la cadenza , que concluye el primer movimiento, es realmente novedosa para aquella época. El Andante, segundo movimiento, lleva una orquestación muy en consonancia con los cambios de sección. La estructura es un A-B-A, siendo la primera sección (A) una melodía de aire reposado, mientras que la B es más bien agitada.

Hirugarren mugimenduan, hasierako Allegretto non troppo mugimendutik Allegro molto vivace mugimendura igaroko da. Atal honen idazkeraren itxura ez da, beharbada, lehenengo mugimenduarena bezain “poetikoa”, baina hark bezainbesteko intentsitatea du. Azken batean, Kontzertu osoak birtuositate eta lirismo konbinazio benetan adierazgarria erakusten du. Esate baterako, idatzi izan denaren arabera, bigarren (Andante) eta hirugarren (Allegretto-Allegro) mugimenduetan inolako cadenzarik ez badago ere, “amaierako modulazio betierekoak irudimenezko begitazioa eskaintzen dio biolinistari, eta horrek arreta erakartzeaz gainera, entzuleei atsegin emango diela ematen du aditzera”. Kontzertu hau, laburbilduz, birtuositatearen eta musikaltasunaren bat-egite bikaina da. Mendelssohnen teknika bat dator adierazpenerako zuen ahalmenarekin. Hori dela eta, “ugariak dira melodiazko lineak, eta biolinetik itxuraz ahaleginik gabe irteten direla dirudite; hala ere, musika-tresnaren gaitasun tekniko guztiaz baliatzen da” diote. “Amaierak birtuositate ausarta erakusten du, eta baita Mendelssohnen scherzo zail baina eder horietako batean txertatutako melodiak ere. Birtuositatearen eta lirismoaren konbinazio horrexegatik hartu dute hainbat biolinista eta entzule belaunaldik kontzertu hau aintzat”.

El tercer movimiento pasará del inicial Allegretto non troppo al Allegro molto vivace. La escritura de esta parte puede no parecer tan “poética” como la del primer movimiento, pero su resultado es de tanta intensidad como aquélla. Al fin y al cabo, todo este Concierto muestra una elocuente combinación de virtuosismo y lirismo. Por ejemplo, tal y como se ha escrito, aunque no haya ninguna cadenza en los movimientos segundo (Andante) y tercero (AllegrettoAllegro),” la modulación perpetua del final brinda constantemente al violinista una figuración imaginativa que promete llamar la atención y, al mismo tiempo, deleitar a los oyentes”. En resumen, este Concierto es una integración magistral de virtuosismo y musicalidad. La técnica mendelssohniana está emparejada con su capacidad de expresión. Así, se dice que “está lleno de líneas melódicas que brotan del violín aparentemente sin esfuerzo y sin embargo explota totalmente el potencial técnico del instrumento”. “El final en particular presenta un virtuosismo desenfadado y verdaderas melodías integradas en uno de los scherzos maravillosamente endiablados de Mendelssohn. Es esta combinación de virtuosismo y lirismo la que ha hecho que el concierto fuera apreciado por generaciones de violinistas y oyentes”.

KV 550 40. Sinfonia, sol minorrean W. A. Mozart musikagilearen sinfonia ospetsuenetako bat da, Jupiter izeneko 41. Sinfoniarekin batera. 1788. urtearen uztailean amaitu zuen, Vienan. Zenbait adituk diote lan horretan atzerantz egin zuela, nolabait, Mozartek, 1773an idatzi zituen beste batzuetara, alegia (batez ere, K. 183, 25. Sinfoniarekin duen harremanean). Urte horretan, Mozart Sturm und Drang mugimendu prerromantikoaren eraginpean egon zen, garai hartako hainbat lanetan atzeman daitekeenez.

La Sinfonía nº 40 en Sol menor KV 550 es si duda una de las más célebres, junto con la siguiente, la nº 41,”Júpiter”, de W. A. Mozart. Fue finalizada en julio del año 1788, en Viena. Muchos estudiosos comentan que esta obra supone una especie de regresión hacia otras que compuso en 1773 (sobre todo, su relación con la Sinfonía nº 25 K. 183), año en que Mozart había estado muy afectado por el movimiento prerromántico “Sturm und Drang”, lo que se advierte en algunas de sus obras de entonces.

Sinfonia horren bi bertsio ezagutzen dira, gaur egun, horietako bat klarineterik gabea. Michel Paroutyk honela idatzi zuen: “Orkestrazioa arina da: ez tronpetarik ez tinbalik, baina zenbateko tentsio patetikoa, zenbateko bultzada angustian, zenbateko sukarra! Horrek azaltzen du zergatik izan zuen horrenbesteko babesa garai erromantikoan”. Bestalde, Jean eta Brigitte Massinek honela diote: “Aipatu dugu Mozartek, Beethovenek ez bezala, ez zekiela iraganeko bere lanetara itzultzen. Dena dela, kasu hau salbuespena da, eta beraz, askoz ere garrantzizkoagoa. Bere bizitza guztian bi Sinfonia idatzi zituen, doinu minorrean; doinu berekoak izanez gero, bikiak izango lirateke”

De esta sinfonía se conocen dos versiones, siendo una de ellas sin clarinetes. Como escribe Michel Parouty, “la orquestación es ligera: ni trompeta ni timbales, pero ¡qué tensión patética, qué impulso en la angustia, qué fiebre! Esto explica el favor que esta sinfonía obtuvo en la época romántica”. Por su parte, Jean y Brigitte Massin indican lo siguiente: “Ya hemos dicho que Mozart, al contrario que Beethoven, no sabía volver sobre sus obras pasadas. Ahora bien, aquí el hecho es excepcional, y por tanto mucho más importante. En toda su vida sólo ha escrito dos Sinfonías en un tono menor; es el mismo tono, y son gemelas” (se refieren a la nº 25 y la 40) “La

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(25. eta 40. Sinfoniez ari da). “Lehenengoaren esperientzia gartsuegia zen ahazteko”.

primera expresaba una experiencia demasiado ardiente para que haya podido olvidarla”.

Massin musikologoen iritziz, Mozartek bere izatearen funtsezko dramarekin, gizon eta sortzailearen izatearekin, lotu nahi du bere lana, “eta baita hamabost urteko ahaleginak eta gogoetak eman dioten dimentsio berriekin eta heldutasunarekin ere. 1773ko gazte lanetako itxaropen bafadak” (hau da, 25. Sinfonia) “eskasak dira orain, pentsamendua, aldiz, trinkoagoa da; dagoeneko ez da nerabe batek bere Patuaren kontra agertzen duen haserre etsia agertzen, hogeita hamabi urteko gizon baten amorrua baizik (ba al daki hiru urte baino ez zaizkiola gelditzen hiltzeko?), atsekabea eta porrota ezagutu dituena, baina harro egon litekeena, ez baitu inoiz amore eman”.

Dicen los Massin que Mozart quiere enlazar la obra con el drama fundamental de su existencia, como hombre y como creador, “con las nuevas dimensiones y la madurez que le han conferido quince años de esfuerzo y de reflexión. Las bocanadas de esperanza que atravesaban la obra juvenil de 1773” (es decir, la Sinfonía nº 25) “son ahora escasas, pero el pensamiento se ha hecho más denso, ya no es la furia desesperada de un adolescente que se alza contra el Destino, es el coraje de un hombre de treinta y dos años (¿sabe que sólo le quedan tres años de vida?) que conoce las amarguras y los fracasos, pero que puede vanagloriarse de no haber capitulado jamás”.

Aipamen horiek guztiak hasierako Molto Allegrotik bertatik iragar daitezke, sol minorrean idatzitako atal eder zein triste eta melodiatsuko biolinen bitartez; atal horrek “bat-bateko modulazioa” egiten du si bemolera, harizko tresnez aurkeztutako bigarren atalera iristen den arte. Lehenengo mugimendu horretan zehar, “erritmoek ez dute kartsutasunik galtzen, ezta bulkadek suhartasunik ere (gaztetako 25. Sinfoniarekin alderatuta), baina, oraingoan, dena da zorrotza, distira argitsu eta bat-batekoaren mende”. Lehenengo mugimendu honek Sinfonia honen nortasunaren izaera erakusten du, eta hurrengo urratsetan ere horri eutsiko dio, baina bestelako ezaugarriekin. Era horretara, Andantean, si bemolean, txandakatu egingo ditu leuntasun handiko uneak, lehenengo gaiari, harietakoari, dagokiona esaterako, eta Fortean emandako bigarren gaia; horren ondoren, haizezko musika-tresnek “dei egingo digute gogorarazteko ahalmenaz, baina “baretasun une hori behin behinekoa izango da” M. Paroutyk dion bezala.

Todas estas alusiones pueden ya contemplarse desde el comienzo del Molto Allegro inicial, con los violines en el tan bello como triste y melodioso tema en Sol menor, que tendrá una “brusca modulación” a Si bemol hasta que llega el segundo tema, presentado asimismo por las cuerdas. A lo largo de todo este primer movimiento, “los ritmos no son menos febriles ni los impulsos menos ardientes (en comparación con la juvenil Sinfonía nº 25) pero ahora todo es implacable bajo un centelleo lúcido y repentino”. Este primer movimiento impone ya la identidad del carácter de esta Sinfonía, que se mantiene en los siguientes pasos, si bien con distintos rasgos. Así, el Andante,en Mi bemol estará alternando momentos de gran delicadeza, como lo es el del primer tema, en las cuerdas, para seguir pronto con un segundo tema en forte, tras lo que se los instrumentos de viento “llamarán” con poder evocativo, pero “este instante de serenidad es provisional” como lo dice M. Parouty.

Minuetoa, batzuen ustez, gai urduri eta kementsuarekin hasten da; beste batzuen ustez, aldiz, hasierako gai hori beheranzkoa da, eta “konfiantzaz eta dotoretasunez betea”, aldi berean. Edonola ere, egia da mugimendu honen erdialdean Trio bat agertzen dela, “bihotzeraino iristen dena” (Massin). Baina horren ondoren, noski, aurreko gaira itzultzen da, eta, amaitzeko, tronpek dei “adoretsua” egiten dute. Beraz, azken mugimenduan, Allegro assai, lehenengo mugimenduaren barneko zein kanpoko giroa birsortzen da. Bi Allegroak 2/2koak dira, adierazten denari bizitasun handiagoa emateko asmoz. Amaierako Allegro horren ezaugarri nagusia garapenaren egitura ikaragarria da: kontrapuntu pasarteak, aldaketa tonalak, itxura bareko uneak indarkeriazko uneekin txandakatzen dira, modu berezian erabiltzen ditu haizezko musika-tresnak, etab. etab. “Mozarten jeinutasunak ezin baztertuzko egiatasunaz distiratzen du hemen” M. Paroutyk esan bezala.

El Minueto arranca con un tema tenso y enérgico, según algunos mientras que otros califican este tema de inicio descendente como “lleno de confianza y de elegancia”. Lo que sí es cierto es que en la parte central de este movimiento llega un Trío cuyo canto “nos llega al corazón” (Massin). Pero, claro, tras esto vuelve el tema anterior, que finalizará con una “viril” llamada de las trompas. Así que, en el último movimiento, Allegro assai, se recrea el clima interior y exterior del primer movimiento. Ambos allegros están en 2/2, para dar una mayor viveza a lo que se transmite. Una de los rasgos más importantes de este Allegro final es la formidable estructura a lo largo de su desarrollo, con una escritura donde se advierten pasajes contrapuntísticos, mudanzas tonales, alternancias de momentos de apariencia serena con otros de violencia, un especial uso de los instrumentos de viento, etc. etc. “El genio de Mozart resplandece aquí con una verdad a la que no podemos escapar”, tal y como expresa el ya citado M. Parouty.

J.A.Z.

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