no te separes de nosotros

ez gugandik aldendu

ARTELEKU / CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE / CENTRO CULTURAL RECOLETA

no te separes de nosotros

ez gugandik aldendu

Juan Pérez Aguirregoikoa. Homenaje a Pili y homenaje a Claude. 2 0 0 2

En el arte las afinidades se disimulan. Aunque la teoría haya aportado nociones suavizantes y relativizadoras como "cita", "referencia" e "intertexto", la proximidad formal o conceptual entre artistas sigue perteneciendo a la esfera de los secretos personales que no deben ser revelados. Cuando al confrontar una pieza el espectador crítico sugiere una genealogía de filiaciones -antojadizas o ciertasqueda demostrada su supuesta cultura, quiero decir la del espectador crítico, y también en el mejor de los casos la del autor de la obra, apelando a la mentada intertextualidad. Pero un regusto amargo se asienta en el fondo del estómago del artista, paralelo al aire de triunfo del crítico que goza con cara de "te atrapé". Porque la mayoría de los parentescos del mundo del arte se parecen a los parentescos bastardos del mundo real: se conocen pero no se reconocen. Se ocultan y se rumorean en voz baja, entonces nadie sabe pero todos lo saben. Risitas y enjuiciamiento. No te separes de nosotros se propone, en principio y a contramano de la tendencia general, como una irreverente ostentación de afinidad entre seis personas que tienen en común antes que nada —o mejor, entre otras cosas— su oficio de artistas visuales. No intentan soslayar esta corriente de simpatía que los reúne sino todo lo contrario; se trata de exponer/exponerse como integrantes de una red de comunicación e intercambio que desde hace algunos años los hace próximos a pesar de, o gracias a, la azarosa deriva de los encuentros y los alejamientos. Al momento de realizar las piezas que conforman esta exposición, Iñaki Imaz (vasco) vivía en San Sebastián/ Donostia; Tulio de Sagastizábal (argentino) vivía en Buenos Aires; Iñaki Gracenea (vasco) vivía en Nueva York; y Octavio Blasi (argentino), Juan Pérez Agirregoikoa (vasco) y Gabriela Kraviez (argentina) vivían en París. Los talleres de Arteleku habían propiciado las primeras coincidencias entre ellos, coincidencias físico-espaciales que se mezclaron con conexiones afectivo-profesionales. Han tomado la costumbre de volver a verse, de tanto en tanto. Se escriben por e-mail y se cuentan lo que están haciendo. En la medida de lo posible se acompañan en sus exposiciones individuales. Entre copa y charla, se puede inferir que se observan y se cuestionan. Y, luego, se alimentan la inspiración y hasta se copian. Estos seis artistas brindan la posibilidad de pensar el trabajo propio —el ejemplo está a la vista, tomemos a cada uno de ellos— como resultado del diálogo con otros. Pienso en el concepto de autoría expandida (y no me refiero al "homenaje") claramente opuesto al imperativo de originalidad que nos empeñamos en exigirles a los artistas. ¿Quién inventó primero qué? A esta altura, ¿podemos ser tan ingenuos como para creer que alguien inventa algo? Dejar de pensar el arte como la suma de los hallazgos individuales. Ya no hay nada que hallar. Poder disfrutar la reiteración de recursos y la contigüidad: celebrar la concurrencia.

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No te separes de nosotros es una manera de hacer públicos unos lazos, una suma de conversaciones, unos mecanismos análogos —ironía, fragmentación y deconstrucción visual, discurso y metadiscurso en torno a la tradición pictórica— para ofrecerlos como bloque de sentido distribuido en diferentes materialidades. No te separes de nosotros, no quieras ser original. No trates de esconder esta (relativa) homogeneidad que nos sorprende y nos hace gracia, y que consigue limar aquello que nos desliga, que naturalmente no es poco. Todo lo que tiende a la homogeneización asusta a la intelectualidad. Se piensa automáticamente en el rebaño de ovejas y en el fascismo y en el atontamiento de las conciencias. Pues no. En tiempos de sistemático proceso de atomización social, alentado en el caso del mercado del arte por un modelo de éxito ligado a la cualidad genial -diferénciate y serás especial, sé especial y serás millonario- que un artista pueda confluir con otro, y con más de uno, es casi un milagro. Imaz, De Sagastizábal, Blasi, Gracenea, Kraviez y Agirregoikoa se encaraman sobre una plataforma colectiva y, desde una suerte de parecido familiar, se prestan al juego de las diferencias; éste es más colorido, éste utiliza más la línea recta, éste abandona el plano bidimensional. Pero al mismo tiempo, y esto es quizás más interesante, se acomodan confortablemente en los signos de la ida y la vuelta de palabras, ideas e imágenes. Las cosas que detestan y lo que les divierte o preocupa, juntos y separados. Recuperan y publican las evidencias de todo el tiempo y el espacio que de alguna manera, acá o allá, han conseguido compartir.

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"El pintor tiene que ser blanco, esto es, sin drama y sin mancha. La paleta tiene que ser de cristal y el pincel cuadrado y duro, sin una mota de polvo, puro como un instrumento quirúrgico... Su taller tiene que tener la atmósfera fría de la montaña a 3.000 metros de altura. El frío mata los microbios". THEO VAN DOESBURG, 1932 "Todo lo peyorativo que se dijo de los artistas abstractos, yo lo he recogido y he hecho que no sea peyorativo. Palabras como inhumano, estéril, frío, pasaron a ser palabras frescas". AD REINHARDT, 1957 "Ya no parece posible aceptar la forma geométrica ni como orden trascendental, significante separado, ni como gestalt básica de la percepción visual. Antes bien, estamos embarcados en una búsqueda estructuralista de los significados velados que el signo geométrico puede encerrar". PETER HALLEY, 1984 27 y 25 años, casi pura geometría, distancian estos fragmentos de Theo van Doesburg, quizás el más importante entre los pioneros de la geometría, Ad Reinhardt, uno de sus más lúcidos y radicales defensores en la segunda postguerra, y Peter Halley, el más célebre de sus recuperadores en el ámbito post-moderno. Exceptuando otras incursiones disciplinares del primero, los otros dos han permanecido fanáticamente en el terreno de la pintura. Pero los tres pueden resumir cincuenta años de un arte que, a comienzos de siglo, pretendió instaurarse como un nuevo modelo de realidad y ha acabado representando una más entre las ficciones en las que se mueve el mundo de la imagen contemporánea. No te separes de nosotros; el título elegido para esta exposición, parece mostrar la ansiedad de los artistas por conocer a su público, por no perder el contacto o por la simple posibilidad de establecerlo. Algo así como una maniobra de aproximación. Parece melodramático, como la frase final de una película de amor —pronunciada por la hija mayor en el porche, rodeada de un montón de hermanos pequeños con los mocos colgando cuando su padre se aleja para siempre en su destartalado Toyota—. El enunciado es en realidad irónico o incluso mordaz: el trabajo del pintor contemporáneo comprometido con su trabajo y con su arte, ocurre sin amor, sin calor, sin la proximidad de un ser querido. En los años heróicos del greenberismo, los pintores estadounidenses se orientaron a indagar la composición material y conceptual del cuadro. Algo que siempre había estado tan cerca del pintor, se convirtió repentinamente en un objeto extraño que había que explorar. Pintar se convirtió en un análisis de lo que significaba la pintura, un recorrido por sus diferentes regiones. La valentía, la entrega y el convencimiento de la autenticidad de sus planteamientos, produjeron algunos de los que quizás se encuentren entre los mejores cuadros realizados en el siglo XX. Si esta investigación fue devota, intensa y de fuerte contenido metodológico, la paralela acción que décadas después realizan los seis artistas presentes en esta expo-

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sición tiene un cariz muy diferente. No es devota, sino descreída; no es intensa, sino cargada de un distanciado sentido irónico; y, por último, no es metodológica, sino errática y confusa. La diferencia entre uno y otro planteamiento —separados por cuarenta años de novedades y bastante nerviosismo— puede resumirse en la imagen interior/exterior. Si los pintores estadounidenses de los años cincuenta y sesenta trabajaban desde el interior de la pintura, desde el hogar confortable de una creencia, con una renovada fe en sus posibilidades de avance, en su ímpetu para la construcción de una nueva civilización visual, estos otros trabajan desde un ámbito híbrido, que emplea la pintura sin la premisa de su exclusividad, sin esperanza en su futuro, sin fe ciega, en todo caso, con un ateísmo clarividente. Trabajan, además, en la intemperie de una incomprensión, en la intemperie de la periferia. Estos pintores, desdoblados de su obra, manteniendo la distancia, abandonan cualquier identificación psicológica con su trabajo, observan éste desde fuera, como un objeto física y psicológicamente exterior a ellos. Pintar es posible, se dice por ahí, en los círculos generalmente bien informados... ¿y qué? Pero, frente a la imperturbabilidad de la geometría histórica, donde la obra vivía su autonomía tras una barrera que la separaba del espectador impidiendo cualquier convivencia entre el tiempo/espacio de la obra y el del público, las piezas reunidas aquí buscan ansiosamente esta complicidad que el título de la exposición anuncia de manera enfática. Y, por último, la poética de lo sublime, que ligaba la imagen pictórica a las ideas bellas y solemnes de una unidad espiritual que habitaba el territorio de lo inabarcable, se han trastocado en una aproximación irónica, en la que la idea de lo unitario ya no es una utopía, sino algo inservible. "La pintura moderna cultivó una abstracción sublime, al borde del silencio. Ahora, sólo la ironía posibilita la existencia de una pintura abstracta; pues, de otra manera, estaría condenada a la monotonía o al puro formalismo". Del "casi n a d a " al " n o tiene i m p o r t a n c i a " . "(Pintar) no sirve para demostrar nada. No tiene por qué ser interesante, no trata sobre ningún tema". Son palabras de Iñaki Imaz, uno de los pintores participantes en la muestra, en la introducción de un catálogo de Iñaki Gracenea, otro de sus integrantes, un texto que, al contrario de lo que pueda parecer en este breve fragmento, es un apasionado compendio de razones para "seguir haciendo". Iñaki Imaz propone un encadenamiento de negaciones a la manera de Ad Reinhardt, pero exactamente en sus antípodas, ya que el ascetismo purificador del pintor de Buffalo desasiste el cuadro hasta la extenuación, convirtiéndolo en casi nada, pero en un proceso de vasos comunicantes, toda la mitología de la que ha sido vaciado el cuadro, parece engrosar una nueva mitología del artista, convertido en negador de la obra y afirmador de un "yo" justiciero. Las Black Paintings agonizan en el umbral de la invisibilidad y la insignificancia, mientras el artífice, que les ha tomado prestada su energía —literalmente vampirizándolas—, sale reforzado como sacerdote sacrificial. Pero, en el "(pintar) no sirve para demostrar nada. No tiene por qué ser interesante, no trata sobre ningún tema", la perspectiva se ha invertido, ya que quien pierde su carácter trascendente es el artista, mientras al cuadro se le deja vivir, quizás como objeto intrascendente, hijo huérfano de un pintor sin "yo", quizás como artefacto superfluo, pero necesario en la frágil economía vital del artista. Ironía Se escribe a menudo sobre la ironía en el arte contemporáneo y muy especialmente respecto a la producción postmoderna. El trabajo de estos seis artistas, con sus diferencias pero, ante todo, con sus puntos de afinidad, tiene una relación muy

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directa con la actitud irónica. Digamos que, en pintura, la ironía es el procedimiento elíptico de quien conoce tan profundamente el medio que desconfía de la capacidad de entender de su interlocutor. Pero la ironía es también un impulso moral; se sitúa entre la prepotencia de un conocimiento excesivo y la impotencia de poderlo transmitir. Es siempre constatación de una derrota y también un procedimiento retórico —un rodeo, una elipsis— para hacer esta derrota más dulce. A pesar de tantos estudios modernos sobre esta actitud, no conozco mejor aproximación al asunto que la que hiciera Alberto Savinio —hermano de uno de los pintores menos irónicos del siglo— hace más de ochenta años: "La ironía tiene gran importancia en la pintura cuando la consciencia del artista ha alcanzado un punto de máxima claridad [...] y produce una reacción sutilísima pero elemental que podemos llamar pudor. Y éste induce al artista,[...] a deformar en ciertos aspectos, los elementos terriblemente claros que él percibe". Savinio habla de la ironía como un adelanto irremediable y un poco trágico, el último recurso del artista para separarse de los rezagados y poder llevar adelante su obra sin el lastre de un público que "no entiende". ¿Y qué quiere decir esto? Desesperanza, huida hacia delante. Los pintores de No te separes de nosotros constatan la incomprensión, el aislamiento y la banalización que ha sufrido la abstracción geométrica, no sólo entre el público general, sino entre muchos de los agentes que circulan por el arte contemporáneo, y su actitud desencantada se ha traducido en un rechazo de la pedagogía; hartos de explicar lo elemental han optado por dar un salto hacia adelante; hartos de la lucidez de un lenguaje que no sirve para comunicar, han optado por la oscuridad cómplice de un metalenguaje. La actitud irónica implica también una selección del espectador: la obra es discriminatoria, ya que trabaja con los elementos más movedizos del lenguaje, aquellos que no están sancionados por los cimientos de la claridad, aquellos producidos en la

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fraternidad de las conversaciones privadas, en esa complicidad del taller a la que nunca accederán los extraños. Evacuando el sentido público del enunciado, la ironía expulsa al espectador no avisado, lo arroja a la intemperie de una comprensión banal de la superficie. El procedimiento irónico tiende a una suerte de clandestinidad del significado: no ha desaparecido, pero tampoco quiere dejarse ver a la luz del discurso razonable. Así pues, el título y el contenido de esta exposición no tiene una componente populista, sino al contrario, se refiere al grupo de aquellos capaces de disfrutar doblemente con los pliegues del lenguaje. El disfrute es doble, ya que privado. ¿Qué es n o s o t r o s ? ¿Qué tienen en común estos seis pintores? ¿Qué comparten para referirse a sí mismos como "nosotros"?. Aunque el acto de la pintura es personal y se sitúa en unas coordenadas históricas determinadas, los seis pintores reunidos aquí tienen especial interés en despojar a la pintura de su componente subjetivo, esa carga psicológica que alimenta su factor pulsio-

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nal, para colocar su trabajo más bien en diálogo con la obra de otros artistas. Un diálogo que en algunos casos se convierte en discusión, en una toma de postura que adquiere los tintes de la más apasionada adhesión y los más vehementes rechazos. Para comenzar, un diálogo con la propia obra. Pues ésta no es una exposición de circunstancias. Originarios de lugares tan alejados como Argentina y el País Vasco, y viviendo en diferentes lugares, los artistas de No te separes de nosotros han creado con los años un sistema de complicidades tácitas. No son estos tiempos de agrupaciones vanguardistas, programas y adhesiones, pero estos seis pintores alimentan una hermandad que va más allá de la simple afinidad de sus obras. Hay entre ellos un espíritu común, la conciencia de una posición equivalente en el inestable sistema del arte. Una aproximación metalinguística a la pintura: un signo que habla de otro signo. El primero de ellos se refiere a la gran tradición de la abstracción geométrica; el segundo a su puesta en escena irónica. La pintura de estos artistas muestra sin pudor —respecto a la abstracción geométrica y el monolitismo propositivo que le es característico— sus grietas, su fragilidad y su vulnerabilidad. Una confianza en la pintura condicionada: no hay espíritu de lucha por un género artístico, por una forma de hacer o de pensar: es una práctica de la pintura exterior a ella misma, una fragmentación del yo, marcada por la distancia entre je y moi. O, conduciendo la proposición al lenguaje, un deslizamiento desde el pronombre hasta el adjetivo. En estos cuadros aparece la sombra de una identidad, la inquietante sensación de que han sido pintados por alguien sin "yo". Es significativo que casi no aparezcan sombras; todo el color está situado en el plano abstracto de un pintor sin identidad, una máquina soltera. En este sentido, las obras de No te separes de nosotros se sitúan en polémica contra el fantasma expresionista que tiende a evaluar la obra como emanación de la personalidad del artista, como sujeto de proezas sexuales, en lugar de un ejercicio de su inteligencia. Pero se trata de una inteligencia de certezas débiles: la obra se constituye como centro neurálgico que coordina sugestiones de campos muy variados del conocimiento, un sistema cognitivo inconexo que el cuadro es capaz de coordinar en un espacio de incertidumbre. Malos tiempos para la pintura, se dice por ahí; peor aún para la abstracción geométrica, ya que la recuperación actual de la pintura se está produciendo tras el rescoldo de la fotografía y el vídeo: una pintura figurativa que, siguiendo el modelo de la imagen electrónica, condensa toda la expresividad en el significado aunque —paradójicamente— es también una forma de arte distanciada, elaborada desde las solicitaciones visuales de la iconosfera. Una intensidad paralela del dibujo y el color, una voluntad de emplear al completo todo el display de la pintura, un instinto de acumulación patente en el rechazo del cualquier forma de conciencia reduccionista. Especialmente en los casos de Pérez Agirregoikoa, Blasi, Kraviez o de Sagastizábal, una intensidad y una definición formal nítida que hacen del cuadro un lugar superpoblado de signos, abigarrado. También, esta equivalencia supone un usufructo paralelo de los elementos semánticos asociados a la construcción geométrica y el color: orden y legibilidad, por una parte; expresión y sensualidad, por la otra. Coda anecdótica En pleno ascenso de la vanguardia, Hugo Ball, mentor del Cabaret Voltaire, se preguntaba con provocativa ingenuidad si la pintura abstracta no sería sólo decoración: "¿Implicará el arte abstracto algo más que una renovación de lo ornamental y una nueva entrada en ese sector? —escribió en su diario en 1 9 1 9 — ¿No serán las curvas decorativas de

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Kandinsky sólo alfombras pintadas sobre las que seria más adecuado sentarse que colgarlas de la pared?" Después de casi un siglo de desarrollo del arte abstracto, los temores de Ball se han confirmado, pero en positivo, sin mala conciencia y con el argumento de una relectura de lo decorativo en el contexto de la pintura. La cita viene a cuento especialmente por los cuadros-mantel y las flores-puff de Gabriela Kraviez, que ponen el punto final a esa disolución entre pintura y vida. "En estos cuadros colocados sobre la mesa, se genera un reflejo palpitante de la existencia, de conversaciones, de personas, de objetos, de situaciones de convivencia en torno a la mesa, momentos de alta intensidad emocional en los que lo visual de la decoración reverbera en ecos de sabor y olor, de tactilidad y experiencia". Manteles que podrían haber servido para cubrir las mesas del Cabaret Voltaire, para apoyar las copas y los ceniceros en los que se consumía la vitalidad extrema de la vanguardia. Anunciado por tal desgaste, no es de extrañar que Hugo Ball abandonara Zurich y la radicalidad performativa del cabaret para pasar el resto de sus días en el apartado y melancólico cantón Ticino, tras los muros protectores de un monasterio católico. Notas: Theo Van Doesburg, "Elementarismo", De Stijl, último número, enero de 1932. Peter Halley, "La crisis de la geometría", Arts Magazine, vol. 5 8 , núm. 10, junio de 1984, reproducido en Peter Halley, catálogo de la exposición en el MMCARS, junio-agosto de 1992, pág. 34. Eduardo Pérez Soler, "Ironía versus sublimidad", Lápiz, núm. 123, junio de 1 9 9 6 , pág. 28. Francisco Javier San Martín, "Gabriela Kraviez", Lápiz, núm. 1 7 1 , marzo de 2 0 0 1 , pág. 9 4 . Iñaki Imaz, "Paraíso, paraíso", en el catálogo de la exposición de Iñaki Gracenea, galería DV, San Sebastián, 2 0 0 1 . Ad Reinhardt: "Doce reglas para una nueva academia" Texto leído en el 45º congreso anual del College Art Association, en el Institute of Art de Detroit, el 2 6 de enero de 1957, tomado de Art Press, mayo-junio de 1973). Ver por ejemplo Linda Hutcheon, Irony's Edge. The Theory and Politics of irony, Routledge, Londres, 1 9 9 4 , o el reciente catálogo Ironía, Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián, 2 0 0 2 . Alberto Savinio, "Anadioménon (Principi di valutazione dell'arte contemporanea)", en Valori plastici, I, 1919. cit. en Maurizio Fagiollo dell'Arco y Paolo Baldacci, Giorgio de Chirico. Parigi 1924-1929, Philippe Daverio, Milán, 1982, pág. 40. Hugo Ball, La fuite hors du temps. Journal 1913-1921,

Rocher, Mónaco, 1993, pág. 2 1 8 .

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Obras

Octavio Blasi

Los modelos

2002 Vinílico sobre lienzo 162 x 130 cm; 35 x 2 7 cm

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Techno-House-Painting 2002 130 x 130 cm; 4 1 x 5 7 cm Vinílico sobre lienzo

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Techno-House-Paintinq 2002 Vinílico sobre lienzo 130 x 130 cm

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Iñaki Gracenea

S i n título Técnica mixta

2002

Medidas variables

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S i n título

2003

Técnica mixta Medidas variables

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Iñaki Imaz

Je s u i s un revolutionaire 2002 Técnica mixta Medidas variables

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Maitasuna eta pedagogia / A m o r y pedagogía 1990-2002 Medidas variables Técnica mixta

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Detalle

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Gabriela Kraviez

Doña Flor

2002 Acrílico sobre madera 3 1 0 x 3 6 0 cm

Acrílico sobre tela 2002 O b s e s s i v e Lady (rosa)

130 x 195 cm

2002 S a i l o r and Lula Poliespán, madera, tela y acrílico 100 x 100 x 4 5 cm

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O b s e s s i v e Lady (violeta) 2002 Acrílico sobre tela 130 x 195 cm

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Juan Pérez Agirregoikoa

Día del orgullo pistolero 2002 Acrílico y óleo sobre madera entelada 180 x 180 cm

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Homenaje a Pili y homenaje a Catherine

180

x

260

Acrílico sobre madera entelada 2002

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cm

El verdadero poeta usa crema 2002

180 x 1 8 0 cm

Acrílico sobre madera entelada

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Tulio de Sagastizábal

U n verano de 1 9 7 4 2001 Acrílico sobre lienzo 100 x 180 cm

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M u n d o grande, mundo pequeño 2000

2 8 0 x 4 0 0 cm

Técnica mixta sobre passepartout

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Continuo discontinuo 2000

140 x 2 0 0 cm

Técnica mixta sobre papel

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Currículos

Octavio Blasi

OCTAVIO BLASI Córdoba, Argentina 1 9 6 0 . Vive y trabaja en París.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2002 2001 2000 1998

1997 1996 1994 1993

1992 1991 1990 1987 1985

Galerie La Ferronnerie, París, Francia. Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. Galería Municipale Fernand Leger, Ivry sur Seine, Francia. Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. Galería New Worl, Dusseldorf, Alemania. Blasi/Romano, Centro Cultural Borjes, Buenos Aires. Galería Nexus, Buenos Aires. Blasi/Romano, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina. Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. Art Strasbourg 1 9 9 6 , Galería Ruta Correa. Galería 2 0 x 2 0 , Arnheim, Holanda. Galería Rubbers, Buenos Aires. Stadtmuseum, Ratingen, Alemania. Découvertes, Galería J. Moussion, Grand Palais, París. Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. Galería Arrêt sur l'image, Burdeos. Haus der Kulturen der Welt, Berlín. Les ironies du sort, Galería J. Moussion, París. Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. Galería J. Moussion, París. Espacio Latino-Americano, París. Galería Jaime Conci, Córdoba, Argentina. Galería Ruth Benzácar, Buenos Aires.

EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección) 2002

2001

2000 1999

1988

St'art, Galería Ruta Correa, Estrasburgo, Francia. Art Frankfurt, Galería Ruta Correa, Alemania. Plein feux, Hôpital Charles-Foix, Ivry, Francia. Première, Galería La Ferronnerie, París. Kunstrai Amsterdam, Galería La Ferronnerie, Holanda. L'humour de l'art, IUFM de Franche-Comté, Besançon, Francia. From classic to modern: revisiting the figure in the permanent collection, Art Museum of the Americas, Washington, Estados Unidos. Buenos Aires in & out, Le 19, Centre régional d'art contemporain, Montbéliard, Francia. Kunst Zürich, Galería La Ferronnerie, Suiza. A visual dialogue through the Americas, The Art Museum of the Americas, Washington, Estados Unidos. La fenêtre, Ivry, Francia. Espaces des Amériques, Maison de l'Amérique latine, París; Maison de France, Santo Domingo, República Dominicana; Musée du Panthéon National Haïtien, Port-au-Prince, Haití; National Gallery of Jamaïca, Kingston, Jamaica; Centro Cultural, Pontificia Universidad Católica, Lima, Perú; Musée martini quais des arts des Amériques, Lamentin, Martinica. Das soll Kunst sein, Kunstverein Friburgo, Alemania. B2H, Fondation Argentine, París. Pleins feux, Espace Robespierre, Ivry sur Seine, Francia.

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1997 1996

1995 1994 1993

1992

1991

1990 1988

1987 1986 1985

Elections, Maison de l'Amerique Latine, París. Materias, Memorias, Bienal de Pontevedra. Galería Carlos Lozano, Cadaqués. 118 x art, Galería Mario Timoneda, Aix-en-Provence. Saint-Exupery, le déserte et le Petit Prince, Espace Jacques Demy, Nantes. Galería Argentine, París Gravares, Galería Ruta Correa, Friburgo, Alemania. De allá y de aquí, Centro Cultural Dr. Alberto Rougés, Tucumán, Argentina. Bon Appétit, Galería Ruta Correa, Friburgo; Salomo-Haus, Ausbourg, Alemania; Art Strasburg, Francia. Miami Art Fair, Galería G. Leloir. Art et dialogues européens, Maison des Arts Georges Pompidou, Cajarc, Francia. Première Triennal des Ameriques, Espace Sculfort, Maubeuge, Francia. Vingt ans d'Arts Plastiques, M.J.C. Les Hauts de Belleville, París. 9eme Salón d'Art Contemporain, Bourg-en Bresse, Francia. Expressions Actuelles, Espace Chevreul, Nanterre, Francia. Oeuvres choisies, Galería Alyskewycz, París. Art Franfurt, Galería Ruta Correa. Distances Autres, Galería de Nesle, París. Aspectos, Fossilienmuseum, Dotternhausen, Alemania. The fertile imagination, The Economist, Londres. Salón de Vitry, Francia Visages, Galería Alyskewycz. Salón de Mal, Gran Palais, París. Première triennal de l'estampe, Chamallière, Francia. Salon de Montrouge, Francia. 9 tout neufs, Galería J. Storme, Lille, Francia. Galería J. Moussion, Carnac, Francia. Petit format papier, Museé de Couvin, Bélgica. Elisabeth Frank Gallery, Knokke le Zout, Bélgica. II Bienal de la gravure sur bois, Evry, Francia. II Bienal de La Habana, Cuba. Salón de jóvenes plásticos, Córdoba, Argentina. Homenaje al Parlamento Latinoamericano, Museo Genaro Pérez, Córdoba, Argentina.

BECAS Y PREMIOS 1997 1996 1991

Beca The Pollok-Krasner Foundation Inc, Nueva York. Petit format, Espace Latino-Americain, París. 1er premio Fondation Fortabat- Maison de l'Amerique Latine, París.

OBRAS EN MUSEOS Y COLECCIONES Bibliothèque François Miterrand, Francia. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina. M 2 A 2 , Martinica. Musée de Couvin, Bélgica. The Art Museum of the Americas, Washington D.C., Estados Unidos. Colección Kronemburg. Colección Novotel. Colección Maison de l'Amerique Latine.

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Iñaki Gracenea

IÑAKI GRACENEA Hondarribia / Fuenterrabía 1 9 7 2 Vive y trabaja en Hondarribia/Fuenterrabía. 2001 1998

ISCP. New York. Taller con Pello Irazu. Arteleku, Donostia/San Sebastián. Taller con Darío Urzay. Arteleku. Donostia/San Sebastián. 1996 V Curso Internacional de Creación Artística. Valdepeñas de Jaén. 1990-95 Licenciado en BB. AA. por la Universidad del País Vasco (UPV-EHU) en la Especialidad de Pintura.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2002 2000 1999 1998

Garage Regium. Madrid. Galería DV, Donostia/San Sebastián. Torre de Ariz, Basauri. Galería J. M. Lumbreras, Bilbao.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2002 2001

2000

1999 1998 1997 1996

Painting as Paradox, Artists Space, NewYork Galería DV. Madrid. ARCO'02 Galería DV. Madrid. ARCO'01 Sala Rekalde, Bilbao. Palacio de Revillajigedo, Gijón. Galería Sandunga, Granada. Pintura de Cámara, Galería DV. Donostia/San Sebastián. Stadtisches Museum Abteiberg, Monchengladbach. Art Forum Berlin. Galería DV. ARCO. Galería DV. Galería Trayecto, Vitoria/Gasteiz. Transfer. Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela. Art Forum Berlin. Galería DV. Museo Municipal de Albacete. VI Muestra de Unión Fenosa, A Coruña. XXXVI Anual Plástica de Pollensa. Mallorca. Joven Creación. Maison des Arts Georges Pompidou. Cajarc, Francia. Galería Amaste, Bilbao Becarios 9 7 . Zuloaga Etxea. Hondarribia/Fuenterrabía. Pintura. Palacio Aramburu. Tolosa. Talleres Abiertos 96. Bilbao. Artistak eta idazleak. Centro Cívico La Bolsa. Bilbao. Galería La Brocha, Bilbao.

BECAS Y PREMIOS 2001

Beca Fundación Marcelino Botín. Mención de Honor en el Premio de Pintura Generación 2 0 0 1 , Premios y Becas Caja Madrid 2° Premio de Ingenieros de Puertos y Caminos, Bilbao. Adquisición VII Mostra Unión Fenosa.

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2000

1999 1998 1997 1996 1995 1994

1º

Premio Certamen Pequeño Formato. Gallarta. Adquisición IV Bienal de Albacete. Beca de Creación Artística. Diputación Foral de Guipúzcoa. Adquisición Generación 2 0 0 0 . Premios y becas Caja Madrid. Proyecto Transfer. Renania-Wesfalia, Alemania. Mención de Honor en el XXV Premio de Pintura Bancaixa, Valencia. Beca de Pintura Mojácar, Almería. Accésit XIII Edición del Premio de Pintura L'OREAL. Beca de Creación Artística, Ayuntamiento de Hondarribia. 1º Premio en el XXVII. Memorial Elías Salaberria, Lezo. Beca Erasmus en la Facultad de Bellas Artes de Atenas. Beca de Creación Artística, Diputación Foral de Guipúzcoa. II Convocatoria de Patrimonio Artístico de la UPV-EHU. Obra adquirida.

OBRAS EN COLECCIONES Museo Unión Fenosa. Banco de España. Fundación Caja Madrid. Club Pollença. Ayuntamiento de Hondarribia. Ayuntamiento de Mojácar. Colección Olascoaga/Agirre. Ayuntamiento de Valdepeñas de Jaén. Universidad del País Vasco. Ayuntamiento de Albacete. Fundación Marcelino Botin.

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Iñaki Imaz

IÑAKI IMAZ Donostia/San Sebastián, 1 9 6 5 . Vive y trabaja en Donostia/San Sebastián. 1988

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, especialidad pintura.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2000 1998 1996 1994 1992 1991

LA VIDA Animazioak, Torre de Ariz, Basauri. La vida interior de las personas en el mundo, Museo de Arte e Historia de Durango. Usurbe Antzokia, Beasain, Gipuzkoa/Guipúzcoa. Arriola Kultur Etxea, Elorrio, Bizkaia/Vizcaya. Galería La Pecera, Irún, Gipuzkoa/Guipúzcoa. Larrotxene Kultur Etxea, Donostia/San Sebastián. Galería La Pecera, Irún, Gipuzkoa/Guipúzcoa.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2002 2001

1999 1998 1997 1996

1994 1993 1992 1991

1990

1988 1987

Presentación de vídeos en la terraza de Casa de América, Madrid. Carpeta serigráfica Viaje al País de los Vascos de Humboldt. Arteleku, Donostia/San Sebastián. Arte elektronikoa Euskal Herrian (un lugar para el arte en el lugar de la ciencia). Miramon Kutxaespacio de la ciencia, Donostia/ San Sebastián. Beittu Art Gallery, Durango, Bizkaia/Vizcaya. Itinerario gráfico (de lo artístico a lo industrial y otros aspectos), Arteleku, Donostia/San Sebastián. Menos de 170, Galería Amaste, Bilbao. Certamen Bancaixa, Valencia. Certamen Bancaixa, Valencia. Certamen Plástica Contemporánea, Vitoria/Gasteiz Pintores vascos en las colecciones de las Cajas de Ahorros, Salas de exposiciones de la BBK en Bilbao, Donostia/San Sebastián y Vitoria/Gasteiz Certamen "Imaginate Euskadi", Bilbao Premio Gure-Artea, Bilbao, Donostia/San Sebastián, Vitoria/Gasteiz Certamen Plástica Conteporánea, Vitoria/Gasteiz 1ª Muestra de Arte Joven, Gobierno Vasco, Vitoria/Gasteiz. Galería La Pecera, Irún, Gipuzkoa/Guipúzcoa. Uztaro, Exposición de becarios de la Diputación Foral de Gipuzkoa, Arteleku, Donostia/San Sebastián. Premio Gure-Artea, Bilbao; Donostia/San Sebastián; Vitoria/Gasteiz 2º Certamen de Pintura Osakidetza. Presencias 89, Arteleku, Donostia/San Sebastián. 20 Miradas, Irún, Gipuzkoa/Guipúzcoa. Certamen de Artistas Noveles de Gipuzkoa/Guipúzcoa, Mercado de Portugalete. Certamen de Artistas Noveles de Gipuzkoa/Guipúzcoa, Caja de Ahorros Municipal de San Sebastián. Okendo Kultur Etxea, Donostia/San Sebastián.

itinerante. itinerante.

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Gabriela Kraviez

GABRIELA KRAVIEZ Buenos Aires, Argentina 1965 Vive y trabaja en París. 1997 1998 1997 1996 1994 1992 1991 1990 1986

Seminario de filosofía con Alain Badiou, París. En una (microeventos) fracción, taller internacional de pintura dirigido por Darío Urzay, Arteleku, Donostia/San Sebastián. D.E.A. en Estética y Arte Contemporáneo, Universidad de París VIII. Licenciada en Artes Plásticas, Universidad de París VIII. Taller de pintura con Mitsuo Miura, Arteleku, Donostia/San Sebastián. Seminario con Peter Halley en l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París. Diplomada de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, sección pintura. Taller de artistas invitados: Marina Abramovic en l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París. Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Buenos Aires, Argentina.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2001 2000 1998 1997 1991 1989

Love me, love my problems. CRUCE, Madrid. Parásitos domésticos. Torre de Ariz, Bilbao. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina. Horizonte de interior. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Galería Adriana Indik, Buenos Aires. Galería de la Maison des Beaux-Arts, París. Galería Municipal, Vitry-sur-Seine, Francia.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2002

2001

2000

1999

1998

1997 1995

Bienal de Albacete. Flag Festival, Corea. FEVAL, Feria de Arte Iberoamericano, Cáceres. ARCO 0 2 , Galería Magda Bellotti. Galería Magda Bellotti, Madrid. Puntos de Encuentro. Galería Horrach Moyá, Palma de Mallorca. Premio de Pintura Antoine Marin, Galería Julio González, Arcueil, Francia. Encuentros de verano, Sajazarra, La Rioja. Puntos de Encuentro. CRUCE, Madrid. Salón nacional de pintura, Buenos Aires. Premio Bancaixa, Valencia. Pizza Project, Z.A.C. 9 9 , Musée d'Art Moderne de la Ville de París. Pizza Project, Espace Cerise, París. Premio de pintura Banco Provincia de Buenos Aires. Vivre Paris, Espace Electro, París. Premio Bancaixa, Valencia. Bienal de Arte Contemporáneo, Bahía Blanca, Argentina. Premio Bancaixa, Valencia. Plástica Contemporánea, Vitoria-Gazteiz. Premio Deutsche Bank, Buenos Aires. Tres Paredes, Buenos Aires. K.L.F., Fundación Argentina, París. Kraviez, Nara, Negishi. Galería & Ediciones Gingko, Madrid. 3 Artistas Argentinos. Galería Argentina, París.

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1994 1992 1991 1988

Salón de Montrouge. Galería Municipal, Montrouge, Francia. Diplomados de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París. Salón de Montrouge. Galería Municipal, Montrouge, Francia. Premio de Vitry: 20 años después. Galería Municipal, Vitry-sur-Seine, Francia. Novembre à Vitry. Galería Municipal, Vitry-sur-Seine, Francia.

PREMIOS Y BECAS 2000 1999 1998 1995 1988

Residencia de artistas, Sajazarra, La Rioja. Mención de honor, Salón nacional de pintura, Buenos Aires. Beca Pollock-Krasner Foundation INC, Nueva York. Artistas en residencia, Careyes, México. Mención de honor, Premio de Pintura Bancaixa, Valencia. Beca de pintura de Mojácar, Almería. Premio de pintura de la villa de Vitry-sur-Seine, Francia.

COLECCIONES Ayuntamiento de Vitry-sur-Seine, Francia. Singer, París. Ayuntamiento de Mojácar, Almería. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina. Fundación La Vaca Independiente, México D.F., México. Ayuntamiento de Pamplona, España.

EN LA W E B Consultar www.pizzaproject.com

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Juan Pérez Agirregoikoa

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA San Sebastián/Donostia 1963. Vive y trabaja en París y San Sebastián/Donostia. 1993/97 1992 1991 1989 1988

Estudios de Filosofía en la Universidad París VIII. Seminario con Peter Halley. Ecole Superieure des Beaux Arts de París. Diploma Nacional de Artes Plásticas de l'Ecole Superieure de Beaux Arts de París. Arte y naturaleza, taller con Mitsuo Miura y Alfonso Albacete. Arteleku, San Sebastián. Licenciado en Bellas Artes, Universidad del País Vasco.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2001 2000 1999 1998 1997 1995 1991 1987

Faible passion du réel. Dojo, Montreuil, Francia Tenue pasión de lo real. CRUCE, Madrid. Más cósmico muy profundo y lleno de sentido. Torre de Ariz, Basauri. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina. Arañitas cartesianas. Galería Adriana Indik, Buenos Aires. Un Edipo correcto. Galería & Ediciones Ginkgo, Madrid. Arañitas cartesianas. Galería & Ediciones Ginkgo, Madrid. Relax. Galerie La Grande Masse des Beaux Arts, París. Galerie Crime, París. Casa de Cultura de Oquendo, San Sebastián.

EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección) 2002

2001

Flag art festival. Seoul, Corea. Bienal de Albacete, Albacete. Gure Artea. Sala Rekalde, Bilbao. Puntos de encuentro Galería Horrach-Moya, Palma de Mallorca. Mostra Union Fenosa, A Coruña. The Hunter. Galería Garage Regium, Madrid.

PREMIOS Y BECAS 1997 1993 1992 1991 1990 1988

Primer Premio de Pintura Bancaixa. Beca Fundación Banesto. Segundo Premio Artistas Noveles, San Sebastián/Donostia. Beca de la Diputación de Gipuzkoa/Guipúzcoa. Beca de la Diputación de Gipuzkoa/Guipúzcoa. Ayuda a la creación. Diputación de Guipúzcoa. Beca de El Paular, Segovia.

OBRAS EN MUSEOS Y COLECCIONES Bienal de Almería. Colección Ayuntamiento de Vitoria, Fundación Vital Kutxa, Vitoria/Gasteiz. Diputación de Segovia. Fundación Bancaixa, Valencia. Fundación Banesto, Madrid. Fundación Caja Vital Kutxa, Vitoria/Gasteiz. Museo Chateau Carreras, Córdoba, Argentina. Marugame Hirai Museum, Marugame, Japón. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

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Tulio de Sagastizábal

TULIO DE SAGASTIZÁBAL Posadas, Misiones, Argentina 1 9 4 8 . Vive y trabaja en Buenos Aires. Realiza sus estudios en los talleres de Alejandro Vainstein, Roberto Páez y Luis Felipe Noé. En 1991 y 1992 fué becario en el taller de Guillermo Kuitka. De enero a abril del 2 0 0 0 fue invitado para trabajar en Arteleku, Centro de Arte Contemporáneo, Donostia/San Sebastián, España. Como docente dictó cursos y seminarios en la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova, el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, la Universidad de Palermo, la Fundación Antorchas y el Proyecto Trama.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES (selección) 2001

2000 1997 1995 1992 1991 1990 1989 1987

Pintura Existencial. Diana Lowenstein Fine Arts, Miami, Estados Unidos. Interior - Exterior. Auditorium, Mar del Plata, Prov. de Buenos Aires. Pintura Existencial. Diana Lowenstein Fine Arts, Buenos Aires. Sangre, Sudor y Lágrimas. Museo Arturo Jauretche, Banco Provincia de Buenos Aires. Pinturas indolentes, Galería Der Brücke, Buenos Aires. Antología inestable, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. La Mujer sentada y Otras Pinturas, Galería Graciela Leloir, Buenos Aires. Relatos reunidos. 1986-1991, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Adios Pampa Mía, Galería Sara García Uriburu, Buenos Aires. Una muestra itinerante, Museo Provincial de Arte Juan Yaparí, Posadas, Misiones; Casa de Cultura Virasoro, Corrientes. Primeras pinturas, Bar El Taller, Buenos Aires.

EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección) 2002

2001

2000

Futuro inmediato, El Galpón. Estudios abiertos. Buenos Aires. Premio Aerolineas Argentinas. Palais de Glace. Buenos Aires. Proyecto Trueque. Museo Juan B Castagnino, Rosario. ArteBA XI, Galería Rubbers, Buenos Aires. Visiones. Museo de Arte Contemporáneo. U N A M , Misiones. El Club del Dibujo. Teatro Auditorium, Mar del Plata. Premio Municipal Manuel Belgrano. Museo Sívori, Buenos Aires. Arte Contemporáneo Argentino. Museo Nacional de Bellas Artes, Neuquén. Bienal de Dibujo Contemporáneo. La Casona de los Olivera, Buenos Aires. Arte Contemporáneo Argentino. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Anticipo 2002. Galería Rubbers. Buenos Aires. FIAC ' 0 1 . Diana Lowenstein Fine Arts, París, Francia. Salón Nacional de Artes Visuales. Palais de Glace, Buenos Aires. Art Chicago ' 0 1 . Diana Lowenstein Fine Arts. Navy Pier, Chicago, Estados Unidos. Arte del NEA. Museo Sívori, Buenos Aires. Teatro Auditorio de La Plata, Provincia de Buenos Aires. Patrimonios Confrontados. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina Art Miami ' 0 1 . Diana Lowenstein Fine Arts. Miami, Estados Unidos. Artist's Presentation #3. Galería Diana Lowenstein Fine Arts, Miami, Estados Unidos. 10 pintores Argentinos Contemporáneos. Museo Gregorio Alvarez, Neuquén. 10 pintores Argentinos Contemporáneos. Museo Genaro Pérez, Córdoba, Argentina. Art Chicago ' 0 0 . Diana Lowenstein Fine Arts. Navy Pier, Chicago, Estados Unidos. Art Miami ' 0 0 . Diana Lowenstein Fine Arts. Miami, Estados Unidos.

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1999

1998

1997

1996

1995

1994

Siglo XX Argentino, Arte y Cultura. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Premio Universidad de Palermo. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Gran Premio ' 9 9 . Banco Provincia de Buenos Aires Museo A. Jauretche, Buenos Aires. Colección Bruzzone. Centro Cultural Ricardo Rojas, UBA, Buenos Aires. Premio Colección Constantini. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Art/30/Basel. Diana Lowestein Fine Arts, Basilea, Suiza. 250 x 250 x 250. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. 1st International Biennial New water-color Kleinsassen Kunststation, Fulda, Alemania. Art Chicago ' 9 9 . Diana Lowenstein Fine Arts, Chicago, Estados Unidos. Premio del Fondo Nacional de las Arfes. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. ARCO ' 9 9 . Galería Der Brücke, Madrid. Du Sud. Fundación Argentina, Paris. Art International New York'98. Galería Der Brücke, New York, Estados Unidos. L'Abstraction et ses Territoires. Centre d'Art Contemporain, Montbèliard, Francia. Premio Saint Felicien. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Hasper, Jitrik, de Sagastizábal. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Premio Colección Constantini. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Arte Argentino Contemporáneo. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (itinerante). Premio Universidad de Palermo. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Arte BA'98. Galería Der Brücke, Buenos Aires. Books of the End of the World. Foundation for Today's Art Nexus, Philadelphia, Estados Unidos. Premio INET. Instituto Nacional de Educación Tecnológica. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Art Miami ' 9 8 . Galería Der Brücke, Miami, Estados Unidos. I Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil. FIA'97 Galería Der Brücke. Caracas, Venezuela Expoarte Guadalajara. galería Der Brücke, Guadalajara, Méjico. Premio Colección Constantini. Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Art Chicago'97, Galería Der Brücke. Chicago. Estados Unidos 200 x 200 x 200 Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. ARCO'97, Galería Der Brücke. Madrid. Premio del Banco de la Provincia de Buenos Aires. Museo Arturo Jauretxe, Buenos Aires. Miriarte'96. Feria de Arte de Bogotá, Galería Der Brücke. 70 x 80 x 90, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Bazán, Besoytaorube, Machado, de Sagastizábal, Museo Juan Carlos Castagnino, Mar de la Plata. La Ciudad agredida. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Premio Universidad de Palermo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Premio Hugo del Carril -Fundación Banco de la Ciudad. Museo de Arte Moderno, Buenos Aires. Art Chicago ' 9 6 , Galería Der Brücke. Artistas argentinos en Chicago, Galería Der Brücke, Buenos Aires. García, González Perrín, de Sagastizábal, Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay. Arte BA ' 9 6 , Galería Der Brücke. Tres artistas argentinos, Galería Ramis Barquet, Monterrey, México. Premio Salón de Arte y Antigüedades, Museo Metropolitano de Buenos Aires. 70/80/90, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Premio Universidad de Palermo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. V Premio Gunther, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Banco Tornquist/Crédit Lyonnais, Seleccionado para integrar su Colección de Arte Contemporáneo, Buenos Aires.

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1993

1992

1991

1988 1983

4 artistas de Misiones, Centro de Artes Visuales, Asunción, Paraguay. Espacio Giesso, Buenos Aires. Premio CAYC, Galería del Este. Jornadas de la Crítica, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Pictórica, Museo de Arte de las Américas, Washington D.C., E E . U U . Mostra de integraçao do Cone Sul, Cascavel, Sao Paolo, Rio de Janeiro, Brasil. Pictórica, G.;'Namdi Gallery, Detriot, Michigan, Estados Unidos. Instalaciones. 28 Propuestas, Palais de Glace, Buenos Aires. Premios de la Fundación Fortabat, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Art Miami ' 9 3 , Galería Graciela Leloir. Buenos Aires en Nantes, Festival Les Allumeés, Nantes, Francia. Salón del Quinto Centenario, Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Urban Argentine Art, M L Gallery, Nueva York. Pictórica, Villa Ocampo, Mar de Plata. Puerto a Puerto, Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca, Argentina. Arte BA ' 9 2 , Galería Sara García Uriburu. IV Internacional de La Habana, Museo de bellas Artes de La Habana, Cuba. La Conquista. 500 años por 40 artistas, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Summertime, Galería del Rojas, Buenos Aires. Arte BA ' 9 1 , Galería Sara García Uriburu. Premio Jenaro Pérez Villamil, El Ferrol. III Premio Gunther, Espacio Harrod's, Buenos Aires. 1ª Subasta de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Decorativo, Buenos Aires. Tres maneras de contar. Galería del Centro Cultural Gral. San Martín, Buenos Aires. Premio Bienal de la Fundación Arché, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, Buenos Aires.

PREMIOS 2002

Premio Accesit. Premio Aerolíneas Argentinas. Palais de Glace. Buenos Aires. Mención del Jurado. Premio Municipal Manuel Belgrano, Museo Sívori, Buenos Aires. 1999 Segundo Premio. Premio Universidad de Palermo Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Tercer Premio. Banco Provincia de Buenos Aires Museo A. Jauretche, Buenos Aires. 1998 Premio Leonardo ' 9 8 . Artista del Año. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Mención del Jurado. Premio Saint Felicien. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Tercer Premio. Premio Universidad de Palermo Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. Mención del Jurado. Premio INET. Museo Nacional de Bellas ArtesBuenos Aires. 1996 Premio Universidad de Palermo, mención especial del jurado. Premio Salón de Arte y Antigüedades, mención del jurado. 1992 Primer premio Salón del Quinto Centenario, Concejo Deliberante de la ciudad de Buenos Aires. 1991-92 Premio Beca Fundación Antorchas, Taller de Guillermo Kuitca.

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Créditos

E X P O S I C I Ó N Y CATÁLOGO Producción y edición DIPUTACIÓN FORAL DE GIPUZKOA Diputado General: Román Sudupe Olaizola Diputado del Departamento de Cultura, Euskera, Juventud y Deportes: Luis Bandres Unanue Directora General de Cultura: María Jesús Aranburu Orbegozo ARTELEKU. Donostia-San Sebastián Del 27 de septiembre al 27 de octubre de 2002 Director: Santiago Eraso Beloki Coordinación: Amalur Gaztañaga

AYUNTAMIENTO DE MADRID Alcalde de Madrid: José María Alvarez del Manzano y López del Hierro Primera Teniente de Alcalde y Titular de la Rama de Coordinación General de Servicios, Cultura y Servicios Comunitarios: Mercedes de la Merced Monge Concejal Delegado del Área de Cultura, Educación, Juventud y Deporte: Fernando Martínez Vidal Directora de Servicios de Cultura: Lucía Brizuela Castillo CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE. Madrid Del 27 de marzo al 16 de abril de 2003 Director: Juan Carrete Parrondo Coordinación: Alicia Navarro Granell, María Josefa Pastor Cerezo

GOBIERNO DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES Jefe de Gobierno: Dr. Aníbal Ibarra Vice-Jefa de Gobierno: Lic. Cecilia Felgueras Secretario de Cultura: Lic. Jorge Telerman Subsecretaría de Patrimonio Cultural: Arq. Silvia Fajre Subsecretario de Industrias Culturales: Dr. Gustavo López CENTRO CULTURAL RECOLETA. Buenos Aires Del 19 de septiembre al 12 de octubre de 2003 Directora General: Lic. Nora Hochbaum Directora de Programación: Sra. María Rita Fernández Madero Director de Administración: Cont. Armando Atis Director Musical: Prof. Francisco Kröpfl Curadora CCR: Arq. Liliana Piñeiro

COORDINACIÓN GENERAL RMS La Asociación DISEÑO Mateo Maté Comunicación Visual IMPRESIÓN Campillo Nevado ISBN 84-96102-03-3 DEPÓSITO LEGAL M-25552-2003

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