ÍNDICE. Impresionismo y post-impresionismo ______________________________ Págs. 3 a 5 Cézanne y el cubismo _________________________________________ Págs. 5 a 6 Arte no figurativo y Kandinsky ___________________________________ Págs. 6 a 7 Arte purista _____________________________________________________ Pág. 7 Bibliografía _____________________________________________________ Pág. 8 Anexo ______________________________________________________ Pág. 9 a 10

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→ Impresionismo y post-impresionismo. Como para empezar a hablar de este movimiento artístico, podría decir que comienza a finales del siglo XIX, época un tanto incómoda porque el público que veía las obras de ese entonces tiende a opinar sobre ellas por lo que saben y no por lo que realmente estaban viendo; además los artistas empiezan a pintar en el exterior ya que se intenta reflejar impresiones de luz y someter movimiento a la pintura, y eso los convierte en transgresores de reglas importantes, ya que en el arte tradicional todos los pintores tenían que llevar a sus modelos a un estudio. De acuerdo a Gombrich (1992), existía un método tradicional en la pintura (el cual concluyó cuando los impresionistas se dieron cuenta que había sombras que jamás iban a aparecer con la luz del sol), de suavizar las manchas, y Manet se encargó primero de analizar y luego modificar dicha característica, ocupándose de realizar notables contrastes, como se puede ver por ejemplo en “El balcón” donde mediante la implementación de diferentes tonos del mismo color intenta reflejar luces y sombras, para demostrar que existen diferentes cuerpos y que la pintura no es plana; aunque lo llevó a ver que en realidad lo que hace que se note una profundidad es toda la obra junta. Los impresionistas comenzaron pintando paisajes, luego le sumaron personas a sus cuadros y finalmente empiezan a pintar cualquier cosa que ven de la naturaleza misma; lo que hizo que algunos críticos no hablaran de una manera muy grata sobre ellos. Se admite que la fotografía ayudó a ver los paisajes de manera diferentes, de diferentes ángulos; así como también la estampa coloreada japonesa, en la cual los artistas tomaban cualquier escena de la vida cotidiana y la plasmaban en grabados coloreados sobre maderas. Algunos de los pintores que se sumaron al movimiento impresionista fueron Whistler y Rodin, que en realidad era escultor pero con su influencia logró ayudar a los impresionistas. En el caso de Degas, no se unió al movimiento, pero sí compartía sus mismos pensamientos y propósitos en cuanto a las obras de arte. Querían reflejar una manera de ver más perfecta que lo que realmente se veía. A su vez, Hauser (2002) propone que “la suavidad del cambio estilístico corresponde a la continuidad del desarrollo económico contemporáneo y la estabilidad de las condiciones sociales”; para él, el impresionismo tiene dinamismo, velocidad y “ve el mundo con ojos de ciudadano”. En cuanto a “El almuerzo sobre la hierba” (1863) de Manet, lo que primero puedo notar es que no existe una perspectiva ya que el tamaño de la mujer que está en el fondo es muy similar al tamaño de las personas que están al frente ‘almorzando’; la mujer que está al frente está completamente desnuda y los hombres que están al lado de ella se encuentran hablando normalmente como si ella no existiera; y en la zona de las hojas de los árboles Manet se encarga de pintarlos más con la forma de

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‘mancha’ que en perspectiva para generarle profundidad al cuadro. En “Olympia” del mismo año y también de Manet, lo que creo que quiere dejar en claro el artista es que pintó una prostituta; ella está desnuda, la cama está deshecha y una sirvienta le está entregando un ramo de flores que le enviaron quizás en forma de pago. Se puede notar también que en los pies de la cama tiene un gato negro, que habiendo investigado cuál es su significado puedo decir que es símbolo de mal, de libertad; en realidad de todo lo contrario a fidelidad conyugal. Además, a la cara de la mujer acostada se le pueden ver todos los detalles pintados, caso contrario con la sirvienta, que difícilmente se le puede ver la cara.

El post-impresionismo comienza con Cézanne, quien trata de pintar con varias perspectivas con colores fuertes pudiendo lograr composiciones donde lo figurativo no se pierde. Y volviendo a mencionar ideas de Gombrich (1992), para ese entonces ya se había dejado de lado la idea de mezclar colores en la paleta, para pintar directamente con la pintura sobre el cuadro. Este pintor se había vuelto un maestro en cuanto al arte moderno. Otros artistas post-impresionistas eran Van Gogh (quien por un ataque de locura fue internado en un asilo de enfermos mentales) y Gauguin (quien decidió vivir un tiempo con los indígenas); que en sus obras no les importaba si modificaban algo de lo que se veía en la naturaleza, siempre y cuando el cuadro pudiera transmitir el sentimiento que ellos querían expresar en el momento en el que estaban haciendo la obra. Ninguno de los tres estaba totalmente satisfecho con el arte que había dejado los avances del impresionismo; y gracias a querer buscarle soluciones (que finalmente llevarían a Cézanne al cubismo; a Van Gogh al impresionismo y a Gauguin al primitivismo) a los detalles que no les atraían, surgió el arte moderno. Me interesa la idea de Van Gogh y Gauguin de querer utilizar el arte, la pintura como método expresivo, como medio para poder expresar lo que sienten o lo que sintieron en ese momento. Comparto esa idea en cuanto a que si bien a Van Gogh lo tildaban de ‘enfermo mental’, el expresaba lo que estaba pasando en su interior modificando alguna parte real del cuadro, para que el espectador pudiera sentir lo mismo que él en el momento en el que se sintió inspirado a pintar el cuadro. Voy a tomar como ejemplo “Noche estrellada” (Van Gogh, 1889), en donde puedo ver que pinta al cielo y las estrellas como si fuera un cosmos; en el ángulo superior derecho pinta un círculo amarillo con diferentes tonos que me hace pensar que es el sol, y a su vez, es de noche porque está todo oscuro y pinta otro círculo pero más pequeño que el amarillo, de colores blancos de manera tal que parezca la luna. El cielo me transmite la sensación de remolino, de revolución y me hace notar lo pequeñas e insignificantes

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que son las casas que pinta en la parte inferior del cuadro a comparación con el cielo. Para relacionarlo con lo que plantea Gombrich, en esta pintura se ve cómo emplea formas, colores y los exagera o acentúa para poder expresar su pensamiento acerca de lo que pintó; y además es una obra que puede llegar a los ‘coleccionistas’ como a cualquier otra persona. → Cézanne y el cubismo. Cézanne fue una gran influencia para el cubismo; (según dice -Gombrich (1992-), ya que para los cubistas los objetos que él pintaba en sus obras transmitían solidez sin engañar. “Durante quinientos años, los artistas se habían guiado por los principios de la perspectiva matemática o científica”, con esta perspectiva los pintores sólo podían pintar una parte del ‘todo’, por eso creo que es importante por lo menos en este caso que no se haya continuado con la tradición. Fue un avance que sirvió para que los artistas pudieran mostrar las diferentes partes que componen a un objeto en una misma obra, aunque a veces no resulte muy común, debido a que en la realidad una persona no está acostumbrada a ver de un solo vistazo varias perspectivas de una misma cosa o persona. Brinda la posibilidad de mostrarnos que a pesar de que la superficie sobre la que se está pintando es plana, el artista tiene la oportunidad de hacernos ver la obra casi como si fuera en 3D. Luego, Picasso y Braque comienzan a agregarle textura y relieve a sus obras de dos maneras similares, pero no completamente idénticas. En el caso de Picasso, inventaría entonces el collage y Braque el papier collé. En ambos casos los elementos se unen entre sí para poder formar un todo. Como por ejemplo en “La guitarra” de Picasso (1912). Es admirable del cubismo, la capacidad de convertir una forma compleja y llena de detalles, en una forma similar pero sintetizada, quizás hasta utilizando solamente elementos geométricos. Se nota cuando un artista logra su objetivo cuando una persona puede ver en el cuadro lo mismo que el pintor quiso transmitir; es decir, cuando una persona puede reconocer en el caso de, por ejemplo, “Las señoritas de

Avignon” (1907), cinco mujeres desnudas posando (da la impresión de que están en un prostíbulo), a pesar de que Picasso en esa obra no pintó a ninguna de las mujeres completamente igual a la otra y ni siquiera pintó a por lo menos una que en la totalidad de su cuerpo sea armónica; hasta pudo incluir, en las dos mujeres de la derecha las máscaras africanas (como si tuvieran la intención de cubrir sus rostros para esconderse) y la visión de varias perspectivas: todos los volúmenes que aparecen están marcados con figuras geométricas; no así con las frutas que aparecen en el medio de la obra en el sector inferior, que da la sensación de que son figuras planas.

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Estéticamente del movimiento cubista,

el cuadro que más me conmueve

sentimentalmente es el “Guernica” de Picasso (1937), ya que me transmite a través de esa pintura el dolor de las personas fallecidas y heridas a causa de la guerra: hay una edificación consumiéndose en llamas, hay personas que parece que estuvieran como descuartizadas, otras gritando aturdidas, tiradas en el piso, una mujer en el sector izquierdo cargando a un niño que podría o no, ser su hijo en brazos, corriendo como si estuvieran escapando y hay una fuerte ausencia de colores ‘vivos’, dando el resultado de colores fríos, sobrios, tristes, total y perfectamente acorde a la situación que están viviendo esas personas. En la obra, hay cuatro mujeres, un hombre, un niño y dos animales. El hombre podría llegar a ser un luchador muerto en guerra ya que está tirado en el piso, las mujeres (aunque ninguna de ellas está muerta) y el niño podrían llegar a ser la parte de la sociedad más desprotegida en una batalla de esa índole, y en cuanto a los animales (un caballo y un toro) están totalmente desconcertados. Como ya dije antes, el cubismo intenta representar varios puntos de vista en una misma obra en cuanto a la perspectiva del objeto, lo cual se da en este cuadro; aunque analizándolo en cuanto a la carga emocional de la obra, tiene un solo punto de vista: de la guerra no resulta nada bueno. → Arte no figurativo y Kandinsky. En el arte no figurativo se pierde la noción de la realidad; en su mayoría, las obras no son espontáneas, sino que previamente se deben hacer los dibujos y esquemas de lo que sería el futuro cuadro. Es un arte que considero que se relaciona mucho con el expresionismo. No se puede reconocer alguna forma en especial sino que solamente se puede captar la expresividad del artista. Kandinsky busca despertar emociones, sentimientos en el espectador luego de ver sus obras y como método busca hacer referencia a fenómenos naturales con la construcción visual de sonidos, utilizando recursos simbólicos con una síntesis de colores armónicos (ya que los utilizaba como medio de expresión). Stangos (1981) Uno de los trabajos que me parece armonioso, divertido y muy expresivo dentro del arte no figurativo o abstracto, es la “Composición VIII” de Kandinsky (1923); donde todas las figuras que usa son geométricas y completamente simplificadas, usa círculos, semicírculos, cuadrados, rectángulos, triángulos, líneas rectas y curvas; hay rayas trazadas de manera horizontal en la parte superior derecha que me dan alusión a un pentagrama y rectas que parecen compases; en cuanto a los colores, hay todo tipo de tonos y colores, lo que me parece alegre o ‘divertido’ por decirlo de alguna manera. Es una obra a mi parecer plana, a pesar de la superposición de varios elementos no se genera una textura. Creo que lo más interesante de este cuadro y de

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los cuadros relacionados al arte no figurativo o abstracto es que cuando una persona mira ese tipo de pinturas puede viajar más allá con su imaginación para tratar de encontrar formas conocidas, hasta llegar a tal punto de ver cosas donde quizás no las hay, pero como no es nada de la realidad, es decir, nada figurativo ni de la naturaleza, la opinión de lo que cada uno ve en el cuadro es tan válida como lo que realmente habría querido transmitir Kandinsky. → Arte purista. Dos grandes artistas de este movimiento: Ozenfant y Jeanneret. Ellos, y el resto de los puristas se basaban mucho en los números, en el orden y en las proporciones; eran muy clásicos y tenían mucho en cuenta las necesidades humanas. Presentan todo el tiempo al funcionalismo en la arquitectura, en las pinturas y en todo lo que hacían. Utilizan un arte humanista, sin olvidarse que existe una función estética. Por ejemplo, tanto el arte como la arquitectura son necesidades del hombre; la diferencia es que las máquinas representan siempre respuestas nuevas a la misma necesidad y el arte representaba una respuesta para diferentes necesidades. “Los puristas son estrictos hacedores de reglas” dice Stangos (1981); para ellos la forma, línea y color no cambia según el lenguaje que se hable en cada región. Ozenfant y Jeanneret en sus pinturas naturalezas muertas se ponen en contacto con la ingeniería. Por ejemplo, las botellas y las guitarras de las pinturas puristas son algunos de los objetos en los que estos artistas encuentran un cierto orden. Ejemplos de la pintura purista podría elegir “Vasos” de Ozenfant (1921) y de la arquitectura purista el claro ejemplo es la “Casa Curutchet” Le Corbusier (1949-1953). En cuanto a la pintura, hay mucha simplicidad, estructura, orden, armonía y por sobre todo síntesis; y en cuanto a la casa, existe una resolución entre la forma y la función, el espacio y la luz, que fue realizada en base a las necesidades del hombre de una manera ‘elegante’. Me parece interesante el abordaje de la arquitectura teniendo en cuenta la funcionalidad estructural por sobre lo estético, aunque no descarto que a la hora de tener que diseñar una casa no hay que dejar de lado la ‘fachada’, por decirlo así. Las personas van a vivir dentro de la casa, por lo cual es necesario que la misma sea funcional; de lo contrario ya no estaría siendo construida por una necesidad, o por lo menos no la necesidad de vivir dentro de ella. Si se construyera una vivienda valorando más lo estético que lo funcional, a mi manera de pensar, dejaría de servir para vivir, y pasaría a ser parte de un museo, por ejemplo, empezando a ser parte de una necesidad artística. En conclusión, aunque se base más en lo funcional o en lo estético, de una o de otra manera, se estaría resolviendo alguna necesidad humana.

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→ Bibliografía.

Gombrich, Ernst. (1992). Historia del Arte. Madrid: Alianza. Hauser, Arnold. (2002). Historia social de la literatura y el arte: desde la prehistoria hasta el barroco. Buenos Aires: Debate. Stangos, N. comp. (1981). Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza.

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→ Anexo. (Imágenes analizadas)

Manet. “Almuerzo sobre la hierba” (1863)

Van Gogh. “Noche estrellada” (1889)

Manet. “Olympia” (1863)

Picasso. “Las señoritas se Avignon” (1907)

Picasso. “Guernica” (1937)

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Picasso. “La guitarra” (1912)

Ozenfant. “Vasos” (1921)

Kandinsky. “Composición VIII” (1923)

Le Corbusier. “Casa Curutchet” (1949-1953)

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