La fotografía publicitaria ¿Qué es? Es una especialización dentro de la fotografía profesional, encargada de la planificación y construcción de una imagen fotográfica para ser difundida públicamente, que debe transmitir un mensaje y/o una emoción. Es decir que no busca ser objetiva, sino lo opuesto. Por lo tanto hay una voluntad, una intencionalidad. De allí su importancia en el campo comercial, donde es frecuentemente una herramienta, cuyo fin es estimular la compra y venta de productos y servicios. Antecedentes Se afirma que la fotografía publicitaria nace en época de guerras, en los mismos años en que nace también la fotografía propagandística. Varias fueron las circunstancias que concurrieron en esas décadas y conformaron el entorno idóneo para sus comienzos: la aceptación que, por parte del público, estaba obteniendo el nuevo medio; el crecimiento de la publicidad como instrumento esencial para las economías modernas, y la autonomía que alcanza la fotografía con respecto a la pintura, están entre ellas. Evolución. Convertir un objeto en encantador, mágico o soberbio es la propuesta de la mayor parte de los grandes fotógrafos publicitarios en el año 1930. En Francia, Las fotografías para la Compañía Eléctrica de París, proporcionan a los objetos (una plancha, una bombilla, un ventilador) una cualidad casi sobrenatural. En España, se ven imágenes muy sugestivas para un negocio llamada chocolates que se dedica a la venta de golosinas y dulces, también la publicidad de medicinas. En la década de 1970 fue cuando la fotografía adquiere relevancia en la imagen publicitaria. El hecho es que a lo largo de los años sesenta la fotografía desplazó a la ilustración como medio publicitario. “UNA IMAGEN VALE MÁS QUE MIL PALABRAS” Está comprobado que una imagen vale más que mil palabras y eso los publicistas los saben. Por eso utilizan campañas de publicidad cada vez más breve, concisa y sobre todo muy creativas. La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de esta clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. La fotografía posee elementos que enriquece el anuncio publicitario porque informa, es veraz, transmite emociones. Estas son fundamentales a la hora de lanzar una campaña porque será el elemento que funcionará para transmitir ese mensaje. Fotografía publicitaria y propagandística: Nos muestran productos y personas que se quieren dar a conocer a la sociedad. La finalidad de la fotografía publicitaria es el resaltar las características físicas de un producto, persona, lugar, etc. con la finalidad de ilustrar una idea y ser usado en publicidad. Casi cualquier realización publicitaria requiere de fotografías que vayan de acuerdo a lo visualizado por la mente del publicista. Dicha foto debe ser encuadrada, iluminada, y tomada para interactuar perfectamente con los elementos gráficos, textos e incluso otras fotografías que componen el anuncio. La fotografía publicitaria profesional es una especialidad de la fotografía y se ofrecen infinidad de cursos que enseñan los trucos más comunes para que un producto se vea llamativo para el comprador; materias como maquillaje de alimentos o retoques por computador demuestran que lo que vende es lo que entra por los ojos y debe ser perfecto. Como medio de publicidad es usada en revistas, diarios, vallas, carteles, ilustraciones y todo tipo de publicaciones; también se recurre a ella para campañas políticas, siendo una ficha clave en la forma del personaje

para llegar a la comunidad, una buena foto puede simbolizar transparencia, honestidad e inteligencia, sea o no sea cierto. Esta rama de la fotografía también ha servido para desarrollar la industria gráfica en una gran medida, siempre de la mano con las nuevas tendencias de reproducción de alta calidad. Antecedentes F P La fotografía lleva dos siglos en el mundo y es bien sabido que inicialmente se utilizó a manera de experimento para retratar la sociedad circundante; fueron muchos los pasos que se dieron para llegar a la cámara digital que usamos hoy; fotos con horas de exposición, ausencia de color, sobreexposición a químicos, mucha investigación y experimentos fueron dando lugar a la llegada de la fotografía color. La fotografía y la publicidad se vendrían a encontrar en el siglo XX, pero la primera gran rama de este arte fue la fotografía artística con y sin retoques; escenas de hermosos paisajes, de mujeres de sociedad, familias y lugares alrededor del mundo fueron pasando por la lente, hasta que antes de la mitad del siglo se empezó a usar para catálogos y avisos comerciales. Este tipo de publicidad con fotos se inició en Estados Unidos y se utilizaba para anuncios de revistas; imágenes de familias felices y sin problemas económicos utilizando electrodomésticos o saboreando ricas comidas fueron cubriendo al país; Estados Unidos se levantó de sus malas épocas de guerra y pobreza gracias a las imágenes que mostraban que todo estaba bien. A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la popularización de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas. Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en1941, contribuyó a dar impulso a su popularización. En 1950 los nuevos procedimientos industriales permitieron aumentar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos La fotografía comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Relaciones con la fotografía tradicional y digital La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes,

por la calidad final y si además son digitalizadas en scanner de alta resolución, los resultados son fabulosos. La fotografía publicitaria difiere del resto de los géneros fotográficos por varios motivos. Su funcionalidad le exige una adaptabilidad a los intereses comerciales que tienen por finalidad el aumento de las ventas o servicios. Si el anunciante consigue aumentar el número de ventas es cuando se valora positivamente la capacidad publicista de la fotografía. La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad como, por ejemplo, la fotografía de prensa. Es decir, la fotografía publicitaria muchas veces se inspira en la realidad pero lo que nos representa por medio de sus imágenes es una realidad construida. A diferencia de otros tipos de fotografía, donde el fotógrafo tiene que estar alerta para obtener la instantánea, la fotografía publicitaria construye la escena exactamente igual que en el cine de ficción, y el fotógrafo se limita a captar la escena valiéndose de las técnicas de iluminación y fotográficas. En el caso de que el fotógrafo no obtenga la imagen diseñada en el primer disparo tendrá más oportunidades, tantas como hagan falta.

El elemento por excelencia que incorpora en su esencia todas estas características publicitarias es la imagen fija. Dentro de la imagen, la fotografía es la que más fácilmente se adapta a los requisitos publicitarios., En primer lugar, la fotografía se encuentra en los niveles de iconicidad más altos, esto contribuye a facilitar la identificación, tanto del producto, servicio o idea, como la identificación con los personajes o las acciones de los personajes de la fotografía, se reconoce fácilmente el producto, sus beneficios, sus usos y el público al que se dirige. En segundo lugar, esta alta iconicidad también contribuye a resaltar el carácter de veracidad que pretende la publicidad, en cuanto que la imagen fotográfica se diferencia poco del referente real al que representa, favorece la impresión de verdad de lo que allí se reproduce La fotografía publicitaria tiene varios aspectos que se diferencias de los otros tipos de fotografía: Tiene que ser muy creativa y tener un buen manejo de la imagen de marca que presenta para poder aumentar las ventas. No está atada a la realidad como la fotografía periodística. La fotografía se inspira en la realidad, pero lo que se presenta en ellas es una imagen construida. A diferencia de otros tipos de fotografía, la imagen construida se realiza al igual que un guion de ficción, dado a que el fotógrafo se basa en las técnicas de iluminación y también las fotográficas. Se aceptan todo tipo de status, con el fin de cumplir a cabalidad las exigencias tanto del cliente, como con los parámetros de la campaña, que sean válidos para llegar al éxito. La fotografía publicitaria también puede ser de retrato cuando en la imagen presentada lo que se quiere dar a conocer es una persona y se muestra su rostro o sus características físicas. De igual manera la fotografía publicitaria puede ser fácilmente una fotografía artística cuando el encuadre de la misma y la técnica usadas son cuidadosamente estudiadas. Si lo que se quiere publicitar es un hotel, un resort, o un espacio turístico la fotografía podría mostrar las áreas verdes y así pasaría a ser una fotografía de paisajes o turística, en caso especiales hasta de animales. Una diferencia bastante marcada entre la fotografía publicitaria y la fotografía artística es que la publicitaria es retocada con programas especializados en esto (ejemplo: photoshop) para lograr una mejor imagen y grandes efectos que impacten al posible consumidor, mientras que la artística

lo máximo en retoque que tiene es poner la firma o algo que la identifique como propiedad de la persona que la tomo

Utilidad y Campos de Desarrollo Estudiar Diseño Gráfico y Fotografía publicitaria significa desarrollar una actividad creativa, profesional y económica que exige tanto de conocimientos técnicos y del dominio de la imagen como del desarrollo de la capacidad expresiva y comunicacional En un entorno tan competitivo como el publicitario pasa a ser fundamental dominar una depurada técnica fotográfica y aportar creatividad dirección de arte y estilo en la resolución de un proyecto, las posibilidades digitales y de postproducción de imágenes han cambiado la manera de entender la fotografía en este campo. Resulta ya casi impensable planificar una buena imagen para una campaña publicitaria sin tener en cuenta lo que le ofrece el retoque y la manipulación de la imagen capturada. Ya no es sólo la posibilidad de mejorarla, sino que se realiza la imagen fotográfica teniendo en cuenta que modificaciones se harán después en la postproducción para incrementar el potencial creativo y diferenciarse de los demás. La principal función de la fotografía publicitaria es transmitir una idea o ilusión, más allá de la técnica necesaria para fotografiar a la perfección un producto o personaje, el éxito de un fotógrafo en el campo de la publicidad depende de su capacidad para crear un mundo imaginario que sea capaz de transmitir tal ilusión. Aplicación        

Folletos Anuncios de revistas. Prensa. Carteles, murales, vallas, banners. Catálogos. Calendarios. Etiquetas. Fundas, estuches, cajas. Portadas.

La publicidad ha cambiado y aunque las empresas crean productos, los consumidores compran marcas, que no son otra cosa que una suma de ideas y valores. La fotografía ha cambiado con la revolución digital, pero no sólo por un tema tecnológico, sino que las nuevas posibilidades necesitan más competencias profesionales, con herramientas que han abierto enormemente la capacidad para crear imágenes y mundos imaginarios con un realismo que, de otro modo, sería imposible de producir. Por eso, para obtener el máximo rendimiento y ventajas que nos ofrece la imagen digital, la postproducción se ha convertido ya en un proceso indispensable. En consecuencia, los conocimientos en postproducción (ya sea retoque o generación e integración de imágenes 3D) son imprescindibles, no sólo para el fotógrafo o retocador profesional sino para cualquier profesional de la imagen (medios de comunicación, agencias de moda, editores, diseñadores gráficos, marketing y comunicación). En la fotografía publicitaria se utiliza una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el observador. Generalmente es presentada en forma que provoque o promueva una decisión. La creación para publicidad se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos publicitarias eran las llamadas de “arte final”, ya que

eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por si para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de “color” etc. La fotografía digital constituyó un gran avance para la publicidad. Una gran ventaja de este sistema respecto a la fotografía análoga es que permite disponer de las imágenes grabadas al instante, sin necesidad de llevar la película al laboratorio y revelar los negativos para poder ver las imágenes, esta ventaja en la rapidez en la disponibilidad de la imagen permite que el fotógrafo haga los cambios en el momento y realice las correcciones que considere pertinentes de inmediata facilitando así lograr la imagen que se desea. La fotografía comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Las empresas entienden que para poder vender es necesario publicitar, es imposible que te conozcan si tú no te das a conocer. El objetivo de la Fotografía Publicitaria es comunicar al sector productivo con los consumidores dando a conocer las ventajas y las nuevas características aplicadas al producto que se han adquirido por las nuevas tecnologías; así también como orientar a los clientes enviándole mensajes efectivos que respondan a sus necesidades y anhelos. El campo de utilidad y desarrollo es amplio; fotografía de estudio, Retratos, Alimentos, Productos, Modelaje, Arte, Fotografía en exterior, Danza, Deportes, Automotriz, Turismo, Paisajes, Arquitectura, medicina, tecnología en todas las especialidades etc. Lista de recursos Recursos Tecnológicos de la F P Cámaras Objetivos Trípodes Fotómetros Equipo de iluminación Equipo de estudio Equipo de exteriores La computadora y sus componentes Otros recursos tecnológicos Producción Fotográfica "Idear, planificar y ejecutar una producción" El objetivo es aprender a idear (crear), Planificar (organizar) y Ejecutar (acción), una producción fotográfica, ya sea una campaña gráfica o nota editorial, logrando optimizar los recursos técnicos y humanos. Optimizar los recursos no solo tiene un impacto en el presupuesto de un proyecto; optimizar los recursos nos permite un mejor desarrollo general del proyecto en relación a la utilización y resultados de los recursos que disponemos; ya sea tanto en el área de planificación, como así también en todo lo referente al área artística. Optimizar se refiere a buscar la mejor manera de realizar una actividad. Para abordar una Producción podemos dividirla en dos grandes áreas: la parte artística y la parte de planificación del proyecto. Ambas partes requieren de la creatividad de quien las aborde. Pues

para poder planificar un proyecto se debe poner en acción una buena estrategia, lo cual requiere de la creatividad y flexibilidad, además de los conocimientos. En la etapa de planificación de un proyecto, podemos pensar en optimizar la participación de los integrantes no solo en el tiempo de intervención de los mismos, si no que tener presente las capacidades de cada uno. Así mismo los aspectos técnicos deben ser abordados de igual manera. En el área artística del proyecto, puede ser un buen ejemplo pensar si es más conveniente construir una escenografía o realizar una búsqueda de locaciones hasta encontrar el ambiente que deseamos para nuestra producción; también podemos discernir si creativa y estratégicamente resulta más conveniente trabajar en toma directa o hacer una postproducción digital. Optimizar recursos no es tan solo buscar mejor rendimiento económico, sino también pensar en buenos logros de carácter estético. ¿Qué es una Producción Fotográfica? Producir es: hacer, originar, generar, fabricar, crear, construir, realizar, transformar, desarrollar. Producir es la acción de generar algo. Este algo se convierte en nuestro objetivo. Este objetivo es lo que, en nuestro territorio, llamamos PRODUCCIÓN. Una campaña gráfica o una nota editorial son Producciones Fotográficas. Producir una imagen es construir un mensaje, el cual será interpretado por un receptor. El poder de comunicar visualmente Nos comunicamos por medio del lenguaje hablado, y, también por medio del lenguaje visual, que, es el tema que tratamos. Comprender ambos aspectos del lenguaje es de suma importancia para un buen desarrollo integral. Un comunicador visual, entonces, debe traducir la pauta (palabras), de manera fiel a través de elementos visuales que le permitan construir una imagen, la cual logre finalmente comunicar el mensaje al receptor. Pues el objetivo no estará logrado si el mensaje no es interpretado. El conocimiento de estos aspectos es de suma importancia para atraer la atención del espectador y lograr que perdure en él la memoria de lo que deseamos comunicar a través de la combinación de los diferentes componentes y elementos estéticos. Por ejemplo, entender que una prenda de vestir, algún particular accesorio, rasgos físicos determinados, un determinado escenario, el tamaño de algún particular objeto, como así también los colores pueden sugerir determinadas connotaciones, hace que se convierta en una valiosa herramienta realizar una elección cuidada y precisa para ayudar a expresar lo que se desea comunicar. También podemos producir una imagen sin una necesidad de interpretación precisa (las obras de arte, por ejemplo, pueden estar dentro de este grupo). Sin embargo no debemos dejar de tener presente que, en definitiva, lo que vemos está siendo decodificado a través de una lectura visual. Por lo tanto “como” construimos una imagen puede resultar vital a la hora de comunicar un mensaje. Conocer quiénes son los destinatarios receptores de la imagen producida, también es de gran importancia, pues la interpretación del mensaje, la lectura visual, puede variar según el sexo, la edad, el nivel socio-económico y cultural, la nacionalidad, ocupación. ¿Quienes integran una Producción Fotográfica? Los roles dentro de una Producción. Para el armado del equipo se tienen criterios de selección y convocatoria de acuerdo al proyecto a desarrollarse. Si bien existe un responsable general del proyecto, cada área tiene a su vez una cabeza de equipo, que dirige y se responsabiliza por el desempeño de sus asistentes y colaboradores. Las características propias de cada proyecto, la magnitud y complejidad, determinan si el equipo debe ser más o menos numeroso, como así también cuales profesionales serán necesarios convocar.

Posibles profesionales que participan de un proyecto: Fotógrafo, Productor, Asistentes de Producción y fotografía, Director de Arte, Escenógrafo, Ambientador, Vestuarista, Electricistas, Maquillador, Peinador, Making Off. En una producción fotográfica podemos distinguir tres roles relevantes. Los cuales muchas veces encontraremos que están siendo desempeñados no necesariamente por diferentes profesionales. Muchas veces es un mismo profesional quien encarna los tres o más de uno de estos roles. Es importante señalar que estas funciones son necesarias y de una u otra manera son llevadas adelante por alguien que las está cumpliendo. El Productor es el profesional encargado de liderar los aspectos organizativos y técnicos de una producción. Sus tareas son presupuestar, planificar, coordinar y contratar. Quien desempeñe el rol de productor debe tener una visión general de las diferentes áreas que han de articularse para el correcto desarrollo de la producción. Es quien coordina todos los equipos y supervisa que todos ellos sean fieles a la estética general acordada. El Fotógrafo y el Director de Arte son profesionales encargados de todo lo referente a los aspectos visuales y estéticos. En este caso su trabajo radica en la propuesta y dirección creativa para conformar la Imagen. En ocasiones la dirección artística es compartida, mientras que en otros casos es claro quién es el director principal, a quien el resto del equipo responde. En una Producción Fotográfica muchas veces resulta ser el mismo fotógrafo el que desempeña el rol de productor y/o director de arte. Lo más importantes es definir los roles y alcance de cada integrante para un desarrollo ordenado. Tanto el Fotógrafo, el Director de Arte como el Productor se caracterizan por ser comunicadores visuales. Un profesional que desempeña este rol debe mantener la curiosidad y el asombro, informarse e investigar. Su trabajo se desarrolla a través del universo de imágenes y las imágenes abren la imaginación. ¿Cuáles son los Componentes de una Producción Fotográfica? En una Producción se integran diferentes Componentes. Poder distinguirlos es de suma importancia, como así también lo es comprender el valor de la diversidad a la hora de “como” construir una imagen. Para lo cual debemos tomar conocimiento de la utilización y combinación de los diferentes componentes y elementos visuales. Tener presente la pauta o concepto para la producción y realizar un análisis del Target del público al cual va dirigida, nos sitúa en un apropiado punto de partida para comenzar a idear “como” vamos a construir la imagen.

Componentes: Locación, Escenografía, Utilería, Vestuario, Accesorios, Maquillaje, Peinado, Casting, Coreografía, Actitud, Luz, Color, Óptica Fotográfica y Perspectiva, Dirección (horizontal - vertical) La puesta en escena se refiere a la composición de todo aquello que conforma la imagen. El encuadre elegido. En qué lugar del espacio se coloca cada elemento y cada personaje. Y como estos a su vez se conjugan con la escenografía (o ambientación), con la iluminación. ¿Para qué sirve la Planificación y Logística de una producción? La planificación se refiere a la preparación de un plan general, metódicamente organizado con el fin de ejecutar un objetivo determinado. Llamamos logística a la coordinación de acciones, al conjunto de medios y métodos necesarios para llevar a cabo la organización. La misión fundamental de la logística es colocar las acciones en el lugar adecuado, en el momento preciso y en las condiciones deseadas. Al trazar este plan se

define qué actividades deberán ser desarrolladas por cada área, en qué momento y en qué plazo establecido, distinguiendo cuales son las tareas urgentes y cuales las importantes. Se fijan los recursos que serán necesarios. Se arma un desglose de las necesidades que implica el proyecto para determinar el tiempo, los equipos técnicos y definir las funciones, roles y alcances de los integrantes. La realización de bocetos, planos o maquetas son muy útiles para definir las necesidades. Estos resultan también de gran utilidad para el trabajo de todas las áreas involucradas. La Planificación es volcada en un Timming o también llamado cronograma de trabajo, (Calendario de producción), donde se especifican las fechas y períodos que abarca cada una de las tres etapas de trabajo (pre-producción, producción y post-producción). Es importante resaltar que al armar la planificación debe tenerse en cuenta que distintas tareas pueden desarrollarse simultáneamente gracias a la participación de los diferentes integrantes de un equipo de Trabajo, aprovechando así de una mejor manera el manejo y la utilización del tiempo, como así también de los recursos. Se debe tener presente que el presupuesto de un proyecto está íntimamente relacionado con el tiempo que implica la elaboración de un proyecto. Comprender la importancia de comenzar un proyecto habiendo realizado una planificación evita cambios de orden costosos. El ejercicio de formularnos preguntas acerca del proyecto que vamos a producir, automáticamente nos permite distinguir (desglosar), las necesidades particulares del proyecto pudiendo comenzar a diseñar la planificación. ¿Es un proyecto de pequeña o gran magnitud? ¿La locación es Interior o Exterior, Día o Noche? ¿Dónde está ubicada la locación? ¿Cuántos modelos participan? ¿Qué Componentes de Producción intervienen? ¿Cuánto tiempo necesita cada tarea para ser realizada? ¿Cuándo es la fecha de entrega? ¿Quiénes conforman el equipo de trabajo? ¿Quiénes serán los destinatarios? Poder obtener respuestas sobre que, cuanto, donde, quienes y cuando nos permite conocer y entender el terreno en donde estamos situados. ¿Cuáles son las Etapas de Producción y cuál es la importancia de cada una? El desarrollo de un proyecto se divide en tres etapas: Pre-producción, Producción y Postproducción. Poder visualizar, diferenciar y comprender que implica cada una de estas etapas nos permitirá una mejor organización al momento de realizar la planificación de un proyecto, permitiendo de esta manera optimizar los recursos tanto técnicos como humanos, lo cual también tendrá un impacto en la confección del presupuesto. Cada etapa tiene su comienzo, su fin y sus objetivos particulares y necesarios, los cuales deben ser desarrollados en un orden determinado para poder pasar a la etapa subsiguiente. Primera etapa: Pre-producción La pre-producción es la etapa previa a la sesión fotográfica y está considerada como la más importante de la producción ya que en esta se lleva a cabo la logística y planificación para abordar un proyecto. Dependiendo de la complejidad del mismo se determinará cuál es el tiempo necesario no solo para el desarrollo total del proyecto, sino que también y particularmente para el desarrollo de la etapa de pre-producción y de cada etapa. En esta etapa, como su nombre lo indica, se desarrollan todas las tareas previas, de anterioridad y/o prioridad.     

Reuniones con el cliente. Elaboración, presentación, aprobación de la Propuesta Estética Diseño de presupuesto Creación del plan de producción, planificación y Logística Contratación del personal de producción y otros profesionales Casting

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Contratación de modelos Búsqueda de locaciones Solicitud de permisos Contratación de Proveedores / Servicios Realización de la Escenografía Alquiler o compra de Utilería / Accesorios Prueba de vestuario Reuniones de pre-producción Citaciones

Segunda etapa: Producción      

La Producción es el momento de la realización de la Sesión Fotográfica, el resultado de todo lo planeado en la pre-producción. Es el momento de acción: “Aquí y Ahora”. Seguir el plan de trabajo, haciendo que se cumplan los tiempos pautados. Revisar el vestuario y los accesorios. Seguimiento y chequeo de cada área (iluminación, escenografía, utilería, ambientación, maquillaje y peinado de modelos). Solucionar imprevistos. Organizar el desarme en locación.

Tercera etapa: Post-producción En esta etapa se desarrolla el cierre del proyecto. Es un momento importante ya que aquí se hace el balance y se ve el resultado total del trabajo. En la Post-producción quedan afectadas solo las personas necesarias para las tareas que deben realizarse como ser:     

Edición Fotográfica Postproducción Devoluciones Rendición de gastos Pagos.

Proceso de Producción La Fotografía de Producto es una especialidad en fotografía. La diferencia con la Fotografía Publicitaria es a veces sutil y a menudo se solapan ambos campos. Vamos a explicar a continuación la diferencia que existe entre ambas, para que las empresas que necesitan contratar este tipo de servicio fotográfico, tengan mayor conocimiento y criterio a la hora de contratarlo. En esencia, el objetivo de la fotografía de producto es retratar el producto aislado, normalmente con un fondo neutro (blanco, negro o gris). Su destino habitualmente es un catálogo impreso o una página web. La postproducción suele ser sencilla (corregir pequeños defectos del producto, manchas, motas de polvo y equilibrar las luces, sombras, contraste y temperatura de color) y el fondo se suele recortar para poder montar el objeto con otro fondo, con su correspondiente sombra artificial (o reflejo). Fotografía publicitaria: normalmente retrata el objeto (o la persona, en el caso de fotografía de productos cosméticos, farmacéuticos, fotografía de moda, etc.) en un contexto específico, a veces con otros objetos de adorno (lo que se suele llamar un bodegón) y requiere normalmente una postproducción mucho más sofisticada, en la que se montan distintas partes fotografiadas por separado. Un ejemplo habitual es la fotografía publicitaria de bebidas: se suelen fotografiar las distintas partes de la botella por separado (tapón, cuello, etiqueta, base, etc.) para poder iluminar cada parte correctamente. Una vez combinadas y junto con un fondo (también montado por

separado) se obtiene la fotografía final. El destino de las fotografías publicitarias normalmente es para anuncios en revistas y periódicos, campañas de vallas publicitarias o marquesinas. ¿Cuánto cuesta una Fotografía Publicitaria? Otra diferencia importante entre ambas es el coste de la producción: la fotografía publicitaria requiere mucho más tiempo para realizarla que la de producto, por lo que es sustancialmente más cara. Además, en fotografía publicitaria las fotografías a realizar se cuentan por pocas unidades (desde una a media docena de fotografías de promedio por sesión). En cambio, en la fotografía de producto para web (e-commerce) o para catálogo, el número de fotografías es normalmente elevado (se cuentan por decenas o a veces por centenares, si la oferta de productos de la empresa es muy amplia) y por tanto el coste no puede ser muy elevado para que sea económicamente viable para la empresa. ¿Cómo se realiza una Fotografía de Producto? La producción de fotografías de producto varía su complejidad y tiempo requerido en función de varios factores principales, que son los que determinarán el coste final de la producción. 1 El primer factor es la colocación del producto. No es lo mismo el tiempo que requiere preparar y colocar para fotografiar, un objeto rígido, con base plana, que se sostiene solo (por ejemplo zapatos rígidos, productos en cajas, objetos con base plana, etc.) que un objeto que requiere de algún sistema de sujeción para se mantenga en la posición que queremos para fotografiarlo (como por ejemplo, un bolso de tela no rígido, un collar, un reloj, un anillo, etc.). Merece la pena mencionar por separado la Fotografía de Alimentación (o de Alimentos) , pues es un tipo especial de fotografía de producto, por lo que se trata en otra sección de esta web. 2 Otro factor a tener en cuenta es el material del que está hecho el objeto. Es mucho más difícil fotografiar objetos de materiales brillantes (con superficies reflectantes como un espejo, como por ejemplo una joya de oro o plata brillante) que una de material mate (acero pulido mate, plástico mate, madera mate, etc.). 3 El proceso de colocar, encuadrar, iluminar y enmascarar un objeto brillante es mucho más largo y complejo que con un objeto mate. También los objetos claros sobre fondo claro ( o a la inversa) requieren mayor tiempo de preparación y de postproducción. Un ejemplo de objeto con alta dificultad para fotografiar bien sería un anillo de oro blanco con diamantes: tanto el oro blanco brillante como el diamante son materiales difíciles de iluminar bien simultáneamente, por lo que normalmente para obtener los mejores resultados, se fotografían por separado y luego se montan en postproducción. 4 El cuarto factor que incide sobre el tiempo de producción y por tanto sobre el costo de la fotografía es la postproducción requerida. Todos los objetos tienen pequeñas imperfecciones. Si el objeto se va a mostrar a un tamaño mayor de lo que realmente es (por ejemplo un anillo) se pondrán mucho más en evidencia las pequeñas imperfecciones, manchas y motas de polvo. Por eso requerirá más tiempo de retoque que objetos más grandes. La exigencia en el retoque aumenta cuanto mayor va a ser el tamaño de reproducción de la foto. De este modo, no es lo mismo un retoque para una valla publicitaria, que para una foto de 300 pixels para la web, por poner dos ejemplos extremos. Por último, la postproducción de fotografías de producto normalmente incluye el recorte del fondo y la creación de una sombra artificial o un reflejo, y a veces también la creación de un fondo más elaborado. Todos estos procesos llevan tiempo y añaden al costo final de la producción de la fotografía. El costo de producción de una fotografía de producto variará de forma notable según el tipo de objeto que se trate (forma, material, color, tamaño) y de la postproducción o retoque que requiera. Cabe añadir que, como en todos los sectores empresariales, la calidad ofrecida por los

distintos estudios fotográficos no es en absoluto la misma, habiendo una variedad notable entre toda la oferta disponible en el mercado. Por es bueno que se comparen no solo precios, si no también calidades de las fotografías, a la hora de elegir un estudio de fotografía publicitaria. Cámaras Las nuevas tecnologías aplicadas a las cámaras fotográficas digitales del nivel más alto han aportado a la imagen capturada una calidad muy superior, existe en el mercado una amplia gama de estos aparatos profesionales. Hacemos un repaso de algunas las cámaras de gama media, el precio de las cámaras fotográficas dirigidas a profesionales es también “superior”. Tener una cámara digital está al alcance de todos los bolsillos. Los usuarios disponen de una extensa oferta de cámaras en el mercado a precios muy diferentes. Además, para muchos, las cámaras de cinco u ocho megapíxeles que incorporan la mayoría de los nuevos teléfonos móviles son más que suficientes para realizar fotografías al aire libre o de forma cotidiana. Sin embargo, ninguno de estos aparatos puede satisfacer las necesidades de los profesionales de la fotografía o las exigencias de los artistas. Para ellos están las cámaras de alto rango de prestaciones y precios, el nivel del lujo para la mayoría. Principales modelos: Leica Leica M Monochrom es la nueva apuesta del fabricante Leica. Esta cámara, que está basada en la Leica M9, está orientada a la captura de imágenes en blanco y negro para profesionales. Cuenta con un sensor de 18 megapíxeles que solo acepta valores de luminancia y una sensibilidad ISO entre 320 y 10.000. También incluye visor telemétrico y una pantalla de 2,5 pulgadas. El resto de características son similares a su antecesora.

Fuji Fuji Pro X1 es una compacta de objetivos intercambiables que está dirigida a profesionales de reportajes y viajes que no siempre puedan cargar con los modelos más pesados y voluminosos. Tiene un sensor CMOS de 16 megapíxeles y un tamaño de 23,60 x 15,60 milímetros. Incorpora un visor híbrido que integra un visor electrónico de alta resolución a 1,4 megapíxeles y un visor directo clásico.

Sigma Sigma SD1, una cámara réflex que destaca por su sensor APS-C Foveon X3 de 46 megapíxeles en tres capas RGB de 15 megapíxeles y un tamaño de sensor de 23,50 x 15,70 milímetros. Cuenta con una pantalla TFT de tres pulgadas, con una resolución de 460.000 píxeles, un visor con cobertura del 98% y un rango de ISO que va desde 100 a 6.400. Esta cámara permite imágenes en formato RAW sin compresión y también en JPG.

Mamiya RZ22, la nueva digital de formato medio Mamiya, uno de los fabricantes de cámaras más exclusivos del mundo, ha diseñado Mamiya Leaf aptus II 12, una cámara de formato medio que se caracteriza por tener un sensor CCD de 80 megapíxeles de resolución con un ISO de 80 a 800. La firma dota a este modelo de un sensor de 40,2 x 53,7 milímetros con 12 diafragmas de rango dinámico y capacidad para tomar 15 instantáneas en un segundo. Este tipo de cámaras se usan en fotografía publicitaria, como ocurre con las imágenes impresas en grandes carteles. Por ello, permiten guardar fotografías con una compresión de 16 bits en formato TIFF, con un tamaño estimado por fotografía de 480 megabytes.

Hasselblad Hasselblad H4D-60 es una cámara de formato medio con un sensor de 60 megapíxeles y 40,2 x 53,7 milímetros de tamaño. El ISO va desde 50 a 800 y cuenta con un visor de tres pulgadas. Las imágenes se guardan en RAW o bien en formato TIFF a

8 bits de compresión. Tiene un sistema de autoenfoque sencillo de utilizar denominado True Focus APL. La Hasselblad H4D-60 está orientada tanto a fotógrafos de estudio como aquellos que quieran usar una cámara de formato medio en exteriores. Formato Medio

Son cámaras dedicadas únicamente al ámbito profesional y científico donde la clave es poder realizar ampliaciones realmente grandes. Fuera de este tipo de fotografía no tiene sentido una cámara de estas características. Por ello todos sus componentes y accesorios son de la máxima calidad y precisión, al igual que sus precios son muy muy altos. Las cámaras de Formato Medio tienen un sensor mucho más grande que las DSLR

Réflex o DSLR Fotografía Profesional

Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de objetivos, dispone de un visor réflex que muestra con mucha precisión el resultado definitivo de las fotos, cuenta con más funcionalidades que permiten ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el proceso de tomar una foto. Tienen un sinfín de accesorios y permiten ampliaciones en papel de calidad de un tamaño mayor. El uso que se da a esta gama es profesional. No hay un tipo de cámara perfecta, sino una cámara adecuada a las necesidades de cada uno. No obstante la cámara DSLR es ideal para ser creativos controlando todo en el momento de tomar fotos. Las cámaras para uso profesional y en especial para FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA, son de muy alta resolución, son llamadas de FORMATO MEDIO Y FORMATO GRANDE, también son usados para FP las cámaras DSLR full frame, de 24 MP como mínimo. Hemos repasado en esta lista las más conocidas en el ámbito profesional.

Utilidades y Características Ojo de pez: Proporcionan un campo de visión máximo, llegando a los 180 grados. Crean imágenes muy espectaculares y claramente deformadas. Un ejemplo de ojo de pez es el objetivo Peleng 8mm.

Gran angular: El campo de visión es mayor que el de la visión humana. No llega a ser tan amplio como en los ojos de pez, pero casi. Igualmente las fotos salen deformadas. La foto de ejemplo está hecha con un objetivo Sigma 10-20mm.

El clásico 50mm: En todos los tipos de objetivo que hemos visto hasta ahora existe la posibilidad de que el objetivo sea de focal fija o variable. Si la focal es fija no podemos acercar ni alejar como el zoom. Éste es un buen modo de esforzarnos más en buscar el encuadre adecuado, ya que tenemos que movernos. Por eso el objetivo de 50mm, que es el que más se asemeja a la visión humana, es recomendado en las escuelas de fotografía para el aprendizaje. Por otra parte, al ser objetivos mucho más simples y con menos lentes son más baratos y ofrecen una gran calidad y luminosidad. Son muy útiles para fotografía de retrato porque su apertura máxima de diafragma suele ser muy grande y eso ayuda a reducir la profundidad de campo y así dar más importancia al retratado.

Zoom intermedio: Es el tipo de objetivo indispensable. Suele cubrir un rango de focal entre los 18mm y los 90mm. Son muy versátiles porque te permiten modificar la composición rápidamente sin tener que desplazarte y porque disponen también de algo de gran angular, permitiendo abrir el campo de visión más allá de la visión humana. Las fotos de ejemplo están hechas con un objetivo Tamron 17-50mm.

Son más

Teleobjetivo: los objetivos de distancia focal alta. Nos permiten cerrar

mucho el plano sin tener que acercarse físicamente. Son imprescindibles para la fotografía de deportes y naturaleza. Todo terreno: Son objetivos que cubren un rango muy amplio de focal. Tienen de todo un poco, de gran angular, de zoom intermedio y de teleobjetivo. Si bien no es la mejor opción si lo que buscas es nitidez, luminosidad y calidad, son objetivos muy cómodos porque se evita estar cambiando constantemente de lente y reduce la carga en viajes Tamrom 18-100. Su uso es de aficionado.

Macro: La peculiaridad de estos objetivos es que tienen una distancia mínima de enfoque muy muy baja. Son los objetivos que menos distorsión ofrecen. Son ideales para la fotografía de insectos.

Objetivos descentrables: Es un objetivo cuya construcción permite que el eje óptico pueda moverse, quedando descentrado y alterando el plano de enfoque sobre la cámara. Con él se puede conseguir un aumento de la profundidad de campo o trastocarla, según se vea. Es ideal para fotografía de paisajes y arquitectura y muy útiles en bodegón y retrato.

Catadióptricos: Son objetivos que utilizan en su construcción una combinación de espejos curvados y elementos de vidrio. Son muy compactos en relación a su longitud focal. Un objetivo de

500mm puede medir tan sólo 12 cm de largo. Estas ópticas suelen tener una corrección cromática muy buena y pueden enfocar a distancias muy próximas. Como contrapartida suelen ser de enfoque manual y tienen una sola abertura de trabajo (la máxima), que suele ser bastante limitada (f5 o f8).

Ten en cuenta Utiliza el parasol del objetivo siempre que puedas. Te ayudará a eliminar reflejos molestos. Generalmente los objetivos dan su mayor grado de calidad y de nitidez en aperturas de diafragma intermedias (f8, f11). Trata de evitar las aperturas de los extremos, ya que es donde se produce mayor distorsión. Primero se ajusta la distancia focal y luego se enfoca. Si enfocas primero, al cambiar la distancia focal perderías en el enfoque. Si utilizas un teleobjetivo, asegúrate que el tiempo de exposición es lo suficientemente bajo para no tener trepidación. Utiliza un trípode o un monopod siempre que puedas. El objetivo siempre con su tapa para evitar el polvo y los arañazos. Protege todos tus objetivos con un filtro UV (ultra violeta) o skylight (luz día) enroscados en su extremo. Este tipo de filtros no afectan a la calidad de las fotos ni supone una pérdida de luz. Sin embargo le puede salvar la vida a tu objetivo y hace la limpieza más fácil, ya que se pueden desenroscar y lavar con agua y jabón neutro.

Antes de comprar un objetivo comprueba si dicho objetivo sirve para una cámara full frame (fotograma completo). Actualmente sólo las cámaras profesionales cuentan con sensores de fotograma completo, pero posiblemente no muy tarde empecemos a ver esta tecnología en cámaras de aficionado. Si no tenemos esto en cuenta al comprar una cámara full frame tendríamos que volver a comprar de nuevo todas nuestras lentes. El desenfoque

Fuji X-E1, lente XF-35mm f/1.4R, ISO 200 Vel 1/1400 seg) Una de las grandes ventajas de usar objetivos luminosos, es la de lograr el efecto Bokeh (pronunciado /bóque/, es un concepto japonés (ぼけ bokeh) que significa desenfoque. En fotografía se utiliza este concepto para referirse a la calidad subjetiva de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una fotografía). Solo es necesario usar el diafragma más abierto para lograr ese efecto de desenfoque selectivo, mientras más luminosos sea tu lente, mas efecto de desenfoque tendrás, las aperturas muy abiertas en retrato, para dar un efecto más intenso a la parte central de la imagen enfocando directamente a los ojos para lograr ese efecto deseado, siempre hay que recordar que en retrato, una de las partes más importantes son los ojos. De esta forma conseguirás un mayor protagonismo en la imagen captada. Es bastante útil en retratos para difuminar los fondos, ya que lo más importante en un retrato es el sujeto. Ejemplos:

Trípodes El trípode, como su nombre dice es un elemento de soporte para fijar las cámaras fotográficas. ¿En qué situaciones necesitas un trípode?    

Fotos de larga exposición. Fotos en situaciones de poca luz, sin flash. Autorretratos y fotos en grupo (fotógrafo incluido). Montajes fotográficos posteriormente en Photoshop o algún otro programa de edición fotográfica.  Proyectos de vídeo como el Time-lapse, el Stop-motion, u otros. Características de un buen trípode

Básicamente tiene que ser:  Estable.  Sólido.  Medianamente pesado (al menos que no sea muy ligero). De rótula de bola. Esto es la parte donde colocaremos la cámara, y la parte responsable de inclinarla y moverla horizontal, verticalmente o hacia los lados. Con controles minimalistas. Algunos trípodes tienen varias llaves, manivelas y tuercas. Cada uno de ellos controla un ajuste concreto. Este tipo no son recomendables. Cuantos menos controles mejor. Esto es: una sola empuñadura con la cual controlar todos los movimientos y ejes. En la siguiente imagen vemos un ejemplo de trípode con rótula de bola y empuñadura única, con la que puedes mover la cámara en todos los sentidos.

Otros factores a considerar ¿Comodidad o calidad fotográfica?: Hay trípodes ligeros y otros pesados. Los ligeros son cómodos de llevar pero muy poco estables. Los pesados son una maravilla en cuanto a estabilidad, no se mueven aunque sople un viento fuerte, pero tienen la desventaja de ser un poco pesados o voluminosos a la hora de viajar, hay que definir cuál de las dos ventajas interesa más a la hora de comprar. ¿Bueno o barato?: si tu presupuesto permite entonces invertir en un buen trípode. No vale de nada que te gastes un dineral en una cámara réflex si luego tu trípode te va a fallar. ¿Rótula fija o intercambiable?: Los trípodes caros son una gran inversión, son un accesorio que mantendremos seguramente durante mucho tiempo, por eso es frecuente encontrarse con trípodes de rótula intercambiable. Esto nos permite, al cabo de un tiempo, adquirir una nueva rótula si la actual ya no nos gusta, y así no tener que cambiar todo el trípode. Los más económicos, en cambio, son fijos. De todas maneras si eliges bien tu trípode puede que no necesites cambiarle la rótula nunca.

Fotómetro

El fotómetro es un dispositivo que mide la luz usando una sensibilidad determinada y lo traduce en una combinación de diafragma y velocidad. Este diafragma y velocidad vendría a ser la combinación correcta para exponer una foto en una determinada situación de luz. Los fotómetros tienen una célula sensible a la luz que, en los fotómetros modernos, es operada por una batería.

Lo primero que tenemos que hacer es poner el ISO de la película que estamos utilizando o, en el caso de las cámaras digitales, el ISO que queremos usar. Luego hay que apuntar el fotómetro al objeto o escena que estamos fotografiando y medir la luz que hay en el ambiente. De esa manera el fotómetro nos va a dar una combinación de diafragma y velocidad para sacar la foto. Esta es la pantalla del fotómetro de mano. En la parte superior derecha pueden ver el ISO que en este caso es 25. Y en el medio pueden ver cómo, luego de medir la foto, nos da una velocidad (donde dice T) de 125 o 1/125 y bajo la F nos da el diafragma f/9.5. Fotómetro de mano Sekonic L-758DR. Este fotómetro mide luz incidente y reflejada.

El fotómetro es un instrumento para medir la luz existente en una escena y que se utiliza para calcular la exposición correcta de ésta. Todas las cámaras disponen de un fotómetro interno que mide la luz reflejada en la escena. Este fotómetro permite a la cámara calcular una exposición correcta. Sin embargo el fotómetro de la cámara no es el más exacto, y para cierto tipo de fotografía se utilizan fotómetros de mano o fotómetros externos. Con ellos podemos medir la luz de forma más exacta. Podemos dividir los fotómetros en dos en función del método que utiliza para medir la luz: ◾De luz reflejada: Mide la luz que se refleja en las superficies. Haciendo un retrato con este método apuntaríamos con el fotómetro hacia la cara del sujeto y mediríamos la luz reflejada en ésta. ◾De luz incidente: Mide la luz que incide sobre el fotómetro. Haciendo un retrato con este método pondríamos el fotómetro al lado de la cara del sujeto y apuntaríamos hacia el lado opuesto para medir la luz que incide en su cara. Equipo de iluminación Existen en fotografía diversas fuentes de luz que podemos dividir en dos categorías principales: naturales y artificiales. La fuente de luz natural es la producida por el sol, y su color depende de las

condiciones del clima. Así, en un día despejado el color de la luz solar tiende a ser más azulado, mientras que en un día nublado tiende a ser suave y difusa. También es posible diferenciar distintos tipos de temperatura del color, dependiendo de la hora del día. Al amanecer y en la puesta de sol, la luz es más roja y hacia el medio día es más azul.

En fotografía existen equipos de iluminación especiales conocidos como flash, los hay de diferentes tamaños, potencias, velocidad de destello, potencia del destello y otros varios como la resistencia a condiciones del ambiente como: temperatura, humedad, golpes, numero de destellos etc, hay gran variedad de equipos de iluminación, para todas las necesidades, vemos algunos ejemplos. Estos modelos funcionan con pilas o baterías recargables, van montados sobre la cámara, provee iluminación frontal, de rebote, cabezal giratorio.

Equipos de estudio: Flash para iluminación de buena potencia, luz difusa y amplia.

Estos equipos llamados spot, proveen luz llamada DURA en fotografía, buena potencia de iluminación y contraste

Equipo de Estudio Los equipos necesarios para estudio pueden ser muchos, ponemos como ejemplo una lista aproximada, pudiendo comenzarse con un poco menos y luego extender conforme la necesidad: La cámara

Objetivos

Equipo de iluminación: Reflector normal, luz dura, por la cara interior plateada, gran contraste.

Reflector gran angular, la iluminación es algo más suave y el contraste menos marcado.

Reflector suave, iluminación indirecta por la pantalla contra reflectante, luz suave poco contraste.

Pantalla suaviza Multiflex 75. Iluminación difusa, suave la tela difusora, poco contraste.

gracias a

Spot universal, luz muy dura en haz por ir enfocada, contraste vigoroso.

Spot con fresnel, luz muy dura, dirigida, marcado contraste, reparto uniforme de luz.

Paraguas reflectante, luz difusa, dispersa y el menor contraste de esta serie.

8:

Cono, conducción estrecha, limitada de la luz a modo de spot, fuerte contraste

Reflector normal con avispero, nulo de radiación restringido, luz dura, fuerte contraste

Trípodes

Fotómetro

Equipo de exteriores Cuando hay que hacer fotos en exteriores, fuera del estudio, a la luz del día; primero debemos saber que la luz del día es mucho más potente que un flash normal que va montado sobre la cámara, por esto, es necesario contar con equipos de iluminación con más potencia para igualar la luz del sol o un día nublado claro. La iluminación necesaria depende de lo que se tiene planeado hacer y de lo que se necesita para cumplir con las necesidades de la sesión. Lo mínimo es sólo la cámara con los lentes que sean adecuados para aprovechar la luz disponible. Lo siguiente es llevar un reflector del tipo 5 en 1 (translúcido, blanco, negro, plata, dorado) para suavizar la luz, rellenar o aumentar el contraste.

Flash de estudio profesional de alta potencia, mínimo 800 W, 1000 W, características que los hacen perfectos para cumplir con las más exigentes necesidades de la fotografía comercial o publicitaria, debido que la luz natural en exteriores es muy intensa, es necesario fuente de iluminación que puedan igualar y pasar un poco para lograr las fotos que deseamos. Con capacidad para trabajar con corriente o baterías.

Dispositivos de destello a distancia por señal de radio.

Trípode para fijar la cámara, fotómetro

En lugar de flash se pueden usar fuentes de luz continua alimentadas por baterías o generadores de electricidad.

Para trabajar en exteriores harán falta mucho más equipos y accesorios, puede ser necesario toda una escenografía, por ejemplo una sombra artificial para evitar los rigores del ambiente, calor, frio

viento, en exteriores dependemos de las condiciones climáticas, si hablamos de lo estrictamente fotográfico, con los ejemplos que mostramos son los mínimos, podría ser necesario dos o más cámaras, uno de vídeo que acompañe para un análisis posterior, equipos de informática para analizar en el lugar la imagen obtenida, además todo lo necesario para las personas que intervienen en el trabajo. La Computadoras y sus Componentes Una computadora es un dispositivo electrónico que acepta datos de entrada, los procesa, los almacena y los emite como salida para su interpretación. La computadora es parte de un sistema de computación. Como el que se ilustra a continuación.

Componentes del Computador: un sistema de computación está conformado por hardware, periféricos y software. HARDWARE incluye todos los dispositivos eléctricos, electrónicos y mecánicos (que se pueden ver y tocar) que se utilizan para procesar los datos. PERIFÉRICOS son los dispositivos de hardware que se encuentran en la computadora con la finalidad de aumentar las posibilidades de acceso, almacenamiento y salida del equipo de cómputo. Incluyen los dispositivos de Entrada y los de Salida. DISPOSITIVOS DE ENTRADA son periféricos cuya función es la de reunir y traducir los datos de entrada a una forma que sea aceptable para la computadora. Los dispositivos de entrada más comunes son el teclado y el ratón o "mouse". DISPOSITIVOS DE SALIDA son periféricos que representan, imprimen o transfieren los resultados del procesamiento, extrayéndolos de la Memoria Principal de la computadora. Entre los dispositivos de salida más utilizados se encuentran el Monitor o Pantalla y la Impresora. SOFTWARE – o programas – es el conjunto de instrucciones electrónicas para controlar el hardware de la computadora. Algunos Programas existen para que la Computadora los utilice como apoyo para el manejo de sus propias tareas y dispositivos. Otros Programas existen para que la Computadora le dé servicio al Usuario. Por ejemplo, la creación de documentos electrónicos que se imprimen. DATOS se refieren a los elementos crudos (materia prima) que la computadora puede manipular, para convertirlos en resultados o datos procesados, conocidos como información (producto terminado). Los datos pueden consistir en letras, números, sonidos o imágenes. Independientemente del tipo de datos que sean, la computadora los convierte en números para procesarlos. Por lo tanto, los datos computarizados son digitales, lo que significa que han sido reducidos a dígitos o números. Los datos se guardan en medios de almacenamiento auxiliar como parte de archivos.

ARCHIVOS DE COMPUTADORA son conjuntos de datos interrelacionados a los que se les ha asignado un nombre. Un archivo que contiene datos que el usuario puede abrir y utilizar a menudo se llama documento. Un documento de computadora puede incluir muchas clases de datos, tales como: Un archivo de texto (como una carta); un grupo de números (como un presupuesto); un fragmento de video (que incluya imágenes y sonidos, como un "video clip"). Los programas de computadora (software) también se organizan en archivos, pero debido a que no se consideran texto, no son archivos de documentos. USUARIO es toda persona que interactúa con la computadora para proporcionar datos de entrada o para obtener resultados del sistema de cómputo, que normalmente se despliegan por Pantalla o se imprimen a través de la Impresora. Exploración de las funciones de la computadora: Dos componentes manejan el procesamiento de datos en una computadora: la Unidad Central de Procesamiento o CPU y la Memoria Principal RAM. Ambos componentes se localizan en la Tarjeta Principal del Sistema o Tarjeta Madre, porque es el tablero de circuitos que conecta la CPU a todos los otros dispositivos de hardware. Unidad Central de Procesamiento o CPU: Es el cerebro de la computadora, ya que en él se manipulan los datos. En una computadora personal o PC, la CPU entera está contenida en un pequeño chip llamado microprocesador. Cada CPU tiene dos partes fundamentales: la Unidad de Control (Control Unit) y la Unidad Aritmético-Lógica (Arithmetical-Logical Unit ALU). Memoria Principal o RAM (Random Access Memory): Es el dispositivo de almacenamiento principal en tiempo real donde se guardan los datos y programas mientras se están utilizando. La RAM consiste de chips, ya sea en la Tarjeta Madre o en un pequeño tablero de circuitos conectados a ésta. La CPU contiene las instrucciones básicas necesarias para operar la computadora, pero no tiene capacidad suficiente para almacenar programas enteros o conjuntos grandes de datos de manera permanente, por tanto, se apoya en la RAM para esta importante función de almacenar y recuperar datos con gran rapidez. La Memoria RAM es de acceso aleatorio y de naturaleza volátil ya que pierde su contenido cuando se apaga la computadora. La CPU está conectada a dos clases de memoria: la RAM que es volátil, y la ROM, que es no volátil (conserva los datos que contiene, aun cuando la computadora esté apagada). Clasificación de las computadoras y las redes de computadoras: Las computadoras de acuerdo a su tamaño y precio se clasifican en cuatro grandes categorías, a saber: Microcomputadoras, Minicomputadoras, Mainframes y Supercomputadoras. Descripción dispositivos periféricos en una computadora: Los Dispositivos Periféricos son componentes de hardware que acompañan a una computadora para incrementar su funcionalidad para introducir, extraer y almacenar datos. Están ubicados "alrededor de la máquina". Por ejemplo, el ratón o mouse, el teclado, el monitor, la impresora, lectores de códigos de barra, disco duro, etc. Los Dispositivos Periféricos se instalan con base en las necesidades del usuario y su disponibilidad económica. Un Equipo Básico típico que se compre, incluye: Procesador, Memoria RAM, Disco Duro, lector CD DVD, Monitor, CD-ROM, Impresora, Teclado y Ratón También es posible aumentar las capacidades de la computadora agregándole un Digitalizador o Escáner para capturar imágenes. Para la conexión a Internet se requiere: Tarjeta de Red, Modem y una Cuenta de Servicio de Acceso a Internet a través de un Proveedor de Servicios Internet (ISP). De manera que las posibilidades de configuración del Equipo de Computación Básico, son muy amplias, dependiendo de cuánto dinero se esté dispuesto a invertir.

Dispositivos Apuntadores (Ratón, Esfera Y Lápiz): Estos son dispositivos que ayudan a manipular objetos y seleccionar opciones de menú en la Pantalla. El más conocido es el mouse o ratón como dispositivo apuntador en el Equipo de Computación Básico. Medios Electrónicos Definición de Medios Electrónicos. Podemos definir a los medios electrónicos como todos aquellos instrumentos creados para obtener un eficiente intercambio de información de forma automatizada; tales como Internet, fax, correo electrónico, etc. Equipos de iluminación Existen diversos equipos para iluminación, son muy variados en tamaño, potencia, marcas, costos, no es necesario pensar en enormes equipos de iluminación para comenzar a crear y componer diseños llamativos, por eso explicamos con insistencia el conocimiento de las partes, mecanismos en general de la cámara fotográfica, que, en definitiva es el elemento fundamental para controlar la LUZ.

No debemos pensar que una cámara es algo imposible de adquirir por los costos. Con una cámara y un pequeño elemento de iluminación, (flash incorporado, o montado sobre la cámara) es suficiente para poner en marcha la imaginación, y, aplicando lo aprendido en Diseño Gráfico, realizar composiciones que impacte y motive al consumidor, llamando la atención del cliente, espectador, público en general. Nuestra tarea como DISEÑADOR debe ser principalmente crear, componer, expresar, resaltar la calidad, mover el interés del cliente hacia el producto que estamos mostrando por los medios visuales. Vemos ejemplos.

Con una cámara así…

Tipos de Fotómetros El fotómetro es un instrumento para medir la luz existente en una escena y que se utiliza para calcular la exposición correcta de ésta. Todas las cámaras disponen de un fotómetro interno que mide la luz reflejada en la escena. Este fotómetro permite a la cámara calcular una exposición correcta. Sin embargo el fotómetro de la cámara no es el más exacto, y para cierto tipo de fotografía se utilizan fotómetros de mano o fotómetros externos. Con ellos podemos medir la luz de forma más exacta.

Podemos dividir los fotómetros en dos en función del método que utiliza para medir la luz: ◾De luz reflejada: Mide la luz que se refleja en las superficies. Haciendo un retrato con este método apuntaríamos con el fotómetro hacia la cara del sujeto y mediríamos la luz reflejada en ésta. ◾De luz incidente: Mide la luz que incide sobre el fotómetro. Haciendo un retrato con este método pondríamos el fotómetro al lado de la cara del sujeto y apuntaríamos hacia el lado opuesto para medir la luz que incide en su cara. Esquema de iluminación cruzada con dos striplight y un snoot al fondo La iluminación principal y la de contra son totalmente simétricas, están hechas con dos flashes de estudio modificados con sendas ventanas strip light con rejilla para concentrar la luz lo máximo posible y dejar el fondo en penumbra. Los dos flashes trazan una diagonal de modo que la luz delantera ilumina a la modelo por la derecha y la luz trasera le produce una luz de borde por la izquierda al tiempo que le da volumen al turbante que sin esa luz de borde resultaría excesivamente negro y quedaría como una masa sólida sin valores.

El

En el fondo solo un pequeña luz con el fin de resaltar a la modelo en un ambiente de penumbra, por eso se usó para iluminar sólo un flash con un snoot que daba un haz de luz estrecho destinado, fundamentalmente, a resaltar las arrugas de la arpillera y evitar así que el fondo resultara demasiado plano.

Quienes ya tenemos las bases de la fotografía de estudio, bien sabemos la importancia de realizar un esquema de iluminación antes de comenzar con la sesión fotográfica. Y es que la iluminación es fundamental al momento de tomar un buena fotografía, y llevándolo al lado del diseño, podríamos decir que es similar al boceto que se hace antes de siquiera pensar en sentarse a trabajar en el computador, cosa que no siempre hacemos, pero que bien sabemos es un paso importante que no deberíamos saltarnos, y así mismo con el esquema fotográfico, ya que sin él nuestra fotografía podría resultar un completo desastre. Dependiendo del tipo de iluminación que utilicemos podremos lograr diferentes efectos, causar sensaciones distintas en quien la vea, y lograr una propuesta divertida e interesante, que de otra forma, sin la iluminación apropiada podría ser una simple imagen aburrida que nadie se detendría a ver. Para que veas lo importante que es la iluminación y como cumple su papel, en el cual nos ayuda a llegar a un gran resultado, vemos algunos ejemplos donde se muestra cual fue el esquema de iluminación que utilizado, y el resultado gracias al buen uso de la luz.

Iluminación para retrato

Conocimiento de la luz: ningún fotógrafo dominará por completo el significado del retrato si no es capaz de apreciar las cualidades de la luz e interpretarla debidamente. Hay que tener en cuenta varios factores: En primer lugar, debe valorarse la luminosidad; la fuerza visual o intensidad de la luz, que depende de la cantidad reflejada por el sujeto. La luminosidad puede variar radicalmente en las diferentes partes de la escena; por otra parte, una zona clara parecerá más luminosa si está junto a otra oscura. El cálculo de la exposición y la composición de la imagen dependen de la distribución de esas diversas intensidades en la zona encuadrada. La segunda característica importante de la luz es la calidad, que define su grado de dureza o suavidad y afecta considerablemente a la apariencia de las personas. La luz suave da al rostro una redondez delicada, aclara las sombras y disimula las imperfecciones de la piel. La luz dura es muy espectacular y produce sombras de contraste intenso, no favorece pero da al resultado fuerza e impacto. El sol directo y los focos producen luz dura. En tercer lugar hay que hablar de la dirección de la luz (el ángulo con el que incide en el sujeto), que revela las formas y la estructura. Si iluminamos el rostro frontalmente, el resultado será una imagen plana. A medida que la fuente luminosa se desplaza hacia un lado del motivo, realza sus rasgos. El modelado facial también depende de la altura de la luz en relación con el sujeto; así, a la altura del rostro, el resultado será uniforme y sin sombras. Al elevarse la luz, las sombras empezarán a aparecer bajo la nariz, las cejas y las mejillas. Si la elevación es grande, proyecta sombras profundas bajo todos los salientes. Cuando el rostro se ilumina desde abajo, las sombras se forman hacia arriba y dan un aspecto siniestro. Estos últimos conceptos son aplicables tanto con luz natural como artificial. Al utilizar esta última, lo más importante es comprender que siempre debe haber una fuente luminosa dominante tipo flash, foco o lámpara y, en la mayoría de los casos, una serie de luces secundarias. Retrato fotográfico Para retratos, la iluminación más atractiva es la llamada “Hollywood”, que implica el uso de, por lo menos dos fuentes. Una de ellas se sitúa a medio camino entre la posición lateral dura y la frontal uniforme a la que llamaremos Luz principal y se coloca a 45° respecto del modelo y a un metro sobre su cabeza (siendo atenuadas las sombras profundas que ésta produce por otra luz, en este caso reflejada sobre un panel difusor que puede ser cualquier superficie blanca). La otra cumplirá funciones de Luz de relleno siendo difusa y más débil, colocándola junto a la cámara para aclarar sombras, ésta última no crea sino que rellena o suaviza las sombras creadas por la primera luz, es conveniente colocarla lo más cerca posible de la cámara o reflejarla en una superficie clara. Como alternativa, podemos utilizar una tela o un gran cartón de color blanco en el lado opuesto a la luz principal. Retrato con luz natural Los retratos en exteriores tienen un atractivo muy difícil de conseguir en el estudio, sobre todo cuando es posible aprovechar incidentes espontáneos que los hace más interesantes desde el punto de vista visual. Por la mañana o por la tarde, cuando la luz cae oblicuamente sobre el modelo, será mejor momento que al mediodía, puesto que la luz es menos dura. Podemos decir que cualquier momento en que el sol esté en un ángulo menor de 45° con respecto al horizonte será bueno.

El rostro, es la parte más importante de un retrato debiendo basar la exposición en la cara y no en el fondo. Para ello, hay que acercarse y verificar que combinación de abertura y velocidad de obturación es la indicada y después volver a la posición desde donde se va a fotografiar. La luz directa: El uso de la luz directa con distintos ángulos de incidencia, no siempre produce resultados favorecedores. La luz directa, al crear sombras muy bien definidas y altas luces muy intensas, puede complicar las imágenes con muchos detalles, así como es útil para crear efectos muy pronunciados, no es la mejor para mostrar contrastes sutiles. Cenital: Ensombrece los ojos, mientras que el resto de la cara se ve muy iluminada Contraluz: Crea un halo de luz detrás de la cabeza, el rostro queda en sombras atenuadas Frontal: El modelo está incómodo, la luz no da relieve y el rostro parece una máscara con agujeros Lateral: Mejora el volumen general, las sombras realzan los detalles de la nariz y las cejas.

Objetivo 75mm, F : 2,5 T:1/125 s, iso 200 Cuando el sol estaba todavía presente aprovechando los últimos rayos. En este caso un flash con paraguas en el lado derecho como se nota en el reflejo de los ojos. La luz del sol proveniente desde detrás separa el modelo del fondo y añade una nota cálida en el retrato. Con estas fotos se puede ver como una iluminación simple en exteriores puede producir resultados interesantes en combinación con la luz ambiente disponible. Todo está en encontrar el equilibrio correcto entre el flash y la luz ambiente.

ADAPTACIÓN DE LA LUZ SOLAR: La luz solar se puede modificar de varias formas a fin de mejorar las fotografías, pero, para hacerlo con éxito, antes debemos reconocer el tipo de luz de que disponemos. De esta forma, debemos responder a varias cuestiones: Es un día soleado con luz directa que crea sombras profundas, o nos

ha tocado en suerte un día nublado con luz difusa que apenas crea sombras. ¿De dónde viene la luz? ¿Viene de más de una dirección? Una vez contestadas estas preguntas, podremos plantearnos si es preciso modificar la luz, ya sea utilizando paneles reflectores absorbentes y difusores o con un flash de relleno. Reflejar la luz: La luz del sol entrando por una ventana nos puede ofrecer múltiples posibilidades de éxito si prestamos atención a la parte sombreada del rostro que puede quedar muy oscura y sin detalles. Para solucionar el problema habrá que reflejar un poco de luz sobre la escena. Un reflector de color claro es fácil de fabricar con elementos tales como una cartulina blanca, una sábana o una simple toalla. Otro método sencillo de reflejar luz es a través de un diario o un libro sostenido por el modelo en sus manos, como también colocar un mantel blanco si la persona está sentada a una mesa, de manera que refleje la luz hacia arriba. El flash de relleno: Recibe este nombre porque “rellena” de luz las sombras, añade luz adicional a la fotografía y la mezcla con la luz del día. Sólo da resultado si el motivo no es demasiado grande y no está lejos de la cámara. La distancia máxima dependerá de la potencia del flash. Para un retrato con un contraluz muy marcado, el flash de relleno será muy importante para dar detalle en las sombras del primer plano y además para reducir el contraste de la escena. RETRATO AMBIENTADO: El retrato que muestra al sujeto dentro de su entorno se conoce como retrato ambientado. La habilidad del fotógrafo se demuestra cuando éste utiliza el escenario de manera creativa, de forma que los elementos que conforman este escenario contribuyan a mejorar la fotografía y proporcionar información adicional acerca del protagonista de la imagen final. Comerciantes, profesionales, deportistas, etc…en la medida en que sean retratados con un fondo que delate de forma directa e inequívoca a qué actividad se dedican, lograremos escenas de muy buen contenido visual. RETRATO DE GRUPOS: Normalmente las fotografías de grupos son apaisadas, el secreto reside en colocar a las personas a diferentes alturas, ya sea utilizando escalones, sillas o cajas, parados, arrodillados o sentados. El objetivo ideal es el 28mm, que asegura una imagen bien proporcionada y un generosos ángulo de cobertura. La espontaneidad es un factor muy importante de las fotografías de grupo, refleja frescura y dinamismo. Si los modelos aparecen posados debemos asegurarnos de tener su atención, de lo contrario corremos el riesgo de una imagen dispersa y de poco interés. RETRATO MASCULINO: Según algunos autores, para obtener un buen retrato informal de un hombre se precisa un planteamiento distinto que para fotografiar a una mujer. A los rostros masculinos les favorece la iluminación lateral. Las sombras intensas, incluso en la cara, muchas veces aumentan el atractivo de la imagen. Debemos tratar de acentuar los rasgos faciales si lo que buscamos es una fotografía con carácter. Con un modelo masculino, el sol del mediodía no tiene que ser necesariamente desfavorecedor, situar al modelo de forma que un lado de la cara le quede inmerso en la sombra es un esquema básico muy aceptable.

LAS PROPORCIONES: La correcta proporción del rostro en una fotografía, la logramos con la utilización de la distancia focal adecuada. Los objetivos con distancias focales entre 85 y 135mm - o los zooms - son más adecuados para primeros planos, ya que permiten situarse entre uno y dos metros de distancia. Pero teniendo en cuenta que la profundidad de campo es muy pequeña, habrá que enfocar a los ojos o, si la cabeza está ladeada, al ojo más próximo. Al alejarse y cambiar de objetivo se va corrigiendo progresivamente la distorsión producida inicialmente utilizando un gran angular a corta distancia del modelo. Los primeros planos transmiten una información limitada sobre la persona, pero su impacto e intimidad son mayores sobre todo cuando se amplían a tamaño natural. Si la intención es obtener un primer plano de gran impacto, el peor error que podemos cometer es acercarnos demasiado al rostro, ya que la imagen aparecería distorsionada. A poca distancia, una nariz normal parecerá demasiado grande con relación al resto del rostro. Desde un ángulo de toma elevado ocurrirá lo mismo con la frente. Para devolver a los rasgos del modelo sus correctas proporciones y al mismo tiempo realizar un primer plano, hay que retroceder un poco y utilizar un objetivo de mayor distancia focal. LA POSE: Si lo que se persigue con el retrato es subrayar la belleza o resaltar la personalidad, la pose que adopta el modelo es decisiva. La edad, la contextura física, el sexo, son factores importantes en el momento de elegir la pose. A continuación se enumeran algunos consejos que pueden ayudarnos a tomar una decisión adecuada: Ante todo, hay que evitar los primeros planos de frente, si no existe una razón especial, ya que favorecen sólo a unos pocos rostros. No obstante, un retrato tomado de frente se comunica con el espectador de forma muy directa, quizás a través de la risa o con una mirada sugerente. Esta pose favorece a las personas con ojos bonitos y rasgos regulares. La toma de perfil puede parecer excesivamente posada, sin embargo puede resultar sorprendente e informal si realzamos el cabello echando la cabeza hacia atrás y mostrando la grácil y esbelta curva del cuello. El retrato de busto o medio cuerpo son los más clásicos, dan una impresión más relajada que el retrato de primer plano. Para conseguir una pose natural, el modelo moverá el rostro ligeramente hacia un lado y mirará la cámara sin mover la cabeza, esto dará un toque de espontaneidad, como si se tratara de una mirada casual. Otra cuestión a tener en cuenta es asegurarse de que el modelo se encuentra a gusto, sobre todo si se trata de una persona mayor. Sentados en su silla favorita, él o ella adoptarán una postura

relajada. La silla ofrece también un punto de apoyo para los brazos y ayuda a resolver un problema clave: la colocación de las manos. Con los jóvenes se pueden buscar poses menos estáticas y convencionales aprovechando actitudes espontáneas y naturales. En un retrato las manos requieren casi tanta atención como el rostro, denotan enseguida si una persona está tensa o tranquila, y dicen mucho acerca de la personalidad, ejemplo: las manos entrelazadas sugieren un carácter mesurado y a la vez dinámico, una mano sujetando el mentón ayudará a dirigir la mirada hacia el rostro. EL

MAQUILLAJE: El maquillaje ejerce una influencia considerable en el aspecto del sujeto en la fotografía definitiva, y por tanto debe ser adecuado al ambiente que se desea crear: Para un retrato convencional, es preferible un maquillaje sencillo que destaque las cualidades del rostro. No obstante, habrá de ser algo más intenso de lo normal, porque en la fotografía resulta menos pronunciado. La iluminación difusa exige también un tratamiento más intenso que la de un foco. Los ojos, la boca y las mejillas son los tres elementos más importantes del rostro en el retrato por lo tanto un maquillaje experto permite darles fuerza o modificarlos. La importancia de los pómulos está en que determinan la forma del rostro y se los subraya ligeramente con color para acentuar la sombra proyectada por el hueso. El lápiz de labios sirve para perfilar la forma de la boca, no para agrandarla. En blanco y negro debe ser de color pardo, porque el rojo se reproduce casi negro, y los tonos claros en blanco. Lo que más cambia el aspecto del rostro es el maquillaje de los ojos y la intención en el maquillaje debe ser la de agrandarlos y resaltarlos con líneas finas en los párpados inferiores y pintando los párpados superiores con colores claros, también se aplicará rímel en la parte superior e inferior de las pestañas. EL PELO: A menudo el pelo requiere una especial atención, sobre todo si es un rasgo importante de la persona que se está retratando. Con una iluminación equivocada el fotógrafo puede hacer que el cabello más brillante aparezca sin vida. La calidad semi translúcida del pelo y el movimiento que se le transmite al mover o girar la cabeza, permite utilizarlo muy especialmente para dar vivacidad a un retrato. Una iluminación cuidadosa realza la belleza del cabello. Todos los tonos de pelo, excepto el rubio muy pálido, absorben mucha luz. Los retratos en interior mejoran si se dirige una luz suplementaria hacia la cabeza con un haz luminoso estrecho. TONOS ALTOS:

Un retrato en tonos altos, ya sea en blanco y negro o en color, se caracteriza por la eliminación de las sombras pronunciadas, y lo ideal sería que no apareciera sombra alguna, tan sólo algunos toques negros en los ojos, pestañas y parte del contorno del rostro. Es un tratamiento adecuado para crear un ambiente que se asocia con la feminidad. La luz más adecuada es la completamente indirecta. Ninguna de las fuentes luminosas se dirige hacia el sujeto, sino que todas ellas se reflejan en superficies blancas. Se precisan al menos tres: dos a ambos lados del retratado, y una tercera para iluminar el fondo (éste debe ser también de tono muy claro, de preferencia blanco). Muchos profesionales hacen retratos de tonos altos con el sujeto en el interior de una tienda blanca, iluminada exteriormente desde todos los ángulos, con luces de la misma intensidad. Al ser todas las fuentes luminosas de la misma potencia, no se forman sombras. TONOS BAJOS: En un retrato de tonos bajos, predominan las sombras densas y grandes zonas de la imagen quedan sin iluminar. Las mejores fuentes luminosas son los focos fuertes, contrastados y muy concentrados. Es importante limitar la zona iluminada, lo que resulta difícil con lámparas de iluminación difusa. Los mejores estudios de este tipo suelen realizarse con una sola fuente luminosa dirigida al rostro, o incluso tan sólo a una parte del mismo, de manera que el resto de la cabeza y los hombros queden simplemente insinuados. COMENTARIOS FINALES: Relaje al modelo: El primer objetivo, es lograr que el modelo se sienta cómodo, la música, la conversación suelen ser de gran ayuda, pero sobre todo el fotógrafo debe mostrarse relajado y seguro para crear un clima distendido, la utilización de un teleobjetivo mediano reducirá las posibilidades de intimidar al modelo. Elección del fondo: El fondo debe elegirse en función del efecto que se desee transmitir con el retrato, se puede optar por uno sencillo y neutro, o por otro más elaborado, pero siempre cuidando de no quitar protagonismo al motivo. Agregar complementos: Podemos realzar la composición agregando complementos. Por ejemplo una planta de interior o un mueble antiguo debidamente ubicado, puede agregar variedad al retrato. Los complementos también se pueden emplear para facilitar información acerca del modelo, tales como elementos que corresponden a su actividad o profesión. Ej: caballetes, pinceles, instrumentos musicales etc. Cuidar la composición: Si se quiere realzar las distintas expresiones del modelo, se debe llenar el encuadre con su rostro asegurándose que los ojos estén perfectamente enfocados. Si se opta por un retrato de tres cuartos, lo mejor es cortar por encima de las rodillas, preste especial atención a las manos, su forma y posición pueden decir mucho de la personalidad del modelo. Elegir la iluminación apropiada: Una iluminación intensa y oblicua, hará resaltar las marcas y las arrugas, mientras que, bajo una luz difusa, aquéllas tenderán a disimularse. Buscar la pose más adecuada: Seleccione una pose que proporcione lo mejor del modelo. Las personas extrovertidas se pueden sentir complacidas mirando directamente al objetivo. No

obligar nunca al modelo a adoptar una pose en la que se sienta incómodo, porque se le verá tenso en la fotografía. Tome dobles retratos: Dé pruebas de la relación entre dos individuos tomando un doble retrato de los mismos. Una forma de crear una composición interesante y dinámica es disponer las caras de los modelos de forma que queden en diagonal. Uno puede quedar ligeramente a la izquierda y por encima del centro del encuadre y el otro por debajo y a la derecha. Autorretrátese: Fotografiarse a uno mismo, puede resultar provechoso, no sólo es divertido, sino que además le ofrece la posibilidad de experimentar la toma de retratos con un motivo que no se mostrará ni reacio ni tímido. No prolongue las sesiones: Las personas se aburren e impacientan fácilmente, lo mejor es hacer una pausa y replantear la sesión, haga participar al modelo y siempre solicite su opinión.

Tipos de planos en fotografía El término 'plano' es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos abiertos o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está estrechamente relacionado con el retrato fotográfico. ◾Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.

◾Plano americano: También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas de western americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.

◾Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona.

◾Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.

◾Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

◾Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.

◾Plano detalle: Se emplea para destacar elementos específicos, con este tipo de plano se pueden lograr encuadres creativos y originales, requiere de mucha capacidad de observación por parte del fotógrafo. En este tipo de plano el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos. No se debe confundir con fotografía macro.

Existen otras clasificaciones que varían ligeramente de acuerdo a los autores, pero básicamente en fotografía de retrato son las mencionadas anteriormente, algunas con ciertas variaciones.

Y para resumir: 1. Plano general: Cuerpo completo. 2. Plano americano: Hasta las rodillas. 3. Plano medio: Hasta la cintura. 4. Plano medio corto: Hasta el pecho. 5. Primer plano: Hasta los hombros. 6. Primerísimo primer plano: Solo el rostro. 7. Plano detalle: Un elemento aislado. La fotografía de moda La fotografía de moda engloba un conjunto de sujetos relativos a la vestimenta, accesorios, joyas. En este caso, el fotógrafo trabaja con varios actores de este medio ya sea de una marca o de una revista especializada y también con estilistas. En este tipo de fotografía, el fotógrafo debe demostrar creatividad para preparar la escena y dominio para manejar las técnicas de retrato y de iluminación.

Técnicas •Puesta en escena: antes de la toma, el fotógrafo puede realizar una localización según la idea que desea llevar a cabo. De esta manera, tendrá que escoger el lugar adecuado para poder hacer resaltar el sujeto y los productos que lleva. La meta es poder transmitir un concepto o historia en una sola imagen. •Iluminación: es un factor que juega un papel importante en la fotografía de moda. Se trata de un factor que muchos casos requiere un trabajo minucioso y por lo tanto debe dominarse muy bien. Asimismo, trabajar con un flash permite corregir los defectos de las sombras o de las imperfecciones y recalcar uno o varios elementos del conjunto que compone la escena. •Trabajo en equipo: en la fotografía de moda intervienen modelos, asistentes de fotografía, estilistas, peluqueros, maquilladores. Por lo tanto, el fotógrafo debe saber trabajar en equipo: dirigir a las personas y comunicarse permanentemente con ellas para conseguir los resultados deseados. •El retoque: puede consistir en varios procesos, desde una simple corrección colorimétrica hasta una eliminación de detalles indeseados (el trabajo con un programa también está incluido en este punto). El Photoshop es el programa de referencia para el retoque. Sin embargo, muchos fotógrafos trabajan con programas de edición más rápidos para retoques simples. Material •No todos los fotógrafos trabajan con el mismo tipo de material. La cámara digital réflex es la más común, pero el formato medio acoplado a un respaldo digital es el tipo de material más demandado por los clientes. El respaldo digital permite realizar positivados en un formato más grande y con un rendimiento más detallado. •Para un retrato, se recomienda utilizar un distancia focal entre 50 y 120 mm para evitar deformaciones. •Equipo común en un estudio de fotografía: •Fondos: son enrollables y pueden ser de papel, vinilo, terciopelo, tela, etc. Algunos estudios tienen una estructura de madera para poder obtener esquinas redondeadas. Esta estructura suele ser de color blanco.

•Soporte del fondo: suele ser móvil con un trípode y con una barra transversal, o ganchos directamente sujetados a la pared. •Iluminación: se utilizan generadores con cabezales en flash remotos. También se utilizan otros accesorios para acondicionar la escena con la iluminación suficiente. •En el exterior: •Flash: el flash portátil es más ligero de peso y transporte, pero tienen menos potencia que el flash de estudio. Asimismo, encontramos generadores autónomos con flash remoto que permiten ganar más potencia y autonomía.

Fotografía de objetos metálicos Técnicamente otro de los elementos más complicados para fotografiar son los objetos metálicos y por ello un desafío para los profesionales el hacerlo correctamente. Como, el metal brillante es una superficie que refleja las fuentes de luz como si fuera un espejo. Las luces se reflejan opuestamente a la dirección con que inciden. Con luces puntuales esto generará una imagen oscura con puntos brillantes correspondientes a los focos y donde se marcarán extremadamente las rayas y abolladuras que tenga la superficie. El reflejo de los focos produce un contraste irreproducible, y en definitiva una imagen desagradable. Foto

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Si tuviésemos que fotografiar un espejo, no intentaríamos en iluminar el espejo, sino la habitación que refleja: los objetos y todo aquello que está reflejado. Un objeto de metal brillante también es un espejo de formas planas, y cóncavas y convexas. El reflejo será más o menos perfecto según esté la superficie de pulida y de desgastada. En la lectura de la imagen lo que nuestra percepción interpreta como metal es una combinación de reflejos blancos y negros, con algunos detalles de colores de los objetos reflejados. Lo que conviene entonces es hacer reflejar sobre la superficie metálica una amplia superficie iluminadora. En estas condiciones ya no veremos las rayaduras e imperfecciones sino la forma. Foto

Así es que para fotografiar metales pulidos no conviene iluminar el metal con luz directa sino hacer que refleje superficies luminosas. Entre los accesorios de iluminación de estudio una caja de luz amplia puede resultar suficiente en algún caso. Cuanto más próxima se encuentre la caja de luz al objeto mayor será la superficie reflejada. También podemos usar paneles blancos de foam que reboten luz en ciertas zonas del objeto.

La forma del objeto hará que resulte más o menos complejo distribuir adecuadamente los reflejos sobre su superficie, un objeto plano será simple de fotografiar. Uno convexo (especialmente uno esférico) reflejará luz desde ángulos distintos y requerirá una superficie de luz mucho mayor. Una esfera metálica pulida refleja la luz que proviene de todas direcciones y requerirá estar rodeada de planos de luz. Sin embargo un objeto metálico que refleje solo superficies blancas no tendrá aspecto metálico, puede parecer simplemente un objeto blanco; para lograr el carácter del metal debe mostrar también zonas negras o grises.

Esas zonas negras pueden ser la distancia entre las cajas de luz o entre las pantallas de foam. Sin embargo a veces es necesario agregar tiras de cartulina negra interrumpiendo la superficie del plano blanco del difusor para crear zonas de reflejo negro para que la imagen cobre “aspecto metálico” esto depende de cada caso, de cada objeto. Habitualmente hay que vigilar que no aparezcan reflejados en el metal el trípode, la cámara o el propio fotógrafo. Lo mejor será que no les llegue luz del flash. En ocasiones puede resultar necesario cubrir el trípode con un trapo negro, En otras ocultar cámara y trípode tras un panel blanco o negro, al que se le practicará un agujero por donde asomará el objetivo. De todos modos puede que algunos reflejos sean tan complejos de evitar que se decida dejarlos para retocarlos luego en Photoshop. La cosa se complica cuando los objetos a fotografiar son varios. Ante tantos reflejos nuestra percepción a no es capaz de discernir claramente la forma de los diferentes objetos que se fotografían juntos, pareciendo que poseen más complejidad y ornamento de los que en realidad tienen.

Es evidente el caos visual que generan tantos reflejos de los objetos vecinos y la bandeja.

Un ejemplo de cómo iluminar un objeto

metálico con pocos recursos, el típico rallador con un foco puntual y dos paneles foam. Hay que reconocer que, sin ser complicado por sus superficies planas, la resolución es ingeniosa.

Fotografía de Joyas Uno de los temas que más ocupan e incluso preocupan a los fotógrafos es el montaje de estudios caseros de fotografía, en especial por el tema de la iluminación A pesar de ser un tema que muchos no han resuelto, lo cierto es que existe en el mercado una gran variedad de materiales que nos ayudan a sobrellevar de manera casi profesional esta demanda. Solo se necesita el conocimiento suficiente y una inversión que indudablemente será redituada por la mejoría de sus trabajos, en especial para aquellos que están pensando en comercializar sus imágenes. El punto clave de una buena fotografía de estudio es el correcto control de la iluminación, la obtención de un equilibrio y la eliminación de sombras duras que arruinan una foto por muy buena que sea a nivel conceptual o de composición Joyas y otros objetos pequeños Cuando se trata de fotografiar joyas u otros objetos pequeños es muy importante controlar algunos aspectos básicos de la fotografía: una iluminación cuidada que ayude a destacar los detalles, cuidar la composición para que el objeto no se vea deformado y trabajar bastante el enfoque para tener la máxima nitidez. Iluminación para fotografiar Joyas

Flash con ventana. Para realizar fotografías de joyas no es necesario tener un estudio profesional, basta con tener una mesa y espacio para moverse alrededor. A parte de la mesa, necesitaremos una superficie que nos haga de fondo. Puede ser una simple cartulina o un metacrilato si lo que nos interesa es tener un reflejo de la Joya. En cuanto al color, el blanco es el más usado por la facilidad que nos da luego aislarlo y recortar la joya. Pero, se pueden usar otros colores o materiales para el fondo. La fuente de luz que debemos utilizar tiene que ser suave. Con un flash que puede ser de estudio o de reportaje y una ventana difusora del mayor tamaño posible. Una configuración sencilla, un flash y un paraguas con tela difusora que hace de ventana. Para completar la iluminación, reflectores blancos, con lámina de cartón blanco. La configuración del set de iluminación para fotografiar las joyas es la siguiente: el flash con ventana apuntando hacia la cámara y dándole inclinación sobre la superficie de trabajo, justo enfrente de la luz la cámara, cuidando de no tener luz directa sobre el objetivo. Los reflectores blancos irán uno a cada lado de la cámara, para rebotar la luz del flash e iluminar la joya. Casi todas las joyas tienen superficies brillantes, que reflejan como si fueran un espejo. El secreto para que quede bien es que refleje los reflectores blancos que hemos situado a cada lado de la cámara. Una alternativa al uso de flash es la luz de una ventana que se puede cubrir con papel vegetal para difuminar la luz. Pero el uso de la ventana trae consigo menos intensidad de luz y además, es variable durante el día, por lo que hay que ir modificando la medición y hacer exposiciones más largas. Composición fotos joyas A la hora de componer una fotografía de joyería, es importante tener en cuenta si sólo vamos a fotografiar una pieza o va ser toda una colección. También hay que pensar que no es lo mismo hacer las fotografías para un anuncio que para una tienda on line. Pero sea cual sea destino final, lo importante es cuidar la forma de la joya para que no se vea deformada. Para evitarlo es importante usar la distancia focal más larga posible. Un macro de 105mm permitirá un enfoque cercano y al mismo tiempo, tener la cámara a una distancia que facilite el trabajo de manipulación de la joya. Sujetar anillo de pie, dar suficiente aire a la joya para que tenga espacio y no este pegado al borde del encuadre y, por último, colocar la joya en una posición lo más natural posible: los collares y colgantes, en una visión frontal suspendiéndolos en el aire para simular la caída sobre el cuello, los anillos puestos sobre la mesa con poca inclinación de la cámara para que sea casi frontal. La inclinación de la cámara nos debe dar profundidad. Una vez tenemos la joya colocada sobre la mesa y la cámara con el encuadre, lo más difícil va a ser enfocar. Tenemos que tener muy claro las reglas de la profundidad de campo para aprovechar el enfoque y tener la mayor nitidez posible sobre la joya. Para conseguir el máximo de profundidad de campo, usar un diafragma muy cerrado. Como recomendación final es importante que cuidar los brillos y la limpieza de la joya, ya que al trabajar en macro todos esos detalles se magnifican y se ven rápidamente.

Fotos de Cristales, vidrio Uno de los materiales más difíciles de fotografiar es el vidrio. La transparencia es su principal característica, y es precisamente esta circunstancia, lo que lo convierte en un auténtico reto para cualquier fotógrafo. Tener en cuenta Cuando fotografiamos a un objeto, en realidad lo que estamos captando en el sensor de nuestra cámara es el reflejo de la luz que incide sobre él. Cuando fotografiamos vidrio, el problema es que, al ser transparente, esos reflejos no se dirigen al sensor, sino que salen despedidos en todas direcciones, por lo tanto no podremos apreciar con claridad los bordes y los reflejos que se produzcan, no nos aportarán información sobre su forma, siendo el resultado muy poco favorecedor en nuestras fotografías. Otro problema es que, si no tenemos cuidado al elegir el fondo, lo más probable es que el objeto de vidrio tienda a mezclarse. Debido a esta circunstancia, fotografiar vidrio puede ser una experiencia desastrosa para muchos fotógrafos pero, afortunadamente, hay solución para ello y la clave está en cómo iluminar la escena para que aparezcan perfectamente definidos los bordes, lo que nos dará una idea clara de la forma del objeto fotografiado. Disparando el Flash de Forma Directa

Como podrás observar, el resultado es poco favorecedor ya que se producen muchos reflejos no deseados sobre la superficie de los objetos, así como sombras en el fondo. También vemos como llega mucha luz al fondo siendo el resultado de la toma muy poco satisfactorio. Disparando el Flash Rebotado sobre un Techo Blanco (cartulina blanca)

Aquí podemos observar que la imagen mejora considerablemente, hemos eliminado las sombras en el fondo y los bordes de los objetos aparecen más definidos por lo que se adivina perfectamente la forma de los mismos. Sin embargo, al caer la luz de forma cenital rebotada del techo, aparecen reflejos que nos distraen en el fondo de la copas. Si fuésemos conformistas, podríamos pensar que esta imagen es suficientemente buena, pero pienso que un fotógrafo siempre debe buscar la forma de mejorar. Un trabajo algo más elaborado. Para ello tendremos que sacar el flash de la cámara y dispararlo remotamente. Añadiremos un cristal a la base para darle algo más de elegancia a la toma. El reto es definir aún más los bordes de los objetos y tratar que los reflejos nos aporten algo o, de lo contrario, eliminarlos.

Cómo Definir los Bordes Lo primero que tenemos que tener en cuenta es el fondo de la fotografía. Podemos optar por dos opciones: decidirnos por un fondo claro o bien por un fondo oscuro. Si nos decidimos por un fondo claro deberemos oscurecer el objeto de vidrio para que los bordes salgan visibles. Si queremos un fondo oscuro habrá que darle más luz al objeto.

En este caso, debemos colocar entre la fuente de luz y el objeto a fotografiar un fondo negro y opaco de un tamaño inferior a dicha fuente. Para conseguir una fuente de luz lo suficientemente grande, podemos rebotarla contra una pared blanca o rebotarla en un paraguas plateado. El tamaño del fondo debe ser el suficiente para encuadrar lo que ve la cámara.

Los parámetros utilizados son los siguientes: Potencia del flash 1/1, Velocidad 1/250 Apertura 3,5, ISO 100 Observa como los bordes de las figuras de vidrio aparecen perfectamente iluminadas, como si dibujásemos con la luz su forma. Por otro lado, los reflejos que aparecen en las copas no producen distracciones, al contrario, dan a los objetos sensación de volumen. Consideraciones Finales Si eres capaz de iluminar correctamente una superficie tan difícil como es el vidrio, serás capaz de iluminar correctamente otros objetos mucho menos complicados. Aunque todas las superficies tienen sus particularidades a la hora de ser iluminadas, el vidrio es, con toda seguridad, la que provoca más quebraderos de cabeza a la mayoría de fotógrafos. Espero que, con estos consejos, a partir de ahora tus fotografías de objetos de vidrio sean mucho más vistosas. MODELOS, SESIONES DE FOTOGRAFÍA ¿Cómo podemos empezar a trabajar con modelos? ¿Es posible trabajar de forma profesional con modelos sin necesidad de tener dinero?. Si somos principiantes pero necesitamos personas a las que retratar bien sea porque queremos dedicarnos a la fotografía de moda, queremos aprender a realizar sesiones de fotografía con modelos o simplemente queremos aprender, podemos pedir ayuda a modelos para conseguir algunas buenas fotografías. La primera pregunta que se nos viene a la mente es dónde podemos empezar a buscar gente interesada en ser retratada. En un principio cualquier persona nos vale, pero si buscamos a un modelo el resultado será mejor por su experiencia y por la búsqueda de un trabajo profesional, por lo que hay que saber dónde buscar. Existen páginas de castings que suelen ser puntos de encuentro de modelos, actores y actrices en las que podemos ofrecer nuestro trabajo y echar una ojeada para intentar encontrar a la persona indicada para las fotografías que queramos realizar. Estas páginas de castings suelen tener páginas en Facebook, por lo que podemos captar desde ahí a potenciales modelos para nuestros trabajos. La razón por la que descarto una agencia de modelos es porque sólo nos ofrecerán modelos profesionales que a pesar de ofrecer un aspecto inmejorable, estarán más interesados en que les paguemos que en realizar un intercambio. Lo mejor es buscar por páginas abiertas al público donde actores, actrices o modelos amateur puedan necesitar de una sesión de fotografías.

Vivimos en una era 3.0, donde todo se comparte y todo se cuenta por las redes sociales. Es recomendable poner un anuncio en Facebook, y tal vez puedas encontrar en tu lista de amistades alguien interesado en comenzar una carrera como modelo o que quiera tener algunas fotos bonitas. Muchas veces buscamos en vez de ofrecernos y anunciarnos en Facebook, Twitter o Instagram es una idea estupenda para captar una pequeña cantera de modelos. El intercambio ¿Tiene un modelo que cobrar por su trabajo posando ante la cámara? ¿Si no tengo dinero, cómo consigo que un modelo me preste su tiempo para realizar unas fotografías? El modelo de negocio que se sigue cuando uno empieza en esto de lo audiovisual —ya sea fotógrafos, cinematógrafos o directores de cine— es el intercambio de resultados por el tiempo invertido. Esto quiere decir que en compensación por la colaboración, ambas partes tenemos derecho a tener las fotografías para construirnos un portafolio que después podamos mostrar en futuros proyectos. Este tipo de modelo se le llama 'prints for time', es decir, impresiones por tiempo, un término heredado de la época del negativo en el que el fotógrafo intercambiaba los revelados con la modelo a cambio de su tiempo. Lo ideal es realizar este tipo de servicios durante el mismo estadio profesional por parte de ambas partes para que el intercambio no sea desigual. Si somos fotógrafos muy experimentados y queremos hacer sesiones gratuitas, la modelo se estará beneficiando de nuestros conocimientos; y si la modelo es muy experimentada pero somos fotógrafos muy novatos, nos estaremos beneficiando de la experiencia de la modelo. Vestuario y localización Tener buen modelo, buen vestuario y buena localización, junto a una buena iluminación y una trabajada técnica fotográfica, aseguran un resultado sobresaliente. Sin embargo, el vestuario no es gratis y las localizaciones interesantes pueden escasear si vivimos en una ciudad grande. Estos dos son los elementos más complicados de planificar, por eso tenemos que tener un especial cuidado en ellos. El vestuario debemos diseñarlo en conjunción al fondo de armario del modelo o con ropa prestada ya que es difícil que nos cedan prendas de una tienda para realizar nuestras fotos. Tenemos dos opciones si queremos realizar una sesión de moda con ropa realmente nueva, una es intentar hablar con tiendas de moda pequeñas que estén interesadas en un intercambio y que nos presten la ropa a cambio de fotografías que después puedan imprimir y usar para su propia promoción. Otra opción es comprar ropa en una grande superficie donde estemos seguros que después si devolvemos la ropa, nos devolverán el dinero. Esta última opción nos obligará a trabajar de forma que no se vean las etiquetas o que se vean lo menos posible para después eliminarlas con Photoshop. Las localizaciones influyen directamente sobre el ambiente general de las fotografías. Lo normal es hacer fotografías en jardines pero este tipo de paisajes escasean en las grandes ciudades y siempre suelen ser los mismos. Lo mejor que podemos hacer es pasear por nuestra ciudad y tomar fotografías de distintas localizaciones que nos gusten para futuros proyectos, así tendremos un banco de imágenes que después podemos utilizar. Podemos buscar edificios abandonados, campos de flores, o frente a muros de ladrillo o con graffitis. Los derechos de imagen. Los derechos de imagen es una de las partes más complicada a la que nos podemos enfrentar si nos descuidamos y se genera algún problema. Un contrato verbal puede ser suficiente mientras ambas partes sean honestas, sin embargo todo se puede complicar hasta el infinito si nos metemos en una situación complicada y nuestras imágenes están en el centro de la disputa. No hay razón para enfadarse por firmar un contrato de cesión de derechos de imagen, ya que nos comprometemos tanto como se compromete el modelo en obtener por parte de ambos un buen resultado. Para ello podemos encontrar contratos de cesión de derechos por internet para futuros proyectos —como por ejemplo, que alguna de nuestras fotografías forme parte de una colección de fotos de stock—, ya que para este tipo de actividades tendremos que adjuntar dicho contrato. Algunos de los modelos que podemos encontrar, describen los derechos y obligaciones de ambas partes con respecto al trabajo realizado. También podemos hablar con la modelo para añadir o quitar cláusulas, previamente a la firma del mismo.

Trabajando con modelos Una vez conseguimos un modelo para nuestras fotografías, debemos saber cómo trabajar con ellos. Debemos planificar y saber algunas poses interesantes que nos puedan hacer falta y que sean adecuadas a las fotografías que vamos a tomar. Planificar y detallar algunas fotografías 'clave' ayudará a prevenir la improvisación que en ocasiones genera incomodidad; teniendo claro nuestro objetivo, la labor fotográfica es más espontánea y natural. La relación entre el fotógrafo y modelo Uno de los puntos más importantes es tener el mismo criterio entre fotógrafo y modelo. Si el modelo está a gusto con nosotros y se está dispuesto a trabajar conseguiremos unas fotografías mucho más naturales. La complicidad fotógrafo-modelo es una de esas cosas que se notan cuando llevas mucho tiempo viendo fotografías y examinando trabajos de otras personas, por eso es importante cuidar un detalle tan pequeño pero tan importante como la relación por ambas partes. La experiencia nos ayudará a dirigir mejor a nuestros modelos para conseguir estas sensaciones que tanto aportaran a nuestro trabajo

MODELOS, SESIONES DE FOTOGRAFÍA ¿Cómo podemos empezar a trabajar con modelos? ¿Es posible trabajar de forma profesional con modelos sin necesidad de tener dinero?. Si somos principiantes pero necesitamos personas a las que retratar bien sea porque queremos dedicarnos a la fotografía de moda, queremos aprender a realizar sesiones de fotografía con modelos o simplemente queremos aprender, podemos pedir ayuda a modelos para conseguir algunas buenas fotografías. La primera pregunta que se nos viene a la mente es dónde podemos empezar a buscar gente interesada en ser retratada. En un principio cualquier persona nos vale, pero si buscamos a un modelo el resultado será mejor por su experiencia y por la búsqueda de un trabajo profesional, por lo que hay que saber dónde buscar. Existen páginas de castings que suelen ser puntos de encuentro de modelos, actores y actrices en las que podemos ofrecer nuestro trabajo y echar una ojeada para intentar encontrar a la persona indicada para las fotografías que queramos realizar. Estas páginas de castings suelen tener páginas en Facebook, por lo que podemos captar desde ahí a potenciales modelos para nuestros trabajos. La razón por la que descarto una agencia de modelos es porque sólo nos ofrecerán modelos profesionales que a pesar de ofrecer un aspecto inmejorable, estarán más interesados en que les paguemos que en realizar un intercambio. Lo mejor es buscar por páginas abiertas al público donde actores, actrices o modelos amateur puedan necesitar de una sesión de fotografías. Vivimos en una era 3.0, donde todo se comparte y todo se cuenta por las redes sociales. Es recomendable poner un anuncio en Facebook, y tal vez puedas encontrar en tu lista de amistades alguien interesado en comenzar una carrera como modelo o que quiera tener algunas fotos bonitas. Muchas veces buscamos en vez de ofrecernos y anunciarnos en Facebook, Twitter o Instagram es una idea estupenda para captar una pequeña cantera de modelos. El intercambio ¿Tiene un modelo que cobrar por su trabajo posando ante la cámara? ¿Si no tengo dinero, cómo consigo que un modelo me preste su tiempo para realizar unas fotografías? El modelo de negocio que se sigue cuando uno empieza en esto de lo audiovisual —ya sea fotógrafos, cinematógrafos o directores de cine— es el intercambio de resultados por el tiempo invertido. Esto quiere decir que en compensación por la colaboración, ambas partes tenemos derecho a tener las fotografías para construirnos un portafolio que después podamos mostrar en futuros proyectos. Este tipo de modelo se le llama 'prints for time', es decir, impresiones por tiempo, un término heredado de la época del negativo en el que el fotógrafo intercambiaba los revelados con la modelo a cambio de su tiempo. Lo ideal es realizar este tipo de servicios durante el mismo estadio profesional por parte de ambas partes para que el intercambio no sea desigual. Si somos fotógrafos muy experimentados y queremos hacer sesiones gratuitas, la modelo se estará beneficiando de nuestros conocimientos; y si la modelo es muy experimentada pero somos fotógrafos muy novatos, nos estaremos beneficiando de la experiencia de la modelo. Vestuario y localización Tener buen modelo, buen vestuario y buena localización, junto a una buena iluminación y una trabajada técnica fotográfica, aseguran un resultado sobresaliente. Sin embargo, el vestuario no es gratis y las localizaciones interesantes pueden escasear si vivimos en una ciudad grande. Estos dos son los elementos más complicados de planificar, por eso tenemos que tener un especial cuidado en ellos. El vestuario debemos diseñarlo en conjunción al fondo de armario del modelo o con ropa prestada ya que es difícil que nos cedan prendas de una tienda para realizar nuestras fotos. Tenemos dos opciones si queremos realizar una sesión de moda con ropa realmente nueva, una es intentar hablar con tiendas de moda pequeñas que estén interesadas en un intercambio y que nos presten la ropa a cambio de fotografías que después puedan imprimir y usar para su propia promoción. Otra opción es comprar ropa en una grande superficie donde estemos seguros que después si devolvemos la ropa, nos devolverán el dinero. Esta última

opción nos obligará a trabajar de forma que no se vean las etiquetas o que se vean lo menos posible para después eliminarlas con Photoshop. Las localizaciones influyen directamente sobre el ambiente general de las fotografías. Lo normal es hacer fotografías en jardines pero este tipo de paisajes escasean en las grandes ciudades y siempre suelen ser los mismos. Lo mejor que podemos hacer es pasear por nuestra ciudad y tomar fotografías de distintas localizaciones que nos gusten para futuros proyectos, así tendremos un banco de imágenes que después podemos utilizar. Podemos buscar edificios abandonados, campos de flores, o frente a muros de ladrillo o con graffitis. Los derechos de imagen. Los derechos de imagen es una de las partes más complicada a la que nos podemos enfrentar si nos descuidamos y se genera algún problema. Un contrato verbal puede ser suficiente mientras ambas partes sean honestas, sin embargo todo se puede complicar hasta el infinito si nos metemos en una situación complicada y nuestras imágenes están en el centro de la disputa. No hay razón para enfadarse por firmar un contrato de cesión de derechos de imagen, ya que nos comprometemos tanto como se compromete el modelo en obtener por parte de ambos un buen resultado. Para ello podemos encontrar contratos de cesión de derechos por internet para futuros proyectos —como por ejemplo, que alguna de nuestras fotografías forme parte de una colección de fotos de stock—, ya que para este tipo de actividades tendremos que adjuntar dicho contrato. Algunos de los modelos que podemos encontrar, describen los derechos y obligaciones de ambas partes con respecto al trabajo realizado. También podemos hablar con la modelo para añadir o quitar cláusulas, previamente a la firma del mismo. Trabajando con modelos Una vez conseguimos un modelo para nuestras fotografías, debemos saber cómo trabajar con ellos. Debemos planificar y saber algunas poses interesantes que nos puedan hacer falta y que sean adecuadas a las fotografías que vamos a tomar. Planificar y detallar algunas fotografías 'clave' ayudará a prevenir la improvisación que en ocasiones genera incomodidad; teniendo claro nuestro objetivo, la labor fotográfica es más espontánea y natural. La relación entre el fotógrafo y modelo Uno de los puntos más importantes es tener el mismo criterio entre fotógrafo y modelo. Si el modelo está a gusto con nosotros y se está dispuesto a trabajar conseguiremos unas fotografías mucho más naturales. La complicidad fotógrafo-modelo es una de esas cosas que se notan cuando llevas mucho tiempo viendo fotografías y examinando trabajos de otras personas, por eso es importante cuidar un detalle tan pequeño pero tan importante como la relación por ambas partes. La experiencia nos ayudará a dirigir mejor a nuestros modelos para conseguir estas sensaciones que tanto aportaran a nuestro trabajo

Cubo de iluminación Caja de Luz Uno de los temas que más ocupan e incluso preocupan a los fotógrafos es el montaje de estudios caseros de fotografía, en especial por el tema de la iluminación. Existe una gran variedad de materiales que nos ayudan a sobrellevar de manera casi profesional esta demanda. Solo se necesita el conocimiento suficiente y una inversión que indudablemente será redituada por la mejoría de sus trabajos, en especial para aquellos que están pensando en comercializar sus imágenes. El punto clave de una buena fotografía de estudio es el correcto control de la iluminación, la obtención de un equilibrio y la eliminación de sombras duras que arruinan cualquier captura por muy buena que sea a nivel conceptual o de composición. Hay una serie de estudios fotográficos portátiles, todos ellos pensados y desarrollados para la fotografía de productos, y con resultados de excelencia. Estos mini estudios portátiles llevan el nombre de cajas de luz, y entre sus muchos beneficios podemos enumerar la calidad profesional de las imágenes logradas, reducción de sombras y

reflejos, economía de tiempo invertido en la pos-producción con programas de retoque, rapidez en la captura de imágenes para folletos o productos pequeños, y una apertura en lo que a estilos fotográficos respecta ya que no tendremos límites ni obstáculos a la hora de fotografiar objetos que hasta ahora nos resultaban dificultosos por el tamaño o la textura de los mismos. Estas cajas de luz suelen tener la forma de un cubo, ya sea rígido como flexible, que se arma según el tamaño deseado, con paneles extraíbles y fondos intercambiables. Cada una de estas cualidades nos garantiza la comodidad de iluminar nuestro objeto desde múltiples ángulos con reflectores que se ajustan a la necesidad del momento.

Son ideales para la fotografía de joyas, objetos de vidrio y todo tipo de productos que deseemos aislar con la ayuda de la luz correcta. También nos dará la libertad de experimentar con la exposición, los fondos blancos, la reflexión y la ilusión creada por brillos especiales.

Y en casi

todos los sitios que hemos visto, al estilo eBay, vienen con un kit que incluye un par de reflectores que harían el cuadro completo para que tu problema de iluminación en casa esté resuelto. La mayoría de estas cajas de luz están realizadas en tela con juntas de acrílico, además de traer los telones de colores para intercambiar los fondos, esto puede ser: blanco, negro, azul, gris, etc. Sus tamaños varían de acuerdo a lo que necesites ya que puedes adquirir una caja de luz que te permita realizar fotografía macro de objetos sumamente pequeños hasta una caja de luz en la que puedas introducir una modelo de cuerpo entero; toda vez que estas cajas son como verdaderas carpas diseñadas para albergar tu objeto a retratar e iluminarlo de la forma correcta, sin necesidad de contratar un estudio profesional o contar con cientos de accesorios y periféricos que solo te complican y te implicarían un desembolso de dinero mucho mayor. A todo esto súmale que casi todas las cajas de luz de este estilo tienen una forma muy sencilla de armado y desarmado, con lo que te permite movilizarte con ellas, haciendo que tu trabajo pueda realizarse en casa o donde el momento lo demande. No necesitas tener una cámara profesional o de alta gama para tomar buenas imágenes con estas cajas, solo un poco de experiencia y muchas ganas de aprender, especialmente a escoger los ángulos de iluminación correctos. Como en todo lo que hemos hablado siempre, lo principal es tiempo de experimentación y mucha paciencia. Obviamente la ayuda de un amigo con experiencia en este tipo de fotografías puede resultar una gran ventaja.

En cuanto a precios, hay de todo y para todos los bolsillos; dependiendo del tamaño de la caja que desees comprar o la variedad de cajas más los accesorios que decidas agregarle. Nuestro consejo es que recorras un poco las páginas oficiales de varias compañías que se dedican a estos productos y que no descartes una recorrida por sitios como eBay.

Uso de pantallas difusoras Cualquier cosa que "difumine" la luz, de ahí su nombre. Lo que sucede es que si tienes una fuente de luz (flash, sol, focos, etc) y la "filtras" con un difusor (lo pones entre la fuente de luz y el sujeto u objeto a fotografiar) logras que dicha luz se haga más suave y pareja, sin sombras fuertes marcadas. Por lo general son blancos, plateados o dorados. Se recomienda comprarlos en una tienda especializada en foto. Otra cosa son los "reflectores" que funcionan reflejando la luz y crean más o menos el mismo efecto, sólo que esta vez diriges tu fuente de luz y la haces rebotar sobre el reflector. Aquí puedes usar cartulina, el techo, la pared, papel blanco o de colores para crear efectos. El flash es una ayuda inestimable a la hora de hacer fotografías con poca luz o incluso como luz de relleno para fotografías en contraluz o con zonas de sombra. Uno de los principales problemas que se producen al utilizarlo es que su luz tan fuerte y puntual proyecta sombras muy duras y su uso se hace evidente en las fotografías.

Para difuminar la luz y suavizar las sombras lo mejor es usar algún tipo de difusor. Hay muchos modelos comerciales de difusor, pero agudizando un poco el ingenio también podemos improvisarlos en un momento, por un coste cero y con unos resultados más que aceptables.

Este modelo es muy versátil ya que se puede usar para todo tipo de cámaras y flashes y es tan sencillo como poner delante del flash un trozo de kleenex o servilleta de papel. Si usamos las de varias capas mejor, así se puede regular la capacidad de difuminar según se ponga una, dos o más capas. La foto del abajo está hecha con este sistema, a la izquierda sin difusor y a la derecha con difusor.

Modelo añoranza: difusor por bote de carrete de 35mm Pensado especialmente para que los que todavía echan de menos las cámaras de carrete. Sólo necesitamos un bote de carrete de 35 mm, un cúter y un poco de maña. Es tan sencillo como hacer un par de cortes en el bote a la medida del flash de la cámara. Es importante dejar el aro superior completo para poder cerrar bien la tapa, así conseguiremos que se dirija mejor la luz y que no se nos caiga el difusor.

Pensado especialmente para que los que todavía echan de menos las cámaras de carrete. Sólo necesitamos un bote de carrete de 35 mm, un cúter y un poco de maña. Es tan sencillo como hacer un par de cortes en el bote a la medida del flash de la cámara. Es importante dejar el aro superior completo para poder cerrar bien la tapa, así conseguiremos que se dirija mejor la luz y que no se nos caiga el difusor. Modelo: difusor por botella de refresco o gel de baño Este modelo es ideal para macrofotografía, ya que lleva la luz directamente a la parte delantera del objetivo y la reparte de forma uniforme. Puede forrarse la parte superior por dentro con papel de plata para darle mayor reflexión hacia abajo. El tamaño dependerá del objetivo que usemos y podemos utilizar diferentes tipos de botes, únicamente es necesario que sean translúcidos. También podemos adaptarlo para un flash externo, sólo necesitaremos bebernos otro refresco.

Modelo profesional: difusor por tarjeta de visita Aquí tenemos el modelo más sencillo de reflector y seguro que se lo han visto utilizar a muchos fotógrafos profesionales en las ruedas de prensa.

Hay que usarlo con el flash en vertical por lo que se dirige la luz hacia arriba y la tarjeta nos refleja parte de esa luz hacia delante. Este modelo sólo se puede utilizar en habitaciones cerradas ya que necesita un techo o pared donde reflejar la luz. Cuidado con las paredes de colores ya que nos puede dar tonos con ligeras dominantes de color.

Modelo ABBC (A Better Bounce Card): difusor de goma eva Hay que usarlo en interiores, pero los resultados son impresionantes, es recomendable probar. Básicamente es una variante del reflector de tarjeta, pero usando un área reflectora más grande y poniendo el flash en posición vertical para que refleje mayor cantidad de luz y sea orientable para tomar fotos también en formato vertical. La goma eva es un material altamente reflectante y que no se deforma. Se usa mucho en manualidades, es fácil encontrarlo en papelerías especializadas, y es bastante barato. Ideal para retratos y fotografía de piezas pequeñas tipo catálogo y difumina la luz de una forma sorprendente, apenas aparecen brillos y las sombras pierden toda su dureza. Relación calidad/precio/facilidad de uso, un diez.

Finalmente unos consejos generales:

•Cuando usemos difusores es probable que las fotos salgan subexpuestas así que es recomendable hacer antes un par de pruebas. •Conseguir un par de gomas como las de las fotos para sujetar los difusores, son muy útiles y apenas se notan cuando no se utilizan. •No estancarse en estos modelos; usar la imaginación, el mundo está lleno de excelentes difusores de flash, sólo hay que encontrarlos.