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MARZO Viernes 1. SALA ARGENTA. 20:30 hs. Recital MIGUEL POVEDA EN CONCIERTO GIRA 2013 Flamenco y Copla Miguel Poveda, voz Joan Albert Amargós, Piano Jesús Guerrero, Guitarra Paquito González, Percusiones Carlos Grilo, Palmas Luís Cantarote, Palmas Duración: 2 h 30 minutos, con descanso
Miguel Poveda nos ofrece una primera parte con un repertorio del cante más tradicional aunque con las aportaciones que el artista les da, conservando su esencia pero pasándolos por su filtro personal. La segunda parte, con la colaboración del maestro Joan Albert Amargós, interpretará, entre otros temas, algunas canciones de su repertorio de “Coplas del Querer”. Miguel Ángel Poveda León, nacido en Barcelona (13 de febrero de 1973) y crecido en Badalona, empieza a cantar a los 15 años en el entorno de las peñas flamencas de Cataluña. En 1993, tras ganar cuatro premios: Premio Lámpara Minera (el más preciado del mundo flamenco), y tres premios más en las modalidades de La Soleá, La Cartagenera y La Malagueña en el entonces Festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión (Murcia) inicia su carrera como profesional. Ha participado en los principales festivales de música nacionales e internacionales, cantando en auditorios como el Odeón de París, el Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, el Wiener Koncerthaus de Viena, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Auditorium Parco dellaMusica de Roma, el Sadler’s Wells de Londres, el Maestranza de Sevilla…
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Ha colaborado con artistas como Santiago Auserón, Enrique Morente, Joan Manuel Serrat, Israel Galván, Eva Yerbabuena, Matilde Coral, Giovanni Hidalgo, Martirio, Raphael, Rodolfo Mederos, Tomatito, Antonio Carmona, Pasión Vega, Maria del Mar Bonet, Mariza y muchos otros músicos e intérpretes. Ha participado en diferentes películas con Bigas Luna (La teta y la luna), Carlos Saura (Fados y Flamenco, Flamenco), o el francés NicolasKlotz (La questionhumaine) y con Pedro Almodóvar (B.S.O. Los abrazos rotos).
Sábado 2 Marzo. SALA PEREDA. 19:00 h + Palacio - Street Dance KULBIK Dance Company “CUBE” Bailarines, Isaac Suárez, Kiko López, Manel Cabeza, Sergi Orduña, Susana Ayllón, Anna Segalés El poeta, Ulises Paniagua Kanga Valls, utor y director, Ganadores "Tú Sí Que Vales 2011”. Incluido en el circuito "Danza a Escena 2013”
Duración: 50 minutos
“Cube” transcurre en un enorme cubo imaginario. Un cubo que se transforma en función de las emociones que todos conocemos o hemos experimentado alguna vez. El resultado es un espectáculo variado de una personalidad única que ya ha cautivado a miles de personas Un lugar de líneas inexistentes donde se concentran la libertad y su negación. La curiosidad, la angustia, el juego, el amor y tantas otras emociones que nos acompañan cada día conviven en un trabajo coreográfico estudiado hasta en los más mínimos detalles. Kulbik se funda en 2010 por varios de los integrantes de la Cía. Estilo, dirigida por Kanga Valls [2002-20081 y otros bailarines provenientes de Andalucía, Cataluña y Valencia.Dispuestos a explorar los innumerables campos del lenguaje gestual, Kulbik apuesta por la fusión del híp hop con la música electrónica, el blues, jazz, funk e incluso el Reaggae. Todo vertebrado por las técnicas más relevantes del street dance: Popping, Animation, Locking, Hype... Y otras disciplinas artísticas como et contemporáneo, el mimo y la poesía. Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Kanga Valls es reconocido como el precursor de un nuevo estilo de hip hop dentro y fuera de nuestro país. Ganador de numerosos premios nacionales e internacionales, como el Campeonato Europeo de Hip Hop celebrado en Lido Di Gesolo, los campeonatos de España 2002/04/05 y el campeonato Nike Rockstar Workout, el coreógrafo y bailarín catalán ha trabajado junto a profesionales del calibre de “Chambao”, “S Club 7″ y ”El Tricicle”. Kanga fusiona el funk y old school de raíz americana con la energía, técnica y mentalidad de creación contemporanea asiática, combinados con un flow de personalidad única. Su éxito se debe a que, lejos de encerrarse en formatos prefabricados de baile, el coreógrafo descubre nuevas formas de expresión. Los movimientos parecen guiar la música que acompaña al bailarín: golpean la batería, se deslizan por la trompeta o se pasean por el teclado de una música cuidadosamente seleccionada y nada convencional: Electrofunk, Techno, Trip hop, Hip hop underground..
Miércoles 6 y Jueves 7.SALA PEREDA. 10:00 y 12:00 hs Campaña Escolar - Teatro Hilo Producciones “CRIADOS Y BUFONES” Reparto, Sergio Gayol, Sandro Cordero (Adán Galguera en alternancia) Sandro Cordero, Texto y Dirección Ayudante de dirección y coreografías, María Castillo Entrenador de clown, Javier Amigo Diseño de iluminación, Pancho Villar Espacio sonoro, Mr. Wonder Diseño espacio escénico, La maldita espiral Vestuario, Talleres Riesgo y Cornejo Diseño gráfico, La maldita espiral Realización de escenografía, Lightexpo Producción, Begoña García
Un espectáculo de Hilo Producciones coproducido con Teatro del Cuervo
Duración: 75 minutos Público: A partir de 12 años. ESO y Bachillerato
Una comedia sobre el teatro, un homenaje, un reconocimiento humilde y sincero a los actores secundarios, una declaración de amor por el mejor dramaturgo de todos los tiempos, William Shakespeare. Criados y bufones es, en primer lugar, y ante todo, una comedia. Y como tal, su finalidad principal es provocar la risa. Hacer reír. Es también un homenaje, un reconocimiento humilde y sincero a los actores secundarios. Esos de cuyo nombre no somos capaces de acordarnos pero les recordamos de mil obras, de mil películas, y su sola visión nos hace sonreír. Es, por último, una declaración de amor por el mejor dramaturgo de todos los tiempos, William Shakespeare. Síguenos en www.palaciofestivales.com
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La acción transcurre durante la preparación de un funeral. No es un lugar muy adecuado para hablar de bufones, de cómicos… No es un lugar para la comedia ¿O sí? Si eres profesor, te gustará saber esto Criados y bufones, tal y cómo indica su nombre, está basado en los bufones y los cómicos de las obras del gran Shakespeare. En concreto, en el espectáculo se representan escenas de las siguientes obras de Will, Los dos hidalgos de Verona, Romeo y Julieta, Enrique VIII, Cuento de invierno, Ricardo III, Hamlet y Rey Lear. Si están muy atentos, vuestros alumnos también pueden descubrir diálogos de Enrique V, Macbeth, Otelo y El Mercader de Venecia. Y sobre todo, van a disfrutar con Shakespeare y con el teatro.
Sábado 9. SALA ARGENTA. 20:30 hs. Danza MARÍA PAGÉS COMPAÑÍA “UTOPÍA” María Pagés, Idea, dirección y coreografía Baile, María Pagés, Isabel Rodríguez, María Vega, Eva Varela, José Barrios, José Antonio Jurado, Paco Berbel y Rubén Puertas. Músicos, Ana Ramón y Juan de Mairena (cante), Rubén Lebaniegos y José “Fyty” Carrillo (guitarra), Fred Martins (voz, guitarra y cavaquinho), Sergio Menem (chelo) y Chema Uriarte (percusión). Coreografía farruca y asistente de coreografía, José Barrios Música y arreglos, Rubén Lebaniegos, Fred Martins, Isaac Muñoz y José “Fyty” Carrillo Letras, Charles Baudelaire, Mario Benedetti, Miguel de Cervantes, Antonio Machado, Larbi El Harti, Pablo Neruda, Oscar Niemeyer y Marcelo Diniz Duración: 1 hora 10 minutos, sin descanso
Utopía es la última creación de María Pagés. Una declaración de principios con forma de baile flamenco que nació de la admiración de la artista por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer (1907-2012). Un humanista que ha dejado como legado la inconfundible sinuosidad de sus edificios y, sobre todo, la integridad, el compromiso y la solidaridad que guiaron su vida, convertida en inspiración y mensaje. Un mensaje que Oscar transmitió a María en sus encuentros en su estudio de Copacabana. Utopía, que se estrenó el 8 de octubre de 2011 en el Centro Niemeyer de Avilés, es una reflexión emocional sobre el anhelo, la imaginación y el instinto los seres humanos para soñarse a sí mismos en un futuro mejor. Un proyecto global en el que siete bailaores interpretan junto a Pagés la experiencia ética y estética del deseo, del inconformismo y de la utopía. Síguenos en www.palaciofestivales.com
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El espacio escénico se nutre -como los dibujos abocetados de Oscar- de las curvas que siluetean la naturaleza. En palabras del arquitecto: “No es la línea recta la que me atrae, dura, inflexible, creada por el hombre. La que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en la sinuosidad de sus ríos, en las olas del mar, en las nubes del cielo, en el cuerpo de mi mujer favorita. De curvas está hecho el universo, el universo curvo de Einstein”. La música, original y en directo, está compuesta e interpretada por el guitarrista Rubén Lebaniegos y el cantautor brasileño Fred Martins y cuenta con los cantaores Ana Ramón y Juan de Mairena, la guitarra de José “Fyty” Carrillo, el violonchelo de Sergio Menem y la percusión de Chema Uriarte. Utopía es, en su esencia, el título de una danza poetizada que se estructura en ocho partes (o versos) que convocan poemas de Baudelaire, Benedetti, Neruda, Machado, Larbi El Harti y el propio Niemeyer, incorporando además palabras del Quijote de Cervantes.
Viernes 15. SALA ARGENTA 20:30 hs. Música Clásica IL GIARDINO ARMONICO GIOVANNI ANTONINI, flautino, chalumeau y dirección musical “IL BAROCCO” Stefano Barneschi y Marco Bianchi, violines Liana Mosca, viola Paolo Beschi, chelo Giancarlo De Frenza, violone Maria Evangelina Mascardi, laud Riccardo Doni, clave Tindaro Capuano, chalumeau Parte I -
G. B. FONTANA (16th c.-1630). Sonata para tres violines y bajo continuo. T. MERULA ((1594 ó 1595 - 1665): Ciaccona para dos violines y bajo continuo. J. H. SCHMELZER (1620-1680): Sonata en re mayor para tres violines y bajo continuo. G. P. TELEMANN (1681-1767): Sonata en fa mayor para dos chalumeaus, violines al unísono y bajo continuo. A. VIVALDI (1678-1741): FOLLIA para dos violines y bajo continuo.
Parte II Síguenos en www.palaciofestivales.com
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G. P. TELEMANN (1681-1767): Concierto en re menor para dos chalumeaus, cuerdas y bajo continuo. HEINRICH IGNAZ VON BIBER (1644-1704): Partia VI en re mayor de la "Harmonía ArtificiosaAriosa" A.VIVALDI (1678-1741): Concierto en do mayor RV 444 para flautino, cuerdas y bajo continuo.
Un recorrido apasionante por los grandes compositores del barroco a cargo de una de las orquestas más prestigiosas y reconocidas internacionalmente en este periodo musical Il Giardino Armonico fue fundado en Milán en 1985, y cuenta con músicos venidos de algunas de las instituciones musicales más importantes de Europa, todos ellos especializados en tocar con instrumentos de época. El repertorio del conjunto se concentra principalmente en los siglos XVII y XVIII. Es invitado regularmente a participar en festivales por todo el mundo, y ha actuado en las principales salas de conciertos, entre ellas Concertgebouw en Amsterdam, Wigmore Hall y Barbican en Londres, Musikverein y Konzerthaus en Viena, Théâtre des Champs-Elysées y Théâtre du Châtelet en París, Alte Oper en Frankfurt, Staatsoper unter den Linden en Berlín, Glinka Hall y Filarmónica en San Petersburgo, Teatro Bolshoi en Moscú, Palais des Beaux-Arts en Bruselas, Auditorio Nacional en Madrid, Oji Hall en Tokyo, Biblioteca del Congreso en Washington, Carnegie Hall y Lincoln Center en Nueva York,etc. Grabaron junto con Cecilia Bartoli “Sacrificium”, que incluyó la última grabación del grupo con Decca (que obtuvo el Disco de Paltino en Francia y Bélgica en los tres primeros meses) y una extensa gira por Europa. Durante la temporada 2012/13 el Giardino Armonico realizará entre otros proyectos una grabación con la joven soprano Julia Lezhneva con la que realizará además una importante gira europea, interpretaciones del oratorio de Haendel Il Trionfo del Tempo e del Disinganno, y conciertos a lo largo de toda Europa interpretando los Concerti da Camera de Antonio Vivaldi.
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El director Giovanni Antonini es conocido por su interpretación del repertorio clásico y barroco. Nacido en Milán, estudió en la Civica Scuola di Musica y en el Centro de Música Antigua en Ginebra. Esta temporada Antonini es Director Artístico del Festival Wratislavia Cantans en Polonia. Giovanni es miembro fundador del ensemble barroco “il Giardino Armonico”, que dirige desde 1989. Con este ensemble ha trabajado como director y solista con flauta dulce y flauta travesera en Europa, Estados Unidos, Canadá, Sudamérica, Australia, Japón y Malasia. Ha trabajado con muchos artistas de prestigio como Cecilia Bartoli, Kristian Bezuidenhout, Isabel Faust, Christophe Coin, Katia y Marielle Labèque, Viktoria Mullova y Giuliano Carmignola.
Sábado 16. SALA PEREDA 17:00 hs. El Palacio con los niños-Teatro TEATRO GORAKADA “LA VUELTA AL MUNDO …” Adaptación, Julio Salvatierra Con Aritza Rodríguez, José Cruz Gurrutxaga y Miren Larrea Composición y Dirección Musical, Fran Lasuen Músico, Mikel Gaztañaga Dirección, Alex Diaz - Ze Garcia Una producción de Teatro Gorakada Público: A partir de 6 años y público familiar
Basándose en “La vuelta al mundo en 80 días” de Julio Verne, Gorakada creará esta fantástica aventura con buen humor, imaginación y canciones en directo, trasladando a escena el fascinante recorrido alrededor del mundo.
Desafiamos a Fog a dar la Síguenos en www.palaciofestivales.com
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vuelta al mundo en 60 minutos. Música en directo, marionetas y una escenografía de maletas y baúles crean ambientes y atmósferas que nos transportarán a lugares exóticos viajando en barco, elefante, diligencia o trineo. Una fantástica aventura con buen humor y mucha imaginación para este recorrido alrededor del mundo. Crearemos esta fantástica aventura con buen humor, imaginación y canciones en directo, trasladando a escena el fascinante recorrido alrededor del mundo.
Domingo 17. SALA ARGENTA. 19:00h. Concierto CONCIERTO HOMENAJE A “JUAN CARLOS CALDERÓN” Con la participación, entre otros, del Grupo Consorcio y la Orquesta del Conservatorio Regional Jesús de Monasterio. El Gobierno de Cantabria rinde homenaje a una de las figuras señeras de la música española. Las canciones de Juan Carlos Calderón en las voces del Consorcio y su música será interpretada por la Orquesta del Conservatorio Jesus de Monasterio, institución íntimamente ligada a la familia Calderón. La música será el hilo conductor de esta gala donde se contará con la presencia de grupos musicales estrechamente vinculados al compositor santanderino como el “Consorcio”, integrado por antiguos miembros de “Mocedades”, así como la participación de otros artistas que nos ofrecerán un recorrido por otros ámbitos musicales como el jazz, uno de los géneros más cercanos a Calderón del que fue gran interprete y difusor en tiempos donde ese tipo de música no era muy conocida en nuestro país. Asimismo, para la elaboración del programa, se lleva trabajando de manera muy estrecha con la familia Calderón que tendrán un protagonismo muy especial en su desarrollo, y además se han abierto cauces de colaboración con el conservatorio de música Jesús de Monasterio, institución que ha mantenido siempre una intensa relación tanto con el compositor como con sus allegados. El homenaje también tendrá un importante componente visual, ya que se repasarán los momentos más importantes de la vida de Juan Carlos Calderón, proyectando imágenes que nos ayudaran a comprender y conocer mejor su faceta tanto humana como artística. El Gobierno de Cantabria quiere que este acto sea una manera de reivindicar a uno de nuestros grandes músicos, y reconocer y agradecer también la incuestionable influencia de Síguenos en www.palaciofestivales.com
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una saga familiar única, Juan Carlos y sus hermanos Fernando y Ramón, sin cuyo genio no se entendería el desarrollo de la expresión artística tanto en Santander como en el resto de Cantabria.
Viernes 22 y Sábado 23. SALA ARGENTA. 20:30 hs Teatro- Estreno “EL CABALLERO DE OLMEDO”, de Lope de Vega Versión Eduardo Galán Con Javier Veiga, Marta Hazas, Iván Sánchez, Andrea Sota, Encarna Gómez , Jordi Soler, Enrique Arce y Alejandro Navamuel Mariano de Paco Serrano, dirección Una producción de Secuencia3 artes y comunicación
Coproducción: Txalo Producciones, Impar Producciones y Arteatro Colabora: Teatro Español y Palacio de Festivales de Cantabria
“El Caballero de Olmedo, el destino trágico ante el amor y la muerte. Una tragedia clásica con un ritmo vertiginoso para un público contemporáneo. Posiblemente la mejor obra de Lope de Vega.” Si algo caracteriza al dramaturgo Eduardo Galán es su capacidad de acercar los textos clásicos al público contemporáneo sin que pierdan ni un ápice de sus cimientos de clasicismo y universalidad. Ya lo hizo con sus versiones de “El Galán fantasma” de Calderón de la Barca o con la reciente “Celestina” de Fernando de Rojas que, protagonizada por Gemma Cuervo, recabó con gran éxito en el Teatro Fernán Gómez de Madrid tras casi dos temporadas de gira. Ambos espectáculos producidos y distribuidos por Secuencia 3. Don Alonso, El Caballero de Olmedo, es un hombre marcado por su destino. Como los grandes héroes de la tragedia griega, la aceptación de su sino fatal, le llevará irremisiblemente a la muerte antes de poder disfrutar de la compañía de su amada Inés. Se les acabó su tiempo prácticamente antes de empezar. El destino trágico del héroe se impone a la voluntad del hombre. Amor y muerte. Cuchilladas y lanzadas dio en los toros como un Héctor, Armado parece Aquiles, mirando de Troya el cerco. Con estas palabras pinta Fabia a nuestro héroe ante los ojos de Inés, su amada correspondida, amor en toda su plenitud. Fabia es Casandra y es Celestina, mujer sabia e intermediadora entre dioses y hombres, conocedora del destino y profetisa certera. Junto a ellos un elenco de personajes que engrandecen el desarrollo de la acción dramática de esta tragedia que, como no podía ser menos, también es comedia. Homenaje en muchos momentos del Fénix de los ingenios a la inconmensurable Tragicomedia y a su autor Fernando de Rojas. Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Domingo 24. SALA ARGENTA. 19:00 hs + Palacio - Monólogos de Humor GOYO JIMÉNEZ “AL FIN SOLO…” Goyo Jiménez es un creador artístico conocido por colaborar en diferentes programas de televisión, pero, sobre todo, gracias a su faceta como cómico o monologuista de stand up comedy. Acumula una vasta trayectoria profesional, académica y personal. Goyo Jiménez llega para presentar su nuevo espectáculo, inédito en televisión, y titulado Al fin solo. El considerado por público y crítica como mejor monologuista cómico del país, deleitará al público con su sorprendente, mordaz y desternillante visión de las relaciones humanas. Con la excusa de una pretendida y reciente separación sentimental, de haberse quedado sumergido en un estado de soledad absoluta, Goyo repasa en Al fin solo los porqués del fracaso del individuo occidental heterosexual a la hora de relacionarse entre sí, como por ejemplo el exceso de culturalidad, que nos ha confundido, alejándonos de nuestro lado natural: "Nos hemos olvidado de que somos, en gran medida, animales; con deseos, inquietudes y comportamientos básicos propios de esa sustancia animal, y que van a influir notablemente en nuestra forma de relacionarnos con los otros". De modo qe se puede entender Al fin solo como un cuaderno de campo, un manual de supervivencia con el que orientarse en esa jungla que llamamos vida moderna. Todo ello con la barroca y exhaustiva forma de puesta en escena de Goyo Jiménez, quien explota de nuevo en este espectáculo todos sus recursos expresivos de cuerpo y voz al servicio de la diversión y la transmisión de emociones y sensaciones, de forma detallista y virtuosa. Es esta particular forma de construir sus one man shows, precisamente, la que le ha valido el reconocimiento de crítica y público: Habitual del programa El Club de la Comedia, Goyo fue elegido como Mejor Monologuista por las audiencias de la serie, cuenta con cerca de 200.000 seguidores en Twitter, y los extractos situados de su anterior espectáculo Aiguantulivinamerica, colgados en Youtube, han recibido más de seis millones de visitas. Con sus actuaciones en directo ha superado largamente la cifra de 300.000 espectadores, y en los tres años que lleva actuando en el Teatro La Chocita, en la Gran Vía de Madrid, no ha dejado de colgar el cartel de "entradas agotadas" cada semana.
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ABRIL Jueves 4 ,20:30 h; Viernes 5 y sábado 6, 18:00 y 21:30 h. Domingo 7 17:00 h y 20:30 h. SALA ARGENTA Musical “GREASE, EL MUSICAL” Original de JIM JACOBS y WARREN CASEY Dirección artística y coreografia, Coco Comín Dirección musical, Manu Guix Adjunto a dirección, Dani Coma Versión y adaptación Roger Peña, Roser Batalla y Guillermo Ramos Con Jordi Coll, Edurne, Ivan Santos, Manuela Nieto, Diana Roig, David Moreno, Teresa Belza, Didac Flores, Esther Peñas, Bernat Mestre, Desiree Moreno, Sergio Franco, Julia Ortínez, Jose Antonio Moreno, Adriana De Robles, Patrizia Barbieri, Víctor Gómez, Noli Ramos Y Sheila Lopez Cuerpo de baile, Alejandra Foradada, Alfred Vicens, Clara Casals, Cristina Miralles, Diana Girbau, Eduardo Llorens, Guillermo Flores, Javier Martín, Jordi García, Jose Luis Gálvez, Marta Tomasa, Núria Singla, Oriol Anglada, Tamara Suarez Una producción de Illuminati Production Entertainment e It’s Showtime Prod.
Group,
Pinkerton
Productions,
Stromberg
Duración: 2 hora 30 minutos, con descanso
El musical de esta temporada será “Grease”, un clásico de La cartelera de Broadway, que se convirtió en la comedia musical cinematográfica de referencia de los años 70 El 14 de febrero de 1972, GREASE se estrenó en el Eden Theatre, situado en el circuito de OffBroadway, junto a la avenida Broadway, donde se encuentran numerosos teatros y salas. La obra consiguió un gran éxito de público y siete nominaciones a los Premios Tony, los más importantes premios teatrales de los Estados Unidos. Poco después se trasladó a Broadway. La producción en Broadway fue dirigida por Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Tom Moore y coreografiada por Patricia Birch. Se representó en el Teatro Broadhurst, pero 5 meses después se trasladó al Teatro Royal manteniéndose durante 7 años y llegando finalmente al Teatro Majestic en el que cumplió 3.388 representaciones y reportó 8 millones de dólares de taquilla. Medio año después del estreno en Nueva York, GREASE comienza su gira por EEUU y Canadá, con un joven John Travolta de diecisiete años en el papel de Doddy. En poco tiempo, GREASE dió la vuelta al mundo. En 1979, después de 7 años representándose en Nueva York, pasó a la historia como el musical con más permanencia en Broadway. (Hasta que fue desbancado por A Chorus Line). Estrellas como John Travolta, Richard Gere, Patrick Swayze o Brooke Shields participaron en diferentes giras y remakes del musical, contribuyendo al éxito del mismo. Debido al enorme éxito internacional de GREASE, Paramount Pictures lleva el musical a la gran pantalla con John Travolta y Olivia Newton-John como protagonistas. La película ha recaudado alrededor del mundo beneficios superiores a los 200 millones de dólares. Las canciones “Summer nights” y “You’re the one that I want” fueron número 1 de las listas inglesas en 1978, mientras que la canción “Hopelessly Devoted to you” fue nominada al Oscar en 1979. GREASE sigue vigente en nuestros días. En el 2003, una encuesta de la cadena estadounidense CBS lo destacó como el Mejor Musical de Todos los Tiempos.
Viernes 19 y Sábado 20. SALA PEREDA. 20:30 hs. Teatro “EL MALENTENDIDO”, de Albert Camus Versión Yolanda Pallín Eduardo Vasco, Dirección Con Cayetana Guillén Cuervo, Julieta Serrano, Laura Grube y Ernesto Arias. Una Coproducción del Centro Dramático Nacional, Pentación y Mucha Calma Producciones con la colaboración de Institut Français y Embajada de Francia Duración: 1 hora 40 minutos
Sinopsis Un viajero llega a un hotel apartado que regentan su madre y su hermana, de las que ha estado separado durante muchos años. Su plan es observarlas y darles una sorpresa en el caso, más que probable, de que no le reconozcan dado el tiempo transcurrido. Les trae la felicidad. La obra teatral “El malentendido” se divide en tres actos, a manera de una tragedia clásica, donde el destino de los personajes se ve en constante tensión con sus afectos. Jan es el hijo que se ha marchado lejos de casa, dejando atrás a su madre y a Marta, su hermana. Lejos conocerá a María, con quien se casará. Después de más de veinte años de lejanía decide volver a su casa y dar su fortuna a las dos mujeres abandonadas. No será tarea fácil, ya que no le recordarán. Jan se hará pasar por un cliente, lo que iniciará el malentendido que saldrá muy costoso a todos los personajes de la obra.
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Camus marca una generación con su manera de escribir, cruda y poética, y propone un teatro que deja en el aire cuestiones de una trascendencia dolorosa en aquel momento. Hoy al volver a escuchar sus obras asusta lo trascendentes que siguen siendo dichas cuestiones a través de la óptica de este autor; debe ser eso de la universalidad o la actualidad que muchas veces se menciona sobre tantas obras… Y es que después de trabajar a un autor como Camus comprende uno que la mayor parte de las veces se banaliza cuando se habla de la actualidad de un texto, y que lo importante, a la hora de la verdad, es esa inexplicable intensidad, esa extraña belleza que nos atrapa y nos transforma haciendo del tiempo transcurrido una ventaja, más que un inconveniente. El malentendido” parte de un hecho real que conmueve profundamente al autor, un hombre de teatro que rápidamente comprende las posibilidades escénicas de la historia, escribe la obra y la estrena. Incluso la dedicatoria con la que aparece editada “A mis amigos del Théâtre del Équipe” da una idea del vínculo que Camus tiene con las gentes del teatro, un arte que cree liberador, vinculado con la esencia del ser humano y capaz; eficaz frente a la inercia de nuestra vida civilizada.
Miércoles 24 y Jueves 25. SALA PEREDA. 10:30 y 12:00 hs Campaña Escolar - Teatro Quasar Teatro “EL PATO Y EL TULIPÁN”, de Wolf Erlbruch Con: Alberto Sebastián y Mónica González Megolla Mónica González Megolla, dirección, Creación de personaje animado, Burbuja Films Iluminación, Félix Garma, Francisco Villar Vestuario, Y griega, Rollerdanz Realización escenografía/Atrezzo, Alberto Arce, Fernando Madrazo Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Fotografía, Manuel Serrano Diseño Gráfico, Duotono Taller Gráfico Producción, Quasar Teatro Duración, 40 minutos Concebido desde la conjugación y experimentación del discurso teatral y audiovisual, El pato y el tulipán es una creación destinada al público a partir de 3 años y familiar.
Siempre llega un momento en que el niño se pregunta sobre la muerte. Ingenuamente, con toda la naturalidad del mundo. Los padres lo saben, pero pocas veces tienen preparada una respuesta simple y convincente. El personaje de la muerte en este libro de Erlbruch es una acompañante silenciosa y leve como una pluma, siempre presente aunque no la percibamos “Desde hacía tiempo, el pato notaba algo extraño. ¿quién eres? ¿por qué me sigues tan de cerca y sin hacer ruido? La muerte le contestó: me alegro de que por fin me hayas visto. Soy la muerte. El pato se asustó. Quién no lo habría hecho. El pato y la muerte es una historia simple, sin un final. No soy alguien que diga que sepa qué es la muerte, que sepa que pasará después. Más bien, quería mostrar cómo la gente maneja sus creencias. Como sucede con otras cosas, la muerte también tiene sus imágenes (por ejemplo, la de ir al cielo), pero nadie sabe si realmente es así. Yo tampoco. No cuestiono las imágenes existentes, sino que manifiesto que no lo sé. Personalmente creo que nos vamos y volvemos de alguna forma, pero no sé en qué forma: si es en forma de trompa de elefante o como un árbol o de algún otro modo. Lo que he querido mostrar con este libro es que, para empezar, tenemos que morir. Es una pena, pero no hay otro remedio. Esta muerte es simpática pero, finalmente, es la muerte y se lleva a ese pato con el que nos identificamos. No quise poner seres humanos porque podía recordarle a alguien a su padre o a su abuelo y tampoco lo puse en un contexto humano para tener una figura neutral. Es un pato, no sabemos si femenino o masculino, y nos representa. “ Wolf Erlbruch
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Viernes 26. SALA ARGENTA. 20:30 hs Música Clásica “AL AYRE ESPAÑOL” EDUARDO LÓPEZ BANZO, Dirección y clave Programa : A. VIVALDI : Le Quattro Stagioni (Las cuatro estaciones) Duración: 90 minutos, con descanso Orquesta patrocinada por
Orquesta Embajadora de:
Orquesta residente en:
“Las cuatro estaciones” de Vivaldi, una composición imprescindible del repertorio clásico interpretada por una de las más prestigiosas agrupaciones musicales de nuestro país. Al Ayre Español fue fundado en 1988 por Eduardo López Banzo con el propósito de hacer frente a los tópicos que en aquel entonces rodeaban las interpretaciones de la música barroca española. El espíritu del grupo siempre fue combatir estos clichés con rigor, excelencia en la interpretación y con el propósito de insuflar nueva vida a las músicas del pasado, haciéndolas parecer recién escritas, para así ofrecerlas al público contemporáneo. El nombre del conjunto lo inspira el título de una Fuga para guitarra del compositor de Calanda (Aragón) Gaspar Sanz, por la que el maestro solicitaba tocar con ese "ayre español" que por desgracia no nos ha sido revelado desde el siglo XVII. Con el paso de los años Al Ayre Español se ha convertido no sólo en una formación prestigiosa sino una filosofía de interpretación, llenando de contenido la indicación de Gaspar Sanz por medio de mucho oficio, reflexión e interpretaciones. Al Ayre Español es una forma de hacer música y de disfrutar de ella que Eduardo López Banzo ha ido amasando y que ahora es reconocible, solicitada y aclamada en todo el mundo, además de reconocida con el Premio Nacional de Música 2004 otorgado por el Gobierno de España.
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Eduardo López Banzo, nacido en Zaragoza en 1961, es uno de los directores europeos que con más convicción ha hecho del historicismo su propia filosofía musical, con el propósito de aproximar a los músicos que dirige a las fuentes y espíritu de cada composición, y que hace que la música, siglos después, aparezca otra vez como fresca y novedosa para el oyente contemporáneo. Clavecinista de formación, traslada a sus recreaciones la sutileza y ductilidad de la interpretación de este instrumento. Dirige a los músicos como si moviera sus manos, y hace que respondan a las órdenes de su cerebro como un todo orgánico. Esta forma de dirigir, de espectaculares resultados, le ha convertido un director invitado especialmente atractivo para orquestas de gran calidad técnica y llenas de energía: Ha sido invitado a dirigir las Orquestas Sinfónicas de Tenerife, Galicia, Madrid y de la Comunidad Valenciana y conjuntos de instrumentos originales como las orquestas norteamericanas New York Collegium y Philarmonia Baroque Orchestra de San Francisco, actuando en salas tan prestigiosas como el Jordan Hall de Boston y Herbst Theatre de San Francisco, entre otras. También ha dirigido a la orquesta belga B'Rock o la polaca Arte dei Suonatori.
Sábado 27. SALA PEREDA. 17:00 h El Palacio con los niños-Danza NATS NUS DANSA “MUNDOS” Dramaturgia, Beth Escudé Bailarines Gema Diaz , Emili Gutierrez, Joan Palau y Noemí Ventura. Claudia Moreso, idea original y dirección, Compañía subvencionada por l’Ajuntament de Barcelona (ICUB), Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya, Oficina de Suport Industries Culturals (OSIC) y Ministerio de Cultura (INAEM). Incluido en el circuito "Danza a Escena 2013”
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Publico: De 5 a 12 años y público familiar Duración: 60 minutos
Inspirado en la obra del escritor e ilustrador Jimmy Liao, “Mundos” nos aproxima a este refugio interior al que vamos cuando las cosas no van bien, a este rincón íntimo en el que encontramos seguridad, en el que se respira tranquilo y se camina despacio. Esta vez, el nuevo espectáculo de Nats Nus no hace referencia a un viaje por el mundo, no quiere conocer nuevas culturas, no colecciona momentos, ni quiere entender la ciencia o el arte, en este espectáculo viajamos a nuestro interior, hacia nuestro pensamiento. Un mundo lleno de color, de formas insólitas y mágicas donde todo es posible. Jimmy Liao, escritor taiwanés no explica cuentos, narra historias auténticas, reales, sencillas y directas. Historias que llegan a los niños por la fuerza de sus imágenes y por las palabras que las acompañan.
MAYO Viernes 3 18:00 hs, sábado 4 y domingo 5 16:30 y 19:30 h. SALA ARGENTA Musical Familiar “GERONIMO STILTON, EL MUSICAL DEL REINO DE LA FANTASÍA” Autor, Geronimo Stilton Guión, Enric Llort Compositor y Director Musical, Manu Guix Dirección, Àngel Llàcer Con Marc Pociello, Enric Cambray, Lloll Bertran, Marina Pastor, Marc Ayala, Maria Cirici, Óscar Jarque y Anna Ferran Una producción de FOCUS y GROUP 62 Duración: 2 horas, descanso incluido
Un musical destinado a toda la familia donde se recrea el mundo del famoso personaje de novelas para jóvenes y niños “Geronimo Stilton”, todo un “boom” de la literatura infantil
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Geronimo Stilton es el director del Eco del Roedor, el diario más famoso de Ratonia, capital de la Isla de los Ratones. Gracias a él, descubriremos un mundo fantástico dónde los sueños, la magia, la música y la imaginación, son el hilo conductor de una historia fascinante que nos permitirá volar sobre el lomo de Draghan - el dragón dorado del arco Iris -, descubriremos cual es la Regla de oro de las Hadas, la fuerza de La Compañía de la Fantasía, las malas intenciones de la bruja Brujaxa, la peste que hacen los Trolls, nos haremos amigos de Valeroso – el gigante del reino de las nieves perpetuas –, sabremos cuales son las autenticas intenciones de Tizón III, etc, etc, etc, … Y todo esto, y más, y más, y más, con la finalidad de salvar a Floridiana, la reina de las hadas. Una puerta al mundo de la fantasía, abierta de par en par, dónde no hay límites de edad para cruzarla.
Miércoles 8 y Jueves 9. SALA PEREDA. 10:30 y 12:00 hs Campaña Escolar - Teatro ESCENA MIRIÑAQUE “CUCU HAIKU” Poema visual
Con Esther Velasteghi y Eva Sanz Blanca del Barrio, creación y dirección, Asistente de dirección: Fran Barrio Escenografía, Juan Goitia Vestuario, Paula Roca Ilustraciones y diseño gráfico, Pedro Luis Blanco Creación audiovisual, Burbuja Films Sonido, Oscar Sisniega Pintura y elementos escenográficos: Carlota Díez García y Noelia Fernández Con la participación de Vera Goitia y Saúl Velástegui Dirección ejecutiva, Noelia Fernández Producción Escena Miriñaque Duración, 40 minutos Público: 1 a 8 años
CUCU HAIKU es una delicada forma visual y poética par los más pequeños. Otoño, invierno, primavera y verano son los escenarios de las cosas sencillas y sus grandes cambios, porque todos crecemos y nos transformamos. Un viaje por el arco iris con los siete amigos del viento. Escena Miriñaque dibuja para los más pequeños los siete colores que viajan por el cielo. Entre el sol y la lluvia En el arco del cielo después de la lluvia como una promesa, como una sonrisa Un puente de luz se dibuja Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Siete mariposas vivían hace mucho, mucho tiempo en un hermoso jardín, cada una tenía un color. Un día, una de ellas volaba muy bajo y se hirió con una larga espina, la herida era fatal, y al comprenderlo, las mariposas no quisieron separase de su compañera. Estaban dispuesta a cualquier cosa para evitar que la muerte se la llevara. Pero antes de desaparecer nos dejaron a Cucú, el gusanito que no sabía lo que iba a ser cuando fuera mayor. Comer, jugar, dormir, y esperar para crecer y cambiar. Con este espectáculo queremos visitar los colores de la lluvia. Descubrir la belleza que puede haber en lo cotidiano y que pasa desapercibida por no pararse a contemplarla. Las estaciones, el ciclo de la vida y también una leyenda. La magia de los colores cambiantes de la naturaleza, su presencia alegre y necesaria para la identificación del mundo. Una historia de amistad, de solidaridad entre los colores y dentro de ello la metáfora de la transformación.
Viernes 10. SALA ARGENTA. 20:30 hs. Recital AINHOA ARTETA, soprano RUBEN FERNANDEZ AGUIRRE, piano PROGRAMA Parte I ROBERT SCHUMANN: (1810-1856)
RICHARD STRAUSS: (1864-1949) Parte II ISAAC ALBÉNIZ: (1860-1909)
Frauenliebe und leben "Seit ich ihn gesehen" "Er, der Herrlichste von allen" ”Ich kann's nicht fassen, nicht glauben” "Du Ring an meinem Finger” "Helft mir, ihr Schwestern” "Süßer Freund, du blickest mich verwundert an" "An meinem Herzen, an meiner Brust” "Nun hast du mir den ersten Schmerz getan” ”Morgen” “Ständchen” “Zueignung” Baladas Italianas Barcarola La lontananza Una rosa in dono
Il tuo sguardo Moriró!!! T’ho riveduto in sogno Síguenos en www.palaciofestivales.com
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ENRIQUE GRANADOS: La maja de Goya (1867-1916) El majo tímido El majo discreto JOAQUÍN TURINA: (1882-1902)
Los dos miedos Cantares
Duración: con descanso
Sin duda una de las grandes voces del panorama lírico internacional que nos ofrece un interesante recital donde combina obras de autores especialistas en lieder como Schuman y Strauss, con canciones españoles de Granados y Anton García Abril, entre otros. Nacida en Tolosa (Guipúzcoa), Ainhoa Arteta fue la vencedora de los Concursos Metropolitan Opera National Council Auditions de Nueva York y del Concours International de Voix d’Opera Plácido Domingo de París. Su debut operístico tuvo lugar en 1990 en Estados Unidos. A partir de ese momento su carrera se desarrolla internacionalmente en teatros como el Metropolitan Opera House de Nueva York, Covent Garden de Londres, Bayerische Staatsoper de Munich, Opera de Amsterdam, Opera de Bonn, Teatro Bellas Artes de México, San Carlo de Nápoles, Washington Opera, San Francisco Opera, Arena di Verona, Scala de Milán y un largo etc… Entre sus últimas actuaciones y próximos compromisos destacamos su participación en La Bohème, Eugene Onegin, Manon Lescaut, Turandot, Otello, Carmen, Don Giovanni, Simón Boccanegra, Cyrano de Bergerac, en teatros tan importantes como el Metropolitan de New York, Liceo de Barcelona, Teatro Real de Madrid, ABAO, Las Palmas, Scala de Milán, San Francisco, etc. Conciertos con las Sinfónicas de Galicia, Euskadi, Bilbao, Tenerife, RTVE, Nacional de España, Orquesta de Cadaqués, Vienna Chamber Orchestra, Comunidad de Madrid, etc, bajo la batuta de maestros como Sir Neville Marriner, Gianandrea Noseda, Christopher Hogwood, Vasily Petrenko, Pablo González, Adrian Leaper, Víctor Pablo Pérez, Friedrich Haider, Pier Giorgio Morandi, Miguel Ángel Gómez Martínez, Günter Neuhold, Gustavo Dudamel…
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Rubén Fernández-Aguirre nace en Barakaldo (Vizcaya) en 1974. Realiza sus estudios superiores de piano en Vitoria con Albert Nieto y de Correpetición (Acompañamiento de cantantes) en Viena con David Lutz y Frank Fanning. Allí trabaja para la agencia “Yehudin Menuhin, live music now”. Posteriormente perfecciona sus estudios en Munich con Donald Sulzen y recibe los consejos de Félix Lavilla, Miguel Zanetti y Wolfang Rieger. Repertorista en Cursos y Clases Magistrales de I.Cotrubas, J.Aragall, R.Scotto, S.Estes, L.Albanese, A.Stella, A.L.Chova, E. Viana o E.Sagi. Ha sido pianista oficial del Concurso “Operalia 2006” (presidido por Plácido Domingo) y maestro correpetidor en los Teatros Real de Madrid, Palau de la Música de Valencia y de la Maestranza de Sevilla. Pianista habitual de prestigiosos cantantes como Carlos Álvarez, Ainhoa Arteta, Ismael Jordi, Nancy-Fabiola Herrera, José Manuel Zapata, Elena de la Merced, Celso Albelo, Ruth Rosique, Josep Miquel Ramón, Marina R. Cusí, David Menéndez, Isabel Monar, José Antonio López o Cristina Faus entre otros, también ha actuado con Mariella Devia, Cristina Gallardo-Domâs, Leontina Vaduva, Simón Orfila, Isabel Rey, Mariola Cantarero, Christopher Robertson, Eglise Gutiérrez, Albert Montserrat, Yolanda Auyanet, Luís Dámaso, Anna Chierichetti, Pancho Corujo, Manuela Custer, Sabina Puertolas y los bailarines Ángel Corella e Igor Yebra. Jueves 16. SALA ARGENTA. 20:30 hs. Música clásica FABIO BIDINI, piano ROBERT SCHUMANN PHILHARMONIE FRANK BEERMANN, director Programa Parte I - R. WAGNER (1813-1883): “Lohengrin”, obertura del 1er acto (en conmemoración del 200 aniversario del nacimiento del compositor) - F. LISZT (1811-1886): Concierto para piano y orquesta nº 1 - F. LISZT (1811-1886): “Totentanz”, Danza Macabra para piano y orquesta S 126 Parte II - R. SCHUMANN (1810-1856): Sinfonía nº 3, op. 97 “Renana” Duración: Parte I (63 minutos) - Parte II (35 minutos)
El rotundo y brillante sonido de las grandes orquestas sinfónicas alemanas estará presente en esta temporada con la Robert Schumann Philarmonie, quienes recordarán a Wagner en el doscientos aniversario de su nacimiento. Síguenos en www.palaciofestivales.com
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La Orquesta Robert SchumannPhilharmonie es una de las orquestas alemanas más antiguas y de más tradición. En 1833 Wilhelm August Mejo fue nombrado director de la nueva orquesta fundada en la ciudad de Chemnitz. La dirigió durante casi 30 años, hasta 1861. En el periodo posterior, y a principio del siglo XX, la Orquesta consiguió un gran prestigio también fuera de su región. En 1909 se inauguró el Teatro de la Ópera de Chemnitz, cuyo primer director fue Oscar Malata, quién contó además con directores invitados muy famosos tales como Richard Strauss, Otto Klemperer, Bruno Walter, Erich Kleiber, Max Reger, Arnold Schönberg y Paul Hindemit. Muy importantes fueron también los casi 20 años de la dirección de Dieter-Gerhardt Worm, que como Director general musical tuvo la idea de cambiar el nombre de la Orquesta y desde 1983, cuando celebró su 150 aniversario, actúa bajo el nombre de Robert Schumann Philharmonie. Con Oleg Caetani (1996-2001)se recupera la gran tradición de Wagner en Chemnitz con representaciones de “Tannhäuser”, “Los Maestros Cantores de Nüremberg” y el ciclo completo del “Anillo del Nibelungo”. Desde la temporada 2007/08 el Director general musical de la orquesta y de la ópera es Frank Beermann, quién ha invitado a Chemnitz a directores como Michail Jurowski, Peter Eötvös, Martin Haselböck y Stefan Blunier y también a solistas como Jan Vogler, Linus Roth, Martin Stadtfeld, el GrauSchumacher piano-dúo o Mathias Kirschnereit. La primera producción que ha dirigido allí fue “El Amor a las tres naranjas “ de Prokofiev, que ganó el Premio del Teatro alemán ”Fausto”. Su interés en el repertorio menos frecuente y más actual se ha reflejado en atractivas ediciones en CD para CPO y Sonny Classical. Con ellas ha sido galardonado entre otros con el Premio Echo Klassik 2009 y el Pizzicato Excellentia en Luxemburgo. El estreno alemán de “El amor y otros demonios” de Peter Eötvös en Chemnitz fue recibido con entusiasmo por la prensa alemana, así como el redescubrimiento de óperas como “Il Templario” de Otto Nicolai, “Die Rose vom Liebesgarten” de Hans Pfitzner o “Der Schmied von Gent” de Franz Schreker. En 2011 Frank Beermann hizo su debut en la Semperoper de Dresde dirigiendo “Arabella” de Richard Strauss. A su reciente grabación de las Sinfonías de Schumann con la Robert Síguenos en www.palaciofestivales.com
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Schumann Philharmonie para CPO seguirán las de “Die Rose vom Liebersgarten” y “Der Schmied von Gent” de Franz Schreker. Fabio Bidini es uno de los pianistas más relevantes de la joven generación.Después de resultar vencedor en varios de los más famosos concursos internacionales de piano como el Busoni, los de Londres, Pretoria y Colonia, su sensacional éxito en el Concurso de piano Van Cliburn le abrió las puertas para realizar una carrera internacional que día a día acrecienta su fama. Fabio Bidini es reconocido como uno de los mejores pianistas surgidos en Italia desde el legendario Arturo Benedetti Michelangeli. Su excepcionalidad se puso de manifiesto en su debut en el Barbican Center con la Sinfónica de Londres bajo la dirección de Michael Tilson Thomas en 1992, quién también dirigió el Concierto nº 2 de Rachmaninov en el Festival Stern Grove con la Orquesta Sinfónica de San Francisco delante de una audiencia de 12.000 personas. Desde entonces Fabio Bidini es invitado para tocar con las mejores orquestas del mundo. Ha colaborado con gran éxito con los más importantes directores de nuestro tiempo como Michael Tilson Thomas, Ivan Fischer, Andrey Boreyko, Zoltan Kocsis, Noseda, Bamert, López Cobos, Maksymiuk, Sitkovetsky, y mucos otros.
Sábado 18 20:30 h y domingo 19 18:00 h SALA ARGENTA Magia IV FESTIVAL EUROPEO DE LA MAGIA Y LO VISUAL. SANTANDER CREATIVA. “GALA INTERNACIONAL CON LOS MEJORES MAGOS DEL MUNDO”. Es muy difícil poder reunir en un mismo espectáculo a cinco de los mejores ilusionistas del momento que cuentan con los mejores premios a nivel mundial en los mejores festivales. Bajo la dirección y presentación de Raúl Alegría, esta gala se caracteriza por una puesta en escena actual, renovada y teatralizada en la que como en ediciones anteriores el público sabe apreciar no sólo los inéditos números que en ella se presentan, sino la teatralidad que se plasma en este show en el que todo tiene sentido. El espectáculo estrella de la programación del Festival Europeo de la magia y lo visual. Santander creativa. Déjate ilusionar por este show único que llega a los sentimientos de la mano de estos virtuosos del ilusionismo en todas sus modalidades en un espectáculo para toda la familia.
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Viernes 24. SALA ARGENTA. 20:30 h Teatro NOVIEMBRE TEATRO “NOCHE DE REYES”, de William Shakespeare Versión, Yolanda Pallín Eduardo Vasco, Dirección Con (por orden de intervención) Arturo Querejeta, Daniel Albaladejo, Jesús Calvo, Francesco Carril, Beatriz Argüello, Fernando Sendino, Maya Reyes, José Ramón Iglesias, Rebeca Hernando, Héctor Carballo y Ángel Galán Dirección, Eduardo Vasco Versión, Yolanda Pallín Iluminación, Miguel Ángel Camacho Vestuario, Lorenzo Caprile Escenografía, Carolina González Música, Ángel Galán y Eduardo Vasco Ayudante de dirección, Fran Guinot Producción. Alcántara y Villota Duración: 1 hora 45 minutos, sin descanso
Comedia de identidades falsas, de disfraces, enredos y caracteres extravagantes, cuenta con algunos de los momentos más frescos y divertidos de toda la producción shakespeareana. Situada en el fantástico reino de Iliria, Noche de Reyes pertenece al denominado grupo de comedias románticas de William Shakespeare. Durante sus cinco actos, el dramaturgo cuenta la historia de dos hermanos mellizos que tras un naufragio recalan por separado en este país imaginario. Aquí todos los habitantes están ocupados desarrollando una intensa actividad que cubre casi todo el espectro posible de posibilidades amatorias; todos los personajes experimentan el amor con suertes diferentes. Se supone que fue escrita en los primeros años del siglo XVII, aunque no se llega a imprimir hasta la edición del First Folio en 1623. Comedia de identidades falsas, de disfraces, enredos y caracteres extravagantes, cuenta con algunos de los momentos más frescos y divertidos de toda la producción shakespeareana. No en vano Plauto es una de las influencias más directas que encontramos en esta obra festiva, escrita, según otra suposición, para celebrar la visita de Don Virginio Orsino, Duque de Bracciano, a la reina Isabel. Noche de Reyes es una de las comedias más representadas de Shakespeare, con múltiples versiones escénicas, y ha sido objeto, además, de un gran número de adaptaciones cinematográficas.
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Sábado 25. SALA ARGENTA 20:30 h Recital Lírico MONTSERRAT CABALLÉ "Homenaje 50 aniversario de su debut en ópera en España" MONTSERRAT CABALLÉ, soprano MONTSERRAT MARTÍ, soprano MANUEL BURGUERAS, piano Madre e hija, acompañadas por el pianista Manuel Burgueras, nos ofrecen un concierto de arias y dúos de ópera de autores como Rossini, Donizetti, Gounod, Offenbach, Puccini y Bizet y terminando con romanzas de zarzuela de los maestros Penella, Vives, Caballero, Giménez y Barbieri. Un programa para celebrar el 50 aniversario del debut de Montserrat Caballe en la ópera en nuestro país. Programa: obras de Rossini, Donizetti,Gounod,Offenbach,Massenet, Puccini, Bizet, Penella, Vive, Caballero, Barbieri... Duración: Parte I (40 minutos) –- Parte II (40 munutos. Con descanso
Montserrat Caballe Su verdadera carrera internacional empezó en Nueva York cuando fué llamada para interpretar Lucrezia Borgia en sustitución de una colega en el Carnegie Hall. Hasta entonces desconocida, después de su primera aria el público neoyorquino, le dedicó una ovación de veinte minutos. Como publicó la prensa a la mañana siguiente: “Ninguna publicidad previa, podía haber previsto el tremendo impacto que esta mujer de corte goyesco causaría en un público mimado por las delicias de Callas y Sutherland. Cuando Caballé empezó su primera aria hubo un cambio perceptible en el ambiente. Pareció por un momento que todo el mundo hubiese dejado de respirar”. Sus representaciones desde entonces la han llevado a los más grandes teatros de ópera del mundo. El repertorio de Montserrat Caballé es enorme - sus roles en escena alcanzan casi los 90- y probablemente no tiene ninguna rival en este siglo. Del mismo modo, ha grabado más de 80 títulos, la mitad de los cuales son óperas completas. Ha cantado todos los grandes roles del repertorio, desde Luisa Miller a Salome, desde Pamina hasta Isolde. Pero quizás es mayormente conocida - y más admirada todavía - por sus interpretaciones belcantísticas: las grandes reinas de las tragedias de Donizetti encuentran en ella a la intérprete ideal, y lo que en muchos casos puede ser música difusa y genérica, en ella poseen un fondo interpretativo de gran poder emocional y dramático que va mucho más allá del límite de las meras coloraturas, Síguenos en www.palaciofestivales.com
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por ello no es de extrañar que más tarde se convirtiera en la única sucesora de María Callas en el rol de Norma. Su grandiosidad como artista se basa en sus cualidades vocales: una de las voces más bellas y versátiles de la historia, unida a una técnica virtuosa, pero también a un poder carismático y cálida personalidad, que alcanza y cautiva al público del mundo entero. En una época en que el término ha sido adulterado por su uso indiscriminado, Montserrat Caballé es una DIVA en el auténtico sentido de la palabra. Montserrat Marti En Febrero de 1998 realizó su debut operístico en la Staatsoper de Hamburgo como Zerlina en Don Giovanni: “Cantó una Zerlina deliciosa” (Die Welt). “Fue una Zerlina con una voz de soprano pura y sólida” (Hamburger Anzeigen und Nachrichten).. “La principal atracción de la noche fue el debut de Montserrat Martí: una Zerlina impresionante. Una joven soprano con una voz bien proyectada y una sólida técnica” (Das Opernglas). Montserrat Martí ha cantado diversos conciertos y recitales en Europa, entre ellos en la Deutsche Oper de Berlín, Alte Oper de Frankfurt, Musikhalle de Hamburg, Musikverein de Viena, Salle Gaveau de Paris, Festival Internacional de Música Castell de Peralada y Palau de la Música Catalana de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Teatro Bolshoi de Moscú y Teatro Maryinsky (Kirov) de San Petersburgo. Así mismo ha cantado el Requiem de Mozart, bajo la dirección de Sir Neville Marriner y también ha grabado y ha cantado en concierto con Vangelis en el repertorio cross-over. Fue elegida por las Fundaciones Leonard Bernstein y Jerome Robins como protagonista (María) para el estreno en la Scala de Milán de West Side Story. Recientemente realizó 10 representaciones de Gianni Scchichi con la Opera de Catalunya, interpretó el Himno de la Expo de Zaragoza en su inauguración, y realizó una gira de varios recitales y conciertos por Europa entre los cuales están en la Filarmonica de Colonia, la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Munich, la Musikhalle de Hamburgo, debuta el rol de Mimí de la opera de Puccini La Boheme y el rol de Doña Elvira en la opera de Mozart Don Giovanni, el rol de Micaela en la Carmen de Bizet y próximamente debutará el rol de Juliette en la opera de Gounod Romeo et Juliette.
Manuel Burgueras Alumno del pianista Juan Carlos Arabián, tras sus inicios como pianista solista, se especializa como acompañante bajo la guía de los maestros Guillermo Opitz, Paul Schilhawsky y Erik Werba. Acompañante regular de Montserrat Caballé desde 1991, y acompañante ocasional de cantantes como Ana María Sánchez, Montserrat Martí, Isabel Rey, Enrique Viana , y un largo etcétera, se ha presentado en salas como la Opera de Roma, de Zurich, Salles Pleyel y Gaveau así como Opera Garnier de París, Covent Garden y Royal Festival Hall de Londres, Carnegie Hall y Lincoln Center de Nueva York, Konzerthaus y Musikverein de Viena, Festpielhaus de Salzburgo, Bolshoi de Moscú, Colón de Buenos Aires, Suntory Hall de Tokyo, Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid, Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Herodes Atticus de Atenas, etc.
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JUNIO Viernes 31 Mayo y Sábado 1 Junio. SALA ARGENTA 20:30 h Danza COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA clásica Director artístico, JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ
“ROMEO & JULIETA” Estreno mundial en el Staatsheater Nürrnberg, el 21 de febrero de 2009. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid, el 16 de abril de 2013 Coreografía, Goyo Montero Música, Serguei Prokófiev (1891-1953) Escenografía y vestuario, Goyo Montero y Verena Hemmerlein Iluminación, Olaf Lundt
Duración 2 horas, descanso incluido
Por primera vez desde que tomó la dirección José Carlos Martinez, la Compañía Nacional de Danza presenta un ballet clásico completo, “Romeo y Julieta” La Compañía Nacional de Danza presenta el “Romeo y Julieta “de Goyo Montero, actual Director del Ballet de Nuremberg y Premio Nacional de Danza 2011. Con Romeo y Julieta el coreógrafo intenta acercarse a la universal obra de William Shakespeare desde una perspectiva personal, profundizando en la vertiente psicológica de los personajes y desarrollando la figura de Mab, Reina de los Sueños, destino, muerte. Este personaje aparece como tema del famoso monólogo de Mercutio y en esta versión se trasforma en hacedor, bardo y narrador del drama de los amantes condenados por el odio ancestral de sus familias. Montero derrocha originalidad en este Romeo y Julieta en el que, ciñéndose a la trama, destaca la fuerza de las emociones combinando la dinámica de la partitura de Prokofiev con la expresividad y pasión de los bailarines. Durante el ballet se suceden escenas de grupo espectaculares, casi acrobáticas, combinadas con poéticos pasos a dos que nos recuerdan que el amor puede convertirse en una adicción. A través de la elegancia, la melancolía y la combatividad, Montero nos cuenta esta tragedia de amor de una manera extremadamente vívida y sensual. La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico, y tuvo como primer Director a Víctor Ullate. Le sucedieron en este puesto Síguenos en www.palaciofestivales.com
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María de Ávila y Maya Plisetskaya, hasta que, en 1990, Nacho Duato fue nombrado Director Artístico de la compañía. La incorporación de Nacho Duato supuso un cambio innovador en la historia de la formación, hasta el año 2010 aportó cuarenta y cinco trabajos como coreógrafo, avalados por la crítica mundial y la CND, sin olvidar los preceptos clásicos, derivó hacia un estilo más contemporáneo. Tras un año de transición bajo la dirección artística de Hervé Palito, José Carlos Martínez fue nombrado Director de la Compañía Nacional de Danza. El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. En el futuro, se irán incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza contemporánea y de vanguardia. Se trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional e internacional de la CND.
Viernes 7 y Sábado 8. SALA PEREDA. 20:30 h Teatro “EL VENENO DEL TEATRO”, de Rodolf Sirera Versión de José María Rodríguez Méndez Con Miguel Ángel Solá y Daniel Freire. Mario Gas, Dirección Una producción de, Concha Busto Producción y Distribución, Maji, SL y Teatros del Canal -Sandra Toral Duración: 80 minutos
A juicio de Mario Gas, “El veneno del teatro es un texto paradigmático del teatro español contemporáneo». Una nueva producción de este texto escrito por Rodolf Sirera y protagonizado por Miguel Sola y Daniel Freire Mario Gas dirige esta obra que Rodolf Sirera escribió en los años 70. Interpretada por los argentinos Miguel Ángel Solá y Daniel Freire, cuenta la historia de Gabriel de Beaumont, un famoso actor que es invitado por un misterioso aristócrata a visitarle en su palacio. Allí recibirá el encargo de interpretar una obra teatral sobre la muerte de Sócrates, escrita por el propio marqués. Pronto comprobará que todo es una trampa de éste para someterlo a Síguenos en www.palaciofestivales.com
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un cruel experimento sobre realidad y representación, en relación con el tema de la muerte. "Es una obra interesante, un juego dialéctico sobre ser y representar. Es una fábula moral, maldita, un thriller en torno a lo que es el arte", apunta el director de escena
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FECHAS DE VENTA DE LOCALIDADES Y ABONOS - Reserva de abonos generales: del jueves 31 de enero al martes 5 de febrero de 2013 - Reserva de abonos de ciclo: del jueves 7 al jueves 14 de Febrero - Venta localidades Amigos del Palacio: miércoles 20 y jueves 21 de Febrero - Venta de localidades Público General: A partir del viernes 22 de febrero - Retirada de abonos generales y de ciclo: a partir del miércoles 27 de febrero - Venta de localidades para el recital de Miguel Poveda, comienza el jueves día 31 de Enero de 2013.
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